Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2011-12-02T22:40:13Z No. of bitstreams: 1 Roberto-Duarte-A-dramaturgia-como-ferramenta-de-analise-filmica-tese.pdf: 1101046 bytes, checksum: 86ed1a2066c1def7c9c911ceed49d638 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-12-02T22:40:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberto-Duarte-A-dramaturgia-como-ferramenta-de-analise-filmica-tese.pdf: 1101046 bytes, checksum: 86ed1a2066c1def7c9c911ceed49d638 (MD5) / Esta pesquisa pretende demonstrar como instrumentos da dramaturgia do cinema e alguns instrumentos da narratologia podem contribuir com a análise fílmica. Será feita uma revisão da evolução histórica e serão definidos os principais conceitos da dramaturgia, desde Platão e Aristóteles até as formulações mais recentes da narratologia. Desta revisão resultará um conjunto de princípios e conceitos da dramaturgia e da narratologia validados pelo uso corrente por parte dos autores de narrativas como ferramentas para sua composição. Também será feita uma síntese histórica e conceitual da análise fílmica, desde a sua constituição como atividade acadêmica, na França dos anos sessenta, até os dias de hoje. Serão analisadas duas de suas principais vertentes, uma francófona, cujas principais referências serão as obras de Raymond Bellour e Jacques Aumont em parceria com Michel Marie, e a outra, anglófona, estruturada a partir dos estudos recentes de David Bordwell. Os resultados desta análise serão depois confrontados com as propostas metodológicas desenvolvidas no Laboratório de Análise fílmica da FACOM/UFBA, onde este trabalho tem origem. De posse dos princípios da dramaturgia e das formulações da análise fílmica, a tese será concluída com a demonstração prática da funcionalidade da dramaturgia como ferramenta de análise das narrativas audiovisuais de ficção, com sua aplicação em três filmes escritos pelo roteirista Charlie Kaufman: Adaptação (Adaptation, EUA, 2002), Quero ser John Malkovich (Being John Malkovich, EUA, 1999) e Brilho eterno de uma mente sem lembranças (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, EUA, 2004).

Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2013-09-05T15:04:39Z No. of bitstreams: 1 Ana Camila Esteves.pdf: 1932885 bytes, checksum: c02da33b0e19c60cc1b653fff9ce521f (MD5) / Approved for entry into archive by Rodrigo Meirelles(rodrigomei@ufba.br) on 2013-09-09T16:34:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Ana Camila Esteves.pdf: 1932885 bytes, checksum: c02da33b0e19c60cc1b653fff9ce521f (MD5) / Made available in DSpace on 2013-09-09T16:34:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Camila Esteves.pdf: 1932885 bytes, checksum: c02da33b0e19c60cc1b653fff9ce521f (MD5) / CNPQ - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico. / Esta dissertação busca ampliar os estudos da autoria no campo cinematográfico, pensando a instância autoral a partir da análise narrativa de um filme, e não somente através da instância da personalidade, instaurada pela política dos autores. Com base nas discussões sobre a enunciação no cinema, a partir do suporte teórico dos narratólogos do cinema François Jost e André Gaudreault, bem como da revisão teórica aportada por Arlindo Machado, buscamos compreender como o autor aparece construído na própria enunciação do texto cinematográfico, indicando ao espectador que existe ali uma instância que conta a história. Nosso suporte metodológico está em David Bordwell e sua noção de “filme autoconsciente”, conceito que utiliza para abordar filmes “de arte e ensaio”, aqueles que considera ter uma estrutura narrativa que se revela ao espectador. Nossa hipótese é a de que filmes autoconscientes nos ajudam a compreender a instância autoral que se manifesta na narrativa, e para testá-la analisamos dois filmes que apresentam narrativas autoconscientes, segundo a definição de Bordwell, e que nos ajudam a pensar o autor dentro da estrutura da narrativa. São eles Lucía y el Sexo (de Julio Medem, Espanha, 2001) e La Soledad (de Jaime Rosales, Espanha, 2007). / Programa de Pós-Graduação em Comunicação e Cultura Contemporâneas

