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Le liquide interstitiel est aujourd’hui considéré comme un candidat prometteur comme alternative, ou complément, à l’analyse sanguine pour la quantification de biomarqueurs. Localisé notamment dans la peau, sa composition demeure peu décrite dans la littérature. Cela peut s’expliquer par le fait que le prélèvement de liquide interstitiel reste problématique. En effet, les méthodes d’extraction actuelles sont chronophages, douloureuses et conduisent au prélèvement de volumes très faibles ne permettant pas toujours une analyse subséquente. L’utilisation de timbres de microaiguilles conçus en hydrogel superabsorbant représente une solution indolore, rapide et efficace pour le prélèvement du liquide interstitiel. Un premier type de timbre a été conçu par photopolymérisation, un processus de fabrication caractérisé par sa rapidité. Ce type de timbre de microaiguilles présente une capacité d’absorption très élevée et peut trouver une application dans l’élaboration des profils protéomique, métabolomique et lipidomique du liquide interstitiel dermique. Le second type de timbres de microaiguilles est obtenu par chauffage d’une formulation contenant des polymères superabsorbants. Ce procédé s’avère plus long mais conduit à un hydrogel superabsorbant riche en groupements chimiques permettant d’envisager une fonctionnalisation pour la capture et la détection in situ de biomarqueurs spécifiques du liquide interstitiel dermique. In fine, les timbres de microaiguilles développés pourraient donc permettre d’approfondir notre connaissance de la composition du liquide interstitiel; mais laissent également entrevoir la possibilité de développer des dispositifs médicaux portables permettant le diagnostic, ou la surveillance, rapide et indolore de certaines pathologies. Ces dispositifs pourraient diminuer les coûts normalement associés à ces pratiques et améliorer la prise en charge des patients. C’est le cas notamment de l’insuffisance cardiaque, dont la gestion pourrait être considérablement facilitée par le suivi à domicile du biomarqueur NT-proBNP. / Nowadays, interstitial fluid is considered a valid alternative for blood analysis and biomarker monitoring. However, its composition is scarcely described in the literature. Notably located in the skin, its collection remains a challenge as current methods are time-consuming, painful and the extracted volume limits subsequent analysis. Here we put forward the use of superabsorbant hydrogel-based microneedle patches to enable a painless, rapid and efficient sampling of dermal interstitial fluid. A first kind of microneedle patch was obtained using UV-curing, a rapid fabrication process. This type of microneedle patch enables the collection of a high volume of liquid and can therefore be utilized for subsequent proteomic, metabolomic and lipidomic analyses of the dermal interstitial fluid that had been extracted in a painless fashion. The second class of microneedle patch developed was fabricated from superabsorbant polymers using heating. Although time consuming, this process produced hydrogel-based microneedle patches that could be functionalized for the in situ detection of specific biomarkers in the dermal interstitial fluid. In fine, the aforementioned microneedle patches have the potential to broaden our understanding of the interstitial fluid composition, as well as be integrated in novel portable biosensing devices for a rapid and painless diagnosis, or for the monitoring of certain medical conditions. For example, quantifying the NT-proBNP biomarker in the dermal interstitial fluid could significantly improve the quality of life of heart failure patients.

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Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014. / Mon mémoire de maîtrise porte sur la gestion du timbre comme genèse à la composition de trois œuvres originales : 1) Halocline – 11’45’’ – pour flûte, clarinette, percussions, violon, alto et violoncelle; 2) Le mot juste – 9’30’’ – pour orchestre symphonique; 3) Profondeurs de champ – 16’30’’ – pour orchestre de chambre. Après la présentation de mes préoccupations artistiques, des origines et objectifs de mon travail de création, j’expose l’ensemble de mes recherches préliminaires. Finalement, les œuvres sont sommairement analysées de manière à mettre en lumière des modes de gestion du timbre ayant menés à la composition des œuvres. Ceux-ci tirent leurs origines de réflexions sur des concepts génériques du timbre. 1) Halocline : combinaisons de timbres – l’orchestration traditionnelle; 2) Le mot juste : emprunt de la structure du syntagme « le mot juste » pour la gestion du timbre – la phonétique; 3) Profondeurs de champ : catégorisation de timbres – les techniques instrumentales avancées.

Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical. / This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.

