Se fondant sur un corpus de huit romans de Calixthe Beyala (C'est le soleil qui m'a brûlée, Le petit prince de Belleville, Maman a un amant, Les honneurs perdus, La petite fille du réverbère, Comment cuisiner son mari à l'africaine, L'homme qui m'offrait le ciel et Le roman de Pauline) publiés entre 1987 et 2009, notre recherche a voulu interroger la disqualification de l'homme au-delà des clichés et des stéréotypes de lecture, en relation avec les enjeux symboliques de l'institution. Écrivaine polymorphe, Beyala, à travers ruses, dénégations, marque son entrée fracassante dans le champ par le meurtre de l'homme. Et, d'un roman à l'autre, la romancière accentue sa singularité par le rabaissement de l'homme. Celui-ci déserte généralement le couple conjugal, abandonne les enfants, ou alors il est pris en charge par la femme qui le soumet. La femme, quant à elle, est pleine de belles initiatives, mène une vie enviable et c'est elle qui pourvoit aux besoins des enfants. Mais ces thématiques sociales permettent à Beyala d'observer de préférence les petites circonscriptions de la vie quotidienne et à les traiter en données immédiates de la conscience sociale au niveau des rapports, à s'attacher à peindre la condition des gens de peu (les minorités, les démunis, les banlieues, l'Afrique) et celle des marginaux ou de ceux qu'on peut prendre pour tels, comme les relations mixtes sur le plan social, la polygamie, les enfants issus de ces relations. Ces sociologies qu'on appellerait de terrain sont, pour Beyala, fort instructives, pour autant qu'on veuille bien en dépasser le particularisme. En effet, la romancière ne saurait penser la réalité globale que construite, en dépit des contingences et incongruités dont elle fait son miel à l'ordinaire, et qui lui a valu une farouche levée de boucliers. Ainsi elle verra dans des formes très excentriques de positionnement de soi des occurrences très banales des stratégies distinctives inhérentes à tout groupement humain. Mais ces formes ne la retiennent que si elle peut s'élever à une conception plus générale des rapports sociaux entre dominants et dominés.

Le propos de ce mémoire est issu d'une première observation : le rapport particulier à la mémoire présent dans bon nombre de romans contemporains. L'émergence remarquée des récits de filiation, fictions biographiques, autofîctions et autres formes d'exploration du fait mémoriel démontre à quel point le passé est un matériau fécond sur le plan littéraire, toujours à mi-chemin entre l'Histoire et la fiction. Les romans de Patrick Chamoiseau et de Bessora, soit Texaco et Petroleum, exploitent eux aussi cette isotopie et présentent plusieurs similarités en termes de récurrences thématiques et stratégies textuelles. Outre les titres des oeuvres annonçant d'emblée le propos tournant autour de l'exploitation pétrolière et du capitalisme, les romans réunissent des traces de la mémoire, pour montrer à quel point la relation au passé est une notion toujours complexe, souvent insaisissable. Ce mémoire questionne donc la place du mémoriel, confronté à l'Histoire, ses déroutes et ses silences.

Cette thèse a une double vocation: elle présente une lecture des Divers portraits de Mademoiselle de Montpensier et fournit la première édition critique complète de ce recueil de portraits littéraires publié à un tirage limité en 1659. Notre étude porte sur l'ambiguïté fondatrice des Divers portraits: oeuvre témoin d'une mode du portrait littéraire qui dura moins de trois ans (1656-1659) et livre d'apparat à prétention historique dédié à la mémoire d'Anne-Marie-Louise de Montpensier. De la genèse des Divers portraits jusqu'à l'histoire de sa réception, les enjeux du recueil sont évalués sous l'angle de ce double statut de production mondaine et d'archive aristocratique. Afin de retracer les lignes de force qui accusent de la singularité des Divers portraits, notre enquête fait dialoguer l'histoire littéraire et l'histoire du livre. Aussi accorde-t-elle une place centrale à l'histoire de la représentation de Mademoiselle de Montpensier dont la place est déterminante dans la constitution du recueil. L'appartenance des Divers portraits à la mode du portrait. littéraire ayant déjà été attestée, nous consacrons une bonne part de notre recherche à l'analyse de son statut de galerie aristocratique dans sa dimension autant symbolique que matérielle. La genèse du recueil est d'abord éclairée par les portraits d'hommes illustres de cette période. L'examen spécifique du recueil s'établit ensuite à partir d'une typologie de.1a société représentée dans l'ouvrage collectif, ce qui nous permet de témoigner de la position d'autorité de la princesse de Montpensier dans l'économie d'ensemble de l'oeuvre. La réception des Divers portraits comme objet patrimonial boucle notre enquête : nous montrons que les prétentions mémorielles à l'origine de la création du livre coïncident avec la fortune des Divers portraits que consacrent les historiens et bibliophiles au XIXe siècle. L'édition critique des Divers portraits complète notre étude à plus d'un titre. Les nombreuses notes historiques, littéraires et linguistiques ancrent l'ouvrage dans son contexte social et culturel. Quant aux notices annexées à chaque portrait, elles fournissent non seulement un éclairage biographique sur la communauté représentée dans le volume, mais apportent également des précisions sur l'architecture et la cohérence symbolique de l' oeuvre collective.

