Au début des années 1890, Oscar Wilde choisit Paris comme terre d’élection et entreprend de s’y faire un nom. Bientôt connu comme l’auteur du Portrait de Dorian Gray et de Salomé, pièce d’inspiration symboliste écrite en français, la presse le chronique abondamment. En 1896, Aurélien-Marie Lugné-Poe, porte Salomé à la scène et lui offre les conditions d’une nouvelle réception parisienne. En 1902, Richard Strauss voit la pièce représentée à Berlin et s’en empare pour en faire le livret allemand d’un opéra auquel il donne, en parallèle, une version française. Dans un contexte socio-Culturel en mutation et dans un climat politique tendu entre la France et l’Allemagne, Salomé de Strauss arrive à Paris en 1907, accompagnée d’une réception critique exceptionnelle qui ne faiblira pas jusqu’à son entrée au Répertoire de l’Opéra en 1910.Salomé, d’Oscar Wilde à Richard Strauss, se trouve ainsi adoptée à plusieurs reprises par Paris, littéralement portée par les réceptions qu’elle y a reçues, jusqu’à devenir, en ses premières années, malgré des caractéristiques nationales étrangères plurielles et marquées, une œuvre où résonne un fort accent français. Elle peut être appréhendée comme une illustration des discours journalistiques et revuistes parisiens de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, dans une perspective verticale – sur une période d'une vingtaine d'années – et horizontale, à travers trois éclairages critiques. Telle que les écrits la montrent ou la façonnent en ses différents avatars, elle est peut-Être aussi une tentative réussie d’art total, héritière superlative du mythe de Salomé revisité en une œuvre-Tiroir, littéraire, dramatique, musicale. / In the early 1890s, Oscar Wilde chose Paris as his adopted land, aiming at becoming famous. Soon known as the author of The Portrait of Dorian Gray and Salomé, a play inspired by the Symbolist movement and written in French, he triggered much curiosity on the part of the critics. In 1896, Aurélien-Marie Lugné-Poe, brought Salomé to the stage and provided the conditions of a new Parisian reception. In 1902, Richard Strauss saw the play represented in Berlin and used it to compose the German libretto of an opera of which he also, simultaneously gave a French version. Against the backdrop of a socio-Cultural context of change and political tension between France and Germany, Strauss’s Salome was performed in Paris in 1907, accompanied by a huge critical reception that would not weaken until it entered the Repertoire of the Opera in 1910. From Oscar Wilde to Richard Strauss, Salomé was thus adopted on several occasions by the Paris, literally sustained by the receptions that it received there, becoming, in spite of its several, marked foreign national characteristics, a work resounding with a strong French accent. Salomé’s critical reception can be seen as an illustration of the journalistic speech in Paris in the late nineteenth and early twentieth centuries, in a vertical perspective - over a period of twenty years - and horizontal, through three critical perspectives. Revealed by this kind of writing or shaped by it into its different types of metamorphosis, this play may also be a successful attempt at total art, superlatively embodying the myth of Salomé in its multiple literary, dramatic and musical dimensions.

La présente thèse propose une approche nouvelle concernant les relations texte/image en peinture et en poésie, à travers les œuvres de Joaquín Sorolla et de Juan Ramón Jiménez, respectivement peintre et poète espagnols du début du XXe siècle, qui mettent en scène les enfants. Le thème de l’enfance et le motif de l’enfant occupent une place centrale dans l’œuvre de deux artistes qui n’étaient pas seulement contemporains, mais entretenaient également d’étroites relations amicales.Quant aux enfants, au début du XXe siècle, ils deviennent de plus en plus fréquemment des modèles de peinture. Apparaît alors un regain d’intérêt pour l’enfance, jusqu’alors instrumentalisée au service des adultes : en effet, il était même fréquent de voir apparaître les enfants représentés comme des adultes en miniature1. Et cette nouvelle focalisation sur l’enfance va de pair avec les traités d’éducation (Émile ou de l’éducation de Rousseau), mais aussi avec le courant naturaliste, qui prétend représenter la vie « dans tous ses modes et à tous ses degrés ». À ce moment-là, voit le jour un « sentiment de l’enfance », expression empruntée à Philippe Ariès dont l’ouvrage L’enfant et la vie familiale sous l’Ancien Régime fait encore autorité de nos jours dans ce domaine. Les artistes se saisissent ainsi de ce sujet enfantin, et tentent d’en percer les mystères, en étudiant notamment les nouvelles postures. De la famille « ouverte » de l’Ancien Régime, se forme une nouvelle conception familiale nucléaire, autour de l’enfant. Les enfants, à cette époque, sont considérés comme étant le reflet de leurs parents, c’est pourquoi il était important de trouver une manière adéquate de les représenter, en faisant transparaître une image flatteuse de la famille à travers leurs progénitures.Bien que l’enfant en ce début de XXe siècle soit un thème en vogue, ce constat commercial du thème de l’enfance ne correspond pas à la vision qu’en ont les deux protagonistes de cette étude. En effet, les auteurs choisis, Sorolla et Juan Ramón Jiménez, ne s’inscrivent pas complètement dans la dynamique globale présentée auparavant, mais s’en détachent pour les dimensions personnelles ou affectives qui figurent dans