Les œuvres d’Ook Chung mettent de l’avant pour la plupart un univers sombre, où l’humanité est dépeinte de manière grinçante. Son roman L’expérience interdite n’y fait pas exception, mais son regard se tourne ici plus particulièrement vers la littérature. Au sein d’une littérature contemporaine qui cherche sans cesse à se définir elle-même, il propose une mise en scène des tensions et des questionnements propres à cette littérature. Toutefois, si le roman offre à priori une métaphore cynique de l’industrie littéraire, ce mémoire entend montrer, par la mise au jour d’indices textuels, qu’une lecture ironique est également possible et qu’elle vient considérablement modifier la signification qu’il est possible de tirer de l’histoire racontée. L’étude a également pour objectif de montrer que l’ironie de L’expérience interdite, par l’ambivalence qui résulte de la révocabilité, lui permet d’exprimer simultanément des points de vue divergents et donc de formuler une réflexion à deux volets.

Notre mémoire propose l’analyse de la dimension métafictionnelle du roman La fontaine pétrifiante [The Affirmation, 1981] de l’écrivain anglais Christopher Priest. Convoquant des idées de Bougnoux, Dällenbach, Klein, Paterson, Ricardou et Saint-Gelais, notre étude s’attarde à la manière dont les dispositifs métafictionnels, en dépit de leur potentiel déstabilisant, sont pour la plupart graduellement pris en charge par l’univers diégétique. En effet, nous envisageons une avenue de lecture qui attribue des motivations aux procédures réflexives de ce roman de science-fiction. La mise à mal de l’autorité narrative, l’enchâssement réciproque des récits, le transit, la métalepse et le télescopage semblent ainsi se mettre au service de la fiction, ce qui a pour conséquence de préserver l’effet de représentation, ou du moins, de ne pas l’entraver. / This thesis explores the metafictional dimension of British novelist Christopher Priest’s 1981 novel The Affirmation [La fontaine pétrifiante]. Making use of theories and ideas from the works of Bougnoux, Dällenbach, Klein, Paterson, Ricardou, and Saint-Gelais, this study shows how metafictional devices, in spite of their destabilizing potential, are gradually incorporated by the diegetic universe deployed in the novel. This study relies on a specific analytic reading that attributes motivations to the reflexive mecanisms found in Priest’s science-fiction novel. For instance, experimental devices such as the constant questioning of narrative authority, the multiplication of embedded plots and storylines, the transit, the frequent use of metalepsis and telescoping, seem all to serve the purpose of the story, therefore preserving the effect of realist representation or, at least, not disrupting it.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Cette thèse trace et interroge le passage qui s'est opéré au cours des quarante dernières années dans la dramaturgie québécoise, soit le passage d'une écriture de l'identitaire à celle de l'individu. La lecture privilégiée sera de l'ordre de la sociocritique du texte dramatique et elle permettra d'identifier les stratégies discursives et poétiques autoréflexives d'une pratique théâtrale qui puise ses tropes aux littératures de l'intime. Ainsi, les pièces à caractère biographiques et les relectures historiques sont étudiées au même titre que celles qui se revendiquent de l'autobiographie, de l'autofiction et de l'autoreprésentation. Ces dernières caractérisent la production théâtrale québécoise récente. Après avoir été résolument politique et axée sur la langue, la dramaturgie québécoise, longtemps considérée écriture-miroir d'un peuple dont la nation est en perpétuel devenir, aujourd'hui s'intéresse d'abord à elle-même, à sa littérarisation, voire à ses praticiens préoccupés par la place qu'ils occupent dans un milieu plus exiguë, plus marginalisé dans l'ensemble de la société québécoise. Le devenir sociétal a-t-il été substitué par la préoccupation du devenir individuel, non pas comme exemplum, mais comme manifestation d'un sentiment d'unicité? La thèse examine l'émergence d'une dramaturgie tributaire des pratiques autographiques de ses praticiens. Le discours théâtral est à nouveau en accord avec le discours social, sauf que cette fois, le reflet que renvoie le miroir est celui d'une société d'individus préoccupés par leur propre devenir.

