Esta tese oferece um panorama de ideias sobre a tradução do verso livre em inglês para o português com base em uma pesquisa feita com dez tradutores brasileiros, por meio de um questionário com 13 perguntas abordando diferentes aspectos do tema. A pesquisa contextualiza as respostas com um perfil detalhado de cada um dos tradutores que participaram dela e uma análise contrastiva do grupo em conjunto, com base nos conceitos de habitus e campo, desenvolvidos pelo sociólogo Pierre Bourdieu, aplicados à area da tradução. A tese conclui que a visão dos entrevistados reflete aspectos do conceito de verso livre, que engloba uma série de estilos poéticos, e enumera os pontos mais relevantes no conjunto das respostas, como a divisão dos poemas em versos livres em categorias, a necessidade de identificar o princípio de organização do poema e considerações a respeito da tradução do ritmo. / This thesis makes an overview of ideas on the translation of free verse from English into Portuguese based on a survey with ten Brazilian translators, who answered a questionnaire with 13 questions about different aspects of the subject. The study contextualizes the answers with a detailed profile of each participant, based on the concepts of field and habitus, developed by sociologist Pierre Bourdieu, applied to translation. It concludes that the answers reflect aspects of the concept of free verse and identifies the most important points, like the division of free verse poems into categories, the need to identify the organization principle of the poem, and considerations on translation of rhythm.

Esta tese propõe identificar e analisar alguns dos princípios norteadores da tradução poética das artes verbais ameríndias à luz da etnopoética norte-americana, e em diálogo com teorias da etnologia indígena sul-americana. Para isso, temos como objetivo situar a emergência do movimento etnopoético no contexto do americanismo e examinar as concepções teóricas que dão suporte aos projetos tradutórios dos três nomes mais significativos dessa geração: Dell Hymes, Dennis Tedlock e Jerome Rothenberg. Mostra-se como a prática etnopoética desses tradutores, nutrindo-se e ao mesmo tempo diferindo da tradição de Franz Boas, marcou a reivindicação da poeticidade dos cantos e narrativas ameríndias a partir do fim da década de 1960, chamando atenção para como a organização do discurso se dá em termos de paralelismo, prosódia e paralinguagem nas formas expressivas em questão. Assim, por meio de uma interlocução entre Estudos da Tradução, Etnologia, Linguística Antropológica e Estudos Literários, espera-se oferecer uma incursão crítica pelas experiências de tradução analisadas e oferecer subsídios para o desenvolvimento da temática no contexto brasileiro. / This dissertation proposes to identify and analyze some of the guiding principles of the poetic translation of Amerindian verbal arts in the light of the movement known as ethnopoetics begun in the late 1960s in the United States , approached in dialogue with theories coming from South American indigenous ethnology. It aims to place the emergence of ethnopoetics in the context of Americanism, and to examine theoretical conceptions offered by Dell Hymes, Dennis Tedlock, and Jerome Rothenberg, who have made diverse yet structuring contributions to shaping this aesthetic. It shows how these translators affirmed the poetic quality of Amerindian songs and narratives by drawing attention to how discourse is organized in terms of parallelism, prosody, and paralinguistic features in such forms of expression, while building on yet differing from the Boasian tradition. In doing so, it hopes to offer a critical incursion into the translational experiences analyzed, strengthening the dialogue between Translation Studies, Ethnology, Linguistic Anthropology and Literary Studies, as well as to contribute some insights to the field in the Brazilian context.

Este trabalho de tradução e sobre tradução de Don Juan de lorde Byron pode ser dividido em duas partes: a primeira cuida das especificidades de autor, sua vida, obra, fortuna crítica, assim como o tratamento do mito de Don Juan na obra byroniana, além de um estudo descritivo das traduções de Don Juan de lorde Byron publicadas no Brasil. A segunda, compõe-se de comentários à guisa de introdução à tradução de Don Juan, e da tradução dos Cantos I, II, III e IV para a língua portuguesa, feita em versos, na mesma estrutura estrófica do original, abalizada por uma pletora de notas a respeito do texto e dos vieses tradutórios. / This work of the translation and on the translation of Lord Byrons Don Juan can be divided into two parts: the first examines Byron\'s characteristics, life, work, literary criticism, as well as Byron\'s treatment of the myth of Don Juan, besides making a descriptive study of the translations of Don Juan of Lord Byron published in Brazil. The second part contains comments on the translation of Don Juan, the translations of Cantos I, II, III and IV, done in verse, in the same formal structure as the original, supplemented by a large number of notes on the text and background.

