Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-08-10T17:41:46Z No. of bitstreams: 1 2016_HugoNicolauVieiradeFreitas.pdf: 9101385 bytes, checksum: da35860ece95eef5d9b929b1077ab2f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-10-13T17:32:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_HugoNicolauVieiradeFreitas.pdf: 9101385 bytes, checksum: da35860ece95eef5d9b929b1077ab2f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-13T17:32:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_HugoNicolauVieiradeFreitas.pdf: 9101385 bytes, checksum: da35860ece95eef5d9b929b1077ab2f8 (MD5) / Esta pesquisa investiga um processo de composição de espetáculo teatral com adolescentes de três escolas públicas de ensino médio das cidades de Brasília e Guará tendo como processo de ensino/aprendizagem a leitura da espacialidade ou leitura do meio – metodologia de ensino muito utilizada em estudos geográficos. A partir da oficina teatral Leve Supra Cena – Teatro de Pesquisa, lanço meu olhar sobre as seguintes questões: ensinar teatro a partir da leitura da espacialidade contribui para a aproximação entre o estudante do ensino médio da escola pública com essa linguagem artística? Pode auxiliar o estudante a se relacionar melhor com o espaço que o cerca? Como a produção de conhecimento se dá quando os adolescentes realizam um processo de ensino de teatro pela leitura da espacialidade onde haverá um produto final? Guiado por essas e outras questões, ministrei oficina teatral de 100 horas com 17 adolescentes entre 16 e 18 anos de idade. Como referencial teórico para três áreas de conhecimento distintas e que aqui se complementam – Geografia, Pedagogia e Teatro – busco suporte em Milton Santos, Paulo Cesar da Costa Gomes, Lev Vygotsky e Paulo Freire, entre outros. Como metodologia de pesquisa utilizo a pesquisa-ação integral (P-AI) de André Morin e René Barbier e alguns elementos da pesquisa-ação participante de Kemmis, visto que essa forma de pesquisa privilegia as vozes dos sujeitos nela imersos. O resultado do processo contribuiu para muito além das estruturas estéticas evidentes em composições artísticas teatrais, dada a evidente integração socioafetiva dos estudantes e sobre a forma como estes se têm posicionado frente aos questionamentos cotidianos. Como resultado estético, discorro sobre a criação do espetáculo teatral Dispa-se. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research investigates the process of composing a theatrical production with students from three public high schools in the cities of Brasilia and Guará. I employed the reading of spatiality, or reading of geographical space, in the teaching-learning process - a methodology that is widely used in geographical studies. Through the dramatic workshop, Leve Supra Cena- Teatro de Pesquisa, I turned my gaze to the following questions: Does teaching theatre from the perspective of reading spatiality contribute to a proximity between the public high school student and this artistic language? Can this method help students relate better to their surroundings? How does the production of knowledge occur when teens engage in an educational theatre process through the reading of spatiality towards a final production? Guided by these and other questions, I taught theater workshops for 100 hours with 17 teenagers between 16 and 18 years old. As a theoretical framework that supported me in three distinct areas of knowledge (geography, pedagogy, and theatre), I employed among others Milton Santos, Paulo Cesar da Costa Gomes, Lev Vygotsky and Paulo Freire. As a research methodology I used the Action Research Integral by André Morin and René Barbier and some elements of Kemmis’ research-action participation since this research privileges the voices of the subjects immersed in it. I observed that the results of this process contributed far beyond the aesthetic structures that are typically evident in theatrical production given the apparent socio-affective integration of students and the way they positioned themselves before everyday questions. As an aesthetic outcome, I discuss at length the staging of the dramatic production, Dispa-se (Undress Yourself).

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-graduação em Literatura, 2016. / Submitted by Marianna Gomes (mariannasouza@bce.unb.br) on 2016-12-08T13:46:23Z No. of bitstreams: 1 2016_FernandaPaixãoAraujoPinto.pdf: 2032987 bytes, checksum: 6941615c9b56704f584302f4a24ffdc9 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-12-20T17:19:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_FernandaPaixãoAraujoPinto.pdf: 2032987 bytes, checksum: 6941615c9b56704f584302f4a24ffdc9 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-20T17:19:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_FernandaPaixãoAraujoPinto.pdf: 2032987 bytes, checksum: 6941615c9b56704f584302f4a24ffdc9 (MD5) / Os estudos sobre a criação autoral e as relações interartes, numa abordagem teórico-prática, compõem o lugar da pesquisa desta dissertação. O processo constitutivo do monólogo “Casa Caos” e a transposição do texto para a cena teatral são analisados com base em teorias sobre o processo criativo da autoria, sobre a significação da linguagem nos estudos interartes e intermídias, por meio de exercícios da estética comparada e pelos estudos das características intermidiais do teatro pós-dramático. A pesquisa resulta na criação do monólogo Casa Caos e, a partir desse processo criativo, investiga os efeitos do trânsito de um sistema textual para outro imagético-sensorial, com a premissa de que há ressignificação do texto no processo de transcriação cênica-midiática do texto fonte. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The main topic of research of this dissertation lies within the studies on the authorial creation and interarts relations in a theoretical and practical approach. The constitutive process of „Casa Caos‟ monologue and the text transposition into the theatrical scene are analyzed with the theoretical base of the author's creative process. In addition, it dwells on the language significance of interarts and intermedia studies through compared aesthetic exercises and studies of post-dramatic theater characteristics. The research results in the creation of the monologue Casa Caos and, from that creative process, investigates the effects of the transit of a textual system to another-sensory imagery, with the premise that there is text reframing in the process of ressignification transcreation scenic-text media source.