Due sono le questioni che bisogna porsi per analizzare la “cultura di miniera nelle Alpi”: in che modo i fattori politici ed economici influenzarono la gestione e l’organizzazione mineraria? Esistono espressioni culturali specifiche della categoria professionale dei minatori? Pur nella loro diversità, le due questioni sono tra loro complementari. La presente ricerca è divisa in due parti: la prima prende in esame i sistemi di gestione e di organizzazione estrattiva nelle Alpi; a tal proposito sono stati comparati i contesti socio-economici delle seguenti comunità minerarie: del distretto minerario di Vipiteno-Colle Isarco ed in particolare della miniera di Ridanna-Monteneve in alto Adige; dell’Alta Val Trompia in provincia di Brescia; di Brosso e di Pont Canavese in provincia di Torino e di Premana in provincia di Lecco. La seconda parte di questo lavoro analizza le espressioni culturali della categoria professionale dei minatori che comprendono le leggende di miniera, i canti e le feste. Queste fonti sono importanti dal punto di vista antropologico in quanto esprimono i desideri, le ansie, le attese, in breve la coscienza dei minatori. I testi folklorici, soprattutto i canti, gettano luce sui loro modi di vita e di pensiero. Si tratta dunque di fonti autentiche per la conoscenza delle condizioni morali, oltre che materiali, dei minatori. / Dans l’analyse de la culture minière dans les Alpes, il faut se poser deux questions: comment les facteurs politiques et économiques influencèrent la gestion et l’organisation minière? Est-ce qu’il existe des expressions culturelles spécifiques de la catégorie des mineurs ? Bien qu’elles soient très différentes, les deux questions sont complémentaires. Ce travail est divisé en deux parties : la première concerne les systèmes de gestion et d’organisation du travail minier dans les Alpes ; pour bien les analyser, on a comparé les contextes socio-économiques des communautés minières suivantes : le district minier de Vipiteno-Colle Isarco et en particulier la mine de Ridanna-Monteneve en Alto Adige. La Haute Val Trompia en province de Brescia ; Brosso et Pont Canavese en province de Turin et Premana en province de Lecco. La deuxième partie de ce travail analyse les expression culturelles de la catégorie professionnelle des mineurs comprenant les légendes minières, les chants et les fêtes. Ces sources sont très importantes du point de vue anthropologique, car elles expriment les inquiétudes, les désirs, les attentes, en bref la conscience des mineurs. Les textes folkloriques, surtout les chants, permettent de comprendre leurs vies et leurs pensées. Il s’agit donc de sources authentiques pour connaitre les conditions morales et matérielles des mineurs.

