This thesis examines the political pop art of contemporary Chinese artist Wang Guangyi in light contemporaneous shifts within the political, economic, and artistic space of China from 1978 until the present. Through an analysis of the work of art as an historically determined antagonistic aesthetic praxis, this thesis attempts to reveal the sedimented traces of the alternative modernity which the Chinese government is actively attempting to construct. With its evocative juxtaposition of contrasting ideological forms, the artwork of Wang Guangyi seeks to deconstruct the normative and teleological narratives encountered within the dialectic interplay between state sponsored transnational capitalism and Marxist-Leninist communism. An understanding of the discursive structure upon which these dual modernising narratives has been based, and of the fragmented artistic space they have engendered, should serve to enliven the debate concerning the role of cultural production in questioning and revealing narratives of the nation, of the Self, and of modernity.

Esta proposta procurou estabelecer o desenvolvimento e as obras do período pop, principalmente do artista Andy Warhol, como registros da história recente americana. Mostra também, uma correlação entre estas obras com a ideologia do consumo estabelecida nos anos seguintes a II Guerra Mundial, e que possibilitou a estabilização da hegemonia política, cultural e econômica dos Estados Unidos. Associou-se ainda a participação dos meios de comunicação de massa e da publicidade nesse processo, como divulgadores e propagadores da ideologia do consumo e, concomitantemente, fontes temáticas das obras de Warhol e outros artistas pop. Apresenta também a relação entre as mudanças geradas no pós II Guerra com elementos da atualidade, que sugerem um possível declínio desta hegemonia e, que se denominou contemporaneidade pop. Para isso realizou-se análises de algumas das obras mais características desse artista, associado a estudos bibliográficos específicos e gerais relacionados ao tema. / This essay proposes to demonstrate the development and the works of the pop art period, principally of Andy Warhol, as registered in recent American History. This essay also shows a correlation between those works and the ideology of consumerism established in the years following the Second World War, which made political, cultural and economical hegemony possible in the USA. Means of mass communication and publicity will be associated with this process as disseminators and propagators of consumerism and at the same time, thematic works of Warhol and other pop artists. The relationship between post war changes and present day elements will also be presented, which suggests a possible decline in this hegemony, which has been named contemporary pop.To this end, analyses of some of the most characteristic works of this artist will be realised, associated with specific and general bibliographic studies related to the subject.

Orientador: Milton Terumitsu Sogabe / Banca: Silvia Miranda Meira / Banca: Agnaldo Valente Germano da Silva / Resumo: A presente pesquisa tem por objetivo a análise da colagem como procedimento artístico. Para isto, foi traçado um histórico da colagem que englobou o Cubismo, o Dadaísmo, o Surrealismo e a Arte Pop. Em cada um destes momentos históricos, percebemos o significado do emprego da colagem como linguagem artística. Em um segundo momento, analisamos o processo da colagem nas imagens técnicas, sobretudo naquelas decorrentes da fotografia, como, por exemplo, nas fotomontagens, no cinema e na colagem digital. E, finalmente, realizamos entrevistas com artistas brasileiros e visitamos museus e galerias com o intuito de verificar como a colagem tem feito parte da arte contemporânea / Abstract: This study aims at analyzing the collage as artistic process. For this, we traced a history of collage that passed trough Cubism, Dadaism, Surrealism and Pop Art. In each of these historical moments we could perceive the meaning of the use of collage as an artistic language. After that, we analyzed the collage's process in imaging techniques, resulted from photography such as in the photomontages, movie and digital collage. And finally, we conducted interviews with Brazilian artists and visited to museums and galleries to see how the collage has been part of contemporary art / Mestre