Orientador : Prof. Dr. Walter Lima Torres Neto / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Letras. Defesa: Curitiba, 25/08/2017 / Inclui referências : f. 132-136 / Resumo: Esta dissertação tem como objetivo analisar os discursos presentes nos programas da Companhia Brasileira de Teatro (CBT), demonstrando que os programas teatrais servem como fontes para pesquisas teóricas e carregam uma carga textual poética e estética concernente à pesquisa do coletivo, que vai além de informações básicas relativas ao horário, à data e ao local da apresentação do espetáculo. A partir das análises dos programas dos espetáculos, a pesquisa se debruça sobre os caminhos artísticos da Companhia Brasileira de Teatro ao longo de sua trajetória, dando destaque aos conceitos utilizados pelo coletivo, aos autores, às linhas estéticas, aos processos de edificação cênica e à produção dos espetáculos. Além disso, ressaltamos as informações contidas nos programas como dados em movimentação e transformação, e menos como unidades estáveis. Com isso, buscamos traçar um breve panorama das perspectivas e tendências estéticas desenvolvidas pela CBT, trazendo à luz peculiaridades do teatro contemporâneo. Palavras-chaves: Programas de Teatro; Teatro Brasileiro; Dramaturgia. / Abstract: This dissertation aims to analyze the discourses present in the programs of Companhia Brasileira de Teatro (CBT), demonstrating that theatrical programs serve as sources for theoretical research and carry a poetic and aesthetic textual meaning concerning the research of the collective, which goes beyond basic information related to the time, the sate and the place of presentation. Based on the analyzes of the programs of the shows, the research focuses on the artistic paths of Companhia Brasileira de Teatro throughout its trajectory, highlighting the concepts used by the collective, the authors, the aesthetic lines, the processes of scenic building and Production of the spectacles. In addition, we emphasize the information contained in the programs as data in movement and transformation, and less as stable units. With this, we seek to give a brief overview of the perspectives and aesthetic tendencies developed by the CBT, bringing to light peculiarities of contemporary theater. Key words: Theater Programs; Brazilian Theater; Dramaturgy.

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Fabiane Renata Borsato / Banca: António Manuel João Preto / Resumo: Manoel de Oliveira, um dos mais renomados cineastas da atualidade, busca sempre inovar a cada filme que realiza. Observando o conjunto de suas produções, é possível afirmar que uma das características mais marcantes de sua obra é a utilização de textos literários como fonte para os seus filmes. O cinema oliveiriano, vale dizer, também preza o uso de elementos teatrais, buscando, através desse artifício, aproximar a arte do cinema de outras artes, especialmente a do teatro, ao lado da literária e de outras que tanta importância têm no seu cinema como, por exemplo, a música e a pintura. A relação estreita que Manoel de Oliveira estabelece entre o cinema e outras artes, acaba por provocar um efeito estético totalmente característico: o distanciamento entre o espectador e a obra, a fim de mostrá-la efetivamente como uma obra de ficção. Pensando nessa concepção estética de Manoel de Oliveira, o objetivo deste trabalho é analisar um de seus filmes baseados em textos literários - O meu caso (Mon cas), filme paradigmático da obra do cineasta, produzido em 1986 e inspirado no drama homônimo de José Régio. Para tanto, faremos uso de algumas das principais teorias do cinema e do teatro moderno, como a fundamentação sobre Opacidade e Transparência do discurso cinematográfico, proposta por Ismail Xavier, no intuito de compreender o funcionamento da linguagem cinematográfica; as teorias sobre montagem do renomado cineasta Sergei Eisenstein, através da qual se busca elucidar o funcionamento da construção do discurso no cinema, e a teoria do Drama Moderno, de Peter Szondi, a fim de compreender melhor as relações que o cinema de Oliveira estabelece com o teatro. Na bibliografia básica da pesquisa, destacam-se ainda nomes como António Preto, Patrice Pavis, Marcel Martin, dentre outros. Pretendemos identificar no filme Mon cas essas singularidades estéticas e a relação interartes, sobretudo, verificando a hipótese ... / Abstract: Manoel de Oliveira, one of the most reputed directors nowadays, has a innovative aproach on each new released movie. Through observing his entire work it is possible to affirm that one of his main characteristics is the use of literature work as source for his movies. Further teatrical elements are also used in Oliveira's cinema, aproching the art of cinema to others arts, especially theather, besides literature, music and painting, which are important in his production. The result of the closely relation between diferent kinds of arts is a Oliveira proper aesthetic effect: the distanting effect between espectator and the movie, expliciting what it actualy is, a fictional movie. From Manoel de Oliveira's aesthetic conception, the present dissertation intent to analysis one of his movies based on literature text - O meu caso (Mon cas), a paradigmatic work, produced in 