A presente pesquisa teve como objetivo investigar a comunicação das emoções básicas (alegria, tristeza, calma, medo/hesitação e raiva) através da execução de trechos de Ponteios de Camargo Guarnieri para piano, com indicações explícitas desses estados emocionais. A seleção dos estímulos foi feita com base na relação estrutural/expressão musical e emoção, sistematizada na literatura por Juslin e Timmers (2010). Como estímulos, trechos dos Ponteios 02, 26, 32, 36 e 38 foram escolhidos para comunicar raiva, calma, alegria, tristeza e medo (receio), respectivamente. A amostra envolveu estudantes de curso de teoria e percepção musical em nível de extensão (N = 73) e estudantes de música universitários (graduação e pós-graduação) (N = 77). O método empregado foi auto-relato por escolha forçada. A coleta de dados foi feita por meio de trechos escolhidos dos Ponteios em performance ao vivo. Para ordem de execução, foram aleatoriamente sorteados. Os dados foram coletados em questionários fechados ao longo de oito sessões, contendo as alternativas das emoções básicas percebidas, grau de intensidade de comunicação, assim como parâmetros estruturais e de expressão musical. Os dados foram tratados por estatística descritiva e inferencial. Os resultados indicaram que tanto estudantes universitários como de extensão puderam identificar as emoções básicas durante as coletas, contudo o nível de expertise dos participantes influenciou na comunicação dos estados emocionais e intensidade de percepção. Além disso, a pesquisa demonstrou que há uma hierarquia de emoções mais percebidas pelos ouvintes. A alegria e raiva foram mais facilmente reconhecidas (respectivamente 94% e 76% para estudantes universitários, por exemplo). O medo foi menos comunicado: 24% e 27%, respectivamente, para estudantes de extensão e universitários. Para os estudantes universitários, a tristeza foi mais percebida do que a calma, enquanto para os estudantes de extensão ocorreu o contrário. Houve ainda dispersão e confusão entre calma, tristeza e medo. De modo geral, as emoções que obtiveram melhores resultados em termos de comunicação foram aquelas com maior atribuição de intensidade. Os parâmetros referentes à melodia e andamento foram aqueles que apresentaram maior incidência dentre os estudantes de extensão. No caso dos estudantes universitários, verifica-se uma distribuição mais uniforme entre os parâmetros. Esses resultados demonstram a viabilidade de comunicação intencional de emoções básicas através da realização deliberada de um plano de performance que valorize aspectos estruturais e de expressão, associados à percepção dessas emoções pelos ouvintes. / The present study aimed at investigating the communication of basic emotions (joy, sadness, calm, fear/hesitation and anger) through life performance of Camargo Guarnieri´s piano Ponteios excerpts, which bear clear indications of these emotional states. The selection of stimuli was based on the relationship structural/musical expression and emotion, systematized in the literature by Juslin and Timmers (2010). As stimuli, pieces from Ponteios 02, 26, 32, 36 and 38 were chosen to communicate anger, calm, joy, sadness and fear, respectively. The sample involved students from the theory and ear training university extension program (N=73) and university music students (undergraduate and graduate) (N=77). The employed method was self-reported by forced-choice. Data were collected as closed questionnaires over eight sessions, containing the alternatives of perceived basic emotions, degree of intensity of communication, as well as structural and musical expression parameters. Data were analyzed with descriptive and inferential statistics. The results indicated that both university and extension students were capable to identify basic emotions during the analysis. However, the level of expertise of the participants influenced on the communication of the emotions and the intensity of perception. In addition, the research has shown an hierarchy among the perceived emotions by listeners. Joy and anger were easily recognized (94% and 76%, respectively, for college students). Fear was less ranked (24% and 27%, respectively, for extension and university students). There was also confusion between sadness and fear. In general, the emotions with the best results were those with higher degree of intensity. The parameters for melody and tempo were those of a higher incidence among extension students. For college students, a more even distribution was found among the parameters.