Esta proposta procurou estabelecer o desenvolvimento e as obras do período pop, principalmente do artista Andy Warhol, como registros da história recente americana. Mostra também, uma correlação entre estas obras com a ideologia do consumo estabelecida nos anos seguintes a II Guerra Mundial, e que possibilitou a estabilização da hegemonia política, cultural e econômica dos Estados Unidos. Associou-se ainda a participação dos meios de comunicação de massa e da publicidade nesse processo, como divulgadores e propagadores da ideologia do consumo e, concomitantemente, fontes temáticas das obras de Warhol e outros artistas pop. Apresenta também a relação entre as mudanças geradas no pós II Guerra com elementos da atualidade, que sugerem um possível declínio desta hegemonia e, que se denominou contemporaneidade pop. Para isso realizou-se análises de algumas das obras mais características desse artista, associado a estudos bibliográficos específicos e gerais relacionados ao tema. / This essay proposes to demonstrate the development and the works of the pop art period, principally of Andy Warhol, as registered in recent American History. This essay also shows a correlation between those works and the ideology of consumerism established in the years following the Second World War, which made political, cultural and economical hegemony possible in the USA. Means of mass communication and publicity will be associated with this process as disseminators and propagators of consumerism and at the same time, thematic works of Warhol and other pop artists. The relationship between post war changes and present day elements will also be presented, which suggests a possible decline in this hegemony, which has been named contemporary pop.To this end, analyses of some of the most characteristic works of this artist will be realised, associated with specific and general bibliographic studies related to the subject.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2018-03-12T20:11:26Z No. of bitstreams: 1 nayseribeiroferreirasilva.pdf: 4483756 bytes, checksum: f89b1353003a6020c906acdd2c067cd4 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-04-09T19:14:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 nayseribeiroferreirasilva.pdf: 4483756 bytes, checksum: f89b1353003a6020c906acdd2c067cd4 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-09T19:14:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 nayseribeiroferreirasilva.pdf: 4483756 bytes, checksum: f89b1353003a6020c906acdd2c067cd4 (MD5) Previous issue date: 2016-11-10 / Esta pesquisa busca apresentar um retrato de Andy Warhol não por uma luz decididamente informativa, linear, biográfica; mas por tessituras com traços biografemáticos, pelo compartilhamento de pequenos pontos luminosos que nos captam a atenção em seu cotidiano: seus gestos, seus pensamentos, a fabricação de sua (filosofia de) vida. A experiência artística espaço-temporal warholiana materializa-se por uma lógica de transfiguração do banal, que é aberta e encontra-se em constante progressão: desenvolve-se, transforma-se, adapta-se, renasce constantemente. Acreditamos que, em Warhol, sendo convidados à imersão em obras que nos convocam o corpo, e não apenas a mente, percebemos e inventamos formas outras para atravessarmos o tempo e para estabelecermos novas relações – linhas de fuga – com e em nossos entornos. / This research aims to present a picture of Andy Warhol not by a decidedly informative, linear, biographic path; but sewing a biographematic text by sharing small bright dots that capture our attention in his daily life: his gestures, his thoughts, the fabrication of his life (philosophy). The artistic experience of the warholian spacetime rises through a logic of the transfiguration of the commonplace, which is open and in constant progression: develops, transforms, adapts itself and constantly reborn. We believe that in Warhol, once we are invited to immerse in artworks that call up our bodies, not only our minds, we realize and create other ways to pass the time and to establish new relations - lines of flight, as in Deleuze's concept - with our environments.

