A presente investigação teve como objetivo geral investigar a comunicação das nuanças da emoção triste em ponteios de Camargo Guarnieri através das relações entre a estrutura musical e recursos expressivos. O delineamento metodológico foi de natureza qualitativa e quantitativa. Para cada Ponteio, foram escolhidos dois termos que traduzissem nuanças dessa emoção. A amostra foi constituída de estudantes de música em nível de extensão (N = 66), graduação e pós-graduação (N = 63) pertencentes aos cursos da UFRGS. A coleta de dados empregou um questionário por escolha forçada, onde os participantes indicaram a emoção percebida. O estímulo foi a performance integral, ao vivo, de cada Ponteio. A abordagem qualitativa envolveu uma entrevista semiestruturada por estimulação de recordação com sete pianistas universitários, visando a reflexão tanto sobre as terminologias escolhidas para cada Ponteio, como sobre as decisões interpretativas. Os resultados demonstraram que o grau de comunicação emocional com base nos termos escolhidos apresentou dispersão em ambas as populações investigadas. O modelo bidimensional de Russell permitiu analisar o registro da performance com polarizações entre valência (timbre, dinâmica) e atividade (andamento, timing, articulação). Levando em conta os recursos estruturais e expressivos concebidos pela intérprete, a incidência dos termos percebidos pelos estudantes universitários e os níveis relativos de atividade e valência, os Ponteios puderam ser classificados em termos relativos de grau de tristeza. / The present research aimed at investigating the relationships between musical structure and expressive resources manipulated in the planning of the interpretation of four Ponteios from Camargo Guarnieri bearing explicit indications of the emotion Sadness, for the communication of this emotion in the performance. The methodological design was quali- and quantitative. The interpretation of the Ponteios 11, 31, 36 and 41 was constructed aiming at communicating the emotion Sadness, based on musical interpretative analysis and the structural and expressive aspects associated to the communication of this emotion, according to the literature. For each Ponteio, two terms that might translate the nuances of this emotion were chosen. Sample was constituted of music students at university extension level (N = 66), as well as music undergraduate and graduate students from UFRGS. Data sampling employed a questionnaire by forced choice. The stimulus was the whole piece live performance. The qualitative approach involved a semi structured stimulated recall interview with seven universitary students, aiming at thinking both on the chosen terms as well as on the interpretative choices. The results have demonstrated that the degree of emotional communication, based on the chosen terms, presented dispersion in both investigated populations. Russell´s bidimensional model allowed us to analyze the performance records with polarization between valence (timbre, dynamics) and activity (tempo, timing, articulation). Taking into account the structural and expressive resources conceived by the performer, the incidence of the terms perceived by the university level students and the relative levels of activity and valence, the Ponteios could be classified in terms of relative degree of Sadness.

Esse trabalho apresenta um auto-relato da construção da performance da obra Changes (1983) para violão de Elliott Carter, com uma análise estrutural e sua relação com as dificuldades encontradas ao longo do processo de estudo. Foram utilizadas estratégias de estudo já conhecidas e novas foram criadas à medida do necessário. O trabalho oferece um plano para o estudo rítmico da peça, propondo exercícios direcionados para as dificuldades encontradas, as quais se relacionaram principalmente com as configurações de quiálteras de cinco e com as modulações métricas. A identificação de personagens musicais foi fundamental para a construção da interpretação de Changes. A sistematização do plano de estudo apresentado assim como as estratégias criadas poderão auxiliar a preparação dessa e outras obras. / This work presents a self-report concerning the construction of the performance of Changes (1983) for guitar, by Elliot Carter, with a structural analysis and its relationship towards the difficulties encountered during its preparation. Well-known learning strategies were applied and new ones were created when necessary. A plan for the study of the rhythmic complexities of the piece was elaborated with exercises that address the difficulties encountered, especially those pertaining to the quintuplets and metric modulation. The identification of musical characters was fundamental for the construction of the interpretation of the piece. The system organized as the study plan, as well as the learning strategies developed may help others in the preparation of this and other works.