A presente pesquisa analisa os processos de atualização de acervos de arte contemporânea brasileira em dez museus do país e as condições dessa prática na atual confi guração do sistema da arte. Como recurso de aprofundamento, examina mais detidamente os processos curatoriais ligados à formação do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo nos anos 1990 e 2000. A partir do diagnóstico da situação dos museus brasileiros no que se refere à incorporação da produção artística das últimas duas décadas, procura-se discutir as características do campo sociocultural da arte, os desafi os que os museus enfrentam e as implicações de sua prática colecionista sobre a constituição da memória das artes visuais recentes do país e sobre a construção da história da arte. O estudo procura contribuir para o entendimento dos processos de formação de valor e legitimação na arte contemporânea a partir do exame das dinâmicas de institucionalização da produção recente. Com esse intuito, busca articular a análise da ação preservacionista dos museus ao acionamento e visibilidade da produção contemporânea brasileira no circuito internacional de arte. / This study analyses the collection building processes focused in Brazilian contemporary art in ten Brazilian museums and the circumstances of this practice under the current art systems configuration. As a case study, it investigates the curatorial processes and collection policy of the Museu de Arte Moderna de São Paulo [São Paulo Modern Art Museum] during the 1990s and 2000s. Based on the diagnostic of the conditions of Brazilian art museums towards the acquisition of artworks produced in the last two decades, this research aims to discuss some aspects of the sociocultural art field, the challenges that art museums face today, as well as the infl uence of its collection practice on the constitution of the recent artistic heritage and on the construction of art history. This investigation seeks to contribute to the understanding of the value foundation process and its legitimacy in contemporary art, examining the institutionalization dynamics of the contemporary art production. In this sense, it articulates the analysis of the preservation policy of museums to the exposure and insertion of Brazilian production in the international art circuit.

Nesta tese foi abordada a união dos pintores que estiveram juntos no Palacete Santa Helena por cerca de cinco anos, de 1935 a 1940, bem como as produções pictóricas dos mesmos, em especial as que se referem às pinturas de gênero produzidas neste período. Por meio da análise destas obras observamos como estes pintores construíram a imagem de São Paulo no período em que dividiram o ateliê no Palacete Santa Helena. Suas pinturas sugerem uma modernização às avessas da cidade, pois ao invés de produzirem imagens de uma São Paulo urbana, industrial, a partir de cenas nas quais há um ambiente atribulado, com muitas pessoas, carros e edifícios elementos que propõem diretamente a idéia de modernização da cidade notamos que as obras destes pintores nos mostram em grande parte os arrabaldes, as cercanias da cidade e não o centro. De maneira diferente, o pintor italiano Fulvio Pennacchi apresenta, em seus cartazes publicitários da década de 1930, a modernização da cidade de forma mais direta, pois enfatiza o crescimento e desenvolvimento de São Paulo por meio de imagens que mostram produtos decorrentes da industrialização, como o café, o cigarro, os chapéus, o carro e o pneu. Em contrapartida, a São Paulo apresentada pelos pintores do Palacete Santa Helena, incluso Pennacchi, é o lugar povoado por gente humilde, trabalhadores e trabalhadoras que vivem na roça ou em bairros mais afastados do centro de São Paulo, lugar onde muitas vezes também executam suas atividades laborais e inclusive desfrutam os momentos de lazer. Quando estes pintores abordam em suas obras a temática dos trabalhadores urbanos, retratam-nos como fazendo parte de uma engrenagem que auxilia na construção, crescimento e desenvolvimento da cidade e é quando aparecem nas telas destes pintores alguns elementos que sugerem mais diretamente a modernização da cidade, muito vinculada à industrialização. Desse modo, a partir da análise destas obras, podemos notar que a imagem que se tem de São Paulo é a da cidade que se deseja moderna, na qual a periferia está em contraposição ao centro, onde a presença do rural sugere uma etapa anterior ao urbano, e o popular presente principalmente nos arrabaldes sugere a tradição que na cidade vai sendo substituída pela modernização dos edifícios, pela substituição de comportamentos, pela aquisição de novos produtos, de novos modos de vida, hábitos e costumes. A São Paulo na pintura de gênero destes pintores é a cidade dos homens da prática, dos imigrantes e filhos de imigrantes, assim como eles o são. A raiz social é o que os conjumina como grupo. No que diz respeito às temáticas abordadas em suas obras, estes pintores, quando comparados entre si, se aproximam. Já quando se trata da linguagem visual utilizada em suas composições, há dissonâncias entre eles, pois utilizam referências diferentes. Estas referências têm como fonte alguns artistas modernistas do período, aos quais algumas vezes os pintores do Palacete se aproximam também no que concerne às temáticas tratadas. Assim, os pintores do Santa Helena apresentam as imagens da São Paulo de 1935 a 1940, nas quais observamos uma cidade que tem a modernização construída às avessas, pelo fato de os elementos compositivos muitas vezes não se relacionarem diretamente com a modernização da cidade, mas que sugerem esse processo. Desse modo, com originalidade e