1986, inspired on a José Regio homonym play.Therefore, some of the major modern cinema and theather theory will be used, as Ismail Xavier's cinematic discourse theory, grounded on Opacity and Transparency, to understand the cinema language; filmmaker Sergei Eisenstein montage's theory argued cinema speech, and the Modern Drama theory, of Peter Szondi, to have better comprehension of Oliveira's relation with theather. The research basic bibliograph highlights António Preto, Patrice Pavis, Marcel Martin, among others. Try to identify this aestethic singularity and the relation between arts, speacially, testing the hypothesis that Manoel de Oliveira dialogs sistematicly with the theatral aesthic - like Brecht, besides the same engagement level - With didatic intention, bring spectator to think about cinema language forms and its possible senses. It is intented to identify on Mon cas this aestethic singularity and the relation between arts, speacially, testing the hypothesis that Manoel de Oliveira dialogs sistematicly with the theatral aesthic - like Brecht, aside the same ... / Mestre

Orientador: Mario Fernando Bolognesi / Banca: Maria Lucia de Souza Barros / Banca: Kathya Maria Ayres de Godoy / Resumo: Esta pesquisa teve como principal objetivo estudar procedimentos pedagógicos de treinamento corporal de atores. Para isso, o processo artístico e pedagógico da diretora, atriz e professora da Escola de Arte Dramática EAD-USP, Cristiane Paoli Quito, serviu de guia e condutor desta pesquisa. Os sujeitos observados foram os alunos do terceiro ano da Escola de Arte Dramática, Turma 59/EAD-USP. O período estudado foi de agosto a dezembro de 2009. Foram observados e analisados os procedimentos pedagógicos de construção da dramaturgia corporal, utilizadas por essa diretora na montagem da peça teatral O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, adaptada ao teatro pelo dramaturgo e professor da Escola de Arte Dramática (USP), Rogério Toscano, com a colaboração de todo o elenco de atores/estudantes da turma 59/EAD-USP. A montagem da peça, O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, fez parte da aula de Estudos e Práticas de Montagem e foi dirigida por Cristiane Paoli Quito. Mesmo tendo observado e analisado a montagem teatral como um todo, concentrei-me em um foco principal: descrever e analisar o processo pedagógico de construção da dramaturgia corporal na montagem da peça O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá de modo a compreender como Cristiane Paoli Quito trabalha, pedagogicamente, a construção da dramaturgia corporal com alunos/atores na criação de um espetáculo. Sendo assim, o trabalho pedagógico de construção das ações físicas com os atores da turma 59 EAD/USP teve maior importância nesta pesquisa, se comparada a outros elementos que envolvem uma montagem teatral (texto, direção, luz, cenário, música, figurino etc.). O trabalho da coreógrafa e bailarina Tarina Quelho também foi analisado, uma vez em que essa fez a parte da preparação corporal dos alunos/atores, através da técnica do BMC... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The main aim of this study is to understand pedagogical procedures of the bodily training of actors. For this, the artistic and pedagogical process of Cristiane Paoli Quito director, actress and teacher at the School of Dramatic Art EAD-USP served as a guide. The third year students of the School of Dramatic Art, Group 59 EAD-USP were the subjects observed. The study took place between August and December 2009. The procedures utilised by this director while putting together the play The Swallow and the Tom Cat : A Love Story were observed and analysed. This literary work by Jorge Amado was adapted to the stage by Rogerio Toscano, teacher and dramatist at the School of Dramatic Art EAD-USP, with the collaboration of the whole cast of actors / students of Group 59. The putting together of the play The Swallow and the Tom Cat: A Love Story was part of a class called Estudos e Praticas de Montagem (Studies and Practices of plays) and was directed by Cristiane Paoli Quito. Even having observed the putting together of the whole play, the study main focus is: describe and analyse the pedagogic construction of the physical dramatisation of the play. This study can be summed up with one main question: how is it that Cristiane Paoli Quito work, pedagogically with the construction of the physical drama with students/actors in the creation of the play? In this way the pedagogical work of the construction of the physical actions of the actors of Group 59 EAD/USP was the most important thing in the study, if compared to the other elements which are involved in putting together a play (text, lights, scenery, music and costumes). The work of the choreographer and ballerina Tarina Quelho was also analysed, as she prepared the students/actors using a technique called BMC (mind body centring). Rogerio Toscano took part as a dramatist, helping Group 59 in reinterpretation of Jorge Amado's original text. He is also extensively quoted in this dissertation / Mestre

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramirez / Banca: Mário Fernando Bolognesi / Banca: Cassiano Sydow Quilici / Título na capa do anexo: Escritos de si e escritos de outros: descrições, dramaturgias, narrativas e roteiros da atividade criadora do Terra de Santo de Os Fofos Encenam / Resumo: Partindo de uma abelhudice do pesquisador sobre o ato criador do grupo de teatro Os Fofos Encenam, que desenvolve seus trabalhos artísticos na cidade de São Paulo, essa pesquisa atravessa o período dos procedimentos e processos da atividade criadora do projeto Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, que tinha em seu principal objetivo, a investigação das manifestações e rituais sacro-profanos da cultura da cana-de-açúcar nos cinco séculos de Brasil, um pretexto para estabelecer um olhar sobre a sociedade brasileira contemporânea e a busca de uma tradução dramatúrgica e cênica desta relação. Esta pesquisa buscou compreender a gênese, a essência, o modus operandis desta atividade de criação artística, tratando-se, dessa forma, de uma análise fenomenológica embasada parcialmente na proposta metodológica de pesquisa-ação, visto que o pesquisador-ator é também um ator-pesquisador do processo de criação, e atrelada à metodologia pluralista de Paul Feyerabend e à relação de complementaridade defendida por Niels Bohr, que possibilitam uma percepção perspectivista e menos racional sobre o percurso do projeto de Os Fofos Encenam e seus resultados: o texto dramatúrgico pós-cênico e o texto espetacular Terra de Santo. Texto construído em processo colaborativo entre o dramaturgo e os atores; uma encenação como forma primária de site-specific e atos de criação de personas fundamentados na memória pessoal. / Abstract: Arising from the researcher's curiosity about the creative activity of the theater group Os Fofos Encenam, which develops its artwork in the city of São Paulo, the present research was conducted along the procedures and processes of the creative activity of the project Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, whose main goal was to investigate the manifestations and sacred-profane rituals of Brazil's sugar cane cultivation throughout the country's five centuries, a pretext to perceive the Brazilian contemporary society in order to portray a dramaturgical and scenic translation of it. The present research sought to understand the genesis, the essence, the modus operandis of the referred artistic creation activity, therefore, it is a phenomenological analysis partially grounded in the methodological approach of action-research, seeing that the researcher-actor is also an actor-researcher of the creation process. The research is linked to Paul Feyerabend's methodological pluralism and the complementarity principle, formulated by Niels Bohr, which enables a perspectival and less rational perception of the route of the project Os Fofos Encenam and its results: the post-scenic playscript and the spectacular Terra de Santo script. Playscript made by the collaborative process of the playwright and the actors; a primary form of site-specific art staging and the act of creating personas based on personal memory. / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Línguas Estrangeiras e Tradução, Programa de Pós-graduação em Linguística Aplicada, 2014. / Submitted by Ana Cristina Barbosa da Silva (annabds@hotmail.com) on 2014-12-01T16:29:52Z No. of bitstreams: 1 2014_EduardoDiasdaSilva.pdf: 883242 bytes, checksum: c6d79bd5006ffd42b3b170051086681d (MD5) / Approved for entry into archive by Patrícia Nunes da Silva(patricia@bce.unb.br) on 2014-12-02T12:11:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_EduardoDiasdaSilva.pdf: 883242 bytes, checksum: c6d79bd5006ffd42b3b170051086681d (MD5) / Made available in DSpace on 2014-12-02T12:11:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_EduardoDiasdaSilva.pdf: 883242 bytes, checksum: c6d79bd5006ffd42b3b170051086681d (MD5) / Esta dissertação de mestrado, situada no campo da Linguística Aplicada, tem como ob-jetivo analisar e encorajar as práxis do uso de textos teatrais, do corpo e da voz como mediadores da apropriação da oralidade da língua estrangeira (Francês) em ambientes de ensino-aprendizagem e propiciar mais um referencial teórico multiplicador do fazer para os professores de línguas, sob a perspectiva hermenêutica-fenomenológica de Ri-coeur (1976; 1978; 1989; 1990) e de Gadamer (1977; 2010), que consiste no referencial metodológico adotado pela metapesquisa qualitativa de modalidade de análise docu-mental apresentada aqui. Discuto os princípios teóricos em torno dos conceitos de lín-gua e de linguagem com o objetivo de justificar o arcabouço teórico utilizado. Em se-guida, abordo o texto teatral, suas definições e características como pertencente ao cons-truto texto estético; a teoria dos gêneros discursivos proposta por Bakhtin também é visitada neste trabalho. O sócio-interacionismo discursivo, o papel do ritmo, do discurso e da voz são também alvos de análise e reflexão, pois auxiliam na apropriação da orali-dade ou práticas orais no ensino-aprendizagem de língua estrangeira. Na presente dis-sertação, o francês é o idioma que será verificado na aplicação do texto teatral, o corpo e a voz como mediadores destas práticas, em Massaro (2001; 2007; 2008) e em Reis (2008; 2011; 2012), vistos em suas abordagens dentro da perspectiva do professor refle-xivo no exercício das suas