Dès l’apparition du Pop art autour de 1962, l’iconographie de l’illustration et de la publicité indique l’émergence d’une véritable esthétique graphique. La rencontre du Pop art et du dessin se révèle particulièrement intéressante car suivre les productions réalisées dans cette discipline éminemment manuelle permet de réexaminer les différentes positions des artistes vis-à-vis de la culture de masse et d’aborder des questions tant matérielles qu’iconographiques. Partant du constat que les formations artistiques sont à l’origine du va-et-vient entre options manuelles et mécaniques dans l’économie du Pop art, le propos débute par l’examen des conditions d’émergence du dessin. L’examen des relations entre dessin et culture de masse ne saurait être complet sans évoquer la réponse d’artistes qui s’engagent dans la recherche d’un dialogue avec un public croissant (par des stratégies de classe, l’iconographie de logos de produits, la prise en compte des possibilités de l’estampe etc.). Non seulement l’œuvre naît du parcours de la main, mais le dessin pop dépasse le seul processus créateur pour exister dans un corpus d’œuvres autonomes, qui s’écarte de tout schéma finaliste. Cette présence souligne ce que peuvent avoir de critique l’image et l’action du corps. De même que Claes Oldenburg et David Hockney opposent une tension manuelle aux expressions mécanisées dans la société – et là réside le double sens de la notion d’engagement autant physique que politique dans le dessin pop –, le réinvestissement du corps sous la forme du portrait et du nu affirme sa solidarité avec les combats pour la libération sexuelle à l’aube des années soixante-dix. / By 1962 with the beginning of Pop art, the iconography of illustration and advertising points the development of an art founded on graphics. Interestingly, the relations between Pop art and drawing allow to follow how the handmade practices reassess the artists’ positions towards mass culture and deal with material issues (such as manual involvement) and the meaning of iconography (counter-culture, return of the figure). Starting from the point that artistic pop economy of art owes its back and forth mouvement between manual and mechanical options to its protagonists’ artistic education, this dissertation opens with the study of drawing’s emergence in a pedagogical context. The study of the relations between drawing and mass culture wouldn’t be fully led without assessing the answer of the artists who involve in the claim for a bigger audience (with a class strategy, an iconography full of mass products and the possibilities of prints). Moreover, not only the graphic works stem from the hand, but pop drawing overwhelms the solely issue of creation processes to exist in an autonomous corpus of works, which doesn’t fall into the finalist schema. This presence points how critical may be the body, through drawing, as an image and as an action. Similary to Claes Oldenburg and David Hockney who oppose a manual tension to the social mechanized expressions – and there lay the double sense of the very notion of involvement which is to be understood in Pop art in the same time on a physical and a political level – the reinvolvement of the body by way of portrait or nude shows its solidarity with the fights in the wake of the sixties, fight for sexual liberation, or women rights.

Drawing on archetypical aspects of human characteristics and personalities, I create images that illustrate our connection to memory, media, and culture. My work is informed by pop culture, including television, movies, cartoons and comic books as it relates to characters in our own physical world and society. The grid is used to represent both childhood games and the frames of a comic strip, where each panel equals an exact moment of time.

Zugl.: Zürich, Universiẗat, Diss., 2002.