peculiaridades comuns e dissonantes, estes pintores produziram uma obra muito vinculada ao modernismo da segunda metade da década de 1930. / This work is about the union of painters who have been together in Palacete Santa Helena for roughly five years time, from 1935 to 1940, as well as the pictorial works made by them, particularly those referring to the genre scenes made in the period. Through the observation of these works, we see how painters built the image of São Paulo in the period they shared the Santa Helena studio. Their paintings suggest a backwards modernization of the city as they represent much more images from the suburbs instead of the urban and industrial São Paulo, based on busy scenarios, with lots of people, cars and buildings elements that suggest the idea of modernization of the city we observed that Santa Helena painters works and the majority of these paintings showed us the environs of the city not the downtown. Differently, the Italian painter Fulvio Pennacchi shows in his advertisement banners from the 1930s, the modernization of the city straight forward, as he focuses on the growth and development of São Paulo through pictures coming from industrialization at that time, such as coffee, tobacco, hats, cars and tires. On the another hand, the São Paulo showed in the screens of Palacete Santa Helenas painters is a place of humble people, workers who live either in the countryside or in the suburbs. This same place is scenario of labor and leisure activities. When urban workers are the thematic pictured by the painters, they are shown as part of an engine that pushes the construction, growth and development of the city. It is when some elements which suggest the modernization of the city pops up in their screens, pretty much involved with its industrialization. From the analysis of the paintings, it can be observed that São Paulo wants to be a modern city, in which the suburb is on opposite side of the town where the presence of agricultural elements suggest a previous stage to the urban ones, and the popular manifestation mainly in suburbs suggests the tradition in the city had being substituted by the modernization of the buildings, for the change of behaviors, the acquisition of new products, new ways of life and habits. The São Paulo seen from the genre painting of painters is a city of hands on men, of immigrants and immigrants sons as they are, indeed. The social root is what unite them as a group. Concerning the thematic in their paintings, these painters, when compared to each other, converge. However, there are differences regarding the visual identity employed in their paintings as different references are used among them. These references come from some modernist artists of the period which also show some similarity to Palacetes painters concerning the thematic approached. Then, the Santa Helenas painters show images of São Paulo from 1935 until 1940, which is possible to observe a city that has its modernization build backwards, by the fact the elements that compose the paintings frequently do not have direct relation with the modernization of the city but simply suggest it. This way, with originality and some common and dissonant particularities if compared among the painters, originally created paintings tied up to the modernism of the second half of the 1930s.

A presente pesquisa analisa os processos de atualização de acervos de arte contemporânea brasileira em dez museus do país e as condições dessa prática na atual confi guração do sistema da arte. Como recurso de aprofundamento, examina mais detidamente os processos curatoriais ligados à formação do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo nos anos 1990 e 2000. A partir do diagnóstico da situação dos museus brasileiros no que se refere à incorporação da produção artística das últimas duas décadas, procura-se discutir as características do campo sociocultural da arte, os desafi os que os museus enfrentam e as implicações de sua prática colecionista sobre a constituição da memória das artes visuais recentes do país e sobre a construção da história da arte. O estudo procura contribuir para o entendimento dos processos de formação de valor e legitimação na arte contemporânea a partir do exame das dinâmicas de institucionalização da produção recente. Com esse intuito, busca articular a análise da ação preservacionista dos museus ao acionamento e visibilidade da produção contemporânea brasileira no circuito internacional de arte. / This study analyses the collection building processes focused in Brazilian contemporary art in ten Brazilian museums and the circumstances of this practice under the current art systems configuration. As a case study, it investigates the curatorial processes and collection policy of the Museu de Arte Moderna de São Paulo [São Paulo Modern Art Museum] during the 1990s and 2000s. Based on the diagnostic of the conditions of Brazilian art museums towards the acquisition of artworks produced in the last two decades, this research aims to discuss some aspects of the sociocultural art field, the challenges that art museums face today, as well as the infl uence of its collection practice on the constitution of the recent artistic heritage and on the construction of art history. This investigation seeks to contribute to the understanding of the value foundation process and its legitimacy in contemporary art, examining the institutionalization dynamics of the contemporary art production. In this sense, it articulates the analysis of the preservation policy of museums to the exposure and insertion of Brazilian production in the international art circuit.