Esta dissertação apresenta um estudo de aspectos históricos e conceituais do sprechgesang (canto falado) usado por Arnold Schoenberg no seu melodrama Pierrot Lunaire, op 21. O estudo tem por finalidade principal apresentar sugestões de interpretação para a execução da obra quando adaptada ao texto recriado para o idioma português pelo poeta Augusto de Campos. Inicialmente são apresentadas três trajetórias históricas: a primeira enfoca a transformação do personagem Pierrot através dos tempos e regiões da Europa, a segunda, a evolução do uso da declamação no gênero literomusical melodrama, e a terceira, a presença do gênero melodrama na evolução da obra de Arnold Schoenberg. Em seguida, são estudados aspectos conceituais específicos de Pierrot Lunaire por meio de elaboração de análises comparativas. Três interpretações da obra, registradas em cd comercial por artistas consagradas, são usadas como objeto de estudo para estas análises, cujo interesse maior se concentra na compreensão das múltiplas possibilidades de leitura do sprechgesang. Por fim, como aplicação prática dos conceitos estudados neste trabalho, foi criada, em parceria com a cantora Erika Muniz, uma interpretação para o sprechgesang de Pierrot Lunaire adaptado ao português. / This dissertation presents a study on conceptual and historical aspects of Arnold Schoenberg\'s use of Sprechgesang (speech-singing) in his melodrama Pierrot Lunaire, op. 21. The study aims primarily at building up interpretative patterns for a particular version of the piece - adapted to a recreation of the text in Portuguese by the poet Augusto de Campos. Initially, three historical approaches are presented: the transformation of Pierrot through time and places in Europe; the evolution of the use of recitation in the \"literary-musical\" genre melodrama; and the presence of the genre melodrama in Arnold Schoenberg\'s work. Then, specific conceptual aspects of Pierrot Lunaire are studied through comparative analysis. For this, three interpretations of the piece, recorded in commercial CDs by recognized artists, are used as object. The analysis focuses chiefly on comprehending the multiple reading possibilities of Sprechgesang. Finally, in order to apply the concepts studied in this work, an interpretation for the Sprechgesang in Pierrot Lunaire adapted to Portuguese was created. This was done in a partnership with the singer Érika Muniz.

No nascimento da modernidade houve um grande crescimento produtivo, o que levou ao incremento das instituições mediadoras da vida social. Os efeitos disso na esfera do discurso e da formação do sujeito se manifestaram também no teatro, na formação dos personagens. A passagem de uma mentalidade mítica para uma racionalista marcou os sujeitos, muitas vezes, de forma trágica, dilacerados entre demandas desencontradas e discursos opostos. A subjetividade se tornou o campo desse tipo de batalha. Um exemplo privilegiado desse momento é The Spanish Tragedy, de Thomas Kyd. Tragédia inaugural do teatro elisabetano, Kyd foi o primeiro autor a concentrar a maioria de seus monólogos em um único personagem, contrastando com peças anteriores, como Gorboduc, em que os monólogos eram mais distribuídos. Isso possibilitou uma concentração de tensão e um desenvolvimento dramatúrgico que influenciou gerações, inclusive um jovem dramaturgo iniciante chamado William Shakespeare. Não é apenas uma coincidência que Kyd tenha inaugurado com sua peça um gênero, as tragédias de vingança, que criou uma longa linhagem, cujo representante mais ilustre é Hamlet. Mas esse desenvolvimento concentrado, que permitiu um crescendo ao longo da peça, se olhado de perto, apresenta uma outra dimensão. A fatura linguística dos monólogos traz materiais das mais diversas fontes. Se estão presentes recursos linguísticos da literatura clássica e da retórica da corte, também aparece uma dicção provinda da burguesia, seja das controvérsias religiosas, seja dos livros de cortesão, que discutiam o comportamento adequado em sociedade. Temos, portanto, recursos textuais provenientes dos atores sociais que tencionavam a época: aristocracia decadente e burguesia ascendente. Vistos em sequência, os monólogos apresentam uma transição das formas mais tradicionais e conservadoras de discurso para as mais modernas. Dessa forma, o desenvolvimento do personagem e a estrutura dramatúrgica construída em torno dele se tornam um espelho de sua época. A mesma tensão que vemos no grande