Thesis (M.S.)--University of Wisconsin--Madison, 1960. / Typescript. eContent provider-neutral record in process. Description based on print version record. Includes bibliographical references (leaves 153-156).

Thesis (Ph. D.)--University of Michigan, 1971. / Includes bibliographical references (p. [447]-459) and index.

Thesis (Ph. D.)--University of Michigan, 1971. / Includes bibliographical references (p. [447]-459) and index.

Thesis advisor: Elizabeth Rhodes / Esta tesis analiza la función de la parodia en Don Quijote de La Mancha (1605, 1615). A partir de la cual se explora la manera en que tres adaptaciones cinematográficas de la novela de Cervantes reutilizan la estructura paródica de Don Quijote. Estas adaptaciones son Don Quijote cabalga de nuevo de Roberto Gavaldón (México, 1973), Don Quijote de Orson Welles de Jess Franco (España, 1992) y Don Quijote de La Mancha de Rafael Gil (España, 1948). La novela Don Quijote de Cervantes ofrece una estructura de la parodia que los directores de estas tres películas emplean para criticar discursos originalmente parodiados por Cervantes en su novela--la condenación de la literatura de caballerías. Esta tesis explora las nuevas funciones de la parodia quijotesca analizando cómo se representan y transforman en las adaptaciones cinematográficas. El marco teórico tiene en cuenta recientes contribuciones a la teoría de la parodia, que interpreta esta figura más allá de los estudios de la parodia tradicional vinculados a la representación cómica. Puede ser homenaje o crítica seria de los contextos culturales y políticos del momento en el que el nuevo texto, la adaptación, se produce. Igualmente, recientes estudios teóricos sobre adaptaciones cinematográficas desplazan el privilegio tradicionalmente concedido al texto literario. Estas tres adaptaciones cinematográficas de la novela Don Quijote de La Mancha utilizan la parodia original para crear parodias posmodernas de acuerdo a sus propios contextos históricos y artísticos. / Thesis (PhD) — Boston College, 2013. / Submitted to: Boston College. Graduate School of Arts and Sciences. / Discipline: Romance Languages and Literatures.

Thesis (B.A.)--Haverford College, Dept. of Spanish, 2004. / Includes bibliographical references.

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Los textos de la presente edición de Cine Scrúpulos han sido elaborados por los alumnos, profesores y colaboradores de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas. Las imágenes utilizadas han sido obtenidas de distintas páginas web. El uso de las mismas se inscribe en lo estrictamente académico y divulgativo. / ... llega a los oídos de una manera que no da tregua. Ese es uno de los principales recuerdos de la que debe ser una de las películas de terror más mentadas de toda la historia. Y su creador ha muerto hace poco. Justo cuando empezábamos a asimilar la partida de George A. Romero, ese gran creador del cine grotesco, se nos va otra pieza clave del gore. Es por eso que en CineScrúpulos hemos querido rendir homenaje a dos de nuestros directores más queridos en estas ediciones pequeñas de verano. Pero no vaya a pensarse que Hooper es un creador coherente que hilvanó a la perfección una obra que podría codearse con otros grandes del séptimo arte. Lamentablemente, quizás porque se trató de un chispazo, porque no contó con los recursos necesarios o porque simplemente la actividad cinematográfica se convirtió en una mera excusa que le permitía comer, la filmografía del buen Tobe está plagada de algunos plomazos insufribles y aventuras desteñidas en la pantalla chica. Sin embargo, eso no debe ser motivo para olvidar piezas claves que cualquier fanático del terror con dos dedos de frente debería haber visto y revisto mientras se relame con gusto. Ahí están The Texas chain saw massacre, Eaten alive, Poltergeist o Lifeforce para demostrarlo. Pero esta edición de CineScrúpulos también se engalana con un texto acerca de los acercamientos de Tim Burton al cine de invasión extraterrestre en esa oda a la exageración que es Marcianos al ataque. Y si con ello no basta, pues nos acercamos un poco a la televisión para dar cuenta de hasta qué punto David Fincher es capaz de mantener sus constantes estéticas durante sus aventuras en las series que llevan su firma. Todo está sazonado de tal manera que la edición número 16 de CineScrúpulos sea de tu agrado. Y debido a ciertos cambios en la estructura de los trabajos finales del curso, pero sobre todo gracias al enorme talento de los estudiantes del presente ciclo, tenemos material para más y hemos decidido publicar este verano dos ediciones de nuestra pequeña revista. De ese modo está todo lo que debe estar y tú no pierdes la oportunidad de deleitarte con la sana y amena lectura del equipo de redacción. Como si estuvieras a medianoche en tu casa y de pronto escucharas que el abuelo está con ganas de sentirse matarife mientras Leatherface estrena rostro nuevo y tú te preguntas dónde demonios dejaste el cadáver de la abuela. Ya sabes: lo más importante es la familia.