À travers l’analyse du discours de Germano Celant sur l’arte povera, la présente thèse cherche à décrire et à comprendre le statut particulier du langage au sein d’un champ spécifique de l’art contemporain en prenant comme objet les stratégies argumentatives qui s’y trouvent à l’œuvre depuis l’invention du concept « pauvre » à la fin des années 1960 par le critique/historien/commissaire d’exposition italien jusqu’à aujourd’hui, tout en soulignant leur interdépendance avec l’évolution de son statut social et celle des logiques interprétatives/évaluatives qui en découlent. / Through the discourse analysis of Germano Celant on arte povera, this present thesis aims to describe and comprehend the status of the language within a specific domain of contemporary art by analysing the argumentative strategies from the invention of the “poor” concept by the italian critic/historian/curator at the 1960s until today, underlining their interdependance with the evolution of his social status and that of the interpretative/evaluative logiques which results from.

Miroslav Paulíček NO ONE DARE SAY IT'S BORING TOWARDS THE SOCIOLOGY OF HIGH AND LOW ART The concept of high art usually connotes highbrow and snobbery, the pride of elitists; it seems to be an instrument of the ruling class for its dominant social status reproduction. Many advocates of popular culture scorn and ignore high art - they often use the approach of social constructivism and say that high culture is nothing but a social construction. They emphasize that there is no quality, which could classify any work of art as high or low. On the contrary, the author of this book writes about an art with no animosity, without an effort to relativize of it, about art without ironic quotation marks. The title of this book - quotation from Gustave Flaubert's letter about reading Dante's Inferno - enables to develop a story of the answer to the question of what kind of art is the art that no one calls boring and why no one dare do it. The book finds its inspiration in the perspective of social constructivism and in the sociology of science. The author describes the actors (both humans and non-humans) that keep the network of high art together. He starts with the ways of creating canons (of authors or works of art), he also deals with actors as nation, tradition, taste, age, money, education, comic, kitsch, irony,...

Marinmåleriet som genre i allmänhet, och dess undergenre skeppsporträttet i synnerhet har länge haft en marginaliserad ställning inom svensk konsthistorieskrivning. Genom att undersöka den svenske marinmålaren Pehr Wilhelm (P W) Cedergrens (1823-1896) skisser söker jag ta reda på utifrån vilka premisser svenska marinmålare under 1800-talets senare hälft. Detta gör jag genom att undersöka vilka motiv som förekommer i P W Cedergrens skisser, och hur konstnären skildrar fartyg i dessa. Fokus i undersökningen är Cedergrens skissbok från sin studieresa i samband med Världsutställningen i London 1851. Metoden för undersökningen är kvalitativa arkivstudier, där jag sedan utför formal- och kontextanalyser på mitt urval. Analysen av skisserna utförs med hjälp av sociolog och konstvetare Janet Wolffs marxistisk-inspirerade teorier om konst som social produktion. Uppsatsens analysdel består av Världsutställningens bakgrund, en historisk redogörelse för det västerländska marinmåleriets framväxt, en biografi över Cedergren, analyser av konstnärens skisser samt en avslutande diskussion. Resultatet av undersökningen visar dels att förutom fartyg avbildar Cedergren en mängd andra motiv såsom landskap, byggnader och människor. Dels visar undersökningen att Cedergrens avbildningar av fartyg i de analyserade skisserna ofta är präglade av tekniska aspekter, snarare än estetiska. Då dessa aspekter förekommer i en del av materialet är detta dock snarare avhängigt kontexten.