Esta tese parte da premissa de que, na tradição da musica ocidental escrita, a performance restitui a obra musical ao tempo e o intérprete, responsável por esse processo, deve compreender profundamente as temporalidades propostas pela obra para, assim, planejar criteriosamente o fluxo dos seus eventos. Para isso, é necessário que o processo de construção interpretativa se desenvolva em simultaneidade e constante diálogo com dados decorrentes do estudo analítico da obra estudada e da percepção estésica do intérprete que, em sua prática diária, projeta e avalia em si mesmo o efeito pretendido. Com base nesse modelo, foi realizado um estudo interpretativo e analítico de Cantéyodjayâ para piano de Olivier Messiaen, compositor que, por meio de sua obra musical, seus textos teóricos e sua atividade pedagógica, teve importante impacto nas discussões a respeito do tempo na música do século XX. O primeiro capítulo da tese, Cantéyodjayâ contextualizada, posiciona Cantéyodjayâ no contexto da obra de Messiaen, especialmente no que se refere ao período de experimentação no qual se insere. O segundo capítulo, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, trata dos conceitos filosóficos e teológicos que apoiaram o pensamento rítmico-temporal em Messiaen e suas correspondências com procedimentos composicionais adotados pelo compositor. O terceiro capítulo, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, apresenta o estudo analítico de Cantéyodjayâ articulado a decisões interpretativas. Compuseram a fundamentação deste capítulo os textos teóricos do compositor, em especial Technique de mon langage musical (1944) e Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994), articulados a conceitos apresentados por autores como J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005). / This thesis assumes that performance brings a musical score to life by presenting it in real time. The performer – who is in charge of this process – must understand the complex relationships between rhythm and conceptual pacing of a particular work in order to plan the flow of events. Threrefore, the interpretive construction must be constantly supported by data from both the analytical investigation and the aesthetic perception. The performer in his daily practice designs the desired effect and evalutes the outcome. Based on this notion, an interpretive and analytical study was done about Cantéyodjayâ by Olivier Messiaen, a composer whose compositional output, theoretical writings and pedagogical activities have impacted the concept of time in the twentieth century music. The first chapter of this thesis, Cantéyodjayâ contextualizada, contextualizes Cantéyodjayâ in the entire oeuvre of Messiaen, especially within his experimental period. The second chapter, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, deals with philosophical and theological concepts based in Messiaen’s rhythmic thought, as well as its connections to the compositional procedures adopted by Messiaen. The third chapter, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, presents an analytical study of Cantéyodjayâ linked to the interpretive choices. This last chapter is based on Messiaen’s theoretical writings, especially Technique de mon langage musical (1944) and Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994); it is also connected to the concepts presented by J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005).

Considerando-se que, para se alcançar a excelência na performance de qualquer obra musical é preciso não apenas conhecer a peça e praticá-la tecnicamente, mas também analisá-la sob várias perspectivas, este trabalho de pesquisa buscou abordar aspectos que possibilitem ao intérprete conhecer o poemeto lírico Ofélia no que tange a seu compositor, à origem do gênero da canção, aos aspectos literários que envolvem os poemas utilizados por Oswald e à maneira pela qual tais elementos podem auxiliar na performance dessas canções. A metodologia utilizada para a realização deste trabalho de pesquisa consistiu basicamente nos seguintes elementos: a leitura de fontes literárias específicas sobre os aspectos abordados e a análise dos elementos textuais e musicais, embasadas nas referências bibliográficas escolhidas. Como resultado da pesquisa, construiu-se quatro partes distintas, sendo que a primeira trata da biografia do compositor e sua trajetória composicional, a segunda aborda a canção e sua origem e desenvolvimento como gênero, a terceira abarca os aspectos poéticos da obra escolhida e no quarto, os elementos citados confluem-se para auxiliar na busca de uma performance coerente. / Taking into consideration that in order to reach excellence when performing any musical fragment is not only necessary to know and practice it, but also to analyse all perspectives; this paper aims at discussing aspects which enable the interpreter to learn more the songs of Ophelia as far as its composer, its genre and its literary aspects are concerned as well as the way such aspects can help in the performance of such songs. The methodology used in this research paper consists of the following elements: reading on specific source books and the analyses of text and musical elements based on the chosen biography. As a result of the research, this paper was consisted of four parts: the first related to the composers biography, the second talks about the lied itself and its general origin, the third refers to poetic aspects of the presented work and the fourth where all the mentioned elements are mixed together so to help in the search and for a coherent performance.

