Esta dissertação versa sobre a leitura de obra de arte na escola pública de 1º grau, inserida numa dupla abordagem: como ação cultural e enquanto produção de sentidos pelo receptor. Por ação cultural entendemos a dimensão social que a leitura de obra de arte pode conter e por produção de sentidos, a capacidade de pensar e sentir como dimensões fundamentais do olhar. O trabalho divide-se em cinco capítulos. O primeiro expõe os pressupostos teóricos, conceituações originárias da sociologia da arte, da educação, dos estudos críticos sobre os meios de comunicação e a estética da recepção. O segundo capítulo apresenta o Estudo Exploratório, etapa em que desenvolvemos a base empírica da pesquisa. A relação público-obra é o tema do terceiro capítulo, em que são analisados alguns dos fatores sócio-culturais que contribuem para o crescente distanciamento entre estes dois pólos. Considerando principalmente que o consumo de bens simbólicos por estes alunos caracteriza-se ora pelo consumo fácil, ora pelo consumo admirativo, é necessário portanto envolvê-los num trabalho concomitante de sensibilização e conhecimento em arte, para aproximá-los da arte erudita. A escola pública como campo de ação cultural, quarto capítulo, corresponde à dimensão socializadora presente nesta proposta de leitura de obra de arte. No quinto capítulo, discutimos os aspectos operacionais do trabalho, concebendo atividades e procedimentos que desenvolvam as capacidades sensíveis-cognoscíveis dos alunos, necessárias à compreensão do objeto artístico. Desse modo, em busca do belo adormecido é a expressão que traduz nossa tentativa para ampliar as possibilidades do olhar dos alunos no contexto escolar público através da leitura de obra de arte. / The present dissertation runs upon the appreciation of art works at the primary public school through a double approach: as a cultural action andas a production o f meanings by the viewer. As cultural action we understand the social dimension that can be implied in art appreciation and as production ofmeanings, the capability of thinking and feeling as fundamental dimensions of seeing. The work is divided in five chapters. The first exposes the theorical framework, conceptualizations arising from art sociology, education, the aesthetics ofreception and from criticai studies about the means of comunication. The second chapter presents the Exploratory Study, fase in which we develop the empirical basis ofthe research. The third chapter considers some socio-cultural factors that contribute to the growing distance between public and artworks. Considering mainly that the consumption of symblolic goods by those students is caracterized either by an easy consumption, either by a admirating consumption, it is therefore necessary to envolve them in a concurrent work of sensibilization and learning in art, as a way of bringing them elo ser to erudite art. The public schoool as a field of cultural action, fourth chapter, corresponds to the socializing dimension present in this proposition of art appreciation. In the fifth chapter, we discuss the operational aspects of the work, conceiving activities and procedures that might develop the sudents' sensitive-cognitive abilities needed to the understanding of the art object. Thus, in search ofthe sleeping beauty is the expression that translates our attempt to enhance the students' possibilities of viewing art in the public school context through art work appreciation.