leurs œuvres. Il s’agit de montrer à travers cette étude de quelle manière les idées sur le sujet de l’enfant seraient à l'origine d’un rapprochement entre Sorolla et Jiménez, ainsi que le regard qu’ils portent sur l’enfant. Dans quelle mesure peut-on considérer l’enfant comme métaphore de l'artiste ? De quelle manière le choix de l’enfant comme motif permet de porter, dans chaque art, une véritable réflexion sur la place de l’enfant dans la société, sur la place de l’enfant dans les arts, mais aussi une réflexion sur l’enfant qui soit similaire pour Sorolla et pour Jiménez et contribue à une mise en lumière mutuelle de leurs œuvres.Nous avons construit notre réflexion en trois temps : après un état des lieux historiques, qui permet de connaître la conception de l’enfant à l’époque de nos artistes, il s’agit, tout d’abord, d’établir ce rapprochement entre Joaquín Sorolla et Juan Ramón Jiménez, par le contexte biographique, historique, social et culturel dans lesquels les deux artistes ont évolué, et montrer ces points de convergences, l’évolution de chacun mais aussi leur place dans la vie culturelle et sociale, qu’ils partagent, par l’analyse des réunions des artistes, qui les orienteront, tous deux, vers le choix de l’enfant. Le premier chapitre de cette étude est donc dédié exclusivement à justifier l’association de ces deux artistes singuliers et à prouver leurs contacts, à travers le motif de l’enfant, ainsi que de recueillir toutes les informations qui les guident vers le choix de ce sujet enfantin.... / This PhD thesis offers a new approach to the studies between texts and images in painting and poetry, through Joaquín Sorolla and Juan Ramón Jiménez’s work, which use children as main characters. Childhood as a topic and the child as a pattern become fundamental in the artistic production of these contemporary artists, who were also friends. Moreover, at the beginning of the 20th century, children became more and more often a model for painting. The interest in childhood rose, when until then, it was just an instrument for adults: it was quite regular to see representations of children turned into mini versions of adults. The new relevance of the child goes with the education agreements (Rousseau’s Emile or on education), but also with the naturalistic movement, which is used to represent life «in all its forms and all its levels». In this context, the «sentiment of childhood» was born, as Philippe Ariès stated in his book L’enfant et la vie familiale sous l’Ancien Régime. Therefore, the artists seize the pattern of the child and try to unravel the mystery of this figure: the whole family goes around the child, and a nuclear conception of the family appears. children are considered as a reflection of their parents: this is why it was important to find an appropriate way to represent them, so all the family could take advantage of this image of flattery.Even though the child also became a trending topic in painting and poetry, the commercial assessment doesn’t reflect the vision of the two artists of this study. In fact, Sorolla and Jiménez aren’t inscribed in the global dynamic around the child’s figure, but show a different way of representing it, for personal or affective reasons in their work. First of all, the study attempts to demonstrate how the ideas of the child would be the origin of the artists’ closeness and how they saw this figure. Then, in which way we can consider the child as a metaphor of the artist. And how the choice of the child as a pattern enables to fix, firstly, a reflection of the child in both arts, secondly, a reflection of the status of the child in society, and finally a reflection around the child which is similar for the painter and the poet and contributes to mutually enlighten their works.There are three chapters in this study: after an historical establishment of the picture which allows us to know the perception of the child in our artists’ time, and to determine the closeness between Joaquín Sorolla and Juan Ramón Jiménez, thanks to the biographical, historical, social and cultural context where both artists evolved. It shows the common factors, their individual evolution but also their place in this social and cultural life they shared and orientated them to take the child as a topic. Therefore, the first chapte of the study is exclusively dedicated to justifying the association of these two singular artists and to prove their contacts, through the pattern of the child, and to recollect all the information that lead them to this choice.The second chapter, however, is focused on the child’s figure as a pattern for the painter and the poet, the «external child» opposite to the «interior child», which will be developed in the third chapter. The second part collects the question of the type: the portrait of the child, its issues and the importance of Velazquez’ influence. Sorolla and Jiménez share again some «common spaces» in the treatment of the child’s figure, connected to the maternal figure, to the environment and to the game. After this analysis, the classification of the child’s figure in their works appears, separated in six sections: the god child, the king child, the working child, the innocent child, the rejected child and the dead child. Finally, the last part of this study focuses on the «internal child» of the painter and the poet, which is a projection of themselves and whose goal isn’t to denunciate anymore, but to enlighten the figure of the child as a way to return to ...