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-27T22:26:38Z No. of bitstreams: 1 Fábio de Amorim Santana.pdf: 2162703 bytes, checksum: 554f803b899cbcdf928d16dee9113a60 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-03T22:22:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Fábio de Amorim Santana.pdf: 2162703 bytes, checksum: 554f803b899cbcdf928d16dee9113a60 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-03T22:24:24Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Fábio de Amorim Santana.pdf: 2162703 bytes, checksum: 554f803b899cbcdf928d16dee9113a60 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-03T22:25:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fábio de Amorim Santana.pdf: 2162703 bytes, checksum: 554f803b899cbcdf928d16dee9113a60 (MD5) Previous issue date: 2016-01-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The objective of this research is to analyze the inhuman (LYOTARD, 1990) in the films Metropolis (GER, 1927) Modern Times (USA, 1936) and Cosmopolis (CAN, FRA, POR, ITA, 2012) and their relationship with technology. The three works are linked by the inhuman, so that it comes to the so-called technical and economic development (or progress), as the other inhuman: individual, which is present in our childhood and follows us into adulthood by the recurrence of memory (LYOTARD, 1990). Therefore, time and technology are two key factors in shaping our contemporary humanity. The Metropolis and Modern Times films, by Fritz Lang and Charles Chaplin, respectively, represent the framework of a new humanity in century XX, more and more interested in speed and technological progress. These movies criticize the so-called modernity and its project of comfort, safety and happiness for everyone: only possible by technology. Cosmopolis, by David Cronenberg, updates the discussion. He shows where we are. Metropolis imagine the cities of the future, divided between the privileged and the workers. Modern Times criticizes the industrialization, the Fordism in the 30’s, and requests another future, much more human. While Cosmopolis is the future accomplished: the chaos, the time when the money was so accumulated by the idea of "time is money", that now the capital "sell" (or offers) the Time (itself) in technological products. After all, what a smartphone offers to us? Just time. Time layers. Humans were dragged - since the time of the first two films (the period between the World Wars) - to an inhuman development, where there is no more human alternative, political and economic too, for this time acceleration process. A "managed life" (by the men-corporations, by the financial system) annuls the time, the memory, the body, because it is always trying to program them. One solution would be to go back to the other inhuman (LYOTARD, 1990), to ourselves, to our memories, to recover our non-ready education, executed at a slow speed, that is necessary so that we can digest and live the experiences and emotions. The characters of these three films are looking for the solution for speed. They want their inhumanity (childhood) back. This is the subject of this research: just a reflection on our almost humanity, and on our almost "machinety" in this contemporary society. / Esta dissertação tem o objetivo de analisar o inumano (LYOTARD, 1990) em Metropolis (ALE, 1927), Tempos Modernos (EUA, 1936) e Cosmopolis (CAN, FRA, POR, ITA, 2012) e sua relação com a tecnologia. As três obras estão interligadas pelo inumano, tanto aquele que se refere ao chamado desenvolvimento (ou progresso) técnico e econômico, quanto o outro inumano, individual, que está presente em nossa infância e nos acompanha na fase adulta pela recorrência da memória (LYOTARD, 1990). Portanto, o tempo e a tecnologia são dois fatores fundamentais na formação de nossa humanidade contemporânea, e os filmes Metropolis e Tempos Modernos, de Fritz Lang e Charles Chaplin, respectivamente, representam o marco de uma nova humanidade no século XX, cada vez mais atenta a velocidade, ao progresso tecnológico. Estes filmes criticam a chamada Modernidade e seu projeto de conforto, segurança e felicidade para todos graças à tecnologia. Cosmopolis, de David Cronenberg, atualiza a discussão mostrando onde estamos. Metropolis imagina as cidades do futuro, divididas entre os privilegiados e os operários. Tempos