Conjugant des notions de musicologie et d'ethnologie avec celles relevant de la phonétique acoustique et de l'ethnolinguistique, l'auteure étudie les patrimoines musicaux des Pygmées Aka (Centrafrique) et Baka (Cameroun).<br />L'analyse des systèmes musicaux et l'étude des concepts vernaculaires de la pratique musicale sont la base pour la catégorisation de l'ensemble des répertoires. Cette méthode consiste à mettre au jour la pensée musicale dans l'organisation symbolique des sociétés de tradition orale. L'auteure illustre la variabilité culturelle baka à travers l'étude approfondie de l'emprunt d'un rituel à une culture voisine.<br />Ces recherches ethnomusicologiques contribuent à l'affinage de l'outillage analytique musicologique. Elles sont présentées dans leur articulation avec un réseau d'études interdisciplinaires ayant comme objet la connaissance des populations pygmées, ainsi que l'étude du contact interethnique et l'histoire des migrations en Afrique centrale.

Ce mémoire veut démontrer que le film de famille ainsi que ses conditions de réception empruntent, et ce de façon instinctive, au fonctionnement communicatif et rassembleur de la tradition orale. La parole, l’oralité, devrait être considérée comme le catalyseur de la mise en commun du souvenir que le film de famille suscite. Elle est le véhicule de l’interprétation du message du film de famille en tant que discours familial. D’ailleurs, si l’on compare l’influence des deux registres sensoriels présents dans le médium cinématographique (le visuel et l’oralité), le film de famille reprend davantage les modalités de l’oralité. Conséquemment, son contenu, sa forme et sa finalité correspondent à la définition d’un cinéma de l’oralité, un cinéma de la parole défini par Germain Lacasse. En raison d’une absence de travaux portant spécifiquement sur le sujet, l’objectif de cette recherche est de rapprocher et de définir davantage ces liens qui se sont tissés entre la tradition orale et le film de famille. Dans ce dessein, l’approche théorique développée est basée sur les théories de la tradition orale, sur la théorie de la mémoire collective de Maurice Halbwach et sur les rapports entre le cinéma et l’oralité. Ainsi, les aspects suivants sont abordés : Le rôle de l’oralité dans la constitution de la mémoire familiale, l’apport de l’oralité dans les médias stimulateurs de mémoire familiale et finalement, la forme et le contenu du film de famille en tant qu’aspects distinctifs du cinéma oral. Quatre extraits de films de famille québécois des années 20 à aujourd’hui y sont également analysés. / This research wants to demonstrate that the home movie and his reception context seem to be deeply marked by oral tradition and it’s communicative and social system. Orality should be considered as the family remembrance catalyst in home movies. This spoken word is the main transporter of the interpretation of home movie message as the family discourse. In fact, if we try to evaluate which one of the sensory mediums is more important for family communication (visual or oral medium), we would find out that orality plays a bigger part. Consequently, its form, content and finality correspond to the “oral cinema” definition of Germain Lacasse. Because of an actual lack of literature on this specific subject, the purpose of this study is to connect and define theories of oral tradition and home movie. The theoretical approach developed is based on oral tradition theory, Halbwach’s collective memory theory and on the relations between cinema and orality. Therefore, several aspects will be discussed : the contribution of orality in domestic memory constitution, the orality involvement in family memory stimulators or medias, and finally, the analysis of home movie’s form and content as an oral cinema. In addition, four sequences of Quebec made home movies since the twenties until our days are studied.