Luigi Pirandello é presença marcante e definitiva na literatura do século XX, como um dos principais representantes do Decadentismo italiano, não somente como dramaturgo, campo em que se destacou mundialmente, mas também com sua significativa e inovadora obra narrativa. O presente trabalho propõe-se a analisar a poética do autor, que destrói a forma de narrar oitocentesca, e tem como temas a fragmentação do sujeito, a alienação e a relatividade da vida moderna, numa crise de tudo o que é absoluto. Para isso analisamos um dos principais romances pirandellianos, Quaderni di Serafino Gubbio operatore, obra que traz suas reflexões sobre a crise do mundo moderno gerada pelo progresso tecnológico trazido pela civilização industrial, que teve como conseqüência a mecanização e a aceleração do ritmo de vida nas grandes metrópoles. O trabalho tem como partes integrantes o que entendemos ser os temas fundamentais da obra: a crise de valores no mundo moderno mecanizado e a invasão da tecnologia no campo das artes, representada pelo cinema. Tomando como base os textos dos principais críticos da obra de Pirandello e daqueles que trataram das mudanças da obra de arte na sociedade industrial, apresentamos considerações que demonstram a preocupação pirandelliana não só com o humano, mas também com o futuro da arte e do teatro numa sociedade alienada pelas máquinas, o que faz do autor um dos maiores pensadores do século XX. / Luigi Pirandello is a remarkable and definite presence in the literature of the twenty century, as one of the mainly representative authors of the italian Decadentismo, not only as a dramaturge field in which he is wordly famous but also with his innovative and significant opus. The present work proposes to analyze the authors poetic, that destroy the 19th century prevalent way of work, and it has as theme the fragmentation of the subject, the alienation and the relativity of the modern world, a crisis of everything that is absolute. To prove this point we have analyzed one of the mainly pirandellianos romances, Quaderni di Serafino Gubbio operatore, opus that brings his serious and careful thoughts about crisis in the modern world generated by technological progress brought by industrial civilization that has had as consequence the mechanization and acceleration of the life rhythm in big metropolis. The work contains within something which we understand to be the fundamental themes of his opus: value crisis in the mechanized and modern world and the invasion of technology in the field of arts, represented by the cinema. Taking as basis the texts of Pirandellos mainly critics and the texts of those who treated the changes that had been occurred in the work of arts inside the industrial society, we present considerations that can demonstrate pirandellianas preoccupation, not only with the human being, but also with the future of art and theatre in a society that had been alienated by machines what transforms the author in one of the greatest philosopher of the twenty century.

Esta dissertação é uma proposta de reflexão acerca do pensamento plástico de Waltercio Caldas, sob a inscrição do problema teórico da hospitalidade absoluta, segundo Jacques Derrida. Tal abordagem ambiciona refletir sobre o campo das esculturas instaladas ao ar livre, enfatizando suas distintas contribuições do que se poderia denominar de \"fundação de lugares de hospitalidade absoluta\" - como se houvesse em suas obras a tentativa de desatar os nós entre as palavras espaço e lugar, apresentando quando, por elas, acontece a transmutação de um para outro. A proposta é a de que, nas oito obras que aqui serão tratadas (O formato cego, Escultura para o Rio, Omkring, Jardim Instantâneo, Espelho rápido, Espelho sem aço, Momento de fronteira e Software), Caldas nos oferece um pensamento genuinamente arquitetônico, sendo pensado o problema da arquitetura quanto o do \"ter lugar\", segundo reflexão de Derrida. Assim, as obras de Waltercio Caldas cumprem a longa tradição do conceito de cidade tão bem manifesta pela palavra arquitetura. Recorte espacial, ou ainda, sobreposição de espaços para onde se dirigem os homens em busca de acolhimento. Mesmo as obras de Caldas que se encontram fora das áreas urbanas afirmam a ideia de cidade a partir da noção de que aquele que chega merece ser absolutamente acolhido antes mesmo de dizer seu nome. / This essay brings a proposal for reflection on the plastic thinking of Waltercio Caldas, under the perspective of the theoretical problem of the absolute hospitality, according to Jacques Derrida. Such approach aims to consider about the open air sculpture fields, emphasizing their distinct contributions on what could be called foundation of absolute hospitality places - as though there was in his works the attemptive to untie the knot between the words space and place, demonstrating when, because of the sculpture\'s influence, happens the transmutation of one to the other. The main idea is that on the eight analyzed works (O formato cego, Escultura para o Rio, Omkring, Jardim Estantâneo, Espelho rápido, Espelho sem aço, Momento de fronteira and Software), Caldas offers us genuinely architectonic thinking, considering architecture\'s problem of \"having a place\", according to Derrida. Thus, the works of Waltercio Caldas fulfill the long tradition that make the concept of city so well expressed by the word architecture. Spatial area, or yet, overlapping of spaces to where are driven men in search of reception. Even Calda\'s works that are located outside urban areas reinforce the idea of city under the notion that anyone that may come deserves to be absolutely welcomed even before speaking their name.