Ce texte se veut une trace des réflexions ayant habité ma recherche à la maîtrise; une tentative et non une réponse; des pistes ouvertes, offertes à la réflexion, à l'interprétation et qui continueront à évoluer avec ma pratique artistique. Il est habité par cette nécessité de garder des traces de moments de la fuyance et de l'éphémérité. Par ces presque riens qui s'immiscent en douceur et en subtilité, qui me frôlent, me réchauffent, et ouvrent des parenthèses d'émerveillement dans mon quotidien. Alors que le temps file, que tout se déroule et que tout passe, j'essaie d'habiter dans ces parenthèses fragiles. Je me pose, comme fascinée par le déroulement du peu, par ce sentiment de rencontre et mon besoin d'en cueillir des miettes pour le faire durer. Je décris comment l'évanescence d'un moment et la trace que j'en cueille deviennent mon point de départ à la création, ma matière première, et comment la traduction de ces moments par l'art crée inévitablement un écart avec l'expérience que j'en ai vécue. J'explique alors que c'est plutôt le partage d'un sentiment de rencontre devant l'évanescent que je tente de réaliser par le brouillage, les manques dans les œuvres et les silences qui les séparent dans l'espace. / These words are intended as a trace of the reflections that inhabited my master's research; an attempt, not an answer; open avenues for reflection and interpretation that will continue to evolve with my artistic work. It's driven by the need to preserve traces of fleeting, ephemeral moments. By these almost nothings that arise gently and subtly, that brush against me, warm me, and open up a parenthesis of wonder in my daily life. As time flies by, as everything unfolds and passes, I try to dwell in these fragile parentheses. I pause, fascinated by the unfolding of the little, by the feeling of encounter and my need to keep some part of it to make it last. I describe how the evanescence of a moment and the trace I keep from it become my starting point for creation, my raw material, and how translating these moments through art inevitably creates a gap with my own experience of them. I then explain that it's rather the feeling of encounter with the evanescent that I'm trying to share, which I try to achieve via the blurring and the gaps in my pieces and the silences that separate them in space.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2025 / Récit autobiographique faisant état de mon évolution personnelle intrinsèquement liée à un continuum existentiel de survie et de métamorphose dans lequel la création m'a permis de me propulser et de m'inventer de façon idiosyncrasique.

Ce texte de maitrise accompagne l'œuvre Débris cosmiques : un récit sur l'univers qui aura été présenté à la salle d'exposition du Roulement à billes de l'Université Laval en octobre 2021. Ce texte se veut un parcours suivant l'évolution de mon œuvre La Bibliothèque, une œuvre qui a été présentée en plusieurs versions et avec différents médiums depuis 2015. La Bibliothèque se divise en trois « sections » qui correspondent à trois manifestations concrètes de ce projet : la maquette, le personnage et l'univers. Dans les premiers chapitres de ce texte, j'évoquerai les recherches entourant la création de la maquette et l'intégration du personnage alors que les derniers chapitres seront plutôt consacrés à la dernière manifestation de l'œuvre, soit celle qui implique une représentation de l'univers. La Bibliothèque sera donc complète après la réunion de ces trois sections dans une dernière manifestation intitulée Débris cosmiques : un récit de l'univers. Cette lecture guidera le lecteur, la lectrice à travers le parcours que j'ai emprunté, les techniques que j'ai utilisées ainsi que ma façon de penser pour en arriver à créer une œuvre originale.

Dans le présent mémoire est développée une posture exploratoire des limites et des espaces négatifs présents dans les différentes institutions du champ de l'art. Il y est présenté différentes manifestations artistiques en lien avec l'« amateurisme professionnel », la « taquinerie institutionnelle » et l'échec. L'entreprise a comme but de stimuler des comportements alternatifs et de dénouer certains stéréotypes reliés aux institutions. Le dernier chapitre est réservé au projet de la galerie qui tuffera pas 3 ans, une institution nomade et informelle qui tente tant bien que mal de s'insérer dans le champ de l'art. Ayant comme lieu principal une Hyundai Accent 2004, la galerie cherche à mettre en pratique les hypothèses soulevées dans ce texte. Au final, il s'agit d'un jeu avec la matière institutionnelle qu'offre le champ de l'art.