Sous le titre Séville dans les guides de voyage français et espagnols (XIX-XXe siècles), la thèse se propose d'analyser l'image de la capitale andalouse dans un corpus générique peu étudié, celui des guides de voyage, depuis leur émergence moderne jusqu'à l'avènement du tourisme de masse. La première partie de la thèse s’attache à analyser comment les relations politiques et culturelles franco-espagnoles ont façonné une ou des images de l'Espagne qui varient au cours de la période étudiée, de la « légende noire » (1700-1823) à la « légende rose » (1905-1962) en passant par la « légende rouge » (1823-1905), période à laquelle s’affirme le genre du guide de voyage. La deuxième partie montrera qu’en tant que vecteurs de diverses représentations temporelles, spatiales, historiques, artistiques, sociales, humaines, les guides sont des sources idéales pour l’histoire culturelle. Contrairement aux idées reçues, il n’existe pas de modèle unique de guide : nous en proposerons une classification. Enfin, la richesse du corpus exploré permet de montrer, dans une troisième partie, que les diverses formes que le guide adopte agissent sur la perception de la réalité et sur les représentations, en s'appropriant certains concepts tels que le pittoresque ou l'exotisme, et surtout en reprenant ou en réfutant les images stéréotypées d'une Espagne « fanfare et tambourin », selon l'expression du poète Antonio Machado. À ce double titre, l'examen des regards croisés que véhiculent les guides constitue une approche nouvelle de la question des relations entre la France et l'Espagne, en même temps qu'un point de départ fécond pour aborder la construction d’un discours sur le couple notionnel identité / altérité. La thèse s’intéresse à ces concepts par le biais de l’étude du patrimoine bâti et vivant, des relations entre l’auteur du guide et son lecteur ainsi qu’au travers de la lecture de l’Histoire dans le corpus convoqué. Mots clés : Histoire culturelle, Espagne, XIXe et XXe siècles, voyage, tourisme, guide de voyage, Séville, stéréotype, image. / Entitled Séville dans les guides de voyage français et espagnols (XIX-XXe siècles) [Seville in French and Spanish Travel Guides (XIXth-XXth centuries)], this dissertation intends to analyze the image of the Andalusian capital in the barely studied corpus of travel guides, from their emergence in the modern times until the dawn of mass tourism. The first part is meant to study how Franco-Spanish political and cultural relations shaped one—or more—picture(s) of Spain that varied from the “Black Legend” (1700-1823) to the “Red Legend” (1823-1905)—when travel guides were established as a genre—to the “Pink Legend” (1905-1962). The second part shows that guides, as vehicles of various temporal, spatial, historical, artistic, social and human representations, are ideal sources for cultural historians. Contrary to common beliefs, there is no single pattern for travel guides and this work intends to classify them. In the third part, the richness of the sources enables us to show that by appropriating such concepts as the picturesque or the exotic for example, but mostly by taking up or refuting stereotypes such as that of Spain as all “fanfare and tambourine”—in poet Antonio Machado’s words—, the varied forms adopted by guides have an influence on our perception of reality and on our representations. Thus the examination of the intersecting perspectives provided by guides constitutes a new approach to the relations between France and Spain and a fruitful starting point to tackle the construction of a discourse on the dialectics of identity and alterity. These concepts are explored through the study of built and living heritages, of the relations between the guides’ authors and their readers but also through the reading of History in the studied corpus.Key words: Cultural history, Spain, XIXth and XXth centuries, travel, tourism, travel guide, Seville, stereotypes, image. / Bajo el título Sevilla en las guías de viaje francesas y españolas (siglos XIX-XX), la tesis propone analizar la imagen de la capital de Andalucía en el corpus genérico poco estudiado de las guías de viaje, desde su emergencia moderna hasta el advenimiento del turismo de masas. La primera parte de la tesis muestra como las relaciones políticas y culturales franco-españolas crearon una o varias imágenes de España que variaron a lo largo del periodo estudiado, desde la « leyenda negra » (1700-1823) hasta la « leyenda rosa » (1905-1962), pasando por la « leyenda roja » (1823-1905), periodo durante el cual el género de la guía de viaje se afirma. La segunda parte considerará las guías como unas fuentes ideales para la historia cultural ya que se pueden apreciar como vectores de diversas representaciones temporales, espaciales, históricas, artísticas, sociales, humanas. En efecto, a pesar de las ideas preconcebidas al respecto, no existe un único modelo de guía: podemos establecer una clasificación. Por fin, la riqueza del corpus estudiado permite mostrar, en una tercera parte, que las diferentes formas que la guía puede adoptar actúan sobre la percepción de la realidad y sobre las representaciones, apropiándose conceptos como lo pintoresco y lo exótico, y sobre todo utilizando o desmintiendo las imágenes estereotipadas de una España « de charanga y pandereta », según la expresión del poeta Antonio Machado. Por este doble motivo, el examen de las miradas cruzadas constituye un acercamiento nuevo para explicar las relaciones entre Francia y España, y a la vez un punto de partida fecundo para abordar la construcción de un discurso acerca de la pareja nocional identidad/alteridad. Estos conceptos reivindican su presencia en la tesis mediante el tratamiento del patrimonio arquitectural y vivo, la relación entre autor y lector de guía, así como mediante la lectura de la Historia en nuestro corpus.