Esta tese de doutorado está centrada na trajetória de vida de Pierre Verger e procura analisar sua inserção no mundo da fotografia. Focalizando o início da carreira, o trabalho dá ênfase a um período pouco conhecido da vida do fotógrafo e, para tanto, a pesquisa privilegiou, a compreensão das ligações de Pierre Verger com o núcleo familiar, dos laços desenvolvidos no grupo de amigos artistas e das demandas do mercado de trabalho. A família proporcionou-lhe o primeiro mergulho no mundo das imagens através dos negócios do pai, mas Verger guardava restrições em relação às obrigações sociais que a posição familiar na sociedade burguesa lhe exigia. Com a adesão ao grupo dos amigos infreqüentáveis, cujos integrantes viviam de maneira muito diferente da qual estava acostumado, Verger estabeleceu uma rede de contatos, formou grupos de trabalho e viagens, dos quais resultaram, a sua iniciação como fotógrafo. O mercado foi cenário tanto de concorrências e disputas quanto também impôs e sofreu a imposição do gosto predominante do período e, desta forma, as imagens que circulavam publicamente provinham dos projetos individuais dos fotógrafos e das encomendas, sendo destinadas às demandas da imprensa, da publicidade, da moda, dos editores de livros e das exposições. Entre o desejo de se livrar dos moldes da família burguesa, a adesão ao grupo de amigos livres e as exigências do mercado, Verger encontrou um caminho para firmar-se como profissional através da produção fotografia de caráter documental e humanista, 14 anos antes de sua chegada ao Brasil. / This doctoral (PhD) thesis is focused on Pierre Vergers life trajectory and searchs to analyse his integration in the photography world. Standing out the beginning of his career this work puts emphasis on a time not much knowing of the photographer life and for this the reasearch has privileged the understanding of Pierre Vergers relations with the core family, with the relations among the group of artists who were his friends and with the market demands. The family provides him the first entrance in the images world throughout his father business. Verger had some restrictions referring to the social obligations that the family status demanded from him in the bourgeoisie society. Verger had settled several contacts when he joined to the not recommended friends who lived in a different way which Verger was accostumed. He settled work groups and travels which had as result his initiation as a photographer. Photography market was in great increase in the between-wars period and had imposed so much competitions and disputes as also the wishing for some subjects which became photographal and, in this way, the images when didnt come from individual projetcs were, more often, produced according to some orders from customers: press, publicity, fashion and book publishers. Among the wish of releasing from the bourgeoisie family, his participation to the not recommended groups of friends and the market demands, Verger had found a path to stand out as profissional throughout the documental and humanist photography production, 14 years before his arrival to Brazil.

Esta tese de doutorado está centrada na trajetória de vida de Pierre Verger e procura analisar sua inserção no mundo da fotografia. Focalizando o início da carreira, o trabalho dá ênfase a um período pouco conhecido da vida do fotógrafo e, para tanto, a pesquisa privilegiou, a compreensão das ligações de Pierre Verger com o núcleo familiar, dos laços desenvolvidos no grupo de amigos artistas e das demandas do mercado de trabalho. A família proporcionou-lhe o primeiro mergulho no mundo das imagens através dos negócios do pai, mas Verger guardava restrições em relação às obrigações sociais que a posição familiar na sociedade burguesa lhe exigia. Com a adesão ao grupo dos amigos infreqüentáveis, cujos integrantes viviam de maneira muito diferente da qual estava acostumado, Verger estabeleceu uma rede de contatos, formou grupos de trabalho e viagens, dos quais resultaram, a sua iniciação como fotógrafo. O mercado foi cenário tanto de concorrências e disputas quanto também impôs e sofreu a imposição do gosto predominante do período e, desta forma, as imagens que circulavam publicamente provinham dos projetos individuais dos fotógrafos e das encomendas, sendo destinadas às demandas da imprensa, da publicidade, da moda, dos editores de livros e das exposições. Entre o desejo de se livrar dos moldes da família burguesa, a adesão ao grupo de amigos livres e as exigências do mercado, Verger encontrou um caminho para firmar-se como profissional através da produção fotografia de caráter documental e humanista, 14 anos antes de sua chegada ao Brasil. / This doctoral (PhD) thesis is focused on Pierre Vergers life trajectory and searchs to analyse his integration in the photography world. Standing out the beginning of his career this work puts emphasis on a time not much knowing of the photographer life and for this the reasearch has privileged the understanding of Pierre Vergers relations with the core family, with the relations among the group of artists who were his friends and with the market demands. The family provides him the first entrance in the images world throughout his father business. Verger had some restrictions referring to the social obligations that the family status demanded from him in the bourgeoisie society. Verger had settled several contacts when he joined to the not recommended friends who lived in a different way which Verger was accostumed. He settled work groups and travels which had as result his initiation as a photographer. Photography market was in great increase in the between-wars period and had imposed so much competitions and disputes as also the wishing for some subjects which became photographal and, in this way, the images when didnt come from individual projetcs were, more often, produced according to some orders from customers: press, publicity, fashion and book publishers. Among the wish of releasing from the bourgeoisie family, his participation to the not recommended groups of friends and the market demands, Verger had found a path to stand out as profissional throughout the documental and humanist photography production, 14 years before his arrival to Brazil.