quadro da história, se fecharmos o foco sobre o personagem e, mais ainda, sobre sua interioridade, nos monólogos, reaparece nas suas formas de discurso. Ao fazer um panorama histórico, uma descrição da evolução do personagem e um exame detalhado de momentos-chave de seus monólogos, esperamos demonstrar esses nexos. / In the birth of modernity, there was a great productive growth, which led to the increase of institutions mediating social life. The effects of this situation in the sphere of social discourse and in the formation of the subjects also manifested themselves in the theater, in the formation of the characters. The transition from a mythical mentality to a rationalist one marked the subjects, often tragically, torn between disjointed demands and opposed discourses. Subjectivity became the battlefield of this type of struggle. A prime example of this moment is The Spanish Tragedy, by Thomas Kyd. Kyd was the first author to concentrate most of his monologues on a single character, contrasting with earlier plays such as Gorboduc, where the monologues were more widely distributed. This enabled a concentration of tension and a dramaturgical development that influenced generations, including a young beginner playwright named William Shakespeare. It is not only a coincidence that Kyd inaugurated, with his play, a genre, the revenge tragedy, which created a long lineage, the most illustrious representative being Hamlet. But this concentrated development, which allowed a crescendo throughout the play, if looked closely, presents another dimension. The linguistic making of the monologues brings materials from the most diverse sources. If linguistic resources of classical literature and court rhetoric are present, there is also a diction from the bourgeoisie, whether from the religious controversies or from the court books, which discussed proper behavior in society. Therefore, we have textual resources coming from the social actors who confronted each other in that era: decadent aristocracy and rising bourgeoisie. Viewed in a sequence, the monologues show a transition from the more traditional and conservative forms of discourse to the more modern ones. In this way, the development of the character and the dramatic structure built around him become a mirror of his time. The same tension that we see in the great picture of history, if we close the focus on the character, even more, on his interiority, in the monologues, reappears in his forms of discourse. Making a historical overview, a description of the development of the character and a detailed examination of moments of his monologues, we hope to demonstrate these links.

O presente trabalho tem como objetivo compreender as abordagens que permitiram a quatro compositores brasileiros verterem com maestria três canções do compositor e cantor Bob Dylan (It’s All Over Now, Baby Blue, Romance In Durango e I Want You) e baseada nas abordagens adotadas pelos mesmos, compor uma versão de uma canção do vasto repertório dylaniano. A partir disso, procurei traçar os rumos que levaram ao primor das três versões Negro Amor, Romance no Deserto e Tanto, focando não apenas na mera tradução, mas na transposição para a língua portuguesa brasileira da lírica dylaniana mantendo para tal o formato da canção. As canções, apresentadas na ordem cronológica do lançamento das versões, são cotejadas com suas respectivas originais e os panos de fundo dos quatro versionistas, procurando analisar o caminho que cada um trilhou para chegar a sua interpretação. Ao final, tendo como enfoque as abordagens colhidas, apresento uma versão de própria lavra de uma canção do cancionista americano. / The present work aims to trace the approaches which led to the perfection of Negro Amor, Romance no Deserto and Tanto, three versions to songs of singer-songwriter Bob Dylan (It’s All Over Now, Baby Blue, Romance In Durango and I Want You respectively) e, focusing not merely on translation, but in the transposition of Dylan’s lyric into Brazilian Portuguese in which the song format has been maintained intact. The songs, presented in the chronological order of the versions, are collated with their corresponding originals and backgrounds of the four Brazilian composers, looking to analyze the way in which each one of them was able to reinterpret a Dylan song. At the end, taking into account the approaches gathered along this study, I present my own version of a Bob Dylan song.