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2017-02-23T11:59:49Z No. of bitstreams: 1 NÁDIA CASTRO SANTOS.pdf: 825295 bytes, checksum: 83cca4bfe7c411a74f8e5d6d84d40bc2 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-23T11:59:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NÁDIA CASTRO SANTOS.pdf: 825295 bytes, checksum: 83cca4bfe7c411a74f8e5d6d84d40bc2 (MD5) Previous issue date: 2016-11-25 / This work intends to make a critical analysis of the works of literary art, Hotel Atlantico and Lorde, by João Gilberto Noll. The aspects related to deterritorialization and depersonalization of the central character of the novels will be addressed. Our objective is to propose a study, based on the works cited, taking contemporary critical theories as a critical analysis approach, considering the changes in aesthetic practice and the consequent rupture with the notion of art as a representation of reality. It is proposed as a methodological foundation, the bibliographical research with a view to approaching the cartographic tracings that contemplate the procedural events during the research. Thus, we will use the ideas of Deleuze and Guattari and Michel Maffesoli, with reference in deterritorialization and nomadism. Still from this perspective, other contributions like those of Walter Bejamin on the "loss of the aura"; Jean Baudrillard, in Simulacros and Simulation; Guy Debord, Scocius of the Spectacle; Jean-François Lyotard, The Postmodern Condition; Zigmund Bauman, the notion of Net Modernity, among others. / Este trabalho pretende fazer uma análise crítica das obras de arte literária, Hotel Atlântico e Lorde, de João Gilberto Noll. Serão abordados os aspectos relativos à desterritorialização e à despersonalização da personagem central dos romances. Nosso objetivo é propor um estudo, a partir das obras citadas, tomando as teorias críticas contemporâneas como abordagem de análise crítica, considerando as mudanças no fazer estético e a consequente ruptura com a noção de arte como representação da realidade. Propõe-se como fundamentação metodológica, a pesquisa bibliográfica com vistas numa abordagem dos traçados cartográficos que contemplam os acontecimentos processuais no decorrer da pesquisa. Assim, lançaremos mão das ideias de Deleuze e Guattari e Michel Maffesoli, com referência na desterritorialização e no nomadismo. Ainda nesta perspectiva, outras contribuições como as de Walter Bejamin sobre a “perda da aura”; Jean Baudrillard, em Simulacros e Simulação; Guy Debord, Scociedade do Espetáculo; Jean-François Lyotard, A Condição Pós-Moderna; Zigmund Bauman, a noção de Modernidade Líquida, entre outras.

Luigi Pirandello é presença marcante e definitiva na literatura do século XX, como um dos principais representantes do Decadentismo italiano, não somente como dramaturgo, campo em que se destacou mundialmente, mas também com sua significativa e inovadora obra narrativa. O presente trabalho propõe-se a analisar a poética do autor, que destrói a forma de narrar oitocentesca, e tem como temas a fragmentação do sujeito, a alienação e a relatividade da vida moderna, numa crise de tudo o que é absoluto. Para isso analisamos um dos principais romances pirandellianos, Quaderni di Serafino Gubbio operatore, obra que traz suas reflexões sobre a crise do mundo moderno gerada pelo progresso tecnológico trazido pela civilização industrial, que teve como conseqüência a mecanização e a aceleração do ritmo de vida nas grandes metrópoles. O trabalho tem como partes integrantes o que entendemos ser os temas fundamentais da obra: a crise de valores no mundo moderno mecanizado e a invasão da tecnologia no campo das artes, representada pelo cinema. Tomando como base os textos dos principais críticos da obra de Pirandello e daqueles que trataram das mudanças da obra de arte na sociedade industrial, apresentamos considerações que demonstram a preocupação pirandelliana não só com o humano, mas também com o futuro da arte e do teatro numa sociedade alienada pelas máquinas, o que faz do autor um dos maiores pensadores do século XX. / Luigi Pirandello is a remarkable and definite presence in the literature of the twenty century, as one of the mainly representative authors of the italian Decadentismo, not only as a dramaturge field in which he is wordly famous but also with his innovative and significant opus. The present work proposes to analyze the authors poetic, that destroy the 19th century prevalent way of work, and it has as theme the fragmentation of the subject, the alienation and the relativity of the modern world, a crisis of everything that is absolute. To prove this point we have analyzed one of the mainly pirandellianos romances, Quaderni di Serafino Gubbio operatore, opus that brings his serious and careful thoughts about crisis in the modern world generated by technological progress brought by industrial civilization that has had as consequence the mechanization and acceleration of the life rhythm in big metropolis. The work contains within something which we understand to be the fundamental themes of his opus: value crisis in the mechanized and modern world and the invasion of technology in the field of arts, represented by the cinema. Taking as basis the texts of Pirandellos mainly critics and the texts of those who treated the changes that had been occurred in the work of arts inside the industrial society, we present considerations that can demonstrate pirandellianas preoccupation, not only with the human being, but also with the future of art and theatre in a society that had been alienated by machines what transforms the author in one of the greatest philosopher of the twenty century.