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Cette étude s’appuie sur un fonds d’enregistrements sonores, effectués au Gabon entre 1954 et 1966 par Herbert Pepper, chercheur de l’Orstom. En parcourant l’ensemble du pays, l’ethnomusicologue et son équipe ont collecté une grande variété de musiques, de contes, et autres expressions orales, et ont créé le Musée des Arts et Traditions de Libreville pour conserver, répertorier et valoriser le fruit de ces recherches de manière durable. Ces enregistrements peuvent être considérés comme étant des éléments représentatifs du « patrimoine culturel immatériel » gabonais, tel que le concept a pu être défini par la convention de l’Unesco en 2003. De nombreux pays comme le Gabon, dont les traditions se transmettent de manière orale, étaient jusqu’alors rarement représentés sur la liste du patrimoine mondial. Il est donc intéressant de retracer l’évolution et l’élargissement de la notion de patrimoine depuis le début du XIXe siècle, moment clé qui a vu se développer en Europe l’intérêt pour les vestiges du passé, tant sur le plan de la collecte des traditions orales que de la mise en musée des traces matérielles. Aujourd’hui, l’avènement des médias numériques a considérablement modifié les pratiques et conceptions dans le domaine de la conservation et de la valorisation du patrimoine. Grâce à la numérisation, les traditions orales bénéficient désormais d’outils adaptés à leur diffusion et il est possible de poursuivre le travail amorcé par Herbert Pepper lorsqu’il souhaitait conserver le caractère total des expressions culturelles gabonaises. / This study draws on a fund of sound recordings, made in Gabon between 1954 and 1966 by Herbert Pepper, Orstom's researcher. Going through the whole country, the ethnomusicologist and his colleague collected a wide variety of music, tales and other oral expressions, and created the Arts and Traditions’ Museum of Libreville to preserve, catalog and enhance the results of this research in a sustainable way.These records may be considered as representative components of “intangible cultural heritage” of Gabon, a concept which was defined by the Unesco Convention in 2003. Many countries such as Gabon, whose traditions are orally transmitted, were previously rarely represented on the World Heritage List. It’s therefore interesting to trace the evolution and expansion of the concept of heritage since the early nineteenth century, significant moment in Europe which has seen development of interest in the past’s relics, both of collecting oral traditions and conserving material traces in Museum. Today, the advent of digital media has significantly changed practices and conceptions in the area of conservation and heritage development. Through digitization, oral traditions now have suitable tools for their diffusion and it’s possible to continue the work begun by Herbert Pepper when he wished the character « total » to retain for gabonese cultural expressions.

Ce travail a pour but principal de répondre à certaines difficultés de notation rencontrées par les compositeurs. Dans un premier temps, nous nous se proposons de montrer les limites du système d’écriture musicale occidentale (SEMO) dans la notation de certains éléments de la musique et, dans un deuxième temps, de montrer les avantages qu’offre l’utilisation de l’écriture multimédia (EM). Les résultats de ce travail, obtenus à partir de six « expériences-projets de composition », montrent l’efficacité de l’EM : un ensemble de procédés qui permettent l'utilisation simultanée de plusieurs modes de représentation de l'information (tels que textes, sons, images fixes ou animées, entre autres), servant à noter un message afin de pouvoir le conserver et le transmettre du compositeur à l’interprète. Dans le cadre de la composition musicale, l’EM, telle que nous l’avons employée ici, s’est montrée efficace pour noter les éléments suivants : le timbre, des nouveaux modes de jeu, des nouvelles techniques vocales, des instructions pour l’emploi des logiciels ; et aussi l’EM s’est montrée efficace pour l’intégration des éléments suivants dans les œuvres de musique mixte : le jeu d’un musicien de tradition orale, des modes de jeu tirés des musiques de tradition orale et exécutés par un musicien de tradition écrite, une langue tonale (et l’expressivité liée aux genres de musique de tradition orale dans les œuvres écrites. À l’ensemble de notations multimédia déjà existantes et disponibles pour la composition musicale, nous ajoutons deux types de notation qui se sont révélés efficaces dans cette recherche : la notation auditive et la notation d’un savoir-faire au moyen de la vidéo. / The main goal of this work is to solve some of the difficulties that composers encounter when notating music. Firstly, we describe how the Western musical notation (WMN) is limited when attempting to write specific musical elements. Secondly, we show the possible advantages that multimedia writing (MW) could offer on the notation of such elements. To address these issues, we used MW in six “experiments/composition projects” that were conceived to answer specific notation questions. The results obtained thereof allowed us to demonstrate the efficacy of MW for overcoming current limitations in music notation. More specifically, MW constitutes a group of procedures that allows to simultaneously represent information in different ways. This information could be either text, sounds, still or moving images, among others. Such procedures can be used to note down a message to further save it and transfer it from the composer to the performer. In the context of our experimental paradigms, MW has proven to be efficient for: the notation of timber, the integration of musicians from oral tradition in mixed music works, the incorporation of instrumental techniques drawn from oral tradition music into written music, the integration of a tonal language in a music score, the notation of new instrumental and vocal techniques, the guidance at using new software, and the incorporation of expressiveness associated to music styles of oral tradition into written works. We consider that two types of notation that proved to be efficient in this research could be added to the body of already existing MW, namely auditive notation and the notation of a know-how by the means of video.