Modernos critica a industrialização, o fordismo numa cidade do presente, e pede outro futuro mais humano. Já Cosmopolis é o futuro realizado, agora, o caos, o momento em que o dinheiro foi tão acumulado pela ideia de "tempo é dinheiro", que agora o capital "vende" o tempo em seus produtos tecnológicos. Afinal, pensando bem, o que um smartphone oferece para nós? Os humanos foram arrastados, desde a época dos dois primeiros filmes (período entre as guerras), para um desenvolvimento inumano, em que não há mais alternativa humana, política e econômica para este processo de aceleração do tempo. A "vida administrada" (pelos homens-corporações, pelo sistema financeiro) anula o tempo, a memória, o corpo, sempre ao tentar programá-los. Uma solução seria voltar para o outro inumano (LYOTARD, 1990), nós mesmos, nossas memórias, recuperar nossa educação não-pronta, executada na velocidade lenta

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2018. / Submitted by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-07-04T19:08:04Z No. of bitstreams: 1 2018_BárbaradePinaCabral.pdf: 1743945 bytes, checksum: e5b6410c8377d2bdd38586551d41b960 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-07-09T18:06:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2018_BárbaradePinaCabral.pdf: 1743945 bytes, checksum: e5b6410c8377d2bdd38586551d41b960 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-09T18:06:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2018_BárbaradePinaCabral.pdf: 1743945 bytes, checksum: e5b6410c8377d2bdd38586551d41b960 (MD5) Previous issue date: 2018-07-04 / Esta pesquisa investiga o protagonismo feminino no cinema brasileiro de pós-retomada (2003-2016), nomenclatura dada ao período que se inicia a partir do surgimento da Agência Nacional de Cinema (Ancine). Para além do recorte cronológico, buscaram-se como prerrogativa narrativas que tenham por temática mais aparente o cotidiano, a intimidade e os afetos. Ao entender o cinema como uma tecnologia de gênero, a pesquisa se fixa no cruzamento entre os conceitos da linguagem do cinema (tempo, espaço e movimento), estudos feministas (performatividade) e afetos (local de análise) como sítios da apresentação do gênero enquanto meio de expressão fluido: os escapes do engendramento. A ótica sobre o gênero é problematiza por uma perspectiva menos descritiva e mais compreendida como processos de significância do que de representação. Por meio da metodologia que engloba análise do discurso, sob o viés da teoria feminista, e análise fílmica, foi possível perceber estratégias estéticas, narrativas e espectatoriais sob o cinema de pós-retomada. Analisamos três filmes com protagonismos femininos: Mate-me, por favor (2015), de Anita Rocha da Silveira; Olmo e a gaivota (2014), de Petra Costa e La Glob; e Era uma vez eu, Verônica, de Marcelo Gomes, bem como as críticas dos mesmos longas nos sites Omelete, Portal Abraccine e Revista Cinética. / This research investigates the feminine protagonism in Brazilian cinema during the period named "pós-retomada" (2003-2016), after the foundation of the National Film Agency (Ancine). Beyond the chronological perspective, three specific themes were also investigated: intimacy, affection and private life. Understanding cinema as technology of genre, this research focuses on the crossing between the concepts of cinematic language (time, space and movement), feminist studies (performativity) and affection (place of analysis). The affection is understood as a presentation of the genre as a medium of fluid expression: the escapes of the genre. The view on gender is problematized by a less descriptive perspective and more as processes of significance than of representation. Through the methodology that includes discourse analysis under the bias of feminist theory and a cinematic analysis; aesthetic, linguistic and spectral strategies were discovered in the analyzed films. Three films with feminine protagonism were chosen: Mate-me, por favor (2015), by Anita Rocha da Silveira; Olmo e a gaivota (2014), by Petra Costa and Lea Glob; and Era uma vez eu, Verônica, by Marcelo Gomes. Reviews of these movies were also analyzed on the websites Omelete, Portal Abraccine and Cinética Magazine.