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-01-27T14:27:54Z No. of bitstreams: 4 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (1).pdf: 18748213 bytes, checksum: 0ec6968228794598f5856e4303624fa9 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (2).pdf: 18823898 bytes, checksum: 9d5dbcc6d89d10d50e2fad8f78130178 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (3).pdf: 7540917 bytes, checksum: 4a3d2e88bba8c9064dd80e5905ae13fb (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-01-28T12:33:56Z (GMT) No. of bitstreams: 4 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (1).pdf: 18748213 bytes, checksum: 0ec6968228794598f5856e4303624fa9 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (2).pdf: 18823898 bytes, checksum: 9d5dbcc6d89d10d50e2fad8f78130178 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (3).pdf: 7540917 bytes, checksum: 4a3d2e88bba8c9064dd80e5905ae13fb (MD5) / Made available in DSpace on 2015-01-28T12:33:56Z (GMT). No. of bitstreams: 4 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (1).pdf: 18748213 bytes, checksum: 0ec6968228794598f5856e4303624fa9 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (2).pdf: 18823898 bytes, checksum: 9d5dbcc6d89d10d50e2fad8f78130178 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (3).pdf: 7540917 bytes, checksum: 4a3d2e88bba8c9064dd80e5905ae13fb (MD5) Previous issue date: 2014-03-27 / This work is the result of the process of transcribing the Passacaglia and Fugue BWV 582 by Johann S. Bach for the formation of two guitars from the procedures found in the transcript of his Concerto in G Major BWV 592 and transcription for harpsichord (BWV 592a). In addition to the procedures presented by Bach, we use data from transcriptions for piano of the Passacaglia and Fugue BWV 582. For these analyzes other works were chosen of Fritz Malata (1882-1949), Eugen d' Albert (1864-1932), Josef Weiss (1864-1945) and Georgy Catoire (1861-1926). The choice of these works analyzed is justified by using restriction characteristics of instrumental possibilities. The work consists of a presentation of our philosophical about the poetics of musical transcription precepts, plus some historical aspects that explain the use of the act of musical transcription over time, a view of transcriptional procedures used by Bach in the transcription of his work, a presentation of procedures employed by other transcribers and ultimately the exposure of the procedures used in transcription for two guitars of the Passacaglia and Fugue BWV 582. / Este trabalho é resultado do processo de transcrição da Passacaglia e Fuga BWV 582 de Johann S. Bach para a formação de dois violões a partir dos procedimentos encontrados na transcrição do seu Concerto em Sol Maior BWV 592 e a sua transcrição para cravo (BWV 592a). Além dos procedimentos apresentados por Bach, utilizaremos dados obtidos em transcrições para piano da Passacaglia e Fuga BWV 582. Para essas outras análises foram escolhidas obras de Fritz Malata (1882-1949), Eugen d’Albert (1864–1932), Josef Weiss (1864–1945) e Georgy Catoire (1861–1926). A escolha dessas obras analisadas se justifica por utilizarem características de restrição de possibilidades instrumentais. O trabalho consta de uma apresentação de nossos preceitos filosóficos a respeito da poética da transcrição musical, além de alguns aspectos históricos que expõem a utilização do ato da transcrição musical ao longo do tempo; uma exibição de procedimentos transcricionais utilizados por Bach na transcrição de sua obra; uma apresentação de procedimentos empregados por outros transcritores e, por fim, a exposição dos procedimentos utilizados na transcrição para dois violões da Passacaglia e Fuga BWV 582.

