« Lyrisme : jeu qui lie et délie les noms et les corps – tous les noms et tous les corps. Son terrain est celui de la vie et de la mort entrelacées, un festin offrant formes, déformations, transformations. Sa matière est l’air, souvent irrespirable, son milieu est l’image, parfois invisible, sa réalité est la voix, presque inaudible. » L’exposition Tamis Lyrique, préparée et prolongée par l’ouvrage éponyme, présente un ensemble d’œuvres déployant une pratique lyrique et spéculative de la photographie, au croisement de diverses formes et disciplines : composition et montage, caractérisation topographique et récit filmique, écriture et installation. Certaines œuvres sont extraites des travaux récents accomplis au cours de l’élaboration de la thèse (photographies de Cherbourg, et le livre La ville que nous voyons ; L’air de l’accordéon, film co-réalisé avec Fanny Béguery en Corrèze). Dix pièces diverses parleurs sujets et leurs formes (vues photographiques, assemblages, objets, séquence de film) sont inédites. Quelques œuvres, plus anciennes, complètent cet ensemble, faisant l’objet de développements écrits particuliers dans le livre Tamis lyrique et permettant de repérer des variations ou d’apprécier une épaisseur temporelle des processus qui structurent le travail. / “ Lyricism is binding and unbinding names and bodies,playing in between all of the names and the bodies. Itsground is made of life and death together interweaved :a feast offering forms, deformations, transformations. Its material is the air, often unbreathable, its milieu is the image, invisible sometimes, its reality is the voice,almost inaudible.” The exhibition Tamis lyrique and the eponymous book present a group of works of art stemming from a lyric and speculative experience of photography, interbreeding diverse forms: tableau and montage, topographical characterization and filmic sequencing, writing and installation. Some of the works were produced during the doctoral thesis elaboration period, such as the photographs taken in Cherbourg, along with the book La ville que nous voyons, or the film L’air de l’accordéon, codirected with Fanny Béguery in Corrèze. Ten other various works are previously unseen. Some more works are older and were the subject of specific writings in the book Tamis lyrique, or enable to perceive variations or to appreciate a temporal density in the construction of the work.

À partir de l’œuvre du cinéaste et artiste hongrois Péter Forgács, la thèse aborde plus généralement la question du remontage de films amateurs dans le documentaire contemporain et examine les enjeux esthétiques, historiques et politiques du remploi des films de famille. Les concepts de déterritorialisation et de reterritorialisation développés par Gilles Deleuze et Félix Guattari nous permettent d’interroger la manière dont la pratique « archéologique » du remontage ouvre les films de famille à de multiples resignifications. Comment traversent-ils des territoires esthétiques, géographiques, institutionnels et politiques, de mémoire, d’histoire et de pensée ? Comment, à travers le temps, les histoires que contiennent ces rouleaux des pellicules substandard sont-elles traversées par l’Histoire ? Comment ces films peuvent-ils, rétrospectivement, subvertir la construction officielle de l’histoire et de la mémoire et renégocier la perception du temps historique ? Quelle métahistoire construisent-ils ?L’analyse de la déterritorialisation et de la reterritorialisation des films de famille par le remploi, nous permet d’interroger la manière dont la pratique du remontage crée un nouveau territoire cinématographique, où la mémoire et l’histoire du passé comme de l’avenir peuvent être creusées dans et par l’image. Ici apparaissent les enjeux poét(h)iques et politiques du remploi. / Through the work of Hungarian artist and filmmaker Péter Forgács, the thesis addresses the question of the reuse (remontage) of amateur films in contemporary documentary and examines the aesthetic, historical and political implications of the appropriation of home movies. The concepts of deterritorialization and reterritorialization developed by Gilles Deleuze and Félix Guattari allow us to question how the “archeological” practice of reassembly exposes home movies to multiple significations. How can they traverse aesthetic, geographical, institutional and political territories as well as territories of memory, history and thought? How are the stories contained in these rolls of substandard film traversed by History? How can these films subvert the official construction of history and memory and renegotiate the perception of historical time? What metahistory do they establish?The analysis of deterritorialization and reterritorialization of home movies allows us to question how the practice of reassembly creates a new cinematographic territory, in which memory and history of the past, as of the future, can be mined in and by the image. Thus remontage implicates poet(h)ical and political issues.