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-27T21:56:31Z No. of bitstreams: 1 Anderson Gonçalves Barbosa da Silva.pdf: 6046830 bytes, checksum: 024931186c9eae640ca313941617b742 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-03T22:15:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Anderson Gonçalves Barbosa da Silva.pdf: 6046830 bytes, checksum: 024931186c9eae640ca313941617b742 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-03T22:20:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Anderson Gonçalves Barbosa da Silva.pdf: 6046830 bytes, checksum: 024931186c9eae640ca313941617b742 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-03T22:20:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Anderson Gonçalves Barbosa da Silva.pdf: 6046830 bytes, checksum: 024931186c9eae640ca313941617b742 (MD5) Previous issue date: 2015-10-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Lost is an audiovisual series (2004-2010, JJ Abrams, Damon Lindelof, Carlton Cuse) that opted for innovate in front of a uncertainties scenario. The creators have developed a transmedia work that allowed the exploration of series’s fictional universe and multiplied the interaction between viewers and the show. The goal of "O jogo de Lost com o tempo: Uma análise do universo audiovisual" is to use the game concepts as tools for view the relationship between Lost and its audience. The spectator is invited to becoming a player able to hunt, collect and reorder the history fragments to mount your own particular puzzle game that containing answers about the enigmas and mysteries proposed. In a closer, the time can be seen as structuring element of the narrative and substance of the game pieces, allowing players to use their own experience to complete gaps left intentionally in the narrative. Lost must be played if the spectator wants to have complete proposal experience by its creators. / A série audiovisual Lost (2004-2010, J. J. Abrams, Damon Lindelof, Carlton Cuse) optou por inovar perante a um cenário de incertezas. Os criadores desenvolveram uma obra transmidiática que permitiu a exploração do universo ficcional da série e multiplicaram as formas de interação entre público e obra. O objetivo de "O jogo de Lost com o tempo: Uma análise do universo audiovisual" é utilizar conceitos de jogos como ferramentas para visualizar a relação entre Lost e seu público. O espectador, convidado a tornar-se um jogador capaz de caçar, coletar e reordenar os fragmentos de história monta seu próprio quebra cabeças que contem respostas dos enigmas e mistérios propostos. O tempo é visto mais de perto, tanto como elemento estruturador da narrativa quanto matéria das peças do jogo, permite aos jogadores empregarem sua própria experiência para completar lacunas deixadas propositalmente na narrativa. Assim Lost deve ser jogado caso o espectador deseje ter experiência completa proposta pelos seus criadores.

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-27T22:42:00Z No. of bitstreams: 1 Nayara Maria Vasconcelos.pdf: 2005696 bytes, checksum: 4fef6243fe21ecb30ecfc6cc0ce43eba (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-05T19:30:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Nayara Maria Vasconcelos.pdf: 2005696 bytes, checksum: 4fef6243fe21ecb30ecfc6cc0ce43eba (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-05T19:33:32Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Nayara Maria Vasconcelos.pdf: 2005696 bytes, checksum: 4fef6243fe21ecb30ecfc6cc0ce43eba (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-05T19:33:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nayara Maria Vasconcelos.pdf: 2005696 bytes, checksum: 4fef6243fe21ecb30ecfc6cc0ce43eba (MD5) Previous issue date: 2015-10-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research analyses and discusses the female character in the movie Phantom of the Paradise (Brian De Palma, 1974) through the feminist and gender debates of the American society in the 1970’s. In this sense, it directs the look at the protagonist Phoenix (Jessica Harper) in order to reveal how changes in social and cultural fields of the time converged and contributed to the construction of the female character in this work. Through the movie analysis, the purpose is to understand the character’s metamorphosis, wavering from a well-behaved girl to a femme fatale. This research is justified by the need to understand how the american filmmaker Brian De Palma, constantly accused of misogyny for movies such as Dressed to Kill (1980), Blow Out (1981), Body Double (1984), envisioned the female protagonist during the immersion years of the Second-Wave Feminism and the foundation of the Feminist Film Theory (1975). At the same time, as the director tends to appropriate published stories to create new scripts, identifying the web of knitted references in Phantom of the Paradise is essential for understanding all female and male characters in the movie / Esta pesquisa analisa e discute a personagem feminina no filme Fantasma do Paraíso (Phantom of the Paradise, Brian De Palma, 1974) a partir dos debates feministas e de gênero da sociedade americana na década de 1970. Nesse percurso, direciona-se o olhar para a protagonista Phoenix (Jéssica Harper) para desvendar de que modo as mudanças nos campos social e cultural da época convergiram e contribuíram para a construção do papel feminino nessa obra. Por meio da análise fílmica, objetiva-se entender as metamorfoses da personagem, que vai da moça bem-comportada à femme fatale. Esta investigação se justifica pela necessidade de compreender como o cineasta estadunidense Brian De Palma, constantemente acusado de misoginia por filmes como Vestida para Matar (Dressed to Kill, 1980), Blow Out (1981), Dublê de Corpo (Body Double, 1984), idealizou a protagonista feminina no período de imersão da Segunda Onda Feminista e da fundação da Teoria Feminista do Cinema (1975). Em paralelo, como o diretor tem por característica a apropriação de outras histórias para construção de novos roteiros, identificar a teia de referências tricotada em Fantasma do Paraíso é imprescindível para compreensão de todos os personagens femininos e masculinos no filme.