Comment les traditions orales kanak pourraient-elles agir au-delà de leurs frontières habituelles et influencer les processus de construction identitaire dans la société néo-calédonienne contemporaine ? Notre travail explore les interactions entre la tradition orale kanak et la tradition écrite néocalédonienne, en examinant les textes de réécriture, ces lieux de rencontre entre traditions qui constituent un espace de patrimoine commun. Cette thèse retrace les chemins d’une histoire, Le Chef et le lézard (dont on trouve de multiples versions dans les différentes traditions orales kanak), dans la tradition écrite. Sont élucidés les contextes historiques, politiques et littéraires des processus de production de versions de l’histoire, afin de mettre en évidence les forces en oeuvre, et d’éclairer la manière dont les représentations qui y figurent pourraient participer aux processus de construction identitaire. Les outils conceptuels employés sont la « réécriture », la « vā » (l’espace relationnel océanien d’échange et de rencontre),ainsi que la littérature comme « outil de renforcement communautaire ». La contribution originale qu'apporte notre travail consiste en démontrant le degré et l’étendue de l’intégration d'une histoire kanak dans le polysystème littéraire néo-calédonien ; en soulignant le rôle actif joué par des acteurs kanak dans les processus de réécriture ; en créant une métaphore étendue géographique du paysage littéraire néo-calédonien ; en témoignant de la richesse des traditions orales et écrites de Kanaky/Nouvelle-Calédonie ; et en constituant une passerelle entre les chercheurs/lecteurs non-francophones et la littérature néo-calédonienne. / How might Kanak oral traditions move beyond their usual boundaries and influence identity construction processes in contemporary New Caledonian society? This thesis explores the interactions between Kanak oral tradition and New Caledonian written tradition, by examining the (re)writings that are places of encounter between these traditions, and thus constitute a space of shared heritage. This study traces the pathways taken by a story, Le Chef et le lézard, (a number of versions of which are found in different Kanak oral traditions), as it moves into and within written tradition. The historical, political, and literary contexts of the (re)writing processes that produce versions of Le Chef et le lézard are elucidated, to demonstrate the forces at work and shed light on how the representations that figure in the (re)writings might participate in identity construction processes. The conceptual tools used in the study include: rewriting; vā (the relational space of exchange and encounter found throughout Oceania); and literature as a means of building community. The original contribution of this thesis has been to demonstrate the degree and the extent of the integration of a Kanak story into the New Caledonian literary polysystem; to highlight the active role played by Kanak actors in the rewriting process; to develop anextended geographic metaphor for the New Caledonian literary landscape; to bear witness to the richness of oral and written traditions in Kanaky/Nouvelle-Calédonie; and to create a bridge between non-Francophone researchers/readers and New Caledonian literature (oral and written).

L’éducation musicale académique n’est officialisée au Sénégal qu’à partir de 1976, dans l’intention de démocratiser l’accès à la culture à l’école. Le but est de former un citoyen sénégalais enraciné dans sa propre culture et ouvert vers le reste du monde. Mais la concrétisation de cette noble ambition a presque échoué en raison d’une « ouverture » qui a pris le pas sur « l’enracinement ». Car la formation des professeurs d’éducation musicale est calquée sur les contenus de cours légués par les français et basés essentiellement sur la musique classique européenne inconnue des sénégalais. Ce qui crée une tension par rapport à la culture musicale populaire des élèves. Dans les écoles, rien n’est prévu pour l’enseignement de cette discipline, au niveau des moyens et matériels didactiques. Les professeurs d’éducation musicale sont confrontés aussi à un problème de rapport au savoir académique dans une société de tradition orale très islamisée avec un système de castes, d’où des préjugés culturels et religieux à propos de la musique. Dans ce travail, nous étudions l’éducation musicale sénégalaise sous ses aspects socioculturels, politiques, politiques, scolaires et économiques. / Academic music education is formalized in Senegal until 1976, with the intention of democratizing access to culture in the school. The goal is to train a Senegal citizen rooted in their own culture and open to the rest of the world. But the realization of this noble ambition almost failed due to an ‘’openness’’ that has overtaken the ‘’rooting’’. Because the pattern of musical education training for teachers is imitating the courses contents left by the French and based mainly on European classical music unknown by the Senegalese. What creates a voltage compared to the popular musical culture of students. In schools, nothing is provided for teaching this subject as for as the resources and educational tools are concerned. Music education teachers are also facing a problem report to the academic knowledge in a society of highly Islamized oral tradition with a caste system, where cultural and religious prejudices about the music. In this work, we study the Senegalese musical education in its socio-cultural, political, academic and economic aspects.