En partant de l’idée que la guerre et les images sont deux notions interdépendantes, la thèse reprend deux concepts clés : visualité et contre-visualité. La visualité, étant une façon de perpétuer la guerre, représente les discours dominants. L’art contemporain serait donc une possibilité de construction de contre-visualités. La « guerre globale » contemporaine - totale et dispersée - aurait une production visuelle qui lui correspondrait : des images d’amateurs, elles aussi dispersées et de grande circulation. Comment ces images, généralement liées à la sphère privée, se sont converties en enregistrements de la guerre contemporaine ? Comment l’art fait face à la guerre et à la visualité dominante par le biais du remploi de ces images ? La recherche essaie de définir cette production d’images « amateur » et de l’encadrer dans le temps conflictuel du présent. Une telle production serait-elle une résistance à la visualité actuelle ou au contraire quelque chose qui la renforce ? Ensuite, à travers un corpus circonscrit de quatre artistes visuels contemporains (Clarisse Hahn, Rabih Mroué, Coco Fusco et Thomas Hirschhorn), nous travaillons l’hypothèse que la réutilisation de ces images peut contribuer à la construction d’une contre-visualité : par le geste artistique, l'enlèvement de ce matériau d'un certain flux provoquerait un arrêt, une déviation vers une reconfiguration du sensible où le facteur conflictuel serait mis en évidence. Dans un troisième moment, la thèse se penche sur l'œuvre des années 1970 de Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville, quand ils interrogent les forces et les faiblesses du cinéma militant et mettent en question les images et leurs potentialités. Certaines de leurs procédures créatives sont examinées rétrospectivement, car à notre avis, elles sont toujours présentes directement ou indirectement dans la pratique artistique des artistes de notre corpus. / Considering the idea that war and images are two interdependent concepts, the thesis deals with two key concepts: visuality and counter-visuality. Visuality as a way of perpetuating the war represents dominant discourses. Contemporary art would therefore be a possibility of constructing counter-visuality. The contemporary “global war” - total and dispersed - would have a visual production that would correspond to it: the amateur images, also scattered and widely circulated. How are these images - usually related to the private sphere - converted into records of contemporary war? How does art face war and the dominant visuality by utilizing these images?The research attempts to characterize this amateur production of images and to frame it in the conflicting time of the present. Would such a production be a resistance to the current visuality or, on the contrary, something that strengthens it? From then on, by analyzing a circumscribed corpus of four contemporary visual artists (Clarisse Hahn, Rabih Mroué, Coco Fusco and Thomas Hirschhorn), we work on the hypothesis that the reuse of these images can contribute to the construction of a counter-visuality: by the artistic gesture, the removal of this material from a certain flow would cause a stop, a deviation towards a reconfiguration of the sensible where the conflicting factor would be highlighted. In a third moment, the thesis looks at the work of Jean-Luc Godard and Anne-Marie Miéville on the 1970s, when they question the strengths and weaknesses of militant cinema and challenge images and their potentialities. Some of their creative procedures are examined in retrospect because in our opinion they are still directly or indirectly present in the artistic practice of the aforementioned artists.

Cette thèse porte sur l’examen du mode d’opération du remploi photographique en art contemporain, et en spécial celui d’images photographiques post mortem. Avec l’appui de différentes théories qui portent sur la photographie et l’observation de plusieurs oeuvres de remploi photographique, ce travail étudie,d’une part, les problématiques d’ordre génétique et théorique spécifiques à cette pratique contemporaine. De l’autre, ce travail traverse des perspectives historiques et aussi anthropologiques à propos de l’homme face au corps mort pour, en tenant en compte des différents aspects des transformations du rapport de la société occidentale à la mort, observer les effets sur la production de la photographie contemporaine. Dans ce contexte, l’étude identifie les deux types majeurs d’images photographiques post mortem remployées – les deux associé à la violence – et analyse, en suite, les nouveaux rapports symboliques proposés par un nombre d’oeuvres. Cet étude cherche à observer à quoi répond ces oeuvres de remploi d’images photographique post mortem et, en même temps, à observer que l’oeuvre de remploi photographique, en tant que pratique artistique qui vise la révision et la critique des représentations, contribue néanmoins pour la construction d’une représentation de la mort selon les perspectives contemporaines auxquelles elles répondent. / This thesis focuses on the examination of the operation mode of the photographic re-employment incontemporary art, and in special of post mortem photographic images. With the support of various theories that focus on photography and the observation of several photographic re-employment artworks, this study examines, on the one hand, genetic and theoretical problematic that are specific to this contemporary practice. On the other, this work crosses historical and also anthropological perspectives on humans facing the dead body, taking into account different aspects of the transformations in Western society’s relationship to death, in order to observe the effects on contemporary photography production. In this context, this study identifies two major types of postmortem photographic images re-employed – both associated with violence –, and then analyses the newsymbolic relations proposed by a number of artworks. This study seeks to observe to what these artworks that re-employ post mortem photographic images respond to, and at the same time, seeks toobserve that the photographic re-employment, as an artistic practice that aims to review and criticize representations, contributes however, for the construction of a representation of death within the very contemporary perspectives, which they respond to.

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