After World War II, film audiences of American crime dramas, later termed film noirs, witnessed the relocation of several film narratives to settings outside of the traditional urban environment. These films began to defy the conventional notion that crime only exists in densely populated cities and began to incorporate alternative spaces, like suburban communities, small towns, and the open road, to tell their stories. This thesis examines how social and geographical spaces contribute to, rather than oppose, a noir sensibility by employing an intertextual analysis of three film noirs set in locations out of the city: Fallen Angel, The Stranger, and Gun Crazy. This project explores the possibility that noir cinema is not bound to a conventional urban environment, but that the ambiguous essence of film noir can also flourish in non-urban settings by preying on the fears and anxieties many Americans experienced after the end of the War.

Verdades e mentiras (Verités et mensonges / F for fake, 1973), de Orson Welles, parte da história de Elmyr de Hory, um grande falsificador de obras de arte, para propor uma reflexão sobre o mercado de arte e sobre o trabalho do artista no contexto da Indústria Cultural. O filme organiza-se como uma argumentação, que disserta sobre seu contexto sócio-histórico e capta a estrutura de sentimento do período em que é produzido, podendo ser considerado um precursor do filme ensaio. Entretanto, os argumentos nem sempre confirmam as teses propostas inicialmente. Há constantes contradições entre os diferentes elementos que compõem uma mesma cena, ou entre diferentes cenas e sequências do filme, tornando necessário ao espectador realizar uma leitura a contrapelo da obra. Orson Welles incorpora aspectos da tradição cinematográfica e de sua obra e combina-os com a experimentação, que é característica de seu trabalho artístico, para investigar as relações de produção no contexto da indústria cultural e de que forma o trabalho se constitui enquanto horizonte para superação das determinantes históricas da sociedade. Ao mesmo tempo em que faz isso, o filme evidencia a si mesmo como representação, constituída a partir de um ponto de vista determinado, e assim permite que analisemos e interpretemos a verdade desse trabalho artístico, para a compreensão dos temas e aspectos da realidade que ele configura. / F for fake (Verités et mensonges, 1973), by Orson Welles, introduces the story of Elmyr de Hory, a great Art forger, in order to discuss the determinations associated to the Art Market and the work of the artist submitted to the Cultural Industry. The movie is structured as an argumentative essay, which discusses its background and captures the structure of feeling of the period. Because of the way it is organized, F for fake is sometimes referred as a predecessor of what is called nowadays essay film. However, the arguments included do not necessarily confirm the initial thesis of the film. There are numerous contradictions between different elements of a scene, and also between different scenes and sequences. It keeps the audience alert and suggests the need to interpret the story against the grain, as Walter Benjamin advocates. Orson Welles incorporates some aspects of film tradition and of his oeuvre, and associates them with the experimentation of new aesthetics, as it is characteristic of his artistic work, in order to examine the relations of production in the context of the Cultural Industry. He also analyses how labor can represent some perspective of overcoming the social and historical determinations of the society. Whilst structuring these debates, the film exposes itself as a representation of a certain point of view, and allows the audience to analyse and interpret the truth of this work of art, as well as to try to understand the association of themes and aspects of reality that it constitutes.

Ce travail se propose d'interroger le problème des limites de la représentation du cinéma de l'âge classique (1920-1960) à partir de l'esthétique organique-pathétique conçue par Sergueï Eisenstein dans la Non-Indifférente Nature, qu'il nomme « formule de l'extase ». Après avoir montré l'existence d'une double nature de l'extase chez Eisenstein (en même temps eidétique et régressive), ce travail montre les analogies de cette formule avec la mise en forme de l'excès de pathos (thématique et formel) dans l’œuvre de trois cinéastes hollywoodiens, King Vidor, Josef von Sternberg et Orson Welles. / This piece of work aims to inquire the topic of the limits of representation in the cinema of classical era (1920-1960) on the basis of the organic-pathetic esthetics conceived by Sergei Eisenstein in The Nonindifferent nature, which he names “formula of ecstasy”. After having shown the existence of a double (that is, eidetic and regressive at the same time) nature of ecstasy in Eisenstein, this piece of work will focus on the analogies between this formula and the shaping of the excess of (thematic and formal) pathos in the works by three Hollywood filmmakers: King Vidor, Josef von Sternberg and Orson Welles.