This thesis sets out to investigate new notation symbols, systems, and string techniques in some one hundred 20th century string quartets, selected from a variety of composers. The analysis includes compositions that have, through contemporary aesthetic ideals, extended musical and technical resources and stimulated the development of compositional methods in such a way as to influence later works in the genre. k The thesis divided into two parts : Histoiy and Research Part One is a brief history of 20th century music, and includes the development o f the string quartet from earliest times up to the mid-century. Part Two researches string techniques and notation from the turn of the century up to 1990. The historical perspective demonstrates that after World War n, with the emergence o f the electronic age and a changing social and intellectual climate, traditional concepts were being challenged. Composers facing the dilemma affecting music in general, and the string quartet in particular, had to adapt to radically developing techniques and styles. Sounds and syntax o f a different type were initially, but unsuccessfully, sought to unify the divergent thinking o f the time. Ultimately, the developmental paths took shape from the problem itself and different approaches emerged to master the multi-faceted dimensions available to composers. Part Two investigates music syntax from the viewpoint of recording new symbols, notation systems and string techniques. Quartets of the first half of the century show that both the dissolution and the extension o f traditional processes were contained, importantly, within the continued use of conventional notation. The impact and significance of these quartets within the context of 20th century development cannot be ignored. However, the quartets researched post-1960 demonstrate that composers have enlarged all parameters of the genre through the extension of traditional resources and by radical innovation. This research demonstrates that the emergence of new symbols and string techniques in the second half of the century has been largely on an arbitrary basis. Nevertheless^ broad classification of these elements is undertaken. / Art History, Visual Arts & Musicology / D.Mus. (Musicology)

L'objet de cette thèse est de contribuer à améliorer l'identification automatique des instruments de musique dans des contextes réalistes, (sur des solos de musique, mais également sur des pièces multi-instrumentales). Nous abordons le problème suivant une approche de classification automatique en nous efforçant de rechercher des réalisations performantes des différents modules constituant le système que nous proposons. Nous adoptons un schéma de classification hiérarchique basé sur des taxonomies des instruments et des mélanges d'instruments. Ces taxonomies sont inférées au moyen d'un algorithme de clustering hiérarchique exploitant des distances probabilistes robustes qui sont calculées en utilisant une méthode à noyau. Le système exploite un nouvel algorithme de sélection automatique des attributs pour produire une description efficace des signaux audio qui, associée à des machines à vecteurs supports, permet d'atteindre des taux de reconnaissance élevés sur des pièces sonores reflétant la diversité de la pratique musicale et des conditions d'enregistrement rencontrées dans le monde réel. Notre architecture parvient ainsi à identifier jusqu'à quatre instruments joués simultanément, à partir d'extraits de jazz incluant des percussions.

Earcons are commonly used by sound designers in order to support visual cues in a game andto make a gaming experience more enjoyable. This study covers two earcons’ attributes: rhythm and timbre. Rhythm and timbre attributes were chosen according to the earcon sounddesign guidelines from the previous studies. An experiment in a form of a video game was conducted in order to research whether one of the conditions can increase a players’performance. A subject had to choose the correct key to the door in order to go to the next location. There were 3 different locations and there were totally 5 different own-designed earcons: 1 incorrect earcon in the both conditions and 2 different correct earcons in each condition. 20 subjects with various gaming experience from the Luleå University of Technology participated in the experiment. The subjects were randomly divided into two groups with different conditions: rhythm and timbre. The amount of wrong trials and completion time were analyzed for each condition and the results were given with the help of Mann-Whitney U-test and t-test calculations. The results of U-test showed that there was a significant difference between two groups in terms of the wrong trials amount. Group with rhythm condition showed better performance in terms of the wrong trials amount. The t-test showed a significant difference between the two groups in terms of completion time. Group with timbre condition showed better timing performance, although considering the analysis it did not increase their performance in terms of making correct choices. Further research might be recommended on comparing various earcon attributes in different ecologically valid scenarios.

This thesis sets out to investigate new notation symbols, systems, and string techniques in some one hundred 20th century string quartets, selected from a variety of composers. The analysis includes compositions that have, through contemporary aesthetic ideals, extended musical and technical resources and stimulated the development of compositional methods in such a way as to influence later works in the genre. k The thesis divided into two parts : Histoiy and Research Part One is a brief history of 20th century music, and includes the development o f the string quartet from earliest times up to the mid-century. Part Two researches string techniques and notation from the turn of the century up to 1990. The historical perspective demonstrates that after World War n, with the emergence o f the electronic age and a changing social and intellectual climate, traditional concepts were being challenged. Composers facing the dilemma affecting music in general, and the string quartet in particular, had to adapt to radically developing techniques and styles. Sounds and syntax o f a different type were initially, but unsuccessfully, sought to unify the divergent thinking o f the time. Ultimately, the developmental paths took shape from the problem itself and different approaches emerged to master the multi-faceted dimensions available to composers. Part Two investigates music syntax from the viewpoint of recording new symbols, notation systems and string techniques. Quartets of the first half of the century show that both the dissolution and the extension o f traditional processes were contained, importantly, within the continued use of conventional notation. The impact and significance of these quartets within the context of 20th century development cannot be ignored. However, the quartets researched post-1960 demonstrate that composers have enlarged all parameters of the genre through the extension of traditional resources and by radical innovation. This research demonstrates that the emergence of new symbols and string techniques in the second half of the century has been largely on an arbitrary basis. Nevertheless^ broad classification of these elements is undertaken. / Art History, Visual Arts and Musicology / D.Mus. (Musicology)