A temporalidade compõe as ações do indivíduo no mundo, portanto, a subjetividade assume papel importante, pois a partir dela é que o tempo ganha sentido e significado. Assim, a percepção subjetiva do tempo torna-se fundamental para a concepção da realidade, traçando uma distinção entre o decurso temporal dos muitos eventos vivenciados ao longo da vida, o que implica que o processamento da informação temporal é imprescindível no cotidiano. Um campo de pesquisa que tem se dedicado a investigações sobre o tempo subjetivo é a Nova Estética Experimental, que estuda obras de arte ou outros fenômenos estéticos através de experimentos, nos quais atributos das obras são manipulados, visando verificar quais são seus efeitos sobre algum aspecto do comportamento do indivíduo. Nas artes, a artista plástica Lygia Clark considerava que a obra só teria significado na relação com o espectador através de sua manipulação; deste modo, ela cria a série Bichos, que são esculturas que modificam suas configurações em resposta à ação do espectador, isto é, podem ser exploradas manualmente. O tempo subjetivo se altera em função da densidade de movimento percebido. Uma obra de arte em que seu movimento é induzido por manipulação pode alterar o tempo subjetivo. Questiona-se qual seria a influência da atividade exploratória destas obras sobre a experiência temporal e como essa relação se daria em condições nas quais os participantes apresentassem alterações dos padrões motores, como os observados em pessoas com Doença de Parkinson (DP). Assim, a proposta deste trabalho foi examinar os efeitos da manipulação de uma obra de arte móvel sobre o tempo subjetivo em indivíduos que apresentam o diagnóstico de DP. No experimento 1, estudantes de pós-graduação julgaram modelos de obras de arte da série Bichos de Lygia Clark, para os atributos: Complexidade, Regularidade, Quantidade de Material, Interesse e Agradabilidade. Os julgamentos mostraram que os estímulos apontados com maior quantidade de material foram considerados com maior nível de complexidade e interesse, no entanto, com menor nível de agradabilidade; por outro lado, os estímulos avaliados com menor quantidade de material foram indicados com menor nível de complexidade e interesse, entretanto, com maior nível de agradabilidade. Este resultado foi importante para a determinação dos estímulos que foram utilizados no experimento 2. Participantes com diagnóstico de DP e participantes sem a doença manipularam duas reproduções, alteradas no número de faces, de obras da série Bichos de Lygia Clark e realizaram a estimação temporal verbal da duração de suas manipulações. O manuseio foi registrado sendo analisadas quatro categorias comportamentais: Tocar, Movimentar, Soltar e Deslocar o estímulo. A análise da atividade exploratória dos participantes revelou que os participantes com DP tocam e soltam mais os estímulos e os movimentam e deslocam menos em relação aos participantes sem a doença. As estimações temporais realizadas pelos participantes apontaram que a manipulação de uma obra de arte móvel altera a percepção subjetiva de tempo. Todos os participantes superestimaram o tempo de manipulação dos estímulos, no entanto, os indivíduos com DP apresentaram uma menor superestimação quando comparados aos participantes sem a doença. / The temporality makes up individuals actions in the world, therefore, subjectivity plays an important role, because time makes sense and meaning based on it. Thus, the subjective perception of time is fundamental to the conception of reality, drawing a distinction between the temporal course of the many events experienced throughout life, which implies that processing of temporal information is essential in daily life. A field of research that has been devoted to research on the subjective time is the New Experimental Aesthetics, studying works of art or other aesthetic phenomena through experiments in which some attributes of the works are handled in order to verify which are their effects on some aspects of individuals\' behavior. In the field of arts, the artist Lygia Clark considered that the work would only have meaning in relation to the spectator through their manipulation; thus she creates the \"Bichos\" series, which are sculptures that modify its settings in response to the action of the viewer, that is, can be operated manually. The subjective time changes depending on the density perceived movement. A work of art in which its movement is induced by manipulation can change subjective time. One wonders what would be the influence of the exploration activities of these works on the temporal