Esta dissertação é resultado de pesquisa acerca da representação da violência em alguns filmes das décadas de 80 e 90. Discuto, inicialmente, a especificidade da experiência cinematográfica, algumas abordagens antropológicas de filmes ficcionais, relações entre cinema e sociedade e mecanismos de produção, circulação e consumo de mercadorias visuais. Em seguida, introduzo a problemática da construção midiática da violência, situando os filmes neste contexto imagético e narrativo mais amplo. A abordagem interpretativa dos filmes selecionados identifica nesta produção recente a presença da violência não apenas como tema, mas na própria forma das imagens: imagens-violência. Através da análise fílmica e da montagem de fragmentos das obras, apresento seus discursos — ora irônicos, ora metalingüísticos — sobre o homem contemporâneo e sua relação com a comunicação visual reprodutível e a violência. / This dissertation is the result of a research about the violence representation in some 80’s and 90's movies. I discuss inicially the specificity of the cinematographic experience, some anthropological approaches on fictional films, relations between movie and society, and production, circulation and market mechanisms of visual merchandise. Next, I introduce the problem of mediatic construction of violence. The interpretative approach of the selected movies identifies, in this recent production, the presence of violence not only as a theme, but on the very form of images: image-violence. Through film analysis and montage of film fragments, I present its discourses – sometimes ironic, sometimes metalinguistic – about the contemporary man and his relation with the reproductible visual comunication and the violence.

Este trabalho propõe analisar a obra do cineasta brasileiro Carlos Oscar Reichenbach Filho (1945 - 2012), atuante desde o final dos anos 60 até a primeira década do século XXI, atentando para as principais coordenadas e inflexões de sua trajetória. Entre os principais filmes analisados destacam-se: Lilian M. (Relatório Confidencial) (1975), Filme Demência (1986) e Falsa Loura (2007). Notavelmente, a filmografia reichenbachiana apresenta um grau de heterogeneidade que pode ser remontada às intensas e subsequentes transformações históricas do país durante o período de sua realização, de tal modo que interessou-nos investigar como as frequentes mudanças no estilo e nos modos de produção do cineasta ajudaram a forjar uma postura artística particular - que chamaremos de Cinema Corsário - preocupada em garantir a sobrevivência profissional, bem como salvaguardar o máximo de autonomia crítica e liberdade criativa face às condições sociopolíticas e econômicas enfrentadas ao longo das rotas cinematográficas de Carlos Reichenbach. / This work proposes to analyze the work of brazilian filmmaker Carlos Oscar Reichenbach Filho (1945 - 2012), who has been active since the late 60s until the first decade of the 21st century, looking at the most remarkable coordinates and inflections of his career. Among the main films analyzed are: Lilian M. (Relatório Confidencial) (1975), Filme Demência (1986) and Falsa Loura (2007). Remarkably, the reichenbachian filmography presents a distinct degree of heterogeneity which can be related to Brazil\'s intense and subsequents historical transformations during the period of its realization, in such a way that interested us to investigate how such articulations helped to forge a particular artistic stance - that we will call Corsair Cinema - concerned about professional survival, as well as guaranteeing the maximum of critical autonomy and creative freedom in face of the sociopolitical and economical conditions presented throughout Carlos Reichenbach\'s cinematographic routes.