práticas reflexivas. Finalmente, apresento o corpo nos deba-tes sobre interação e aprendizagem de língua estrangeira. A relação do sujeito com o corpo e sua constituição pela interação são também parte deste estudo, sua importância nos dias de hoje, bem como sua inclusão nos estudos discursivos e no processo de ensi-no-aprendizagem de uma língua estrangeira. Ao final deste estudo, verifiquei que as técnicas teatrais em uso, pelos professores pesquisadores Massaro e Reis, propiciaram aos aprendentes uma situação real de comunicação e os conduziram a fazer uso do FLE, o que possibilitou uma abertura à apropriação da oralidade, à colaboração e à criativida-de. O objetivo da proposta foi refletir sobre o uso das técnicas teatrais, que interpelam o aprendente através da afetividade, da subjetividade, do corpo e da voz, para favorecer a produção oral em LE e teve como fundamento a ideia de que pela experiência viva da “oralização” e da “encenação” de um texto teatral o aprendente pode superar as inibi-ções iniciais de falar uma LE. A dissertação está organizada em capítulos e em subse-ções para oferecer leitura mais didática; porém, a análise deve ser feita de um plano elevado que permita visualizá-la holisticamente, visto que todas as suas partes estão interligadas, ou seja, a análise do texto e das práticas discursiva e social bem como das ordens do discurso que as atravessam estão enredadas, sendo, logo, inseparáveis. As considerações finais não têm como objetivo exaurir o assunto e sim colocar reticências nesta pesquisa e abrir vários pontos de interrogações para, quem sabe, serem considera-dos por pesquisas/pesquisadores em futuro próximo. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This Master’s thesis on Applied Linguistics area has the aim to analyze and encourage the praxis of theatrical texts, body and voice use as mediators of oral skill appropriation of Foreign Languages (French) in teaching-learning environments. Moreover, it also provides another theoretical frame that multiplies the performance of language teachers from Ricoeur (1976; 1978; 1989; 1990) and Gadamer (1977; 2010) hermeneutical and phenomenological point of views, which are the methodological frame used by the qua-litative meta-research of documental character presented here.The theoretical principles about the concepts of language are discussed in order to justify the theoretical frame-work used. Hereupon, the theatrical texts, their definitions and characteristics as part of esthetical text construct are approached. In addition, Bakhtin discursive genders theory is also approached by this paper. The discursive social-interactionism, the roles of rhythm, speech and voice are also analyzed and thought because they help in the oral skill appropriation or oral practices in the teaching-learning of foreign languages. In the current paper, the French language is the language approached in the theatrical text ap-plication, body and voice as mediators of these practices in Massaro (2001; 2007; 2008) and Reis (2008; 2011; 2012), that are seen within their approaches in the teacher’s pers-pective of the reflective practices. Finally, the body is presented when debating about interaction and learning of a foreign language. The subject relation with the body and its constitution by its interaction are also part of this research, its importance nowadays, as well as its inclusion in the discursive studies and in the foreign language teaching-learning process. By the end of this study, it was verified that the theatrical techniques used by the professors and researchers Massaro and Reis provide learners with a com-munication real situationand lead them to use FLE - French as a Foreign Language, which enabled an opening to orality appropriation, collaboration and creativity. The aim of this proposal was to think over the theatrical techniques are questioned by the learn-ers through affectivity, subjectivity, body and voice to favor the oral production of LE – Foreign Language. And, the proposal is based on the idea that, by the lived experiences of “oralization” and “role play” of a theatrical text, the learner can overcome initial in-hibitions of speaking a LE. An option was made to organize this work into chapters and subsections to enable a more didactic reading; however, it is important to enhance that the analysis should be read from a higher level that allows one to holistically visualize it taking into consideration all the parts entwined, i.e., the text, discursive and social prac-tice analysis are all connected as well as speech orders that cross them are entangled, hence, inseparable. The final considerations do not have the aim to end up the subject, but to open up debates to be made by future research/researchers.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2006. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2010-05-06T13:13:08Z No. of bitstreams: 1 Jose Fernando Marques de Freitas Filho.pdf: 1136208 bytes, checksum: cf0405fd121fcfba6c8ea5a32a406414 (MD5) / Approved for entry into archive by Lucila Saraiva(lucilasaraiva1@gmail.com) on 2010-05-06T17:01:22Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Jose Fernando Marques de Freitas Filho.pdf: 1136208 bytes, checksum: cf0405fd121fcfba6c8ea5a32a406414 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-05-06T17:01:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jose Fernando Marques de Freitas Filho.pdf: 1136208 bytes, checksum: cf0405fd121fcfba6c8ea5a32a406414 (MD5) Previous issue date: 2006-05 / A prática do teatro musical no Brasil remonta à segunda metade do século XIX, sobretudo a seus dois últimos decênios. Gênero de vigência irregular, que tem conhecido momentos produtivos, seguidos por períodos menos ricos, o musical teve uma de suas fases mais férteis, no país, durante as décadas de 1960 e 1970. Nesses anos, o teatro brasileiro freqüentemente se organizou na forma do espetáculo cantado para responder, de modo crítico, ao regime militar. As soluções estéticas mobilizadas nessas peças reeditaram as práticas nacionais da farsa e da revista, assimilaram influências estrangeiras (os alemães Erwin Piscator e Bertolt Brecht, o musical norte-americano) e, sobretudo, afirmaram caminhos artísticos originais, capazes de envolver o público. Lembre-se, contudo, que essas montagens de índole popular quase sempre se viram restritas a platéias de classe média, o que em parte se pode explicar pelo contexto em que se realizaram. Os textos do musical brasileiro registram o instante histórico, fixam tendências que transcendem aquele instante e deixam lições estéticas às quais se pode voltar ainda hoje. As estratégias épicas, isto é, narrativas (por exemplo, o modo de a música se inserir no enredo) e os diálogos em verso estão entre essas lições. O primeiro capítulo deste trabalho traça panorama do teatro musical a partir de 1960, abordando brevemente alguns dos principais espetáculos do gênero escritos e encenados em duas décadas. O segundo capítulo discute as idéias estéticas que circularam naqueles anos, com destaque para as teses de Bertolt Brecht, acompanhadas pelo que escreveram comentaristas brasileiros de sua obra. Tratou-se também dos conceitos devidos a Georg Lukács, filósofo e critico húngaro lido pelas esquerdas, entre as quais se achavam muitos dos artistas de teatro que exercitaram o musical no país; entre esses artistas, encontram-se Augusto Boal e Ferreira Gullar, que tiveram as suas idéias abordadas em seções específicas. O terceiro capítulo, por fim, destina-se a analisar em detalhe oito textos teatrais, julgados exemplares do gênero naquela fase. Depois de distribuir os textos a serem examinados em quatro famílias estéticas (o texto-colagem, a peça diretamente inspirada em fontes populares, o texto épico de matriz brechtiana e a peça apoiada na forma da comédia musical), procuramos detalhar os procedimentos formais que tais obras adotaram e relacioná-los a seus aspectos ideológicos. Levou-se em conta, evidentemente, o papel estrutural da música, além do uso do verso, que surge em alguns desses trabalhos. Oduvaldo Vianna Filho, Augusto Boal, Gianfrancesco Guarnieri, Ferreira Gullar, Dias Gomes, Chico Buarque e Paulo Pontes estão entre os autores das peças analisadas. Ao estudar os musicais feitos no país de 1964 a 1979, de Opinião a O rei de Ramos, percebemos certa maturação estética e ideológica, decorrente da própria mudança dos tempos que os autores souberam absorver , mas advinda também do exercício mesmo do espetáculo cantado. Configura-se nessas décadas um repertório que soube fixar tendências históricas perenes, flagrando-as com base na comicidade (eventualmente misturada ao drama) e na música, ligadas a enredos tantas vezes habilmente delineados. Compreender o musical equivale a conhecer melhor a atmosfera vivida no Brasil do período autoritário, que essas peças denunciam e subvertem, ao mesmo tempo em que nos aproximamos de uma das vertentes importantes na dramaturgia nacional de todas as épocas. Os musicais de índole política lograram alcançar soluções que, segundo entendemos, devem ser meditadas, com vistas à redação de novas obras e a uma percepção crítica e historiográfica mais ampla e precisa do teatro no país. __________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The practice of musical theater in Brazil began on the second half of the 19th century, particularly in the last two decades. A genre of irregular effectiveness, the musical has had its productive moments, followed by less abundant periods. One of its most fertile phases, in this country, was during the 1960s and 1970s. At that time, Brazilian theater was often organized in the form of a singing show in order to answer, with criticism, to the military regime. The aesthetic solutions that these plays resorted to revived local cultural practices of farce and vaudeville, assimilated foreign influences (such as the Germans Erwin Piscator and Bertolt Brecht, and the North American musical) and, above all, affirmed new artistic paths, able to involve the public. However, we should remember that such popular shows were usually restricted to middle-class audiences, which may partly be explained by the context in which they took place. The Brazilian musical texts of that time record the historical moment, establish tendencies that transcend the moment, and leave behind aesthetic lessons to which one can return even today. The epic strategies (for instance, the way music was inserted in the plot) and the dialogues in verse are examples