Dans cette recherche j’essaie présenter la discontinuité de l’image des médias de masse appropriée par les arts visuels. Ce qui est en jeu n’est pas « ce qui est vu », mais « comme est vu » dans l’image dans sa potentialité discursive. La construction de ce regard est faite par l’interface entre les domaines d’Art, de la Psychanalyse e de l’Analyse du Discours, en fessant des torsions d’un champ à autre. Dans cette imbrication des interventions subversives je cherche réfléchir sur les transformations esthétiques du langage commercial pour le langage poétique. Par le biais du dispositif théorique-analytique de l’Analyse du Discours Française j’ai pu observer que le regard est organisé par ce qui n’est pas vu, ce qui tombe hors du champ de la vision et qui n’acquiert que sens par rapport la culture et l’histoire, qui configure le déroulement du désir du sujet. L’image publicitaire est un langage qui ne dit pas tout, par cela étant un savoir incomplet se laisse approprier par l’art visuel. Le fait de ne dire pas tout est ce qui fait les artistes avoir choses à dire encore. L’Art en jouant avec le nonsens tisse l’équivoque et contamine l'idéologie dominante à travers des processus métaphoriques et métonymiques. La discontinuité de l’image apparaît dans cet espace de réel dans le symbolique, à travers les mécanismes de condensation et de déplacement où le point de l'existence du sujet est le point de séparation et des échanges entre la position-sujet et la formation discursive qui domine le tissu symbolique. La discontinuité est au-delà du symbolique, précisément, est la dimension du réel dans laquelle éclate et insiste dans le désir et résiste dans l'idéologie. / Nesta pesquisa procuro apresentar a descontinuidade da imagem de mídia de massa apropriada pelas artes visuais. O que se coloca não é “o que é visto”, mas “como é visto” na imagem em sua potencialidade discursiva. A construção deste olhar se dá na interface entre os campos da Arte, da Psicanálise e da Análise do Discurso, fazendo torções de um campo a outro. Nessa imbricação de intervenções subversivas busco refletir sobre as transformações estéticas da linguagem comercial para a linguagem poética. Através do dispositivo teóricoanalítico da Análise do Discurso francesa pude observar que o olhar está organizado por algo que não se vê, algo que cai fora do campo da visão e que só adquire sentido na relação com a cultura e com a história, onde se configura o desdobramento do desejo do sujeito A imagem publicitária é uma linguagem que não diz tudo, por isso, enquanto saber incompleto se deixa apropriar pela arte visual. O fato de não dizer tudo, é o que faz com que os artistas tenham a dizer, ainda. A Arte ao jogar com o non-sens urde o equívoco e contamina a ideologia dominante através dos processos metafóricos e metonímicos. A descontinuidade da imagem aparece nesse espaço de real no simbólico, por meio dos mecanismos de condensação e deslocamento em que o ponto de existência do sujeito é o ponto de separação e de intercâmbio entre a posição-sujeito e a formação discursiva que o domina na trama simbólica. A descontinuidade é o mais além do simbólico, propriamente, a dimensão do real na qual eclode e faz insistir no desejo e resistir na ideologia.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:35:38Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-07-04Bitstream added on 2014-06-13T20:46:38Z : No. of bitstreams: 1 oliveira_scrd_dr_sjrp.pdf: 2615783 bytes, checksum: 8046c7f4f86da950ffe53d7b0b6836d6 (MD5) / Literatura pop foi a designação criada por Roberto Drummond para definir um tipo de escritura que buscou romper com o conceito tradicional do fazer literário. Quatro livros fizeram parte deste projeto, o chamado Ciclo da Coca-Cola: A morte de D. J. em Paris (1975), O dia em que Ernest Hemingway morreu crucificado (1978), Sangue de Coca-Cola (1980) e Quando fui morto em Cuba (1982). Neste trabalho, buscamos mostrar a influência da Arte Pop na confecção destas obras, uma vez que o autor nunca negou ter sido este movimento artístico o alicerce de seu projeto, sobretudo em relação aos temas e procedimentos. Entretanto, Roberto Drummond não se limita a eles. Apropria-se de referências insólitas e, por meio delas, explicita as violências impostas à sociedade brasileira da segunda metade do século XX: a da ditadura militar, da indústria cultural e da cultura de massa. Num verdadeiro “jogo-de-armar” novas possibilidades, ele faz com que personalidades do mundo real interajam com personagens ficcionais, incitando o leitor a retomar referências, muitas vezes, perdidas e/ou esquecidas pelo tempo. / Pop Literature (literarily, Pop Literature) was the name coined by Roberto Drummond to define one kind of writing that aimed to break up with the traditional concept of literary doing. This project was composed by four books, a serie known as the Coca-Cola Cycle: A morte de D. J. em Paris (1975), O dia em que Ernest Hemingway morreu crucificado (1978), Sangue de Coca-Cola (1980) and Quando fui morto em Cuba (1982). In this study we try to show the Pop Art influence in these works’ composition, considering the author never denied this artistic movement had been the foundation of his project, especially referred to themes and procedures. Nevertheless Roberto Drummond doesn’t limit himself by them; he owns remarkable references and, through them, explains the violence imposed to the Brazilian society of the second half of Twentieth century: by military dictatorship, cultural industry and mass culture. In actual building blocks of possibilities, he makes real people to interact with fiction characters, encouraging the reader to take references, sometimes lost and/or forgotten through time.