Cette recherche doctorale examine les pratiques figuratives, les représentations symboliques et les enjeux socio-culturels des arts graphiques inuit dans les communautés de Kinngait (Cape Dorset) et de Pangniqtuuq (Pangnirtung) au Nunavut (Arctique canadien). Les notions de dessin (titiqtugaq-) et de parole (uqaq-) se placent au centre de la démarche qui est guidée par une approche interdisciplinaire, dans la perspective d’une ethnohistoire de l’art du dessin inuit. Trois parties structurent la démonstration. La première explore les configurations de la pensée inuit associées aux concepts d’art graphique, de représentation visuelle et de créateur, à partir de leur expression linguistique (chapitre II). Puis, une ethnographie de la scène artistique locale présente le dessin et les activités socio-économiques qui lui sont associées autour de la question du statut de l’artiste (chapitres III et IV). La deuxième partie envisage la figuration en rapport à la parole, à partir de la cosmogénèse et des techniques graphiques anciennes (chapitre V). Elle s’intéresse ensuite aux interactions entre le dessin et la parole sur un plan symbolique : dans le dessin, les pensées et les mots sont mis en actes (chapitres VI et VII). La dernière partie de la thèse définit l’art comme un élément de la dynamique socio-culturelle et politique des Nunavummiut. Le recours au dessin dans le cadre de projets communautaires est étudié à partir d’exemples récents (chapitre VIII), avant d’être replacé au centre des dynamiques relationnelles et des échanges socio-cosmiques dans une dimension ontologique (chapitre IX). Mots-clés : Nunavut, dessin inuit, parole, oralité, art graphique, ontologie, cosmologie, ethnohistoire de l’art, anthropologie, Arctique canadien. / This doctoral research examines the themes of figurative practices, symbolic representations and the socio-cultural stakes specific to Inuit graphic arts in the communities of Kinngait (Cape Dorset) and Pangniqtuuq (Pangnirtung) in Nunavut (the Canadian Arctic). The notions of drawing (titiqtugaq-) and of speech (uqaq-) are central to the thesis, which is guided by an interdisciplinary approach within the perspective of ethno-history of Inuit sketch art. The thesis is organized into three parts. The first explores the configuration of Inuit thought associated with the concepts of graphic art, visual representation and creation, through their linguistic expression (Chapter II). In addition, ethnography of the local art scene looks at drawing and the socio-economic activities that are associated with it, in connection with the status of the artist (Chapters III and IV). The second part looks at figuration in relation to power words, from cosmogenesis and ancient graphic techniques (Chapter V). With this in hand, the second part then looks at the interactions between drawing and speaking from a symbolic perspective: through drawings, the thoughts and words are put into action (Chapters VI and VII). The last part of the dissertation continues the analysis by defining art as part of the socio-cultural and political dynamics of the Nunavummiut. Recourse to drawing, as a community project, is studied with reference to recent examples (Chapter VIII), prior to being placed, within an ontological dimension, at the centre of relational and socio-cosmic exchange dynamics (Chapter IX). Keywords: Nunavut, Inuit drawing, speech, orality, graphic art, ontology, cosmology, ethno-history of art, anthropology, Canadian Arctic.