A tese apresenta como objetivo abordar o cinema moderno pós-1968 no Brasil e na Argentina por meio da análise comparativa entre os cinco filmes da produtora carioca Belair e três da vertente portenha Cine Subterráneo. O corpus fílmico é composto por Família do barulho, Barão Olavo, o horrível e Cuidado madame, de Júlio Bressane e Copacabana mon amour e Sem essa Aranha, de Rogério Sganzerla. E também por Alianza para el progreso, de Julio Ludueña, Puntos suspensivos, de Edgardo Cozarinsky e La família unida esperando la llegada de Hallewyn, de Miguel Bejo. Temos como eixo a nova inflexão diante da interface entre cinema e política posta em prática após 1968 e que se coloca em conflito com o modelo de dinâmicas precedentes. Essas dinâmicas, o Cinema Novo no Brasil e o Grupo Cine Liberación na Argentina, se enquadram no Nuevo Cine Latinoamericano (NCL), rótulo que abriga diferentes movimentos de cinema político espalhados por distintos países do continente. Fora de sua órbita, tanto a Belair como o Cine Subterráneo são práticas não mais estimuladas pelo imperativo do \"cinema de conscientização\" e não mais circunscritas a um projeto de revolução política. São manifestações que se destacam pela estima que conferem ao trabalho com a forma e ao ato criativo da realização cinematográfica. Este se vincula com um questionamento do estatuto convencional do filme que se direciona a um reposicionamento perante sua produção, circulação e recepção. A partir do exame de questões que assinalam uma ruptura com o NCL ou a pesquisa por novos caminhos estruturamos nossa análise formal dos oito filmes. / The thesis presents as an objective to approach the modern cinema post - 1968 in Brazil and Argentina by comparative analysis between the five movies of the carioca\'s producer Belair and the three of the portenha\'s side Cine Subterráneo. The films that are part of this object study are Família do barulho, Barão Olavo, o horrível e Cuidado madame, from Júlio Bressane and Copacabana mon amour and Sem essa Aranha, from Rogério Sganzerla. Also by Alianza para el progreso, from Julio Ludueña, Puntos suspensivos, from Edgardo Cozarinsky and La família unida esperando la llegada de Hallewyn, from Miguel Bejo. As central line, we have the new inflection front the interface between cinema and politic put in practice after 1968 and that was put in conflict with previous dynamics models. Those dynamics, the Cinema Novo in Brazil and the Grupo Cine Liberación in Argentina, fit into the Nuevo Cine Latinoamericano (NCL), label that houses different movements of politic cinema spread by distinct countries of the continent. Outside their orbit, both Belair and Cine Subterráneo are practices no more stimulated by the imperative of \"awareness cinema\" and no more circumscribed to a project of politic revolution. They are manifestations that stand out for the esteem they give to work by the form and for the creative act of cinematographic realization. This one is linked to a questioning of the conventional statute of the film that directs to a repositioning towards their production, circulation and reception. From the exam of questions that signalize a rupture with NCL or the research for new paths we structure our formal analysis of the eight films.

Made available in DSpace on 2016-07-27T13:49:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sebastiao Donizete de Carvalho.pdf: 347771 bytes, checksum: 99b760a894ae50e39b80b64b83ced1dd (MD5) Previous issue date: 2002-08-30 / A questão central desse trabalho é a concepção do Messianismo explicitada pelos filmes de Glauber Rocha, revelando um esforço para compreensão da sociedade brasileira. Partindo das discussões sobre a Modernidade e Pós-modernidade, procurou-se mostrar que o cinema é uma invenção da Modernidade e que o Cinema Novo, enquanto movimento de cineastas, está inserido neste tempo, com características precisas de cinema alternativo e militante. Glauber deixa explícitos três pilares em sua obra: Possessão, Fé e Povo Messiânico. O Povo Messiânico é o Messias coletivo, redentor da nação, senhor de seu destino que carrega a sua cultura para fundar outra vez o povo novo brasileiro.

