This dissertation interrogates obscured Indigenous identities by way of an original dramatic script that employs story-telling as an inherent cultural device that sustains a sense of peoplehood. In an art-based inquiry, I use Gerald Vizenor's notion of "postindian" to respond to the ways in which postindian identities establish "survivance"; that is, how the presence, resistance and endurance of Indigenous lives challenge simulations. Native histories in the shadow of dominance can be reimagined through cultural acts of resilience that overcome internalized oppressions or what Augusto Boal referred to as the "cop in the head". Reproductions of the image of oppressor are too often constructed in the image of self that prevents authentic being. The script demonstrates the criticality of authoring a counter-narrative that celebrates Indigenous history remembered and survived. Through Indigenous values of relationality and responsibility, it offers an unfinished third act of the play. The final act confers agency upon a future community audience to engage in an interactive style of participation known as Theater of the Oppressed to explore various resolutions.

This paper proposes the notion that early Native American autobiographical writings from such authors as William Apess provide rich sources for understanding syncretic authors and their engagement with dominant Anglo-Christian culture. Authors like William Apess construct an understanding of what constitutes Indianness in similar and different ways to the master narratives produced for Native peoples. By studying this nonfiction, critics can gain a broader understanding of contemporary Indian fiction like that of Sherman Alexie. The similarities and differences between the strategies of these two authors reveal entrenched stereotypes lasting centuries as well as instances of bold re-signification, a re-definition of Indianness. In analyzing these instances of re-signification, this paper focuses on the performance of re-membering, the controversy of assimilation/authenticity, accessing audience, the discourse of Indians as orphans, and journeys to the metropolis.

De nombreux artistes interrogent aujourd'hui le phénomène de la démolition et de la disparition de bâtiments dans la ville. En éveillant la mémoire du disparu, en évoquant l'esprit des lieux, en provoquant une douce nostalgie ou en critiquant la modernisation effrénée des villes, leurs œuvres composent des récits qui orientent nos expériences du temps et de l'espace. Ce mémoire porte sur les représentations artistiques de la démolition et de la disparition urbaines et sur les récits qu'elles mettent en forme. À partir de l'étude d'un corpus de trois œuvres d'art contemporain, The Writing on the Wall de Shimon Attie, Souvenirs de Berlin-Est de Sophie Calle et Phantom Shanghai de Greg Girard, j'examine la dynamique narrative de ces représentations et interroge les conceptions du temps et de la ville qu'elles reproduisent. Les traces, les fantômes et la nostalgie sont les trois éléments centraux autour desquels s'organise le sens des œuvres. Ces figures de l'absence configurent un temps où le passé ne disparaît jamais tout à fait, mais où il survit dans les lieux du quotidien. Les œuvres mettent ainsi en forme des récits de la survivance et du retour qui reproduisent une pensée moderne du temps, c'est-à-dire une conscience du contemporain et du passage, qui, à travers sa propre critique, provoque son continuel renouvellement. En activant les traces du disparu et en faisant émerger les fantômes de nos mémoires nostalgiques, les artistes participent aussi à rendre les villes contemporaines habitables et à montrer la diversité qui les anime dans le contexte de leur « mégapolisation ». Les œuvres d'art transforment ainsi le regard que nous portons sur nos espaces de vie, en nous apprenant à voir les fantômes dans la ville. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Œuvres d'art contemporain, récits, temps, ville, démolition, disparition, traces, fantômes, nostalgie, modernité, mégapole.