A dissertação apresenta pesquisa sobre o Estado do Conhecimento na produção recente (2007-2012) de teses e dissertações relacionadas à performance pianística, defendidas em programas de Pós-Graduação em Música, no Brasil. Diante do crescimento quantitativo e qualitativo evidenciado na produção em questão, o presente trabalho tem como propósito oferecer uma discussão e análise crítica do conteúdo das pesquisas selecionadas, inserindo-se num contexto acadêmico caracterizado por uma ampla discussão sobre o formato de pesquisas em Performance Musical. Uma vez que a investigação em Performance Musical encontrase ainda em consolidação, no Brasil, pretendemos discutir acerca da contribuição de determinadas propostas para esta subárea. A fim de oferecer uma visão crítica sobre os rumos tomados pela pesquisa em performance pianística, adotamos uma metodologia baseada em modelos de pesquisa do tipo \"estado da arte\", bem como técnicas de análise de conteúdo. A dissertação oferece uma visão panorâmica e análise dos principais temas, tendências e métodos de pesquisa identificados. Os resultados apresentam perspectivas de pesquisa emergentes que têm atraído os investigadores, tais como a Pesquisa Artística e estudos vinculados à Musicologia Empírica. Mostra o distanciamento de pesquisas quanto à apresentação de considerações sobre a relação do estudo com a performance musical. Destaca o aspecto interdisciplinar em produções recentes relacionadas à performance pianística. / This dissertation presents a research on the state of knowledge in recent production (2007- 2012) of theses and dissertations related to piano performance, defended in Music Graduate Programs in Brazil. Given the qualitative and quantitative growth evidenced in the scientific production in question, this dissertation aims to provide a critical discussion and analysis of its context, inserting in an academic context characterized by an extensive discussion on the configuration of the research in musical performance. Since research in Musical Performance is still undergoing a process of consolidation in Brazil, we intended to discuss about the contribution of selected proposals to this subarea. In order to offer a critical view of the directions taken by research in piano performance, we adopted a methodology based on models of \"state of knowledge\" as well as content analysis techniques. It also presents some emerging perspectives on this field such as artistic research and studies related to empirical musicology. It shows the gap of some researches on the presentation of considerations about the relation between the study developed and music performance. The results highlights the interdisciplinary aspect on the recent production related to piano performance research.

El término teatralidad es una de las palabras más utilizadas dentro del mundo espectáculo. Sin embargo, existe cierta confusión o ambigüedad a la hora de separar la utilización de este recurso dentro de distintas ramas artísticas. Así pues, si no es bien generalizado, es desatendido por el común artista musical; como consecuencia se ha desestimado el impacto que se puede ocasionar en el espectador, a partir de la mera corporalidad de los participantes de una puesta en escena. Por estos motivos, se ha contenido dentro del presente documento el uso y la transformación de este recurso dentro de la segunda mitad del siglo XX, de manera que se ha investigado la adopción de esta técnica por múltiples artistas a lo largo de las décadas; con el fin de poder esclarecer términos afines y dar a conocer uno de los avances artísticos musicales más elaborados dentro de nuestra coetaneidad. La teatralidad en la música es el resultado de una visión literaria dentro de la misma, por la cual se expanden los modos de composición, producción y ejecución. Así pues, esta viene a ser la introducción de nuevas formas en la lírica y en la narrativa. Se plasman personajes ficticios en la búsqueda de representar dramáticamente un nuevo espectáculo musical; el sonido, el material visual del escenario y la performance de sus componentes físicos son ahora herramientas en pos de consolidar un nuevo conjunto visual y sonoro, compartido entre artista y espectador. / The term theatricality is one of the most used words in show business. However, there is some confusion or ambiguity when it comes to separating the use of this resource within different artistic branches. Thus, if it is not well generalized, it is neglected by the common musical artist; as a consequence, the impact that can be caused on the viewer, from the mere corporality of the participants of a staging, has been dismissed. For these reasons, the use and transformation of this resource within the second half of the twentieth century has been contained in this document, so that the adoption of this technique by multiple artists over the decades has been investigated; in order to clarify related terms and publicize one of the most elaborate musical artistic advances within our contemporary age. Theatricality in music is the result of a literary vision, through which the modes of composition, production and execution are expanded. Thus, this comes to be the introduction of new forms in the lyric and in the narrative. Fictional characters are depicted in the quest to dramatically represent a new musical show; the sound, the visual material of the stage and the performance of its physical components are now tools in order to consolidate a new visual and sound set, shared between artist and spectator. / Trabajo de investigación

Tratando música e performance violonística como um problema a ser resolvido e procurando por ferramentas que facilitassem o processo de solução de problemas a presente pesquisa levantou vários conceitos em outras áreas do conhecimento, notadamente o Pensamento Divergente de Joy P. Guilford (1950), o Método Científico (principalmente a partir de Tang, 1984), o Pensamento Reflexivo de John Dewey (1933), o Brainstorm de Alex F. Osborn e a Heurística (segundo Duailibi e Simonsen, 1990) e os aplicou à obra selecionada, a saber, os 12 Estudos para Violão de Francisco Mignone (1897-1986), criando inúmeras soluções de execução de suas passagens, expressas pelos 875 exemplos musicais contidos na tese, no intuito de demonstrar como estes conceitos podem auxiliar na solução de problemas violonísticos. O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - Brasil (CAPES) - Código de Financiamento 001. / By considering music and musical performance as a problem to be solved and searching ways of facilitate this problem-solving process this research gathered many concepts or tools of problem solving as the Divergent Thinking by Joy P. Guilford (1950), the Scientific Method (mainly based in Tang, 1984), the Reflexive Thinking by John Dewey (1933), Brainstorm by Alex F. Osborn and the Heuristic (mainly by Duailibi and Simonsen, 1990) and applied then to the selected work, the 12 Guitar Studies by Francisco Mignone (1897-1986). With this approach many solutions where created for it\'s passages, and where expressed by 875 musical exemples, wishing to demonstrate how this concepts can assist the guitar problem solving process. This study was financed in part by the Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - Brasil (CAPES) - Finance Code 001.