La présente étude propose une analyse des intersections entre les luttes sociales et les films d’horreur issus de la dernière décennie. En premier lieu, elle se penche sur l’émergence des mouvements Black Lives Matter et #MeToo au sein du paysage sociohistorique des années 2010 en présentant des événements précurseurs comme les émeutes de Los Angeles en 1992 et l’élection présidentielle de Donald Trump en 2017 avant de décortiquer les politiques spécifiques aux mouvements. Ensuite, l’étude se penche sur la signifiance des sous-genres de l’horreur cinématographique – notamment les films d’entailles, de viol-revanche et d’horreur Noire – dans le contexte des études culturelles en s’attardant plus particulièrement aux écrits de Carol J. Clover, Kevin Wynter et Robin R. Means Coleman. L’essai revisite finalement les contextes sociohistoriques et la théorie culturelle dans l’analyse des neuf longs-métrages constituant le corpus d’œuvres, soit Get Out (Jordan Peele, 2017), Revenge (Coralie Fargeat, 2017), Cam (Daniel Goldhaber, 2018), The Perfection (Richard Shepard, 2019), His House (Remi Weekes, 2020), Bad Hair (Justin Simien, 2020), Candyman (Nia DaCosta, 2021), Scream (Matt Bettinelli-Olpin et Tyler Gillett, 2022) et Master (Mariama Diallo, 2022), afin de faire ressortir l’influence que les politiques de Black Lives Matter et #MeToo ont eu sur le traitement esthético-narratif des rapports de « race », des agressions sexuelles et de la justice sociale. / This study analyzes the intersections between social struggles and the horror films of the last decade. First, it examines the emergence of the Black Lives Matter and #MeToo movements within the socio-historical landscape of the 2010s, presenting precursor events such as the 1992 Los Angeles riot and Donald Trump's 2017 presidential election before unpacking the movements' specific politics. Next, the study examines the significance of the horror subgenres – most notably the slasher, rape-revenge and Black horror films – in the context of cultural studies, focusing in particular on the writings of Carol J. Clover, Kevin Wynter and Robin R. Means Coleman. The essay then revisits elements of the socio-historical contexts and the cultural study writings in the analysis of the nine feature films making up the corpus, namely Get Out (Jordan Peele, 2017), Revenge (Coralie Fargeat, 2017), Cam (Daniel Goldhaber, 2018), The Perfection (Richard Shepard, 2019), His House (Remi Weekes, 2020), Bad Hair (Justin Simien, 2020), Candyman (Nia DaCosta, 2021), Scream (Matt Bettinelli-Olpin and Tyler Gillett, 2022) and Master (Mariama Diallo, 2022), in order to highlight the influence that the politics of Black Lives Matter and #MeToo have had on the aesthetic and narrative treatment of "race" relations, sexual violence and social justice.

André Gide est le premier à avoir introduit l'expression « en abyme » en littérature. Comparant trois de ses oeuvres à la figure héraldique du blason dans le blason - le premier blason étant « en abyme » dans le second -, l'écrivain évoque un art de l'autoreprésentation caractérisé par un effondrement spéculaire infini et « sans fond ». Nous soutenons dans notre thèse que cet art de la mise en abyme renvoie à deux réflexivités distinctes : celles de l'oeuvre et de l'ipséité. Selon notre hypothèse de recherche, les réflexivités respectives de l'oeuvre et du soi ont ceci en commun qu'elles recèlent la forme abyssale de l'autoreprésentation : chacune d'elles a le pouvoir de se représenter son propre monde. De la même façon qu'une oeuvre renvoie incessamment à elle-même, le soi est toujours capable de se représenter lui-même à nouveau pour mieux se saisir. Il devient donc possible d'établir une profonde affinité entre notre capacité de se penser soi-même et de se constituer justement comme soi à travers ce cogito - capacité qui s'exprime éminemment dans la recherche philosophique -, et la spécularité même de l'oeuvre d'art, qui vise à la clarté de la représentation. En l'occurrence, l'oeuvre est susceptible de devenir le miroir du soi, et le soi, le miroir de l'oeuvre. Considérées sous cet angle, l'ipséité et l'oeuvre d'art partagent un même univers ambigu, que nous approfondirons à la lumière d'une mise en abyme définie comme la représentation de la représentation. Le premier chapitre situe notre problématique à partir de l'expression « en abyme » qui figure dans la page du Journal d'André Gide. Le deuxième chapitre, qui porte sur Homère, présente la perspective esthétique de la mise en abyme et établit la relation entre la fonction de clarté du procédé d'autoreprésentation et l'apparaître de l'oeuvre d'art. Le troisième chapitre, consacré à Platon, présente la perspective psychologique de la mise en abyme et développe la problématique de l'ipséité à la lumière de l'impératif du « connais-toi toi-même ». Enfin, le quatrième chapitre envisage le perspectivisme chez Nietzsche comme un jeu de masques en abyme au sein duquel le soi se métamorphose.