L'œuvre Au-delà du regard constitue le corps de la présente thèse création. Elle explore les enjeux liés à la mémoire et propose une réflexion sur la mort et la survie. Des signes de l'imaginaire féminin appartenant à la fin du XIXe et au début du XXe siècle sont mis en scène dans une installation vidéographique. Celle-ci se compose de projections d'images photographiques animées de visages de femmes, d'un ensemble de quatre cents têtes de poupées disposées au sol, dont certaines sont identifiées par un prénom; des codes d'identification numérique et des noms de famille inscrits sur certains murs de la salle d'exposition. La création de ce lieu de mémoire est une invitation à découvrir ces femmes, à s'interroger sur leur existence et ainsi, à les faire revivre dans notre imaginaire. L'œuvre présente également un questionnement sur les migrations des mémoires de femmes qui, à travers le regard d'aujourd'hui se réactualisent constamment. Ma proposition dépasse la question de la femme et ouvre sur le thème de la finitude de l'humain et de l'installation comme espace de commémoration. Dans le contexte de cette thèse création, une approche descriptive et autopoïétique est privilégiée. Le point de vue adopté est celui de la production et l'accent est mis sur la genèse et le processus de création d'Au-delà du regard. Le texte qui accompagne l'œuvre prend la forme d'un récit de pratique qui décrit et analyse différentes stratégies et opérations artistiques, instaurant une dialectique entre l'effacement et la réactivation de la mémoire des femmes. Autrement dit, l'observation et l'analyse portent sur le travail de collecte d'images dans les archives photographiques brésiliennes et québécoises; sur les différents processus de traitement des images comme la numérisation, le découpage et l'animation; sur le travail sculptural, c'est-à-dire, le processus de reproduction de poupées en argile par le moulage et, finalement, sur la mise en espace de l'œuvre. Plusieurs études philosophiques sur la photographie, l'indice, les archives, la théorie de l'image numérique, la vidéo, le moulage, l'installation et la mémoire m'ont permis d'analyser les opérations sur lesquelles se fonde ma pratique. M'appuyant sur un cadre théorique hybride et hétérogène, harmonisé par l'autopoïétique, j'analyse d'un point de vue d'artiste un corps d'œuvres contemporaines. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : archives, installation, mémoire, mort, opérations artistiques, photographie de femme, survivance, vidéo.

Thèse (M.A.)--Université Laval, 2008. / Bibliogr.: f. 90-98. Publié aussi en version électronique dans la Collection Mémoires et thèses électroniques.

This dissertation examines the discursive and material terrain of urban Indigenous education in a public school district and Title VII/Indian Education program. Based in tenets of Tribal Critical Race Theory and utilizing counterstorytelling techniques from Critical Race Theory informed by contemporary Indigenous philosophy and methodological theory, this research takes as its focus the often-unacknowledged ways settler colonial discourses continue to operate in public schools. Drawing on two years of fieldwork in a public school district, this dissertation documents and makes explicit racial and colonial dynamics that manifest in educational policy and practice through a series of counterstories. The counterstories survey a range of educational issues, including the implementation of Native-themed curriculum, teachers’ attempts to support Native students in their classrooms, challenges to an administrator’s “no adornment” policies for graduation, Native families’ negotiations of erasures embedded in practice and policy, and a Title VII program’s efforts to claim physical and cultural space in the district, among other issues. As a collective, these stories highlight the ways that colonization and settler society discourses continue to shape Native students’ experiences in schools. Further, by documenting the nuanced intelligence, courage, artfulness, and what Gerald Vizenor has termed the “survivance” of Native students, families, and educators as they attempt to access education, the research provides a corrective to deficit framings of Indigenous students. Beyond building empathy and compassion for Native students and communities, the purpose is to identify both the content and nature of the competencies teachers, administrators, and policy makers might need in order to provide educational services that promote Indigenous students’ success and well-being in school and foster educational self-determination. This research challenges educators to critically interrogate taken-for-granted assumptions about Native identity, culture, and education and invites educators to examine their own contexts for knowledge, insights, and resources to better support Native students in urban public schools and intervene into discourses that constrain their educational experiences.

In this essay, the aim is to analyse the representation of collective and cultural trauma within the narrative of Tommy Orange's novel There There, as well as how the novel is redressing the experience of traumatisation, leading a way towards healing. To do this, the essay will focus on six of the novel's characters as well as the title, prologue and interlude. By using concepts of colonial and transgenerational trauma as well as survivance to approach the novel, the essay will argue that, as it makes the trauma visible, the narrative shows that healing can still be possible after traumatisation.

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Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal