Made available in DSpace on 2015-04-14T13:38:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 437573.pdf: 1658499 bytes, checksum: b536f9b7445094d6fe17db55d8d2399f (MD5) Previous issue date: 2012-01-26 / This thesis aims at investigating, in its first part, how new meanings are produced through the use of Greek myths in the French drama between wars and during World War II, when France was under German occupation. The research focuses on the mythical plays of Jean Giraudoux, Jean Cocteau, Jean Anouilh and Jean-Paul Sartre, in which this dissertation analyzes the tensions between the feeling of absurdity, representative of the time of the two Great Wars and systematized by Albert Camus in The Myth of Sisyphus (1942), and the possibilities of Greek mythology to produce new meanings in a society where myths are reframed, other than those conveyed by the ancient literature, especially the Attic tragedy. Another aim is to propose a mythical interpretation, under the same perspective, to the four plays of the Brazilian writer Nelson Rodrigues written between 1945 and 1949. The comparison reveals differences of meaning in the reframed myths. Although they are written in the same period of time, the plays reflect societies with different historical backgrounds. The first chapter of the thesis discusses relevant concepts for analysis, as myth, tragic and absurd, as well as notions derived from the theory of imaginary. The second chapter, reserved to the study of French plays, examines historical and cultural transformations occurred in France in the 1930s and 1940s, and presents the analysis of the plays written by Giraudoux, Cocteau, Anouilh, and Sartre in the same period, with subjects taken from Greek mythology. The third chapter is devoted to Brazilian history and culture in the same decades, with special emphasis on the Brazilian theater of the period, and the role played by Nelson Rodrigues in this cultural context; and, in individual sections, the four mythical plays of this author are analyzed under the perspective of the reframing of Greek myths. Finally, the conclusion provides a comparison between the plays analyzed and the senses conveyed by the French and the Brazilian mythical drama at the same historical moment. This research is based on the theory of imaginary. Its main references are Gilbert Durand and Gaston Bachelard s writings, with the support, in a transdisciplinary perspective, of the researches on mythology done by Mircea Eliade and Joseph Campbell, and sources from historiography, philosophy and theatrical studies. / O presente trabalho tem o objetivo de investigar, num primeiro momento, como se produzem novos sentidos atrav?s da utiliza??o dos mitos gregos no drama franc?s da ?poca entreguerras e do per?odo em que a Fran?a esteve sob a Ocupa??o alem? devido aos acontecimentos da Segunda Guerra Mundial. O objeto de pesquisa s?o as pe?as m?ticas de Jean Giraudoux, Jean Cocteau, Jean Anouilh e Jean-Paul Sartre, nas quais este trabalho analisa as tens?es entre o sentimento do absurdo, representativo da ?poca das duas Grandes Guerras e sistematizado por Albert Camus em O mito de S?sifo, de 1942, e as possibilidades de a mitologia grega conferir novos sentidos para a sociedade em que os mitos s?o ressignificados, diferentes daqueles veiculados pela literatura antiga, especialmente pela trag?dia ?tica. Em seguida, procede-se uma interpreta??o das quatro pe?as m?ticas do escritor brasileiro Nelson Rodrigues, escritas entre 1945 e 1949, a partir das mesmas perspectivas, levando ? constata??o das diferen?as de sentido promovidas pelas ressignifica??es dos mitos em uma mesma ?poca, em sociedades com experi?ncias hist?ricas diferentes. A tese ? iniciada pela discuss?o de conceitos relevantes para a an?lise, como mito, tr?gico e absurdo, al?m de no??es oriundas da teoria do imagin?rio. O cap?tulo seguinte, reservado ao estudo das pe?as francesas, ? constitu?do por algumas p?ginas introdut?rias dedicadas ?s transforma??es hist?ricas e culturais da Fran?a entre as d?cadas de 1930 e 1940 e pela an?lise das pe?as com temas da mitologia grega escritas por Giraudoux, Cocteau, Anouilh e Sartre no mesmo per?odo. Outro cap?tulo ? destinado ? hist?ria e ? cultura brasileira nos mesmos dec?nios, com especial ?nfase ao teatro brasileiro do per?odo e ao papel desempenhado por Nelson Rodrigues nesse contexto cultural, al?m de, em se??es individuais, analisarem-se as quatro pe?as m?ticas do autor sob o vi?s da ressignifica??o dos mitos gregos. Ao final, a conclus?o estabelece um comparativo entre as pe?as analisadas e os sentidos veiculados pelo drama m?tico franc?s e pelo brasileiro da mesma ?poca. Esta pesquisa ? embasada na teoria do imagin?rio, tendo como principais refer?ncias os escritos de Gilbert Durand e Gaston Bachelard e, como apoio, numa perspectiva transdisciplinar, as pesquisas sobre mitologia empreendidas por Mircea Eliade e Joseph Campbell, al?m de fontes oriundas da historiografia, da filosofia e dos estudos teatrais.

Made available in DSpace on 2015-04-14T13:39:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 460549.pdf: 570272 bytes, checksum: d1e45078091fc28d2aab55a0a643a618 (MD5) Previous issue date: 2013-03-19 / The theoretical study concerning the Brazilian play-writing from the last decade is imposed as it contributes to the rescue of national memory and identity. Nonetheless, once we analyze the 20th century productions, we can observe the expressive number of men who write for the theater. Ever since early times, women's play-writing has been reduced due to the socially instituted condition of marginalization of the female figure. In general, it is compared to the writing of men, being, hence, analyzed in light of the canon of male domination. When tracking the drama production from the period in question, we can identify the work of some important writers, especially Consuelo de Castro. Her texts express the concern about the female's social condition in Brazil along different periods of the country's history .Thus, the playwright reveals the transformations suffered by women along the years. This dissertation has focus on the study of Consuelo de Castro, in at least three distinct moments of sir career, focusing the image of the woman represented in ? flor da pele (1969), Louco Circo do Desejo (1983) e Only You (2001). / O estudo te?rico acerca da dramaturgia brasileira das ?ltimas d?cadas atribuise na medida em que contribui para o resgate da mem?ria e da identidade nacional. Contudo, quando analisamos as produ??es do s?culo XX, observamos o expressivo n?mero de homens escrevendo para o teatro. Desde os tempos mais recuados, a dramaturgia produzida por mulheres ? reduzida pela condi??o institu?da socialmente de marginaliza??o da figura feminina. Em geral, ? comparada ? escrita dos homens, sendo, pois, analisada a partir dos c?nones de domina??o masculina. Ao rastrear a produ??o dramat?rgica do per?odo em quest?o, identificamos o trabalho de algumas importantes escritoras, destacando-se Consuelo de Castro. Seus textos expressam a preocupa??o relativa ? condi??o social feminina no Brasil, em diferentes per?odos da hist?ria do pa?s. Assim, a dramaturga revela as transforma??es vividas pelas mulheres ao longo dos anos. Esta disserta??o tem como foco o estudo da produ??o de Consuelo de Castro, em pelo menos tr?s momentos distintos de sua carreira, focalizando a imagem da mulher representada em ? flor da pele (1969), Louco Circo do Desejo (1983) e Only You (2001).

O presente estudo, cuja inspiração procedimental advém do legado de Michel Foucault, dedicase à análise das relações históricas entre práticas teatrais e determinada lógica de governança de tipo pedagógico do tecido social no Brasil. Constatando que tal correlação de forças encontraria seu alvo principal na figura do espectador, investigam-se os processos históricos que culminaram na emergência de determinado espectador crítico, autônomo e cidadão no interior das práticas teatrais brasileiras. Com vistas a perspectivar o problema do espectador ao longo da história da prática teatral no país, a pesquisa realiza um recuo temporal e organiza um corpo documental composto por periódicos (jornais e revistas) publicados entre 1812 e 1960. Sobrevém desses textos do passado a prática da pateada, desaparecida nos dias de hoje, a qual consistia em um ruidoso bater dos pés a ser disparado a qualquer momento da representação por parte dos espectadores insatisfeitos em relação ao que viam e ouviam. A pateada é aqui analisada sob duas perspectivas: a primeira investiga os sentidos dessa prática e a compreende como um gesto de ajuizamento singular formalizado por determinada época; a segunda percorre uma série de problematizações históricas que passaram a contestar a existência dessa prática e trabalharam em prol de sua extinção. Em meio ao processo do desaparecimento da pateada, pode-se ainda observar duas forças institucionais firmemente engajadas nesse movimento: a polícia e a crítica teatral. Essa segunda força, por sua vez, teve sua emergência vinculada a toda uma nova racionalidade jurídica que passaria a ganhar força no país com a inauguração das faculdades de Direito, e se desenvolveu com a consolidação da imprensa escrita da época. Ainda, recorrendo à análise da existência e extinção de uma prática como a pateada, objetivase apresentar um momento histórico em que tanto o comportamento quanto a subjetividade do espectador começariam a ser regulados em direções diversas e um novo tipo de endereçamento público-cena emergiria. Tratar-se-ia, portanto, de uma disputa a respeito das maneiras por meio das quais as manifestações dos espectadores em relação às peças e aos artistas poderiam ser exercidas. Assim, fazendo eco ao procedimental de pesquisa foucaultiano, trata-se de descrever e analisar a emergência de uma nova ordem de governo das condutas e subjetividades dos espectadores que diz respeito, em certa medida, às suas configurações contemporâneas. Perspectiva-se, enfim, que três seriam os eixos que formalizariam a entrada em cena de um novo espectador que nos seria muito mais familiar do que o público pateador oitocentista: o governo; o par formado pelas práticas teatrais e educacionais; e a regulação da própria experiência de ajuizamento em relação às práticas artísticas. / The present study, whose procedural inspiration comes from Michel Foucaults legacy, aims to analyze the historical relations between theatrical practices and a certain logics of governance, of pedagogical nature, in the Brazilian social fabric. Given that such relation of forces is principally focused on the spectator, the historical processes which led to the appearance of a certain critical, autonomous, and citizen spectator in Brazilian theatrical practices are studied. For an outlook on the issue of the spectator throughout the history of the countrys theatrical practice, the research steps back in time and organizes a documental body made up of periodicals (newspapers and magazines) published between 1812 and 1960. Out of these texts, there appears the practice of the pateada, gone nowadays, which was a loud hitting of the feet triggered at any moment during the representation by spectators dissatisfied with what they saw or heard. Pateada is herein analyzed under two perspectives: the first one investigates the meanings of this practice and understands it as a singular ruling gesture, set by a determined epoch; the second one follows a series of historical issues which started to object the existence of this practice and strived to have it ended. In the process to end with the pateada, one can observe two institutional forces engaged in the movement: the police and theater criticism. The second force, for its part, had its appearance associated with a whole new juridical rationality, which would grow strong in the country with the opening of Law Schools, and which developed during the consolidation of the written press of the time. Moreover, by analyzing the existence and disappearance of a practice such as the pateada, it is intended to dwell on a historical moment when the spectators behavior and subjectivity started to be regulated in several directions and a new king of audience-scene approach emerged. Therefore, this is about a struggle about the ways in which the audiences manifestations towards the plays and artists could be actualized. Thus, by echoing Foucaults research, it is aimed to describe and analyze the appearance of a new type of rule for the behavior and subjectivity of spectators as to what concerns, to a certain extent, their contemporary configurations. Finally, a perspective is given for the three axes which would formalize the coming into being of a new spectator, much more familiar to us than the 1800s audience of the Pateada: the government; the pair formed by theatrical and educational practices; and the regulation of the very experience of ruling artistic practices.

A trajetória de Eugênio Kusnet, de ator a professor, é o objeto deste projeto. Vamos averiguar que, desde quando retomou seus vínculos com o teatro no Brasil, Kusnet era um ator em formação, com pouca experiência artística no seu país de origem - a Rússia, de onde emigrou para o Brasil. Veremos que a compreensão da obra daquele que foi sua maior influência, Constantin Stanislavski, aconteceu de forma gradativa e observaremos de que modo ele a aplicou exemplarmente na encenação de Os Pequenos Burgueses no Teatro Oficina, na década de 1960. Destacaremos a viagem que Kusnet fez de volta a Rússia em 1968, que provocou nele mudanças que permaneceram entre suas inquietações até o final da vida. Vamos nos deter principalmente no que ele denominou como Método da Análise Ativa e investigar como aplicava este procedimento, no qual a direção e os atores de uma peça teatral abandonam os exaustivos estudos do texto sentados ao redor de uma mesa e passam a analisá-lo com as pernas, isto é, experimentando compreender a dimensão da obra teatral através de improvisações planejadas. Os três livros que deixou, principalmente o último, Ator e Método - que é para nós uma síntese dos dois anteriores (Iniciação à arte dramática e Introdução ao Método da Ação Inconsciente) - é o guia para entender o ponto de vista de Eugênio Kusnet, a tradução prática e teórica no Brasil dos elementos, procedimentos e princípios que ele absorveu de Stanislavski e dos discípulos que trabalharam ao lado do mestre russo / The object of this study is the trajectory of Eugênio Kusnet, from actor to professor. It will investigate that, since he had retaken his linkages with the brazilian theater, Kusnet was an ator in formation with little artistic experience in his homeland, Russia. We will see that the compreension of Constantin Stanislavski\'s work, his greatest influence, happened gradually. Starting from the Teatro Oficina\'s staging of Os Pequenos Burgueses in the sixties, we will observate how we aplied Stanislavski\'s method. This work gives a highlight on Kusnet\'s travel back to his homeland Russia in 1968, and the significant changes that this experience contribuied to his work until his final days. It will examine what he called \"Active Analyse Method\" and see how he applied this procedure, wich consist in abandoning the table-read (read-through) by the actors and the director and starting to analyse it \"with the legs\", or in other words, by experimeting the dimension of the theatrical work trough planned improvisation. The three books that he left, specially the last one, Ator e Método - wich is, by our comprehension, a synthesis of the former two (Iniciação à arte dramática e Introdução ao Método da Ação Inconsciente) - is the guide to understand Eugênio Kusnet\'s point of view, the practical and theoretical translation in Brasil of the elements, procedures and principles that he has absorbed from Stanislavski and the disciples that worked with the russian master

A trajetória de Eugênio Kusnet, de ator a professor, é o objeto deste projeto. Vamos averiguar que, desde quando retomou seus vínculos com o teatro no Brasil, Kusnet era um ator em formação, com pouca experiência artística no seu país de origem - a Rússia, de onde emigrou para o Brasil. Veremos que a compreensão da obra daquele que foi sua maior influência, Constantin Stanislavski, aconteceu de forma gradativa e observaremos de que modo ele a aplicou exemplarmente na encenação de Os Pequenos Burgueses no Teatro Oficina, na década de 1960. Destacaremos a viagem que Kusnet fez de volta a Rússia em 1968, que provocou nele mudanças que permaneceram entre suas inquietações até o final da vida. Vamos nos deter principalmente no que ele denominou como Método da Análise Ativa e investigar como aplicava este procedimento, no qual a direção e os atores de uma peça teatral abandonam os exaustivos estudos do texto sentados ao redor de uma mesa e passam a analisá-lo com as pernas, isto é, experimentando compreender a dimensão da obra teatral através de improvisações planejadas. Os três livros que deixou, principalmente o último, Ator e Método - que é para nós uma síntese dos dois anteriores (Iniciação à arte dramática e Introdução ao Método da Ação Inconsciente) - é o guia para entender o ponto de vista de Eugênio Kusnet, a tradução prática e teórica no Brasil dos elementos, procedimentos e princípios que ele absorveu de Stanislavski e dos discípulos que trabalharam ao lado do mestre russo / The object of this study is the trajectory of Eugênio Kusnet, from actor to professor. It will investigate that, since he had retaken his linkages with the brazilian theater, Kusnet was an ator in formation with little artistic experience in his homeland, Russia. We will see that the compreension of Constantin Stanislavski\'s work, his greatest influence, happened gradually. Starting from the Teatro Oficina\'s staging of Os Pequenos Burgueses in the sixties, we will observate how we aplied Stanislavski\'s method. This work gives a highlight on Kusnet\'s travel back to his homeland Russia in 1968, and the significant changes that this experience contribuied to his work until his final days. It will examine what he called \"Active Analyse Method\" and see how he applied this procedure, wich consist in abandoning the table-read (read-through) by the actors and the director and starting to analyse it \"with the legs\", or in other words, by experimeting the dimension of the theatrical work trough planned improvisation. The three books that he left, specially the last one, Ator e Método - wich is, by our comprehension, a synthesis of the former two (Iniciação à arte dramática e Introdução ao Método da Ação Inconsciente) - is the guide to understand Eugênio Kusnet\'s point of view, the practical and theoretical translation in Brasil of the elements, procedures and principles that he has absorbed from Stanislavski and the disciples that worked with the russian master

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:52Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-01-17Bitstream added on 2014-06-13T19:14:14Z : No. of bitstreams: 1 goncalves_mc_me_assis.pdf: 668786 bytes, checksum: 705c68807800faac7597e271e31dbb12 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O dramaturgo gaúcho Jose Joaquim de Campos Leão (1829-1883), auto-intitulado Qorpo-Santo, possui uma obra complexa que chegou ao conhecimento da critica e do púbico em 1966, cem anos depois de serem escritas. Por conta de tal fato, são poucos os trabalhos teóricos acerca de sua dramaturgia, dentre os quais podemos citar Os homens precários, de Flávio Aguiar e Qorpo-Santo: surrealismo ou absurdo?¸ de Eudinyr Fraga. É no esforço de acrescentar material à fortuna crítica do autor que esse trabalho é desenvolvido, tomando como eixo um aspecto reincidente em sua obra: o tema das dicotomias, cisões e conflitos, aqui agrupados sob o termo desdobramento. O topos do desdobramento manifesta-se tanto no desenvolvimento das personae dramáticas, quanto nas suas ações e, ainda, na estrutura das comédias (enredo, cenário etc.), caracterizada pelas intervenções do nonsense nas instâncias do cotidiano. Desse modo, o desdobramento oferece uma chave de leitura eficiente da dramaturgia do autor, que permite a decifração de muitas das peculiaridades que compõem o universo cômico de suas peças / The southern dramaturgist José Joaquim de Campos Leão (1829-1883), selfnamed Qorpo-Santo, has a complex oeuvre that became known to the public in 1966, one hundred years after being written. So, there are few of studies on his dramaturgy, among it we can mention Flávio Aguiar´s Os homens precarious and Eudinyr Fraga´s Qorpo-Santo: surrealism ou absurdo? In the effort to increase the criticism on Qorpo- Santo´s oeuvre that this study we choose the axis of an important aspect of his oeuvre – the motif of dichotomies, separations and conflicts – here named deployment. The topoi of deployment are showing in development of dramatic personae, her actions, and in structure of Qorpo-Santo´s comedies (in plots, sceneries, etc.). This motif is characterized by the interventions of the nonsense in daily world. In our study, we make an analysis of some plays of Qorpo-Santo under the perspective of the deployment, and the characters are the focus of our considerations, because the dramatic figures are the axis of the structure of the comic universe of Qopro-Santo. Thus, the deployment offers an efficient key of lecture of the Qorpo- Santo´s oeuvre, which permits the interpretation of many particularities of the comic universe of Qorpo-Santo´s plays

Orientador: Gilberto Figueiredo Martins / Banca: José Carlos Zamboni / Banca: Sônia Aparecida Vido Pascolati / Resumo: O dramaturgo gaúcho Jose Joaquim de Campos Leão (1829-1883), auto-intitulado Qorpo-Santo, possui uma obra complexa que chegou ao conhecimento da critica e do púbico em 1966, cem anos depois de serem escritas. Por conta de tal fato, são poucos os trabalhos teóricos acerca de sua dramaturgia, dentre os quais podemos citar Os homens precários, de Flávio Aguiar e Qorpo-Santo: surrealismo ou absurdo?¸ de Eudinyr Fraga. É no esforço de acrescentar material à fortuna crítica do autor que esse trabalho é desenvolvido, tomando como eixo um aspecto reincidente em sua obra: o tema das dicotomias, cisões e conflitos, aqui agrupados sob o termo desdobramento. O topos do desdobramento manifesta-se tanto no desenvolvimento das personae dramáticas, quanto nas suas ações e, ainda, na estrutura das comédias (enredo, cenário etc.), caracterizada pelas intervenções do nonsense nas instâncias do cotidiano. Desse modo, o desdobramento oferece uma chave de leitura eficiente da dramaturgia do autor, que permite a decifração de muitas das peculiaridades que compõem o universo cômico de suas peças / Abstract: The southern dramaturgist José Joaquim de Campos Leão (1829-1883), selfnamed Qorpo-Santo, has a complex oeuvre that became known to the public in 1966, one hundred years after being written. So, there are few of studies on his dramaturgy, among it we can mention Flávio Aguiar's Os homens precarious and Eudinyr Fraga's Qorpo-Santo: surrealism ou absurdo? In the effort to increase the criticism on Qorpo- Santo's oeuvre that this study we choose the axis of an important aspect of his oeuvre - the motif of dichotomies, separations and conflicts - here named deployment. The topoi of deployment are showing in development of dramatic personae, her actions, and in structure of Qorpo-Santo's comedies (in plots, sceneries, etc.). This motif is characterized by the interventions of the nonsense in daily world. In our study, we make an analysis of some plays of Qorpo-Santo under the perspective of the deployment, and the characters are the focus of our considerations, because the dramatic figures are the axis of the structure of the comic universe of Qopro-Santo. Thus, the deployment offers an efficient key of lecture of the Qorpo- Santo's oeuvre, which permits the interpretation of many particularities of the comic universe of Qorpo-Santo's plays / Mestre

This work was conceived with the intention of understanding the way the dramaturgs Paulo Pontes and Chico Buarque produced the work Gota d água, inside the Brazilian context. There are lines and implied sense of an intentional and delineated wit. The play reveals the social dynamics of the modern world, going beyond the national issue and analysing the characteristics and consequences of the capitalist world, where the power shows its claws and creates actors who represent different roles in a conflicted and unequal society. / Este trabalho foi concebido com a intenção de compreender a maneira como os dramaturgos Paulo Pontes e Chico Buarque produziram a obra Gota d água, dentro do contexto brasileiro. São linhas e entrelinhas de uma engenhosidade intencional e planificada. A peça é reveladora da dinâmica social do mundo moderno, extrapolando a questão nacional e analisando as características e consequências do mundo capitalista, onde o poder mostra as suas garras e cria atores que desempenham papéis diversos numa sociedade desigual e conflituosa.

A pesquisa se propõe a investigar qual é o pensamento curatorial existente nos festivais de Artes Cênicas no Brasil. A intenção é delinear suas particularidades inerentes à área teatral e compreender a dinâmica da curadoria no país, dentro de um sistema de relações entre os campos de atuação dos modelos artístico e de gestão e também como processo criativo. Com o aumento efetivo do número de festivais no Brasil, fez-se necessária a apropriação do termo curador nas Artes Cênicas. Na prática, o curador é considerado o profissional voltado para a seleção dos espetáculos que integram a programação artística de um festival. O trabalho busca investigar de que maneira se estabelecem as relações entre o modelo artístico e o modelo de gestão, e como isso afeta o pensamento curatorial. Para isso, nos utilizamos da metodologia de pesquisa exploratória, levantando conceitos oriundos da curadoria contemporânea em Artes Visuais e também fazendo uso de fontes orais, mediante procedimentos da história oral. Dentro desse contexto, problematizamos a relação de interação entre o modelo de gestão e o modelo artístico, proposto pelo autor Lluís Bonet, e apresentamos características de uma programação artística, de acordo com o autor Bruno Maccari. Para entendermos como o pensamento curatorial se desenvolve e quais são os possíveis perfis de curadores existentes nos festivais brasileiros, analisamos a atuação de três diferentes curadores. Os profissionais são bastante representativos como curadores dentro da área teatral no contexto brasileiro: Luciano Alabarse, no comando do Porto Alegre Em Cena - Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, criador do Cena Contemporânea - Festival Internacional de Teatro de Brasília; e Antônio Araújo, idealizador da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo – MITsp. Além desses curadores, outras fontes foram consultadas. / La investigación se propone averiguar cuál es la intención curatorial existente en los festivales de artes escénicas en Brasil. El propósito es definir las particularidades que son inherentes al área teatral y comprender la dinámica de curadoría en el país, dentro de un sistema de relaciones entre los campos de actuación del modelo artístico y del modelo de gestión, así como del proceso creativo. Con el aumento efectivo del número de festivales en Brasil, se hizo necesaria la apropiación del término curador en las artes escénicas. En la práctica, se considera curador al profesionista que se encarga de la selección de espectáculos que integran la programación artística de un festival. Este trabajo pretende investigar de qué manera se establecen relaciones entre el modelo artístico y el modelo de gestión y como eso afecta a la intención curatorial. Para eso fue utilizada la metodología de investigación exploratoria, tomando conceptos con origen en la curadoría contemporánea de las artes visuales y haciendo uso de fuentes orales por medio de procedimientos de historia oral. Dentro de ese contexto, se problematizó la relación de interacción entre el modelo de gestión y el modelo artístico propuesto por el autor Lluís Bonet y se introdujeron las características de una programación artística de acuerdo con lo propuesto por el autor Bruno Maccari. Buscando entender cómo se desarrolla la intención curatorial y cuáles son los posibles perfiles que existen entre los curadores de festivales brasileños, se analizó la actuación de tres de ellos, mismos que son reconocidos en el contexto brasileño por curadoría dentro del área teatral: Luciano Alabarse al frente de Porto Alegre Em Cena- Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, creador de Cena Contemporânea - Festival internacional de Teatro de Brasília y Antônio Araújo, creador de la Mostra Internacional de Teatro de São Paulo - MITsp. Además de esos curadores, otras fuentes fueron consultadas.

Este trabalho busca reconstruir a visão que Machado de Assis formulou a respeito do trabalho artístico, a fim de analisar o papel da moral em sua estética. Fora m cotejados seus textos de jornal, as críticas de arte e as crônicas, com seus pareceres para o Conservatório Dramático, bem como com determinadas cartas que discutissem obras específicas ou o contexto artístico geral do Brasil. Analisamos o que esses textos analíticos revelavam frente à criação ficcional da juventude, para podermos ler sua ficção mais madura em busca de sinais da teoria que a embasasse, já que o autor passou a escrever cada vez menos cotidianamente sobre arte ou obras alheias. Interessava-nos nisso o reconhecimento de traços que, lidos em relação a um questionamento literário expresso na juventude, poderiam elucidar melhor seu pensamento. Buscamos reconhecer tanto os conceitos que eram utilizados de forma estável, ao longo da obra, quanto quais eram as mudanças daqueles que tiveram seu sentido alterado conforme o autor repensava o meio artístico e o fazer literário. Para analisar seu contexto, detivemo-nos particularmente na imprensa e no teatro, meios que na verdade viviam em relação íntima. Isolamos os conceitos que serviam de base a toda crítica escrita por ele e analisamos como eles estavam relacionados à moral. Para avançar aos últimos anos do escritor, explicitamos a transposição de conceitos formulados em outros gêneros para se pensar o romance e, por fim, analisamos Esaú e Jacó, indicando como a estética engajada de Machado podia ser percebida mesmo no fim de sua obra. / Our goal was to reconstruct Machado de Assis' point of view about the artistic work, to analyze the role of morality in its aesthetics. His newspaper articles (art critics and chronicles) were confronted to his Brazilian Conservatory of Dramatic Arts appraisals, as well as to certain letters analyzing specific works or the general Brazilian artistic context. We have compared what these analytic texts revealed on his early fictional work so we could read his more mature fiction searching for the theory that based it, once the author started writing less and less often about art or other people's works. We were interested in the recognition of characteristics more prominent in his early literary questionings which could elucidate his later line of thoughts. We recognized both the concepts used in a steady way, along his work, and what were the transformations suffered by those concepts that changed as the author reformulated his thoughts about the artistic community and the literary work. To analyze the context we lingered specifically on the press and on the theater, environments which were intimately entangled. We have isolated the concepts that served as base to all his written critics and analyzed how they were related to moral issues. Going to the lat er years of the writer we have made explicit the transposition of concepts formulated in other genres to think about his novels and to end it up we have analyzed Esaú e Jacó, indicating how Machado’s morally engaged aesthetics could be noticed even at the end of his career.