A popularização das redes de computadores, o aumento da capacidade computacional e sua utilização para produção musical despertam o interesse na utilização de computadores para comunicação síncrona de conteúdo musical. Esta comunicação pode permitir um novo nível de interatividade entre máquinas e pessoas nos processos de produção musical, incluindo a distribuição de atividades, pessoas e recursos em um ambiente computacional em rede. Neste contexto, este trabalho apresenta uma solução para comunicação síncrona de fluxos de áudio e MIDI em redes de computadores. Além de permitir a comunicação, a solução proposta simplifica a conexão de recursos musicais e permite a integração de sistemas heterogêneos, como diferentes sistemas operacionais, arquiteturas de áudio e formatos de codificação, de forma transparente em um ambiente distribuído. Como meio para alcançar esta solução, mapeamos requisitos e características desejáveis para este domínio de aplicação, a partir da interação com músicos e da análise de ferramentas relacionadas. Com base nestes requisitos e características projetamos uma arquitetura de sistema para o domínio específico de comunicação síncrona de conteúdo musical. Utilizando esta arquitetura como referência, implementamos uma biblioteca que compreende as funcionalidades essenciais para este domínio específico. A fim de integrar esta biblioteca com diferentes bibliotecas de áudio e MIDI, desenvolvemos um conjunto de ferramentas que correspondem aos requisitos propostos e que permite aos usuários a utilização de conexões de rede em diversas ferramentas musicais. / The popularization of computer networks, the growth in computational resources and their use in music production have raised the interest in using computers for synchronous communication of music content. This communication may allow a new level of interactivity between machines and people in music production processes, including the distribution of activities, resources and people within a networked music environment. In this context, this work presents a solution for synchronous communication of audio and MIDI streams in computer networks. Besides allowing communication, the proposed solution simplifies connections of music resources and allows the integration of heterogeneous systems, such as different operating systems, audio architecture and codification formats, transparently in a distributed environment. As a means for accomplishing this solution, we mapped requirements and desirable features for this application domain, from the interaction with musicians and the analysis of related software. Based on these requirements and features, we designed a system architecture for the specific domain of synchronous communication of music content. Using this architecture as reference, we implemented a library that comprises the essential functionalities for this specific domain. In order to integrate this library with different Audio and MIDI libraries, we developed a tool set that matches the proposed requirements and allows users to use network connections in several music tools.

Esta pesquisa teve por objetivo investigar empiricamente as decisões interpretativas quanto ao timing e dinâmica de quatro execuções do primeiro movimento da Sonata para piano n.1 de Francisco Mignone. Por meio da comparação de gravações, foram identificadas estratégias expressivas adotadas pelos intérpretes em relação ao timing, dinâmica e articulação, evidenciando assim o direcionamento expressivo do discurso musical em determinados trechos da obra. Tendo em vista os eventos musicais característicos de cada seção da Sonata, foi realizada uma análise da organização rítmica que apoiou a análise das gravações. / This research aimed at empirically investigating the interpretative decisions regarding timing and dynamics of four recorded performances of the first movement of Sonata n.1 for piano by Francisco Mignone. The comparison identified the expressive strategies adopted by the chosen interpreters in relation to articulation and dynamics thus bringing out the temporal profiles of predetermined spans. Issues such as background and organizational planning of the Sonata were taken into account in view of the musical events characteristic of each section. Theories of rhythmic organization supported the analyses of recordings.