L'édition critique du Nouveau Voyage s'inscrit dans un travail plus vaste d'édition critique de l'œuvre complète de Louis Hennepin. Elle offre au lecteur moderne un texte fiable, établi à partir d'un protocole respectueux du texte de base et de la dernière volonté probable de l'auteur. Par son annotation encyclopédique (historique, ethnologique, linguistique), elle rend accessible au lecteur moderne le contexte général de production de l'œuvre. Une introduction analyse plus en détail la structure polémique du texte. Le Nouveau Voyage est d'abord un exercice complexe de rédaction : il reprend plusieurs parties de Premier Etablissement de la foy, attribué à Chrestien Leclercq, et l'intégralité des Mœurs des Sauvages, une œuvre de Hennepin parue en 1683. Suppressions, ajouts et modifications créent un nouvel ensemble auquel on peut supposer une logique propre. L'étude de l'écriture et de la réécriture met au jour les figures de découvreur, de missionnaire, d'ethnologue et d'auteur qui sont construites par Hennepin au fil du discours.

Ce mémoire de maîtrise en études littéraires analyse la métaphore de la blessure dans les quatre essais esthétiques de Jean Genêt : L'atelier d'Alberto Giacometti (1957), Le funambule (1958), Le secret de Rembrandt (1958), Ce qui est resté d'un Rembrandt déchiré en petits carrés bien réguliers, et foutu aux chiottes (1967). Cette étude combine deux approches théoriques : la thématique bachelardienne et la sociologie de l'art théorisée par Pierre Bourdieu, Alain Darbel et Jean Dubuffet. Les concepts bachelardiens qui font l'objet de cette étude sont les motifs thématiques liés à l'espace et au processus de la rêverie créatrice. Cette approche dévoile les images qui structurent l'évocation littéraire des arts plastiques. Ces images sont ensuite analysées dans le cadre de l'institutionnalisation de l'art. Les concepts esthétiques de Genêt s'avèrent extrêmement importants dans la réflexion sur l'art menée au cours de la seconde moitié du vingtième siècle. Plusieurs critiques littéraires ont occulté la place de la pensée esthétique dans l'œuvre de Genêt. Ce mémoire a pour but de rétablir une juste perspective quant à cette pensée

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015 / Situé aux frontières entre les études de réception et les travaux sur l’histoire des idées, notre mémoire propose qu’en temps de crise épistémologique, la critique acquiert une fonction heuristique qui permet de se réapproprier le réel ébranlé par les changements paradigmatiques et désormais inconcevable. Nous étudierons donc comment une œuvre emblématique de la modernité – Le Sacre du printemps de Stravinsky – participe à la transformation de l’acte critique en forçant l’élaboration d’outils discursifs et épistémologiques qui pourront rendre compte de la nouveauté que représente la musique de Stravinsky, de sorte qu’elle répondra aux nouveaux besoin de l’époque et sera intégrée à l’horizon d’attente. Grâce à de nouveaux moyens critiques par eux élaborés, mais aussi par une mise au point esthétique, Jacques Rivière, Jean Cocteau et Boris de Schlœzer parviendront à ce qu’on appellera la « normalisation » esthétique de Stravinsky, à travers laquelle ils parviendront à nouveau à lire leur époque.