Os objetos de estudo específicos deste trabalho são as práticas e os processos de criação e performance de música experimental interativa desenvolvidos na última década no ambiente de pesquisas em sonologia da Universidade de São Paulo (USP). Optamos por realizar uma abordagem ampla destes objetos por entender que o contexto sociocultural no qual ocorrem cria as condições para sua realização e é, de alguma forma, refletido em suas produções. O início do trabalho é dedicado aos contextos gerais e são analisadas questões e características relevantes das sociedades contemporâneas, nas quais, dentre diversos outros processos dinâmicos e plurais, se ampliou o foco de estudo sobre as criações artísticas, englobando também o ambiente sociocultural no qual tais produções são desenvolvidas. Em seguida, observamos o contexto específico da área de sonologia da USP, representada atualmente pelo Núcleo de Pesquisas em Sonologia (NuSom), e sobre como o vínculo entre os participantes (que pode ser estabelecido tanto por afinidades como por questões institucionais), ajuda a formar uma comunidade musical na qual valores estéticos e técnicos são, de algum modo, desenvolvidos. Isto, por sua vez, além de estimular a criação de uma produção artística desta coletividade também permite o compartilhamento, entre os participantes, de ferramentas teóricas que auxiliam na realização de reflexões sobre esta produção. Em um terceiro momento são apresentados os concertos realizados nesta área (como a série ¿Música?), que exibem parte consistente da produção artística realizada neste contexto e são importantes práticas observáveis desta comunidade. São apresentados também alguns exemplos do repertório nos quais o autor do presente trabalho teve participação direta em sua elaboração. Finalmente, a partir deste contexto, são realizadas discussões sobre possíveis relações entre o músico e seu aparato instrumental. Refletimos que este aparato não se trata apenas de ferramentas passivas, mas de componentes tecnológicos que interagem dialeticamente com o criador e/ou performer, alterando seu modo de pensar as atividades de criação e performance / The specific study objects of this work concern the practices and processes of interactive experimental music creation and performance developed in the last decade in the research environment in sonology at the University of São Paulo (USP). We chose to perform a comprehensive approach of these objects for understanding the socio-cultural context in which occur that creates the conditions for its realization and is somehow reflected in their productions. The beginning of the work is devoted to general contexts where some issues and relevant features of contemporary societies are analyzed, in which, among several other plurals and dynamic processes, expanded the focus of study on the artistic creations, also encompassing the socio-cultural environment in which such productions are developed. Then we observe the specific context of the sonology area at USP, currently represented by the Research Center in Sonology (NuSom), and about how the bond between participants (which can be established both by affinities or per institutional issues), helps form a \'musical community\' in which aesthetic and technical values are somehow developed. This scenario besides stimulating the creation of an artistic production of this collective also enables the sharing, between the participants, of theoretical tools that assist in the realization of reflections on this production. In a third moment are presented the concerts held in this area, which exhibit a consistent part of the artistic production held in this context and are important \"observable practices\" of this community. Some examples of repertoire in which the author of this work had direct participation in their preparation are also presented. In conclusion, from this context, discussions are held about possible relationships between the musician and his instrumental apparatus. We reflect that this apparatus is not just passive tools but technological components that interact dialectically with the creator and/or performer, changing his way of thinking the activities of creation and performance

A Ansiedade de Performance Musical (APM) é considerada uma condição caracterizada por apreensão persistente e intensa diante da apresentação musical pública, desproporcional ao nível de aptidão, treino e preparo do músico. Os sintomas ocorrem em uma escala de gravidade contínua que em seu extremo afeta a aptidão musical devido a sintomas ao nível físico, comportamental e cognitivo, além de déficits no processamento cognitivo e cognição social, em especial na capacidade de reconhecimento de expressões faciais de emoção (REFE). Assim, intervenções que possam corrigir esses vieses com eficácia são necessárias. Nesse sentido, os objetivos dos estudos que compõem esta tese são: a) avaliar o REFE em músicos com diferentes níveis de APM; b) realizar uma revisão sistemática da literatura de forma a trazer evidências sobre os efeitos das substâncias ansiolíticas no REFE em indivíduos saudáveis; e c) conduzir um ensaio clínico, cross