Made available in DSpace on 2014-06-12T16:23:21Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo104_1.pdf: 9817700 bytes, checksum: 1259754dc3af2241342bb7edade380f1 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011 / Universidade Federal de Pernambuco / O objetivo desta pesquisa é realizar uma análise estilística e narrativa minuciosa da obra de Sergio Leone, a fim de desvelar a real contribuição dos filmes dele ao repertório de esquemas circulantes no cinema contemporâneo. Partimos do princípio de que Leone ajudou a desenvolver recursos importantes para o processo de intensificação da poética cinematográfica clássica, que muitos pesquisadores afirmam ter ocorrido a partir dos anos 1960, tendo feito isso a partir de revisões sistemáticas dos esquemas dominantes de construção narrativa disponíveis na época. Para alcançar nosso objetivo, tentaremos identificar a recorrência de padrões estilísticos e narrativos nos filmes assinados por Leone, sempre procurando elencar e analisar os contextos sócio-culturais, tecnológicos, econômicos e ideológicos que o levaram a adotar e desenvolver esses padrões, além de mostrar como cada recurso abriu caminho dentro do repertório de técnicas utilizadas por cineastas contemporâneos. Tentaremos investigar, ainda, a conexão entre o relativo apagamento dessa contribuição estilística de Leone ao fato de ele ter trabalhado, durante toda a carreira, com o cinema de gênero, cuja filmografia tem recebido pouca atenção de historiadores do estilo cinematográfico

Made available in DSpace on 2014-06-12T16:27:33Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo1910_1.pdf: 428208 bytes, checksum: b4ff69ddc4f92e5d60c8ca109c646fdb (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2009 / O trabalho investiga as relações entre Literatura e Cinema a partir da obra Abril despedaçado, romance albanês adaptado pelo cineasta brasileiro Walter Salles Júnior. Para tanto, analisamos como as categorias narrativas tempo, espaço, personagens e foco narrativo foram apresentadas em cada expressão artística. Neste sentido apoiamo-nos em discussões sobre teorias da adaptação, códigos literários e linguagem cinematográfica. A partir de então, percebemos que o espaço exerce uma função fundamental no processo de transposição e que ele é um dos elementos estruturadores da recriação fílmica. Ao longo da pesquisa analisamos trechos do filme e do livro que denotam aspectos relevantes e que traduzem o espírito dialógico das obras. A nossa hipótese inicial era que a construção do espaço cinematográfico em Abril refletia no campo do cinema uma atualização de um projeto regional surgido na década de 30 com o Romance Regionalista. No entanto, durante a investigação observamos que Salles reproduz o Sertão, legitimando, portanto, uma imagética da região pautada em anacronismos e representações do imaginário social congeladas

Submitted by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-01-11T17:54:40Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) GABRIELA ALCANTARA_0202.pdf: 4052546 bytes, checksum: 72ee7c9fec92b4a61ba104a84699940a (MD5) / Made available in DSpace on 2018-01-11T17:54:40Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) GABRIELA ALCANTARA_0202.pdf: 4052546 bytes, checksum: 72ee7c9fec92b4a61ba104a84699940a (MD5) Previous issue date: 2016-04-27 / CAPES / O objetivo desta pesquisa é realizar uma análise crítica da representação da chamada “arquitetura do medo” em filmes do cinema contemporâneo, a fim de apontar de que modo estes filmes estão relacionados a mudanças no espaço urbano de forma que o representam de maneira crítica e com discurso politizado. Abro a pesquisa com uma contextualização do conceito de “arquitetura do medo” e parto para breve análise de filmes realizados de forma mais espaçada, mas que também tratavam do tema. Em seguida, dou destaque especialmente aos filmes que trazem características dos gêneros horror e suspense, buscando analisar estilisticamente os modos de representação da relação dos personagens com o espaço urbano, seus medos e tensões. Os filmes que fazem parte do corpo principal desta dissertação