experience and how this relationship would be in conditions in which participants present changes in their motor patterns, as seen in people with Parkinson\'s disease (PD). Thus, the purpose of this study was to examine the effects of the manipulation of a work of mobile art on subjective time in people who have a diagnosis of PD. In experiment 1, graduate students judged models of works of art from the series \"Bichos\" by Lygia Clark, for rating the following attributes: Complexity, Regularity, Material Amount, Interest and Agreeableness. Trials showed that the stimuli that indicated larger amount of material were considered with a higher level of complexity and interest, however, with lower level of agreeableness; On the other hand, the stimuli evaluated as having less material were also indicated with lower complexity and interest, however, with higher levels of agreeableness. This result was important to determine the stimuli that were used in experiment 2. Participants diagnosed with PD and participants without the disease manipulated two reproductions of some works from the series \"Bichos\" by Lygia Clark with the number of faces altered, and performed a verbal estimation of the temporal duration of their manipulations. The handling was recorded and four behavioral categories were analyzed: Touch, Move, Displace works position, and Drop the piece of art (stimulus). The analysis of the exploratory activity of the participants showed that those with PD touched and dropped more the stimulus, and, in contrast, they moved and displaced it less than the participants without the disease. The time estimates made by the participants pointed out that handling the work of mobile art altered the subjective perception of time. All participants overestimated the handling time of the stimuli, however, subjects with PD showed a lesser overestimation than participants without the disease.

Submitted by Setor de Tratamento da Informa??o - BC/PUCRS (tede2@pucrs.br) on 2015-12-07T16:12:03Z No. of bitstreams: 1 476522 - Texto Completo.pdf: 1257852 bytes, checksum: 5b3d95ee47f8d897d3ba15dedeb1eab5 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-12-07T16:12:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 476522 - Texto Completo.pdf: 1257852 bytes, checksum: 5b3d95ee47f8d897d3ba15dedeb1eab5 (MD5) Previous issue date: 2015-08-14 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Cient?fico e Tecnol?gico - CNPq / This study aims to investigate the transformation of the banal object into a work of art, focusing especially on the art produced in the contemporary world. To carry out this research, the study will use the art theories of Arthur Coleman Danto and Maurice Merleau-Ponty. The method that will be used is a critical reading of philosophical works relevant to the subject, to clarify thoughts and allow connections on the topic. The author opted for a description of the theories of Danto and Merleau-Ponty, addressing their intersections and contributions to the question raised about the transfiguration of the object into a work of art. The concept of interpretation that Danto produces, along with Merleau-Ponty?s theory of perception, are some targets of the investigation. The internal coherence of the work concludes with theoretical research into the case of artistic performance, using this as a point of convergence between both theories and an experiential basis for the relevance of the questioning that the study poses. The artistic performance research focuses, for methodological purposes, on concepts of body, time, space and audience. / O presente estudo visa investigar a transforma??o do objeto banal em obra de arte tendo como foco a arte produzida na contemporaneidade. Para realizar esta investiga??o se utilizar? das teorias de Arthur Coleman Danto e Maurice Merleau-Ponty sobre a arte. O m?todo a ser utilizado ? de leitura cr?tica de obras filos?ficas pertinentes ao assunto que esclare?am e permitam conex?es de pensamentos sobre o tema. Optou-se pela descri??o das teorias de Danto e Merleau-Ponty abordando suas interse??es e contribui??es para a quest?o apresentada sobre a transfigura??o do objeto em obra de arte. O conceito de interpreta??o que Danto produz juntamente com a teoria da percep??o de Merleau-Ponty s?o alvos de investiga??o da pesquisa. A coer?ncia interna do trabalho se conclui com uma pesquisa te?rica do estudo de caso da performance art?stica como ponto de converg?ncia entre ambas as teorias e o embasamento experiencial da import?ncia do questionamento que o estudo busca realizar. Sobre a performance art?stica a investiga??o se concentra, para fins metodol?gicos, nos conceitos de corpo, tempo, espa?o e p?blico.