Die Entwicklung der Musik im 20. Jahrhundert hat das Fach Gehörbildung vor neue Herausforderungen gestellt. Durch einen neuen Umgang mit den musikalischen Parametern (Tonhöhe, Klangfarbe, Dauer und Lautstärke) drohte die übliche Form des Gehörbildungsunterrichts und dessen traditioneller Gegenstand (Melodie, Harmonie, Rhythmus) als überholt betrachtet zu werden. Diese Situation hat ein neues Fach hervorgebracht, das an der Grenze zwischen Gehörbildung und Analyse angesiedelt ist. Angesichts der Komplexität der im 20. Jahrhundert stark individuell geprägten Tonsprache eines jeden Komponisten, die das unmittelbare Verständnis eines Werkes erschweren kann, scheint es absolut notwendig, den Studierenden mehr abzuverlangen als das Erarbeiten technischer Hörreflexe und das Beherrschen handwerklicher Mittel. Sie sollten über die Oberfläche eines ersten Höreindruckes hinausgeführt werden und mit rhythmischen und formalen Strukturen, Klangphänomenen sowie mit Aspekten der Zeitbehandlung oder der Zeitwahrnehmung konfrontiert werden. Ihre Hörfähigkeit sollte hinsichtlich dieser Parameter entwickelt und ihr Bewusstsein für die Problematik der Rezeption des zeitgenössischen Repertoires geschärft werden. Die Gleichbedeutung des Gelesenen und des Gehörten sollte für einen Berufsmusiker die technische Basis bilden und das innere Hören der gelesenen Partituren sowie das unmittelbare Sehen eines Schriftbildes des Gehörten sollten automatisch erfolgen können. Darüber hinaus scheint es wichtig, mit dem Unterschied zwischen dem ›Hörbaren‹ (die wahrnehmbaren musikalischen Strukturen) und dem ›Unhörbaren‹ (dem Intentionalen sowie dem Handwerklichen) konfrontiert zu sein. Am Beispiel der ersten Offrande von Edgar Varèse wird eine höranalytische Arbeit präsentiert, die diese Herausforderung entspricht: Ziel war es, die reine Beschreibung des Ablaufs und der verschiedenen musikalischen Ereignissen des Stückes für eine tiefgreifendere Analyse zu nutzen, die sich nicht auf der Oberfläche der instinktiven Wahrnehmung der Musik beschränkt, sondern versucht, die Homogenität des scheinbar zerstreuten musikalischen Materials und die Interaktion dessen einzelnen Elementen zu erfassen, um die tatsächlich sehr kompakte und dichte Einheitlichkeit des Stückes ans Licht zu bringen. Erst mit einem klaren und präzisen Verständnis dieser engen Verknüpfungen kann ein globales Hören des Stückes zu einem richtigen Hör-Erlebnis werden, das eine tiefere Bedeutungsebene der Musik erreicht. / The development of music in the 20th century has presented new challenges for the subject of ear training. Due to new approaches to musical parameters (pitch, timbre, duration and volume), the usual form of ear training and its traditional object (melody, harmony, rhythm) is threatened with obsolescence. This situation has created a new subject located on the boundary between ear training and analysis. Given the complexity of each composer’s highly individual language in the 20th century, which can obscure the comprehension of these works, it seems necessary to demand more from students than the development of technical listening reflexes and the mastery of craftsmanship. They should be carried beyond the surface of a first impression to be confronted with rhythmic and formal structures, sound phenomena as well as aspects of time treatment or perception of time. Their hearing ability should be developed in consideration of these parameters as well as their awareness of the problem of reception of the contemporary repertoire. Bringing into equivalence that which is read with what is heard should form the technical basis for a professional musician. Thus, the inner hearing of the score as well as the formation of a clear picture of what is sounding should automatically take place. In addition, it seems important to be confronted with the difference between the “audible” (the perceptible musical structures) and the “inaudible” (the musical thinking and craftsmanship). Using the example of the first of Edgar Varèse’s Offrandes, a hearing-analytical work is presented that meets this challenge: the aim was to use a pure description of the piece’s various musical events for a deeper analysis, one which is not limited to the surface of the instinctive perception of the music but tries instead to grasp the homogeneity of the seemingly scattered musical material and illuminate the piece’s compact unity through the interaction of its individual elements. Only with a clear and precise understanding of these close connections can exposure to the piece become a real listening experience that reaches the music’s deeper levels.