Made available in DSpace on 2010-04-20T20:48:33Z (GMT). No. of bitstreams: 3 141654.pdf.jpg: 11249 bytes, checksum: 0a349d226896e94a55545e47b9d4c796 (MD5) 141654.pdf: 1835546 bytes, checksum: 990c782eb56bd088f3213d6d8dfb1271 (MD5) 141654.pdf.txt: 507184 bytes, checksum: 1e2ec3d8947b8112f36cea10431505bc (MD5) Previous issue date: 2006-04-20T00:00:00Z / The Neo-Institutional theory defines Organizational Fields as social spaces where actors share rules, interpretative schemata and consent with established institutions. From this perspective, one expects that field’s actors adopt and diffuse social forms. This conception of field has been expanded in order to include the phenomena of conflict and innovation. By exploring the Jazz and the MPB fields, this thesis approaches the transformations in fields of music production. First, it investigates the theoretical relationships between the concept of field and social networks, by exploring the convergence of Bourdieu’s and Harrison White’s theories. Although I don’t propose a synthesis between these two approaches, I advocate that they are complementary. Hence, I suggest that social changes might occur in tandem with the uncoupling between the social network structure and the concentration of opportunities. By reconstructing the social networks among Jazz musicians, from 1930 to 1969, I obtain a topography of band leaders and their respective styles. The findings suggest one might explain the locus of new style emergence by the field’s structure evolution. The internal changes in a field impacted several musicians’ careers. I built a “typical” career-path, which suggests a track to be covered in order to attain success. In contrast, the change in the field’s structure and meta-logics favored several musicians who didn’t follow the typical path. This contrast attempts to shed light on the individual action, which helped in turn to change the field’s logic. A field’s institutionalization allows the identification of those legitimate styles, in contrast with those that are segregated. Thus, a field’s permeability articulates its autonomous generation of norms with external elements. Again, this permeability reflects a field’s structure and logics change. By exploring the penetration of Bossa Nova in the Jazz field, I analyzed how Jazz critics participated in the legitimating and in the translating processes of Bossa Nova. This cross-influence occurred in tandem with a redefinition of both fields’ boundaries. The communication between two different fields turns to be a crucial explanative factor in the emergence of new fields. The communication between the MPB and the pop music groups (mostly Jovem Guarda) was accomplished by Tropicalists. The creation of a new position made possible the articulation of two social spaces that were polarized. It seems evident the role of conflict underlying these dynamics: the conflict within the jazz field allowed the opening and emergence of a plurality of styles that articulated in several ways the Jazz tradition with external influences. The polarization within the MPB field created the possibility of emergence of new positions and external articulation. The change within these logics took place in tandem with the drawing of new boundaries and new career trajectories around and within these fields. In contrast, these conflicts revealed shared elements that became eventually institutionalized and shared by opposing groups. / A teoria Neo-Institucional define Campos Organizacionais como espaços onde atores compartilham regras, esquemas interpretativos e consentem com as instituições estabelecidas. A partir dessa perspectiva, espera-se que as formas sociais sejam adotadas e difundidas pelos membros do campo. Essa visão de campo tem sido expandida para dar conta dos conflitos e inovação. A partir da investigação do campo de Jazz e da MPB, aborda-se a tranformação em campos de produção musical. Em primeiro lugar, investiga-se as relações teóricas entre o conceito de campo e redes sociais, atavés da aproximação das teorias desenvolvidas principalmente por Bourdieu e White. Evitando-se a síntese desses dois corpos teóricos, sugere-se o potencial de complementaridade entre as duas abordagens. Assim, sugere-se que mudanças sociais podem ser acompanhadas pelo descasamento entre a estrutura de redes sociais e a concentração de oportunidades. A partir do mapeamento das redes sociais do campo de Jazz, de 1930 a 1969, obtem-se