Depuis la conférence de Berlin de 1885 qui a consacré le partage de l'Afrique jusqu'à ce jour, la République Démocratique du Congo (RDC) n'a jamais retrouvé sa liberté. De l'État Indépendant du Congo, propriété privée du roi des Belges Léopold II, à l'indépendance, en passant par la colonisation belge, la RDC a toujours été confrontée à différents conflits. Pour apporter certaines solutions à ces problèmes, l'auteur analyse les principales causes des conflits et des guerres qui déchirent la République Démocratique du Congo et propose le recours à la palabre comme moyen de résolution de ces conflits. La thèse montre l'avantage à moderniser la palabre et à l'intégrer dans les institutions de la RDC pour en faire un mode de gestion politique. Aussi, elle fait ressortir des affinités électives entre la palabre et la démocratie délibérative pour établir un parallélisme entre ces deux théories. Nous nous inspirons du modèle des Kongo, habitant la région du Bas-Congo. Lors de la conférence de Berlin, le pays a été divisé artificiellement par les puissances coloniales (La France, la Grande Bretagne, le Portugal, l'Allemagne, la Belgique, etc.). Suite à ce partage, le roi Léopold II hérita le Congo un territoire 80 fois plus grand que la Belgique comme propriété privée. Durant cette période, la gestion du pays a été catastrophique. Les actes de violences, la barbarie, les exactions, les viols et les exécutions ont été commis à l'endroit des populations congolaises. Suite à cette mauvaise gestion, le Congo a été cédé à la Belgique en 1908 pour devenir une colonie belge.

Cette étude se penche sur le geste singulier se dégageant de l’œuvre du cinéaste sénégalais Djibril Diop Mambety. Une force de « mise en présence » y est identifiée, dont la présente recherche démontre qu’elle s’apparente à l’action médiatrice du griot des traditions orales d’Afrique de l’Ouest. Singulièrement, cette force tenant de l’oralité ne repose pas sur le récit ou la parole comme discours, mais relève au contraire de ruptures narratives et de disjonctions image-son qui mettent le récit en question, invitant le spectateur à fréquemment réviser son interprétation de ce qu’il voit et entend. C’est le film lui-même qui devient alors griot, actualisant un lien en constante transformation entre l’univers qu’il porte et son spectateur. En instaurant un rapport critique à l’égard du monde dans lequel s’inscrit le récit, les multiples ruptures dans le cinéma de Mambety sont également les brèches par lesquelles se crée un espace d’accueil pour la marginalité, qui habite tous ses films. La tradition orale et le griot sont présentés en premier lieu, de manière à poser les bases à partir desquelles peut se développer la réflexion. La description et l’analyse des films Parlons Grand-mère et Le franc démontrent en quoi ceux-ci sont des films médiateurs, qui se comportent en griots. Cette découverte ouvre la voie à une réflexion plus large sur la médiation au cinéma, où la portée éthique du film-médiateur est explorée, ainsi que la nature des relations possibles entre médiation et récit. Finalement, l’analyse du film Hyènes, eu égard à la différence qu’il présente en déployant un récit plus linéaire, est l’occasion d’approfondir une compréhension à la fois de ce que font les films de Mambety et de ce que peut la médiation au cinéma de façon plus large. / This study examines how the mediatory action of the griot in West African oral traditions is at work in the films of Senegalese filmmaker Djibril Diop Mambety. This force of orality, of mise-en-présence, emerges in Mambety’s films from narrative disruptions and sound-image disjunctions. Instead of relying on narrative or speech as a discourse, this force of orality challenges the story’s consistency, inviting the viewer to frequently revise his or her interpretation of what is being seen and heard. The film itself becomes griot, a griot which links the world borne by the film and the spectator in a dynamic and ever-changing interplay. By fostering, through these disruptions, a critical stance toward the world on which depends the narrative, Mambety’s cinema makes room for marginality and exclusion, which inhabit all his films. Oral tradition and griot are first defined, followed by an analysis of how the films Parlons Grand-mère and Le franc are mediator films, functioning as griots. This opens the way for a broader reflection on the ethical significance of film-as-mediator, as well as the possible ties between mediation and narrative. Finally, an analysis of the film Hyènes, on account of its more linear narrative exposition, provides an opportunity to deepen our understanding of Mambety’s filmmaking, and to explore the greater implications of mediation in cinema.