No nascimento da modernidade houve um grande crescimento produtivo, o que levou ao incremento das instituições mediadoras da vida social. Os efeitos disso na esfera do discurso e da formação do sujeito se manifestaram também no teatro, na formação dos personagens. A passagem de uma mentalidade mítica para uma racionalista marcou os sujeitos, muitas vezes, de forma trágica, dilacerados entre demandas desencontradas e discursos opostos. A subjetividade se tornou o campo desse tipo de batalha. Um exemplo privilegiado desse momento é The Spanish Tragedy, de Thomas Kyd. Tragédia inaugural do teatro elisabetano, Kyd foi o primeiro autor a concentrar a maioria de seus monólogos em um único personagem, contrastando com peças anteriores, como Gorboduc, em que os monólogos eram mais distribuídos. Isso possibilitou uma concentração de tensão e um desenvolvimento dramatúrgico que influenciou gerações, inclusive um jovem dramaturgo iniciante chamado William Shakespeare. Não é apenas uma coincidência que Kyd tenha inaugurado com sua peça um gênero, as tragédias de vingança, que criou uma longa linhagem, cujo representante mais ilustre é Hamlet. Mas esse desenvolvimento concentrado, que permitiu um crescendo ao longo da peça, se olhado de perto, apresenta uma outra dimensão. A fatura linguística dos monólogos traz materiais das mais diversas fontes. Se estão presentes recursos linguísticos da literatura clássica e da retórica da corte, também aparece uma dicção provinda da burguesia, seja das controvérsias religiosas, seja dos livros de cortesão, que discutiam o comportamento adequado em sociedade. Temos, portanto, recursos textuais provenientes dos atores sociais que tencionavam a época: aristocracia decadente e burguesia ascendente. Vistos em sequência, os monólogos apresentam uma transição das formas mais tradicionais e conservadoras de discurso para as mais modernas. Dessa forma, o desenvolvimento do personagem e a estrutura dramatúrgica construída em torno dele se tornam um espelho de sua época. A mesma tensão que vemos no grande quadro da história, se fecharmos o foco sobre o personagem e, mais ainda, sobre sua interioridade, nos monólogos, reaparece nas suas formas de discurso. Ao fazer um panorama histórico, uma descrição da evolução do personagem e um exame detalhado de momentos-chave de seus monólogos, esperamos demonstrar esses nexos. / In the birth of modernity, there was a great productive growth, which led to the increase of institutions mediating social life. The effects of this situation in the sphere of social discourse and in the formation of the subjects also manifested themselves in the theater, in the formation of the characters. The transition from a mythical mentality to a rationalist one marked the subjects, often tragically, torn between disjointed demands and opposed discourses. Subjectivity became the battlefield of this type of struggle. A prime example of this moment is The Spanish Tragedy, by Thomas Kyd. Kyd was the first author to concentrate most of his monologues on a single character, contrasting with earlier plays such as Gorboduc, where the monologues were more widely distributed. This enabled a concentration of tension and a dramaturgical development that influenced generations, including a young beginner playwright named William Shakespeare. It is not only a coincidence that Kyd inaugurated, with his play, a genre, the revenge tragedy, which created a long lineage, the most illustrious representative being Hamlet. But this concentrated development, which allowed a crescendo throughout the play, if looked closely, presents another dimension. The linguistic making of the monologues brings materials from the most diverse sources. If linguistic resources of classical literature and court rhetoric are present, there is also a diction from the bourgeoisie, whether from the religious controversies or from the court books, which discussed proper behavior in society. Therefore, we have textual resources coming from the social actors who confronted each other in that era: decadent aristocracy and rising bourgeoisie. Viewed in a sequence, the monologues show a transition from the more traditional and conservative forms of discourse to the more modern ones. In this way, the development of the character and the dramatic structure built around him become a mirror of his time. The same tension that we see in the great picture of history, if we close the focus on the character, even more, on his interiority, in the monologues, reappears in his forms of discourse. Making a historical overview, a description of the development of the character and a detailed examination of moments of his monologues, we hope to demonstrate these links.