uma topografia dos líderes de banda e seus respectivos estilos. Verifica-se que o lugar de emersão de novos estilos pode ser explicado pela evolução da estrutura do campo. As tranformações internas a um campo impactam as carreiras dos músicos. Constroi-se uma carreira “típica” de um músico de jazz, que sugere uma trilha a ser percorrida para que se alcance o sucesso. Em contrapartida, a mudança na estrutura e lógica do campo de Jazz levou ao favorecimento de músicos que não seguiram a carreira típica. Essa contraposição é importante para aproximar a análise à ação dos individuos co-responsáveis pela mudança na lógica do campo. A institucionalização de um campo possibilita a definição daqueles estilos que são legítimos, em contraposição com aqueles que são segregados. Dessa forma, a permeabilidade de um campo conjuga a a geração autônoma de normas com elementos externos. Novamente, essa permeabilidade é reflexo da transformação da estrutura e lógica do campo. A partir da penetração da Bossa Nova no campo de Jazz americano, analisou-se a participação dos críticos na avaliação, legitimação e tradução da Bossa Nova. Essa influência cruzada foi acompanhada pela redifinição das fronteiras entre os campos. A comunicação entre campos distintos surge como um fator crucial na explicação da emersão de novos campos. A comunicação entre os campos de Música Popular Brasileira e Música Pop (principalmente Jovem Guarda) foi realizada pelos músicos do movimento Tropicalista. A criação de uma nova posição possibilitou a articulação entre dois espaços sociais que encontravam-se polarizados. Percebe-se o papel do conflito nessas dinâmicas: o conflito dentro do campo do jazz permitiu a sua abertura e emersão de uma pluralidade de estilos que articulavam de formas distintas a tradição do jazz e as influências externas. A polarização dentro do campo da MPB criou a possibilidade de criação de novas posições internas e articulações externas. As mudanças nessas lógicas foram concomitantes com o desenho de novos contornos do campo e novas trajetórias das carreiras. Em contrapartida, esses conflitos revelaram elementos compartilhados que se tornaram institucionalizados e aceitos por grupos opostos.

Si la fascination incitée par l'art se montre incontestable, son autonomie en tant que sphère de la vie sociale, qui existe par lui-même et en lui-même ne se confirme pas. Selon de nombreux sociologues, l'art, comme toutes les activités humaines, se construit socialement et ne se présente pas exclusivement liée à des éléments essentiellement esthétiques. Dans cette perspective, des artistes, des experts en général, commissaires-priseurs et les acheteurs jouent leur rôle sur le marché de l’art visuel. Le but de ma recherche doctorale est d'analyser le marché de l’art contemporain à Rio de Janeiro et São Paulo entre 2010 et 2013. Grâce à ce circuit de production et de circulation d’oeuvres d’art, nous allons analyser l'insertion, l'influence de ces parties prenantes exercent sur le monde de l’art contemporain et la relation qu’ils cultivent entre eux. En outre, nous allons explorer les similitudes et les différences entre le marché de l'art dans les deux plus grandes villes du Brésil et d'autres villes à l'étranger, en particulier le marché de l'art à Paris. / The writing of Clarice Lispector is inhabited by a deep tension to rapture. This term, which may correspond to the Brazilian words êxtase, enlevo, is not common in the lexicon of Lispector; however, we chose to build a question observing the multiple occurrences of ecstatic figures which belong to her work. First, the rapture unfolds as a fracture in the temporality plan: it tears the opacity of the daily life, exposing the female protagonists of Lispector’s stories and novels to a different order of meaning and of reality, placing them outside the scope of understanding. The tension triggered by this rupture, the (des)encontro, leads the speech into a space that is, in Lispector’s terms, behind the thought. This work explores the possibility of addressing some of Clarice Lispector’s texts to highlight the range and depth of the tension which characterizes rapture, pursuing the highly non-thinking power of the writing of Clarice Lispector: its hieroglyphic character. In this perspective, the work of the Brazilian writer can be (re)thought as a struggle toward the not knowing, to which the writer refers in her text Água Viva (1973) as « thought behind the thought ».