Esta dissertação tem como foco central uma reflexão sobre a interface entre cinema e antropologia. A partir disso, o objeto da nossa reflexão é a obra fílmica Trilogia das Cores, do diretor polonês Krzysztof Kielowski (1941-1996), produzida entre 1992 e 1994, na França, Polônia e Suíça. Esses filmes têm como contexto histórico-político de produção e filmagem a comemoração do bicentenário da Revolução Francesa, a assinatura do tratado que instituía a União Europeia e a derrocada do leste comunista. No entanto, esses fatos e questões apenas tangenciam os longas-metragens, que se preocupam mais em seguir seus protagonistas, seus dramas e suas dúvidas. A partir da metodologia da análise fílmica e da descrição detalhada dos longas-metragens, queremos articular a obra com determinadas discussões antropológicas, como a questão da experiência, da mimesis e da narração em relação ao cinema, bem como com questões éticas, políticas e históricas que perpassam os filmes e, portanto, nossa análise. Em um primeiro momento, buscamos refletir mais propriamente as dimensões temáticas da obra Trilogia das Cores, caracterizando o estilo do diretor e a invenção de uma Europa e de uma ética iluminista no mundo contemporâneo. Em um segundo momento, este trabalho concentra-se em investigar as associações possíveis entre o cinema e os conceitos benjaminianos de experiência, mimesis e narração. Nesse sentido, procuramos, em um nível mais abstrato da discussão teórico-metodológica, aprofundar as interpretações acerca dos filmes nas questões sensoriais e nas formas de envolver e trabalhar a linguagem fílmica com o intuito de provocar e transmitir uma experiência ao/no espectador. Assim, esta dissertação volta seu olhar, sobretudo, para os cruzamentos e as relações entre o pensamento cinematográfico e a análise antropológica, a fim de pensar a mediação do cinema, suas formas e potências, a partir das noções de mimesis e narração. / This dissertation has as central focus a reflection about the interface between cinema and anthropology. From this, the object of our reflection is the filmic work Three Colours, by Polish director Krzysztof Kielowski (1941-1996), produced between 1992 and 1994 in France, Poland and Switzerland. The historical and political context of the production and the filming of these films involve the bicentenary of the French Revolution, the signing of the treaty that established the European Union and the collapse of the communist east. However, these facts and issues only touch the films, which are more concerned about following their protagonists, their dramas and doubts. From the methodology of film analysis and a detailed description of the feature films, we intend to articulate the work with certain anthropological discussions, such as the question of experience, mimesis and narrative in relation to the cinema, as well as the ethical, political and historical questions that pervade the trilogy, and therefore our own analysis. At first, we search to reflect on the thematic dimensions of the work of Three Colours, provind a characterization of the style of the director and the invention of a Europe and of an Enlightenment ethic in the contemporary world. Secondly, we investigate the possible association between the films and the Walter Benjamins concepts of experience, mimesis and narration. Thus, on a more abstract level of theoretical and methodological discussion, we seek to deepen the interpretations of the films on the sensory issues and ways to engage and deal with the film language in order to provoke and transmit an experience into the spectator. So, this dissertation focuses especially on the crossroads and the relationship between the cinematographic thought and anthropological analysis, in order to think about the mediation of cinema, its forms and powers, from the notions of mimesis and narration.

Esta dissertação tem como objetivo discutir a questão da subversão das fronteiras entre documentário e ficção a partir do estudo de um filme pioneiro a esse respeito: Eu, um negro (1958), do cineasta e etnógrafo francês Jean Rouch. Essa dualidade é incorporada à própria estrutura do trabalho e as reflexões em torno do filme são divididas em duas partes, uma mais próxima do campo de estudos do documentário, a outra mais afinada com os estudos acerca do cinema de ficção. No primeiro caso, foca-se nas estratégias de abordagem empregadas por Rouch na transposição do mundo histórico para o cinema, destacando-se a heterogeneidade de registros de imagem e som empregados neste processo. No segundo, é feita uma análise imanente do filme, com destaque para a questão das vozes e do foco narrativo. E a partir dessas leituras é feita uma reflexão sobre os aspectos clássicos e modernos de Eu, um negro, seja como uma ficção, seja como um documentário. / The aim of this dissertation is to discuss the subversion of the boundaries between documentary and fiction film by studying a pioneer film: Me, a black (1958), by the French filmmaker and ethnographer Jean Rouch. This duality is incorporated into the structure of this research, and the reflections on the film are divided into two parts, one closer to the documentary studies, the other more in line with the fiction film studies. In the first case, the focus is on the strategies employed by Rouch in the transposition of the historical world to cinema, highlighting the heterogeneity of image and sound records used in this process. In the second, an immanent analysis of the film is proposed, especially on the issue of voices and narrative focus. Finally, there is a discussion on the classical and the modern aspects of Me, a black, either as a fiction or as a documentary.

Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2013-11-01T14:25:24Z No. of bitstreams: 1 Lucas-Ravazzano-Batista.pdf: 655673 bytes, checksum: 7f161585f1fcc8a0b8c638e9f8b5a322 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2013-11-29T18:46:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Lucas-Ravazzano-Batista.pdf: 655673 bytes, checksum: 7f161585f1fcc8a0b8c638e9f8b5a322 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-11-29T18:46:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lucas-Ravazzano-Batista.pdf: 655673 bytes, checksum: 7f161585f1fcc8a0b8c638e9f8b5a322 (MD5) / CNPQ / O presente trabalho visa discutir como um diretor inserido nas práticas produtivas hollywoodianas ainda é capaz de criar um universo fílmico próprio ao longo de sua filmografia, usando como objeto de análise os filmes do diretor Christopher Nolan. Para tal fim, recorre-se aos trabalhos de David Bordwell, entre outros autores, que aferem a prosperidade do cinema americano justamente pela tentativa de uma coexistência entre a conformidade do modelo hollywoodiano e a visão artística dos realizadores. Com o objetivo de confirmar a existência de uma unidade nos filmes realizados por Nolan, o trabalho irá analisar três filmes do diretor sob a perspectiva teórico-analítica denominada poética do filme de modo a demonstrar que os programas poéticos de estruturação das obras do cineasta se valem de elementos bastante similares.

Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2013-11-01T14:48:42Z No. of bitstreams: 1 Vanessa Kalindra.pdf: 1149798 bytes, checksum: c0a60a5be7fa18975c3a2c09f298cb0c (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2013-11-29T18:58:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanessa Kalindra.pdf: 1149798 bytes, checksum: c0a60a5be7fa18975c3a2c09f298cb0c (MD5) / Made available in DSpace on 2013-11-29T18:58:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vanessa Kalindra.pdf: 1149798 bytes, checksum: c0a60a5be7fa18975c3a2c09f298cb0c (MD5) / CNPQ / A dissertação intitulada O Cinema Nacional Contemporâneo: A Produção de Fernando Meirelles Sob a Perspectiva do Pós-Moderno, apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Comunicação e Cultura Contemporâneas da Universidade Federal da Bahia, objetiva estabelecer diálogos entre o contexto da pós-modernidade e a cinematografia contemporânea produzida pelo diretor brasileiro Fernando Meirelles. Utiliza-se, assim, o conceito pós-moderno e suas proposições teórico-culturais como um tipo de poética para realizar as análises do corpus da pesquisa, composto pelos filmes: Domésticas (2001), Cidade de Deus (2002), O Jardineiro Fiel (2005), Ensaio sobre a Cegueira (2008) e 360 (2012). Trata-se, portanto, de investigar o modo de representação e a construção das narrativas dos discursos fílmicos a partir da relação constante entre o contexto onde eles são produzidos e as características imanentes de suas linguagens.