of such lessons. The first chapter of this work draws a general picture of local musical theater starting from 1960, addressing briefly some of the main shows of the genre written and staged in two decades. The second chapter discusses the aesthetic ideas in circulation during those years, particularly Bertolt Brecht s theories, accompanied by what the Brazilian commentators wrote about his work. We also addressed the concepts of Georg Lukács, Hungarian philosopher and critic, intensely read by leftists, of which many were theater artists working in the countrys musicals. Among such artists, we mention Augusto Boal and Ferreira Gullar, who have their ideas addressed in specific sections. Finally, the third chapter analyzes in detail eight theatrical plays, considered as genre models for that phase. After distributing the texts to be examined in four aesthetic families (the collagetext, the play directly inspired in popular sources, the epic text following a Brecht matrix, and the play based on musical comedy), we tried to detail the formal procedures that such works adopted, relating them to their ideological aspects. The structural role of the music was taken into account, besides the use of the verse, which appears in some of those works. Oduvaldo Vianna Filho, Augusto Boal, Gianfrancesco Guarnieri, Ferreira 12 Gullar, Dias Gomes, Chico Buarque and Paulo Pontes are some of the authors of the analyzed plays. When studying the musical plays staged in the country from 1964 to 1979, from Opinião to O rei de Ramos, we noticed a certain aesthetic and ideological maturation, due to times changing which the authors absorbed well , but also coming from the staging of singing shows. During those decades, a repertoire was established that determined perennial historical tendencies, based on comicality (eventually mixed to drama) and on music, in plots often skillfully delineated. Understanding a musical is equivalent to knowing better the atmosphere lived in Brazil during the authoritarian period, which the plays denounce and subvert, while approaching one of the most significant trends in national playwriting of all times. Political musicals attained solutions that, we feel, should be meditated upon, with views to the composition of new works and a wider and more accurate critical and historiographical perception of the national theater.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2010. / Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-02-17T18:40:44Z No. of bitstreams: 1 2010_RayssaAguiarBorges.pdf: 858522 bytes, checksum: 2b9d87219b0727ae6d54bc1e4670854c (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2011-02-18T01:22:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_RayssaAguiarBorges.pdf: 858522 bytes, checksum: 2b9d87219b0727ae6d54bc1e4670854c (MD5) / Made available in DSpace on 2011-02-18T01:22:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_RayssaAguiarBorges.pdf: 858522 bytes, checksum: 2b9d87219b0727ae6d54bc1e4670854c (MD5) / Este trabalho pretende inserir-se no debate a respeito da trajetória do núcleo de teatro do Centro Popular de Cultura da União Nacional dos Estudantes, o CPC da UNE, tendo como foco a análise de duas de suas obras, uma peça longa de teatro épico e uma curta de agitprop, respectivamente, Brasil, versão brasileira (1962), de Oduvaldo Vianna Filho, e O petróleo ficou nosso, de Armando Costa. Esses textos teatrais abordam a questão da mobilização nacional pelo petróleo, relacionado ao problema do (sub)desenvolvimento do país, desdobrando essa temática em outros assuntos, como a impossibilidade de aliança de classes, no caso da obra de Vianinha, e a realização de uma ação de agitação e propaganda, no caso da peça de Armando Costa. Nosso intuito, a partir de fundamentação histórica e teórica sobre o CPC e o teatro político, é examinar a relação dialética entre a esfera da estética e a dos processos sociais e compreender como se processa a função de agitação e propaganda em ambas as peças, a fim de analisá-las superando reducionismos e preconceitos. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work aims to be included in the discussion about the course of the Students’ National Union’s Popular Center of Culture’s theater’s nucleus, the CPC (Centro Popular de Cultura – Popular Centre of Culture) of UNE (Students’ National Union), focusing on the analysis of two of its masterpieces, an epic long play and a short “agitprop”, respectively, Brasil, versão brasileira (Brazil, a Brazilian version) (1962), by Oduvaldo Viana Filho, and O petróleo ficou nosso (The Petroleum has became ours), by Armando Costa. These theatrical texts discuss the National claim for the Petroleum issue, related to the problem of (under)development of the country, unfolding this topic into other subjects, such as the alliance among classes’ impossibility, concerning Vianinha’s work, and the accomplishment of an agitation and propaganda, in this case, Armando Costa’s play. Our objective, from the historical and theoretical basis, is to examine the dialectical relation between the aesthetic sphere and the social processes and to understand how this agitation and propaganda take place in both plays, in order to analyze them and to overcome reductionisms and prejudice.