Esta dissertação apresenta um estudo de aspectos históricos e conceituais do sprechgesang (canto falado) usado por Arnold Schoenberg no seu melodrama Pierrot Lunaire, op 21. O estudo tem por finalidade principal apresentar sugestões de interpretação para a execução da obra quando adaptada ao texto recriado para o idioma português pelo poeta Augusto de Campos. Inicialmente são apresentadas três trajetórias históricas: a primeira enfoca a transformação do personagem Pierrot através dos tempos e regiões da Europa, a segunda, a evolução do uso da declamação no gênero literomusical melodrama, e a terceira, a presença do gênero melodrama na evolução da obra de Arnold Schoenberg. Em seguida, são estudados aspectos conceituais específicos de Pierrot Lunaire por meio de elaboração de análises comparativas. Três interpretações da obra, registradas em cd comercial por artistas consagradas, são usadas como objeto de estudo para estas análises, cujo interesse maior se concentra na compreensão das múltiplas possibilidades de leitura do sprechgesang. Por fim, como aplicação prática dos conceitos estudados neste trabalho, foi criada, em parceria com a cantora Erika Muniz, uma interpretação para o sprechgesang de Pierrot Lunaire adaptado ao português. / This dissertation presents a study on conceptual and historical aspects of Arnold Schoenberg\'s use of Sprechgesang (speech-singing) in his melodrama Pierrot Lunaire, op. 21. The study aims primarily at building up interpretative patterns for a particular version of the piece - adapted to a recreation of the text in Portuguese by the poet Augusto de Campos. Initially, three historical approaches are presented: the transformation of Pierrot through time and places in Europe; the evolution of the use of recitation in the \"literary-musical\" genre melodrama; and the presence of the genre melodrama in Arnold Schoenberg\'s work. Then, specific conceptual aspects of Pierrot Lunaire are studied through comparative analysis. For this, three interpretations of the piece, recorded in commercial CDs by recognized artists, are used as object. The analysis focuses chiefly on comprehending the multiple reading possibilities of Sprechgesang. Finally, in order to apply the concepts studied in this work, an interpretation for the Sprechgesang in Pierrot Lunaire adapted to Portuguese was created. This was done in a partnership with the singer Érika Muniz.

Este trabalho propõe uma leitura em mosaico das Odes, em três níveis: (a) a ordem das palavras, (b) organização do poema e (c) disposição do(s) livro(s). Em seguida, diante dos efeitos produzidos por esses níveis, a tese pretende justifica e apresentar uma tradução poética que tenha a função crítica que elucidar pela prática poética os problemas críticos apontados na parte teórica / This work proposes a reading in mosaics of the Odes, in three levels: (a) word-order, (b) organization of the poem and (c) disposition of the book(s). After that, in face of the effects produced by those levels, this thesis aims at justifying and presenting a poetic translation that also bears a critical function through clarifying by the poetical praxis the critical problems pointed in the theoretical section

O cenário da poesia moderna de língua inglesa congrega uma série de autores ingleses e norte-americanos que criaram obras com estilos, formas, problemáticas e visões de mundo altamente diversificados. Uma ampla gama de recursos linguísticos e estéticos foi desenvolvida, incluindo o uso da colagem, a sintaxe fragmentada, o verso livre e a linguagem coloquial algumas vezes intercalada com a solene. Dentre tais autores modernos, o poeta norte-americano Hart Crane se destaca por sua obra poética de alta originalidade e complexidade e suas perspectivas estéticas bastante individualizadas. Em sua obra, Crane articulou recursos e referências literárias e filosóficas variadas. Sua poesia se caracteriza por uma versificação que contempla do pentâmetro iâmbico branco elisabetano ao verso livre moderno; uma sintaxe que se distancia da língua falada com inversões e rupturas; um vocabulário eclético que une arcaísmos a neologismos; uma retórica rica em figuras de linguagem; e um ideário simbólico e temático compreendendo as ideias e imagens místicas e metafísicas do simbolismo francês e a exploração de sentimentos individuais do romantismo inglês. Além desses referenciais, Crane foi particularmente inspirado e instigado pelo poeta norte-americano moderno T. S. Eliot, cuja erudição e domínio de técnicas como a colagem e o verso livre Crane tinha como modelo, mas de cujas perspectivas estéticas classicistas e tradicionalistas e visões da modernidade pessimistas Crane discordava e tentou refutar. Assim, Crane concebeu