foram realizados em meados dos anos 2000, em um período onde os centros urbanos atravessavam uma feroz gentrificação e higienização social, e onde o pensamento conservador vem voltando com cada vez mais força. Junto estes fatos às análises fílmicas, propondo uma “leitura documentarizante” indicada por Odin e parto da ideia de Comolli, de que um filme nos diz que é preciso reconhecer a urgência de suas urgências, para lançar sobre essas obras um olhar crítico que busca analisar o contexto sociológico e antropológico em que elas foram produzidas. Por fim, busco indicar que é possível o cinema de horror ser visto como um documento histórico e sociológico de um período específico em que estes filmes foram realizados. Para alcançar o objetivo, tentarei identificar a recorrência de padrões estilísticos, narrativos e ideológicos (no que se trata do discurso) desses filmes, sempre procurando elencar e analisar os contextos socioculturais dos centros urbanos neles representados. / The objective of this research is to conduct a critical analysis of representation of the so-called “architecture of fear” in contemporary cinema films, in order to point out how these movies are related to changes in the urban space so that they represent critically and politicized speech. I open this research with a contextualization of the concept of “architecture of fear” and then go to a brief analysis of movies realized in a more spaced time, but that also treated the theme. We highlight especially the movies that bring characteristics of horror and suspense genres, trying to analyze stylistically the modes of representation of the relationship of the characters with the urban space, their fears and tensions. The principal movies of the body of this research were launched in the middle of the years 2000, in a period where the urban centers went through a fierce gentrification and social higienization, and where the conservative thinking is coming stronger day by day. I put together this facts to the film analysis, proposing a “documentary reading”, indicated by Odin and then going with the idea of Comolli, that a movie tells us that we must recognize the urgency of their urgencies to launch a critical view on these works, that seeks to analyze the sociological and anthropological context in which they were produced. Finally, I’ll try to indicate that it is possible for the horror cinema to be seen as a historical and sociological document of an specific period in which those movies where made. To achieve our goal, we will try to identify the recurrence of stylistic, narrative and ideological patterns (when it comes to speech) of these films, always looking to list and analyze the social and cultural contexts of urban centers in them represented.

O objetivo desta tese é propor uma comparação das formas como o espaço e o tempo são elaborados em filmes das mais diversas inclinações, a fim de estabelecer alguns parâmetros do que seria a composição fílmica de maneira geral. A hipótese central é que uma análise comparada dessas formas possibilita organizar uma visão de conjunto do cinema: uma visão descritiva, não prescritiva; uma visão baseada nas próprias estratégias composicionais utilizadas pelos cineastas, mais do que em teorias externas. Para realizar essa investigação, será proposto um esquema em três partes que permite um diálogo com a bibliografia tradicional e que serve como referência para a análise dos filmes. / This thesis proposes a comparative study of the modes by which space and time are constituted in films of various dispositions, in order to establish the parameters of what would be film composition in a more general sense. The central hypothesis is that a comparative analysis of those forms enables us to organize a more unified point of view towards the films: a point of view which is descriptive, not prescritipve, and which is based on the strategies utilised by the filmmakers themselves, more than on preconceived theories. In order to advance this, we propose a three-part structure which serves as a reference to compare both theoretical writings and the films to be analyzed.