over, randomizado, duplo cego e controlado por placebo para testar o efeito da OCT em músicos com alto/baixo nível de APM no REFE, nos indicadores de humor/ansiedade e na cognição negativa. Método: Para se atender ao objetivo realizou-se um estudoobservacional, transversal, com 150 músicos de ambos os sexos, de diferentes estilos musicais, os quais realizaram uma tarefa de REFE, após serem classificados quanto aos níveis de APM.Para atender-se o segundo objetivo conduziu-se uma revisão sistemática da literatura seguindo-se as diretrizes do PRISMA e do Cochrane Handbook for SystematicReviewsofInterventions. Por fim, para alcançar o terceiro objetivo, 43 músicos do sexo masculino, de diferentes estilos musicais participaram de um ensaio clínico, randomizado, cross over, controlado por placebo, no qual testou-se a eficácia de 24UI de OCT intranasal. Resultados:Os resultados evidenciaram que os músicos com altos níveis de APM apresentam um prejuízo global no REFE, expresso, sobretudo pela dificuldade no reconhecimento adequado da emoção alegria, a qual está associada aos sinais de aprovação social. A revisão da literatura evidenciou que poucas substâncias foram testadas até momento, e que as alterações no REFE foram específicas e dependentes do mecanismo de ação da substância no sistema nervoso central, dose e forma de administração. O ensaio clínico apontou uma melhora no reconhecimento da emoção alegria,somente em músicos com altos níveis de APM, após o uso agudo da OCT. Conclusão:O REFE mostrou-se alterado de forma específica em músicos com altos níveis de APM, os quais podem ser corrigidos através do uso da OCT intranasal, a qual desponta como uma substância promissora para o uso clínico / Musical Performance Anxiety (MPA) is considered a condition characterized by persistent and intense apprehension in circumstances involving public musical presentation, disproportionate to the musician\'s aptitude level, training and preparation. The symptoms occur on a continuous severity scale that affects, at its extreme, the musical aptitude due to symptoms at the physical, behavioral and cognitive levels, as well as interfering with cognitive processing and social cognition, especially in the facial emotion recognition (FER) ability. Thus, interventions that can effectively correct these deviances are necessary. Therefore, the aims of the studies that compose this thesis are: a) to analyze the (FER) in musicians with different levels of MPA; b) to carry out a systematic review of the literature in order to present evidence about the effects of anxiolytic substances on FER in healthy individuals; c) to conduct a randomized, double-blind, placebo-controlled, cross-over clinical trial to test the OT effect on musicians with high/low MPA level in FER, mood/anxiety indicators and negative cognition. Methods: To achieve the first aim of this study, a cross-sectional, observational study was conducted with 150 musicians of both sexes, of different musical styles, who performed a FER task, after being classified according to the MPA levels. As for the second aim, a systematic literature review was carried out in accordance with the PRISMA guidelines and the Cochrane Handbook for Systematic Reviews of Interventions. Finally, for the third aim, 43 male musicians of different musical styles have participated in a randomized, placebo-controlled, cross-over clinical trial in which the 24UI of intranasal OT efficiency was tested. Results: The results showed that musicians with high levels of MPA present a global impairment in FER, expressed mainly by the difficulty in the appropriate recognition of the emotion of joy, which is associated with signs of social approval. The review of the literature showed that few substances have been tested so far, and that the changes in FER were specific and dependent on the substance mechanism of action in the central nervous system, dose and form of administration. The clinical trial presented an improvement in the recognition of the emotion of joy, only in musicians with high levels of MPA, after the OT acute use. Conclusion: The FER was specifically altered in musicians with high levels of MPA, which can be corrected with the use of intranasal OT, which appears as a promising substance for clinical use

A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

Esta tese é parte integrante do trabalho de doutorado em Performance Musical com especialização em Regência Coral do Programa de Pós-graduação em Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Durante os quatro anos de doutorado foram realizados concertos, ensaios e atividades práticas desenvolvidas simultaneamente à escrita deste texto que discute questões referentes à prática de um performer. Nosso objeto central é a relação entre a escrita musical e a interpretação. Buscamos compreender, como intérpretes, quais são os espaços criativos e seus limites dentro de uma obra musical. Para isso, utilizamos a obra coral do compositor brasileiro Osvaldo Lacerda, conhecido por sua escrita rigorosa e bastante indicativa. Após uma reflexão sobre os conflitos existentes entre composição e interpretação, fizemos uma análise