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-27T21:21:07Z No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Rejected by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br), reason: incluir resumo, corrigir para Ciências Sociais Aplicadas on 2017-07-01T00:05:13Z (GMT) / Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-24T20:11:06Z No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-24T20:11:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-24T20:11:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-24T20:12:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) Previous issue date: 2016-09-16 / a / Este estudo analisa a presença constante de números musicais nos filmes de Pedro Almodóvar. Até o momento, em sua filmografia ele assina a direção de vinte longas-metragens, dos quais catorze possuem este tipo de cena. Tratam-se de encenações que podem atuar nas construções de suas personagens, e interferir no desenvolvimento narrativo. Para se analisar tais pressupostos foram escolhidos quatro de seus filmes: "Que eu fiz para merecer isto?" (¿Qué he hecho yo para merecer esto!!, 1984), "A Lei do desejo" (La Ley del deseo, 1987), "Má educação" (La Mala educación, 2004), e "A Pele que habito" (La Piel que habito, 2011). Estes, melhor concentram as questões teóricas aqui levantadas em suas análises desenvolvidas, e permitem visualizar, em momentos distintos, a trajetória da encenação dos números usicais nas obras almodovarianas. Diálogos com teóricos e críticos de cinema, como David Bordwell e Frederic Strauss, norteiam esta análise fílmica. E no que tange a relação entre o indivíduo e a construção de sua identidade, aplicou-se os conceitos de Jean Baudrillard como ferramenta de análise das personagens nos números musicais aqui abordados.

Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2017-01-10T14:04:16Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Final Depósito PDF.pdf: 2679458 bytes, checksum: fca3fc50fa17128a4f917dfb578a1208 (MD5) / Approved for entry into archive by Uillis de Assis Santos (uillis.assis@ufba.br) on 2017-07-12T17:55:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Final Depósito PDF.pdf: 2679458 bytes, checksum: fca3fc50fa17128a4f917dfb578a1208 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-12T17:55:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Final Depósito PDF.pdf: 2679458 bytes, checksum: fca3fc50fa17128a4f917dfb578a1208 (MD5) / Esta pesquisa aborda as estratégias narrativas e estéticas articuladas no filme Funny Games (1997), do diretor austríaco Michael Haneke, a fim de causar determinadas sensações no espectador. Pretende-se identificar de que forma o estupor causado por este filme, considerado violento e cruel, ao invés de sentenciar o Haneke a um provável ostracismo, abriu as portas do disputado mercado internacional para seus filmes posteriores, com a peculiaridade de ter um remake norte-americano, feito pelo próprio diretor, dez anos depois. No primeiro momento serão analisados os elementos que dão forma ao filme. Para o estudo da narrativa será priorizado o trabalho de Paul Ricoeur. As abordagens de David Bordwell embasarão questões específicas da arte cinematográfica, tanto relacionadas com a narrativa quanto com o estilo. Em seguida, serão apresentados alguns dados sobre a recepção dos filmes de Michael Haneke para contextualizar a reação do espectador de Funny Games no universo fílmico do diretor. Por fim, será feita a análise deste filme, no âmbito de produção dos seus filmes austríacos, com o propósito de mostrar que as emoções convocadas por Funny Games são fruto das estratégias calculadas com precisão para impactar o público através de uma trama que coloca em evidência uma prática perturbadora: a crueldade. Como resultado, pretende-se demonstrar que a elaboração rigorosa de Haneke é a chave para manter e ampliar a visibilidade sobre seus filmes, que persistem nos temas indigestos. / This research addresses the narrative and aesthetic strategies in the film Funny Games (1997), by the Austrian director Michael Haneke, articulated with the purpose of causing certain sensations in the viewer. The aim is to identify how the stupor caused by this film, considered violent and cruel, instead of sentencing Haneke to a probable ostracism, opened the doors of the disputed international market for his later films, with the peculiarity of having an American remake, made by the director himself, ten years later. At first we will consider the elements that form the film. For the analysis of the narrative we will prioritise the work of Paul Ricoeur. The approaches of David Bordwell will support specific issues of the cinematic art, both related to the narrative as to the style. Then we introduce some data on the reception of Michael Haneke’s films, to contextualise the Funny Games viewer's reaction in the filmic universe of the director. Finally, we will analyse the film, in the context of the production of Haneke’s Austrian movies, with the purpose of showing that the emotions convened by Funny Games are the result of strategies precisely calculated to impact the public through a plot that highlights a disturbing practice: cruelty. With that, we intend to demonstrate that Haneke’s rigorous development is the key to maintaining and increasing the visibility of his movies, that persist with hard to digest, disturbing themes.