Este é um estudo etnomusicológico etnográfico entre músicos amazonenses envolvidos com o universo musical/sociocultural reconhecido no Estado do Amazonas, principalmente na capital Manaus, por “música do Beiradão”. No contexto musical regional há vários entendimentos acerca da categoria nativa “beiradão”. Um deles, o mais predominante, é compreender os “beiradões” como quaisquer localidades rurais situadas nas beiras de rios e paranás no interior amazonense, e “música do Beiradão”, o repertório musical tocado para animar os festejos de santo e torneios de futebol nessas localidades e/ou as composições gravadas por esses músicos em LPs ao longo da década de 1980 e 90. No decorrer da etnografia, transito pelos referenciais da etnografia da música ou da performance musical, antropologia musical, antropologia do som, etnografia urbana, etnografia da duração, entre outros paradigmas teórico-metodológicos que me auxiliaram na compreensão das ideias, construções e memórias dos músicos dos “beiradões” e dos músicos envolvidos com a “música do Beiradão” em Manaus. Além disso, pude trabalhar as potencialidades desta categoria, “Beiradão”, refletindo o quanto esta pode ser explorada pela visão e pela audição reflexiva através dos diálogos teóricos em junção às epistemologias nativas de modo a elevar a mesma ao status de conceito complexo e heterogêneo, em que cada geração de músicos e públicos, região e localidade específica pode incidir e compreender este conceito a partir do ser e estar no mundo musical dos “beiradões”. Em suma, a partir dos trabalhos de campo etnográficos e das experiências intersubjetivas vivenciadas nos mesmos, pude refletir acerca das realidades socioculturais heterogêneas e das desigualdades sociais circunscritas neste universo musical. / This is an ethnographic ethnomusicological study among musicians from Amazon State (Brazil) involved with the musical/sociocultural universe known in this state, mainly in the capital Manaus, by "Beiradão music". In the musical regional context, there are several understandings around the native category "Beiradão". One, the most predominant, is to understand the "beiradões" as any rural localities situated on the riverbanks in the countryside of Amazon State, and "Beiradão Music", the musical repertoire played to enliven the holy celebrations and football tournaments in these places and/or the compositions recorded by these musicians in LPs throughout the 1980s and 90s. During the ethnography, I transit by references of ethnography of music or musical performance, musical anthropology, anthropology of sound, urban ethnography, ethnography of duration, among others theoretical-methodological paradigms who helped me in understanding the ideas, constructions and memories of the musicians from "beiradões" and musicians involved with "Beiradão Music" in Manaus. I was also work the potentials of this category, "Beiradão", reflecting how this can be exploited through reflexive vision and listening with theoretical dialogues in junction to native epistemologies in order to elevate it to the status of complex and heterogeneous concept where each generation of musicians and publics, region and specific place can contribute and understand this concept from to be and being in the musical world of "beiradões”. In short, from the ethnographic fieldworks and intersubjective experiences of the same, I could reflect about the heterogeneous sociocultural realities and the social inequalities around this musical universe.