sua obra poética em grande parte como uma resposta à de Eliot, buscando antepor ao seu pessimismo uma visão mais otimista, postulando uma espiritualidade própria à experiência moderna, que, segundo Crane, deveria ser explorada e registrada pelo poeta. Para tal, Crane desenvolveu uma teoria estética pessoal que enfatizava a subjetividade e as experiências do próprio poeta assim como a tradição literária, englobando, entre outros, elementos da filosofia transcendentalista norte-americana. Esse empreendimento resultou em uma obra breve, porém rica, cuja complexidade foi muitas vezes reprovada como excessiva ou confusa, mas cuja influência e interesse vêm aumentando nos anos após sua morte. Este estudo oferece uma apresentação das principais características da obra poética e das perspectivas estéticas de Hart Crane, centrando-se na análise formal e temática e em uma tradução para o português da sequência de poemas intercalados conhecida como “Voyages”, presente no primeiro livro de Crane, White Buildings, e geralmente considerada uma de suas principais obras. Alguns dos mais significativos poemas de Crane são estudados à luz de suas próprias teorias estéticas e das avaliações de críticos com perspectivas variadas, como Allen Tate, Yvor Winters, R. W. B. Lewis, Margareth Uroff, Thomas Yingling e Lee Edelman, entre outros. Buscam-se uma compreensão de sua obra e a apresentação em língua portuguesa de um de seus principais trabalhos líricos com o objetivo de familiarizar o leitor e o estudioso brasileiro com as obras e ideias de um poeta de língua inglesa cuja importância vem sendo atestada ao longo dos anos. / The scenery of modern English language poetry congregates a number of English and North-American authors that created works with highly diversified styles, forms, problematic and worldviews. A wide range of linguistic and aesthetic resources was developed, including the use of collage, fragmented syntax, free verse, and the intercalation of colloquial and formal language. Among these modern authors, the North-American poet Hart Crane stands out due to his highly original and complex poetic works and his strongly individualized aesthetic perspectives. In his work, Crane articulated various philosophic and literary references and resources. His poetry is characterized by a versification that comprises both the Elizabethan blank iambic pentameter and the modern free verse; a syntax distanced from the spoken language with inversions and breakages; an eclectic vocabulary conjoining archaisms and neologisms; a rich and ornate rhetoric including complex figures of speech; and themes and symbols associated to mystical and metaphysical images and ideas from French Symbolism and the English Romantic exploration of subjective feelings. In addition to these references, Crane was particularly inspired by the North-American modern poet T. S. Eliot, whose erudition and mastery of techniques such as the collage and the free verse Crane had as a model, but with whose classicist and traditionalist aesthetic perspectives and pessimist views of modernity Crane disagreed and attempted to counter. Thus, Crane’s poetic work was largely conceived as a response to that of Eliot, aiming at opposing to his pessimism a more optimistic view, postulating a form of spirituality that is proper to the modern experience, which should be explored and registered by the poet, in Crane’s view. For such, Crane developed an aesthetic theory that emphasized the poet’s own subjectivity and personal experiences, encompassing elements of, among others, the American Transcendentalist school of thought. This endeavor resulted in a brief, but very rich poetic oeuvre, whose complexity has been often reproached as excessive or confusing, but whose influence and interest have been increasing in the years following his death. This study provides a presentation of the main characteristics of Hart Crane’s poetic work and aesthetic theories, focusing on the formal and thematic analysis and the translation into the Portuguese language of the poetic sequence known as “Voyages,” included in Crane’s first book and generally considered one of his main works. Some of Crane’s poems are here studied according to his own aesthetic perspectives as well as the evaluations of varied perspectives, such as those of Allen Tate, Yvor Winters, R. W. B. Lewis, Margareth Uroff, Thomas Yingling and Lee Edelman, among others. An understanding of Crane’s work and the presentation in Portuguese language of one of his most celebrated lyrical works are aimed at in order to familiarize the Brazilian reader and student with the works and the ideas of an English language poet whose importance has been attested throughout the years.