geral da escrita composicional de Lacerda buscando encontrar os espaços para a criatividade do intérprete. Em seguida, analisamos com profundidade quatro composições de Osvaldo Lacerda: Automação, Romaria, A Primeira Missa e o Papagaio e o movimento Uníssono da obra Quatro Estudos para Coro. As obras analisadas foram performatizadas durante o período de doutorado junto ao Coro de Câmara Comunicantus e pudemos formar, experimentar e consolidar nossas concepções interpretativas, as quais comentamos e justificamos ao longo do texto. Por fim, apontamos para algumas respostas sobre o espaço criativo na performance de uma obra extremamente indicativa e sobre a responsabilidade do intérprete diante da partitura. / This thesis is part of the doctoral work in Musical Performance with specialization in Choral Conducting for the Post-Graduation Program in Music of the Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. During the four doctoral years, concerts, rehearsals and practices were undertaken simultaneously with the writing of this text which discusses questions regarding the practice of a performer. Our main object is the relationship between musical writing and performance. As interpreters, we seek to understand what the creative spaces and their limits within a work of music are. In order to do this, the choral work of the Brazilian composer Osvaldo Lacerda - known for his rigorous and rather indicative writing - was used. After a reflection on the conflicts between composition and interpretation, a general critical analysis of the compositional writing of Lacerda was carried out to identify the spaces for the creativity of the interpreter. Next, an in-depth analysis was carried out on four compositions by Osvaldo Lacerda: Automação, Romaria, and O Papagaio and the movement Uníssono of the work Quatro Estudos para Coro. The analyzed works were presented during the doctoral period together with the Chamber Choir Comunicantus and we could form, test and consolidate our interpretative conceptualizations, as is commented and justified throughout the text. Lastly, we point to some answers regarding the creative space in the performance of an extremely indicative piece and about the responsibility of the interpreter to the sheet music.

A dissertação apresenta pesquisa sobre o Estado do Conhecimento na produção recente (2007-2012) de teses e dissertações relacionadas à performance pianística, defendidas em programas de Pós-Graduação em Música, no Brasil. Diante do crescimento quantitativo e qualitativo evidenciado na produção em questão, o presente trabalho tem como propósito oferecer uma discussão e análise crítica do conteúdo das pesquisas selecionadas, inserindo-se num contexto acadêmico caracterizado por uma ampla discussão sobre o formato de pesquisas em Performance Musical. Uma vez que a investigação em Performance Musical encontrase ainda em consolidação, no Brasil, pretendemos discutir acerca da contribuição de determinadas propostas para esta subárea. A fim de oferecer uma visão crítica sobre os rumos tomados pela pesquisa em performance pianística, adotamos uma metodologia baseada em modelos de pesquisa do tipo \"estado da arte\", bem como técnicas de análise de conteúdo. A dissertação oferece uma visão panorâmica e análise dos principais temas, tendências e métodos de pesquisa identificados. Os resultados apresentam perspectivas de pesquisa emergentes que têm atraído os investigadores, tais como a Pesquisa Artística e estudos vinculados à Musicologia Empírica. Mostra o distanciamento de pesquisas quanto à apresentação de considerações sobre a relação do estudo com a performance musical. Destaca o aspecto interdisciplinar em produções recentes relacionadas à performance pianística. / This dissertation presents a research on the state of knowledge in recent production (2007- 2012) of theses and dissertations related to piano performance, defended in Music Graduate Programs in Brazil. Given the qualitative and quantitative growth evidenced in the scientific production in question, this dissertation aims to provide a critical discussion and analysis of its context, inserting in an academic context characterized by an extensive discussion on the configuration of the research in musical performance. Since research in Musical Performance is still undergoing a process of consolidation in Brazil, we intended to discuss about the contribution of selected proposals to this subarea. In order to offer a critical view of the directions taken by research in piano performance, we adopted a methodology based on models of \"state of knowledge\" as well as content analysis techniques. It also presents some emerging perspectives on this field such as artistic research and studies related to empirical musicology. It shows the gap of some researches on the presentation of considerations about the relation between the study developed and music performance. The results highlights the interdisciplinary aspect on the recent production related to piano performance research.