L'étude Koltès : zones d'ombre dans la cité contemporaine propose une lecture thématique selon laquelle dans toutes les pièces de l'auteur français contemporain Bernard-Marie Koltès (1948-1989), le plateau du théâtre met en scène une cité caractérisée par le danger, la destruction, Y animalité, le passage et la nuit. L'espace de la civilisation, dont la scène est la métaphore dans la dramaturgie de Koltès, est donc un espace de chaos. Pour sa part, le citoyen de cette cité est un étrange personnage, à l'image de la cité qu'il habite, hante, c'est-à-dire un être de destruction, de danger, d'animalité et de nuit - à moins que ce ne soit le contraire, que l'homme n'ait bâti la cité à son image. Dans ce théâtre, pour paraphraser un mot célèbre de Georges Duhamel, la civilisation ne semble pas être dans le cœur de l'homme ; peut-être est-elle nulle part - cela expliquerait les nombreuses et curieuses utopies que développent les personnages pour exprimer leur mal de la civilisation, voire leur mal de l'humanité.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2009-2010 / Dans Le ventre de l'Atlantique, la parole foisonne et se fait tour à tour récit, dénonciation, souvenir ou rumeur. Cette observation de départ est à la source de ce mémoire. Selon l'emploi qu'en font les locuteurs du roman, la parole apparaît sous forme de figures diverses que la narratrice donne à voir. Celle-ci met en place un système de tensions entre différentes façons de prendre en charge la parole. Chaque fois, elle s'emploie à valoriser un pôle au détriment d'un autre, construisant au passage sa propre légitimité de locutrice. Au terme du roman, il apparaît que la narratrice, par l'organisation qu'elle fait de la parole, traverse un parcours d'individuation et se construit comme sujet tout en alimentant une réflexion sur les possibilités du dire. La légitimité qu'elle acquiert en tant que locutrice lui permet alors de mettre en place un discours persuasif en faveur de tout ce qui relève du processus d'individuation.

"Comment, dans son essai Pour Sganarelle, Romain Gary parvient-il à élaborer son concept de roman total et quelles sont les conditions de son existence? La déconstruction, telle qu'énoncée par le philosophe Jacques Derrida, permet de formuler l'hypothèse selon laquelle le romancier parvient à ce résultat à partir de certains a priori qui relèvent d'une métaphysique de la fiction ou d'une métaphysique de l'absence. En retrouvant les motifs et les stratégies argumentatives de l'auteur, il est possible d'interroger les aspects suivants : la métaphorisation qui sous-tend l'essai; la réaction violente contre l'annonce de la mort du personnage par Alain Robbe-Grillet; l'opposition entre le roman total, construit sur les bases du roman picaresque, et le roman totalitaire qu'est censé représenter le Nouveau Roman; le renversement du rapport logique entre la réalité et la fiction; enfin, l'annonce de la venue d'un nouvel homme émergeant d'un vaste "Océan" culturel."

Dans le but de reconstituer la méthode de travail et d'écriture de Marguerite Yourcenar et de relever les éléments qui concourent à l'agencement d'une vision sur la Renaissance dans L'Œuvre au Noir, nous interrogeons les archives de composition du roman, essentielles à sa compréhension. Par la comparaison de l'œuvre avec ses versions et ses références (d'ordre multiple : historiographique, littéraire, géographique, philosophique, iconographique) sur lesquelles l'auteur réfléchit et qu'il interroge, nous démontrons que les relations entre le texte, ses composantes et ses principes générateurs ne révèlent pas seulement les étapes et les enjeux, mais également l'esthétique de la création de l'écrivain, ainsi que sa vision particulière de l'historicité. À travers une archéologie littéraire se revendiquant à la fois de l'intertextualité et de la génétique, nous poursuivons un double objectif: tout premièrement, reconstituer les phases préparatoires de l'écriture afin d'appréhender l'esthétique mise en jeu par le scripteur et sa vision de l'historique en relation avec le fictionnel. Dans le deuxième volet, nous montrons le rôle, dans la dynamique du récit, de la construction de l'espace, qui relève d'une poétique de l'historicité puisque le rapport du créateur avec ses références dévoile une attention spéciale à l'égard des représentations de la spatialité. Comment l'écrivain crée-t-il l'espace et quels sont les enjeux du fonctionnement de ce principe primordial de la création ? Dans L'Œuvre au Noir, dont la trame est articulée entre l'errance (le monde ouvert et mobile) et l'immobilité (le monde fermé, à dynamique interne), les configurations spatiales se cristallisent par rapport à un espace culturel (résultat des recherches référentielles de l'écrivain) et à un espace focalisé par les personnages. Par le mélange de la fiction, de la référence et du visuel prennent corps plusieurs conceptions paysagères et cosmiques déployées entre une vision idéalisée (la jeune Renaissance) et une vision désabusée (la Renaissance tardive). Notre étude de la construction de la spatialité dans L'Œuvre au Noir révèle la manière dont l'esthétique de la création converge vers la constitution d'une vision sur le monde renaissant qui modifie la vue du lecteur sur cette époque. L'idée d'une anti Renaissance, loin de la glorification des artistes et des poètes, de la célébration de l'homme et de son destin, s'impose au fil de la lecture.