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-10T16:52:35Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_MusicaPalcoAnsiedade.pdf: 29722829 bytes, checksum: 76e45ae0ea896c664c0ef5658a78f25f (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-10T16:53:11Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_MusicaPalcoAnsiedade.pdf: 29722829 bytes, checksum: 76e45ae0ea896c664c0ef5658a78f25f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-10T16:53:11Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_MusicaPalcoAnsiedade.pdf: 29722829 bytes, checksum: 76e45ae0ea896c664c0ef5658a78f25f (MD5) Previous issue date: 2013-06-21 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Ansiedade de Performance Musical (APM) é reconhecida como uma desordem classificável como uma variante da Fobia Social de acordo com o DSM-IV (APA, 1994). É caracterizada por manifestações físicas, cognitivas e comportamentais relacionadas à performance e pode atingir músicos de todas as idades e níveis. Poucos estudos têm investigado a APM em estudantes de música brasileiros e nenhum deles foi realizado no norte do Brasil. O presente estudo investigou a ocorrência de APM entre os estudantes dos cursos técnicos de música do Instituto Estadual Carlos Gomes (IECG) e da Escola de Música da Universidade Federal do Pará (EMUFPA), e do curso de Bacharelado em Música da Universidade do Estado do Pará/Fundação Carlos Gomes, todos situados em Belém. Os dados foram coletados através da Escala K-MPAI, devidamente validada para a língua portuguesa, a qual é composta por 40 questões, alcançando uma pontuação máxima de 240. Quanto maior a pontuação, maior o nível de ansiedade. A amostra contou com um total de 128 alunos, sendo 89 homens e 39 mulheres, com idade entre 18-47 anos. Um questionário complementar investigou as manifestações mais frequentemente associadas à ansiedade de performance e questões relacionadas as oportunidades locais para apresentações públicas para os músicos. A análise estatística foi realizada através do SPSS. Os resultados mostraram que a pontuação mínima no K-MPAI foi de 26 e a máxima de 208. As mulheres tiveram maior média na pontuação (124,4 ± 33,8) que os homens (98,5 ± 32,3) e não houve diferenças nos escores K-MPAI médios quando se comparou diferentes classes de instrumentos (madeiras, metais, cordas, violão, canto, piano e percussão) ou grupos etários (<20, 21-30, 31-40, >40 anos). Comparações entre os alunos dos três diferentes cursos de música mostraram que o escore K-MPAI médio dos estudantes da EMUFPA foi menor do que os do IECG, indicando que este grupo pode apresentar mais problemas de ansiedade. A manifestação cognitiva mais citada (por 49,2% dos alunos) foi "a preocupação do que as pessoas estão pensando sobre mim". A grande maioria dos alunos (96,1%) manifestou o desejo de realizar mais apresentações públicas; eles (86%) também acham que esta prática ajuda a diminuir a ansiedade. Este é o primeiro estudo sobre o tema realizado localmente. A pesquisa mostrou que muitos estudantes de escolas de música em Belém sofrem de considerável ansiedade associada à performance musical, e que as mulheres tendem a ser mais ansiosas do que os homens. As causas subjacentes à ansiedade precisam ser investigadas e os resultados obtidos fornecem dados iniciais para o desenvolvimento de novas metodologias de ensino, para incentivar a discussão sobre o problema e estimular a busca de medidas eficazes que poderiam minimizar as manifestações de ansiedade em estudantes de música. / Music Performance Anxiety (MPA) is recognized as an anxiety disorder classifiable as a variant of social phobia according to the DSM-IV (APA, 1994). It is characterized by physical, cognitive and behavioral manifestations linked to performance that can impact musicians of all ages and levels. Few studies have investigated MPA in Brazilian music students and none of them were carried out in Northern Brazil. The present study investigated the occurrence of MPA among students from the secondary level music schools Carlos Gomes State Institute (IECG) and Music School of the Federal University of Pará (EMUFPA), and from the tertiary level Bachelor in Music Course of the State of Pará University/Carlos Gomes Foundation, all situated in Belém. The data was collected using the K-MPAI scale properly validated to Portuguese, which is composed by 40 questions giving a maximum score of 240. Higher scores correspond to higher anxiety level. A total of 128 students, 89 males and 39 females, age 18-47 years, were included in the final sample. An additional survey investigated the most frequent manifestations associated with performance anxiety and other questions related to local opportunities for public performances for musicians. Statistical analysis was performed using SPSS. The results showed that the minimum score in the K-MPAI was 26 and the maximum was 208. Females had significantly higher mean score (124.4±33.8) than males (98.5+32.3) and there were no differences in the K-MPAI mean scores when comparing different classes of instruments (woods, metals, strings, guitar, singing, piano and percussion) or age brackets (<20, 21-30, 31-40, >40 years). Comparison between students from the three different music courses showed that the mean KMPAI score of students from EMUFPA was lower than those from the IECG, indicating that the latter group might presents more anxiety problems. The cognitive manifestation most frequently cited (by 49.2% of the students) was “the concern of what people are thinking about me”. The large majority of students (96.1%) expressed the desire to give more public performances; they (86%) also think that this practice helps to decrease their anxiety. This is the first study about the theme carried out locally. The survey showed that many students from music schools in Belém suffer from considerable anxiety associated with music performance, and that females tend to be more anxious than males. The causes underlying their anxiety need to be investigated and the results provide initial data for the development of new teaching methodologies, to encourage the discussion about the problem and to stimulate the search for effective measures that could minimize the manifestations of anxiety in music students.