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, 2010. / Submitted by Claudiney Carrijo de Queiroz (claudineycarrijo@hotmail.com) on 2011-07-14T14:38:28Z No. of bitstreams: 1 2010_MarcioNascimentoMenezes.pdf: 1944504 bytes, checksum: d84e34630de8b5ddf03e66f55d83ff54 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-07-14T22:26:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_MarcioNascimentoMenezes.pdf: 1944504 bytes, checksum: d84e34630de8b5ddf03e66f55d83ff54 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-07-14T22:26:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_MarcioNascimentoMenezes.pdf: 1944504 bytes, checksum: d84e34630de8b5ddf03e66f55d83ff54 (MD5) / A participação da platéia em espetáculos teatrais foi objeto de investigação e de na obra de diferentes autores ao longo do século XX. Um dos fatores que influencia a participação da platéia é o uso de ferramentas, pela direção e pelos atores, que organizam, fomentam e permitem esta inserção; o conjunto desses instrumentos denominamos "dispositivos". O uso desses dispositivos tanto qualificam a participação quanto favorecem o entendimento do espetáculo como uma obra aberta à interferência do público - uma dramaturgia aberta. Assim, a Dramaturgia Aberta parte do pressuposto de que a construção do texto cênico e do próprio espetáculo pode ser considerada como acontecimento cênico fluído, em detrimento da compreensão restrita ao texto escrito ou a sua forma "fechada", contando com a participação ativa do público de modo direto, objetivo e necessário. O objetivo desta dissertação é analisar comparativamente espetáculos onde foi utilizada a "dramaturgia aberta" apontando semelhanças e particularidades a fim de se discutir criticamente sua pertinência. Os espetáculos "Viração", "Casa de Bonecas - servido por homens" e "Com que roupa?" são descritos e analisados à luz das categorias "dispositivos", "abertura" e "participação". Os resultados exemplificam diferentes maneiras e propósitos na utilização de dispositivos, bem como revelam que esse uso pode favorecer a abertura da obra e a participação do público. São apresentados e comentados depoimentos da platéia apresentando aspectos favoráveis e desfavoráveis a apresentações do tipo "dramaturgia aberta". As críticas em muitos aspectos são as mesmas apontadas no referencial teórico às experiências de diversos autores no século XX. As avaliações positivas reforçam o argumento inicial, segundo o qual o teatro não é obra acabada, mas processo continuado, ainda em sua apresentação. A participação aponta, ainda, elementos que favorecem a educação estética e a formação crítica da platéia. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The participation of audience in theatrical performances was object of investigation and the works of authors throughout the twentieth century. One of the factors that influence the participation of audience is the use of “tools” by the director and actors, who organize, promote and permit this insertion; the set of these instruments we nominated “devices”. The use of these devices so much qualify the participation as favor the understanding of the performance as a script open to the interference of the audience – an open dramaturgy. In such, an Open Dramaturgy parts from the premise that the construction of the scenic text and the performance itself can be considered as a fluid scenic event, in detriment of the comprehension confined to the written text or its “closed” form, counting on the active participation of audience in a direct, objective and necessary form. The objective of this dissertation is to comparatively analyze performances in which an “open dramaturgy” was used, pointing out similarities and particularities in order to discuss critically its pertinence. The performances “Viração”, “Casa de Bonecas” and “Com que roupa?” are described and analyzed in light of the categories “devices”, “opening” and “participation”. The results exemplify different manners and purposes in the use of devices, as well as reveal that this use can favor the opening of the script and the participation of the audience. Testimonies of the audience are presented and commented showing favorable and unfavorable aspects to performances of the “open dramaturgy” type. The critics in many aspects are the same pointed out in the theoretical reference to the experiences of diverse authors of the twentieth century. The positive evaluations reinforce the initial argument, whereby the theater is not a finished work, but a continued process, still in its presentation. The participation points out, still, elements that favor the aesthetic education and the forming of critical thinking audience.