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:11:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1047503 bytes, checksum: 230ab0e07e1af73b32377f25c5f1c2eb (MD5) Previous issue date: 2011-10-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This essay aims to understand how the thoughts about art and poetry are articulated in Martin Heidegger's (1889 1976) philosophy, by reading the lectures The origin of the work of art and Hölderlin and the essence of poetry. In Heidegger s work, art and poetry are analized totally separated from aesthetics appreciation and the literary critics, because the philosopher takes distance of dealing with art as a human Being's object of subjective appreciation. In Heidegger's fundamental ontology the work of art is seen in its own being. Allowing the work of art s Being a work of art, that it'll appear in its essence. The work of art, more than a subject of consideration, is seen here as a favored place where truth happens. The work of art is the place where truth happens, characterizing itself by not being covered. That happens because in the work of art a conflict between World and Earth. presents itself The world appears as an historical world, and the earth as the inhuman. in essence These are two opposing forces facing each other in a essential conflict in the work of art where one rises and shows up itself in the presence of the other. The truth appears in the strife of this conflict, essentially in the work of art. The truth as the uncovered being allows the being to show itself as it is. This way of unveiling the being is what the greeks called Téchne, an authentic production where the Being presents itself. Art is also found in the Téchne sphere, and the poetry, as the being s unveiled composition by the word, is, to Heidegger, a higher way of Téchne because it projects the human Being to the opening where is inlightment and concealment. By the poetic saying the being is named for the first time. Such naming is an unveiled say, which is only possible to be said by that ones hearing the Being, which are, according to Heidegger, the poets. They mediate an original relationship that long ago was lost, because they put themselves between the ones who waves the being's truth, the gods, and the ones to whom, for having a constituted language, these waves are accessible, the men. The poets are the guardians of these waves and have the mission of announcing them to an historical people, founding the poetic dwelling between men. / A presente dissertação busca compreender de que modo se articula o pensamento acerca da arte e da poesia na filosofia de Martin Heidegger (1889-1976), mediante a leitura das conferências A origem da obra de arte e Hölderlin e a essência da poesia. A analítica acerca da arte e da poesia em Heidegger se dá de maneira totalmente desvinculada da apreciação estética e da crítica literária, pois o filósofo se distancia de qualquer maneira de lidar com a arte enquanto objeto de apreciação subjetiva do ser humano. Na ontologia fundamental de Heidegger, a obra de arte é vislumbrada em seu puro deixar-ser. É deixando que a obra seja obra, que esta poderá mostrar-se em sua essência. A obra, mais que uma coisa no sentido de um mero objeto para apreciação, é tratada aqui como lugar privilegiado do acontecimento da verdade. A obra de arte se configura como lugar do acontecimento da verdade, se caracterizando como o não-estar-encoberto do ente. Isto ocorre por que pela obra se apresenta um mundo em conflito com a terra. O mundo aparece como mundo histórico e a terra como o inumano em sua essência. Estas são duas forças opostas que se confrontam num combate essencial na obra de arte no qual um eleva-se e mostra-se tal qual é perante o outro. É na contenda deste combate que a verdade aparece essencializando-se na obra de arte. A verdade como não-encobrimento do ente proporciona a este último apresentar-se tal qual é. Este modo de apresentar o ente é o que os gregos chamavam Téchne, isto é, uma pro-dução autêntica onde o ser do ente se presenta. A arte também encontra-se no âmbito da Téchne, e a poesia, enquanto composição desveladora do ente pela palavra é, para Heidegger, o modo mais elevado da Téchne na medida em que projeta o ser-humano para o aberto no qual se encontra clareira e encobrimento. Pelo dito poético o ente é nomeado pela primeira vez. Tal nomear é um dizer desvelador, que só é possível de ser dito por aqueles que estão na ausculta ao ser, que, segundo Heidegger, são os poetas. Estes intermedeiam uma relação originária que há muito se perdeu, pois se colocam entre os que acenam para a verdade do ente, os deuses, e aos que, por serem constituídos de linguagem, tais acenos podem ser acessíveis, os homens. Os poetas são os guardiões destes acenos e possuem por missão anunciá-los a um povo histórico, fundando o habitar poético entre os homens.