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ARTIGO FINAL - Ricardo Rosembergue.pdf: 1546157 bytes, checksum: 1e6c96e6efa16325f1f9490114d77c2c (MD5) Previous issue date: 2012-03-31 / This paper discusses the musician's dystonia and its relationship to performance on wind instruments. The work presents from the literature review on the subject the concept of dystonia, as well as the musician's focal dystonia of its main causes and symptoms related to instrumental practice and lists possible ways of prevention based on the aspects of preparation and holding of musical performance and situations related to the theme. The survey data were obtained through consultation with professional musicians in the city of Goiania. The results revealed several meanings of musical practice and overuse, health problems related to performance anxiety and musical performance and still making music that can overcome the physical and mental limits of the performer. Due to the incidence of psychophysical problems in musicians, undertook a discussion about the possibility of developing disorders in brass and it was concluded that the musical performance can generate states of illness and development of disorders such as focal dystonia of the musician. It was recommended a few precautions to be taken as preventive measures for occupational illness. / O presente trabalho discute a distonia focal do músico e sua relação com a performance em instrumentos de sopro. O trabalho apresenta a partir da revisão de literatura sobre o tema o conceito de distonia, bem como o de distonia focal do músico suas principais causas e sintomas relacionados com a prática instrumental e elenca possíveis caminhos de prevenção com base nos aspectos de preparação e realização da performance musical e situações relacionadas ao tema. Os dados da pesquisa foram obtidos por meio de consultas a músicos profissionais na cidade de Goiânia. Os resultados obtidos revelaram diversas significações sobre prática musical e sobreuso, problemas de saúde relacionados à performance musical e ansiedade na performance e ainda que o fazer musical pode ultrapassar os limites físicos e mentais do performer. Devido à incidência de problemas psicofísicos em músicos, empreendeu-se uma discussão sobre a possibilidade de desenvolvimento de distúrbios em instrumentistas de sopro e concluiu-se que a performance musical pode gerar estados de adoecimento e desenvolvimento de distúrbios como a distonia focal do músico. Recomendou-se alguns cuidados a serem tomados como medidas preventivas de adoecimento ocupacional.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Artigo - Mestrado UFG - KAMINSKI.pdf: 1811459 bytes, checksum: bbbd1d2e408d2284e4bf7b52161a4530 (MD5) Previous issue date: 2012-04-03 / This paper presents the preparation and planning for the performance of a piece for solo guitar. For this purpose, the guitarist used pre-selected teaching and instrumental materials over the course this investigation. The criteria used to choose the piece were that it should reflect the technical and musical aspects of the repertoire commonly involved in academic training of guitar students. The piece Homenagem a Villa-Lobos op.46 by the composer Marlos Nobre was chosen. The preparation of this piece was divided into four stages: 1) Definition of goals and objectives; 2) scheduling, planning the construction of the performance ; 3) Choice of the fingering; 4) Solution of motor difficulties; 5) musical memorization. The accomplishment of these steps in this investigation was based on the theoretical references chosen. This end-of-course article is divided into two main parts. The first part contains materials from the literature search and selected during the research. Finally, a report about the preparation of the musical work was prepared, in which the steps and processes of choices are described on the basis of the previously established literature for the preparation of an instrumental work. / Este trabalho apresenta a preparação e planejamento da performance em uma obra para violão solo. Para isso, o violonista utilizou materiais didáticos e instrumentais previamente estabelecidos, no decorrer da presente investigação. Os critérios utilizados para a escolha da obra foram de que esta deveria refletir aspectos técnicos e musicais do repertório comumente abordados na formação acadêmica dos estudantes de violão. Para isso foi eleita a Homenagem a Villa-Lobos op.46 do compositor Marlos Nobre. Para a realização do processo de preparação da peça musical em questão, foram escolhidas algumas etapas que nortearam a presente investigação, dentre elas: 1) definição de metas e objetivos; 2) agendamento, planejamento da construção da performance; 3) escolha das digitações; 4) resolução das dificuldades motoras; 5) memorização musical. A realização dessas etapas na presente investigação foram subsidiadas pelos referenciais teóricos escolhidos. Este artigo de conclusão de curso está dividido em duas partes principais. Na parte inicial são apresentados os materiais extraídos e selecionados durante pesquisa bibliográfica. Por último, há um relatório sobre a preparação da obra musical, na qual estão discriminadas as etapas e processos de escolhas acerca da literatura previamente estabelecida.