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:12:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1184492 bytes, checksum: b4d9e89c44ccdef43fad5e6932360d1e (MD5) Previous issue date: 2010-04-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Diese Arbeit liegt im Gebiet der modernen ästhetischen Theorie und ethischen Kritik der Kunst. Sie vorschlägt einen interpretativen Ansatz der gegenseitigen Unterstützung und mögliche Identifikation zwischen Ästhetik und Ethik, aus der Perspektive der objektiven Erkenntnis des menschlichen Benehmens im Kunstwerk: das Medium der momentanen Überwindung des Leidens im Werk Die Welt als Wille und Vorstellung vom deutschen Philosoph Arthur Schopenhauer (1788-1860). Unabhängig von den tradidionellen normativen Konventionen, ist hier die Rede von der Möglichkleit, dass die ästhetischen Anschauung, als Erkenntnis der Idee des Leidens, der Meinung des ästhetischen Genies nach, eine Art von Verneinung des selbstbewussten Willes sein konnte, also identisch mit der Askese der Heiligen, d. h., die Rede ist von der Möglichkeit einer notwendigen annähernden Spannung und einer theoretischen Identifizierung durch den Begriff der Überwindung des principium individuationis, der sich durch das ganze Meisterwerk des Frankfurter Philosophs fliesst mit Beibehaltung der gleichen theoretischen Gewicht, vor allem im Hinblick auf die beiden letzten Abschnitte. / O âmbito deste trabalho é o da teoria estética moderna e crítica ética da arte, numa proposta de abordagem interpretativa da sustentação mútua e possível identificação entre estética e ética, pelo viés do conhecimento objetivo da ação humana na obra de arte: o médium da superação momentânea do sofrimento na obra O mundo como vontade e como representação, do filósofo alemão, Arthur Schopenhauer (1788-1860). Independentemente das convenções normativas tradicionais, o presente discurso consiste na possibilidade de a intuição estética poder ser, enquanto conhecimento daquela idéia de sofrimento, na visão do gênio esteta, um tipo de negação da Vontade consciente de si, portanto, idêntica à ascese do santo, isto é, consiste na possibilidade de uma tensão aproximativa necessária e uma identificação teórica pela noção de superação do principium individuationis, que perpassa toda a obra magna do filósofo de Frankfurt mantendo o mesmo peso teórico, principalmente no que concerne às duas últimas seções da mesma.

The purpose of this article is to investigate the aporia of the epistemological status of Freudian metapsychology as represented by Ricoeur’s hermeneutics. This aporia centers on the concept of psychic nature as the ultimate target of metapsychological speculation. The question this article addresses is whether the psychic apparatus that emerges from metapsychological speculation responds to a conception of nature that belongs to a physical model or a phenomenological model. This question has an ambiguous answer in Ricoeur’s work. In order to show the ambiguity, we begin by examining the transcendental reading Ricoeur makes of metapsychology. Then, we explain the aporia of Freudian naturalism, and following a suggestion by Ricoeur, we indicate a way out of it through the argumentative reconstruction of the relationship between artwork and psychic nature. / El presente trabajo tiene como propósito investigar la aporía del estatuto epistemológico de la metapsicología freudiana tal como aparece representado en la hermenéutica de Paul Ricoeur. Dicha aporía se centra en el concepto de naturaleza psíquica como referente último de la especulación metapsicológica. El hilo conductor de la exposición radica en determinar si el aparato psíquico que surge de la especulación metapsicológica da cuenta de una concepción de la naturaleza que se rige o bien por un modelo físico o bien por un modelo fenomenológico. Este problema tiene una respuesta ambigua en Ricoeur. A fin de mostrar esta ambigüedad se aborda, en primer lugar, la lectura trascendental que Ricoeur hace de la metapsicología. Luego, en un segundo momento, se presenta la aporía del naturalismo freudiano y, siguiendo una indicación de Ricoeur, se señala una salida a dicha dificultad mediante la reconstrucción argumentativa del vínculo entre obra de arte y naturaleza psíquica.