Depuis plus de cinq ans, je poursuis une recherche portant sur les fictions sous-jacentes à mon réel et ce, afin d'en faire émerger de nouveaux récits. Situé à la frontière du documentaire et de la fiction, mon travail se base sur une méthode d'autofilmage et de documentation obsessive me permettant d'aborder le monde et de provoquer des situations sujettes à la métamorphose fictive par le récit et le montage. De la pratique intimiste en vidéo à la réalisation d'un projet de long métrage collectif, mes projets sont le résultat de rencontres filmées, autant avec l'Autre qu'avec le Soi, à travers différents niveaux d'existence. Inspiré de la formule de Rimbaud, mon corpus d'œuvres réalisé à la maîtrise porte le nom *Je est un autre*. Son noyau, *Le Forget Show*, est un projet de long-métrage tourné lors d'une résidence de création au Domaine Forget en mai 2022. Ce film, ainsi que les expérimentations vidéographiques qui l'accompagnent, servent de témoignages de mon parcours vécu et performé pendant les deux dernières années. Mon travail sera présenté sous une forme hybride - entre l'exposition et la salle de cinéma - lors d'un événement public, rassemblant les acteurs et actrices improvisés, amis et famille ayant été transformés, avec moi, en personnages de mon univers filmique. Ce mémoire-essai, explorant les différentes étapes de ma méthode ainsi que les principes de la rencontre filmée, tentera de mettre en lumière les questions soulevées par ma démarche, à savoir les idées qui se sont dégagées à travers ces deux années de production de films docufictifs collaboratifs. / For over five years, I have been researching the underlying fictions of my reality in order to create new narratives. Situated on the border between documentary and fiction, my work is based on a method of self-filming and obsessive documentation, enabling me to navigate the world and to provoke situations that undergo fictional metamorphosis through narrative and editing. From intimate video practice to the realization of a collective feature-length film, my projects are the result of filmed encounters with both the Other and the Self, across different levels of existence. Inspired by Rimbaud's formula, my body of work completed during my master's degree in art bears the title *Je est un autre*. Its core, *Le Forget Show*, is a feature-length project shot during a creative residency at Domaine Forget in May 2022. This film, along with other video experimentations, serve as a record of the journey I have lived and performed over the past two years. My work will be presented in a hybrid form - between exhibition and the movie theatre - during a public event, bringing together the improvised actors, friends and family who have been transformed, with me, into characters of my filmic universe. This essay-memoir, exploring the different steps of my method as well as the principles of the filmed encounter, will attempt to shed light on the questions raised by my approach, namely the ideas that have emerged through these two years of collaborative docufictive film production.

*Les déroutes, les restes, les machinations* s'attarde à l'évolution d'assemblages sonores, performatifs et matériels développés lors de la maîtrise. J'y articule d'abord un mouvement réciproque, quoique transformatif, entre des marches dans mon voisinage, rebuts rencontrés, dispositifs techniques et sons. Une seconde partie traite ensuite de partage amical et artistique. Je conclus par deux corpus parallèles à l'écriture, un ensemble de pièces sonores et une série de dessins. À travers le récit de décisions et d'actions ayant émergé de rencontres concrètes avec certains matériaux et contextes, j'élabore des réflexions sur leurs organisations en formes artistiques. Par un mouvement oscillant entre affection et transformation, j'entends suivre ce qui prolonge en différence ce qui s'assemble tout en étant attentif à ce qui s'aperçoit, en même temps, de découvertes singulières. Par des pièces sonores, des jeux d'observations puis l'écriture, j'engage ce qui m'attire et m'échappe encore de mes matériaux.

Ce mémoire constitue une analyse et une mise en contexte de mon évolution, en tant qu'artiste et en tant qu'homme, voulant expliquer ma démarche artistique ainsi que tout le questionnement découlant de la réalisation d'un corpus d'oeuvres lors de mes deux années à la maîtrise. Cette recherche questionne entre autres la nature de l'image identitaire, son symbolisme et mon processus de création amenant à une modification de cette même image. Ce texte présente donc une analyse personnelle face à l'ouverture occasionnée par l'appropriation et la création d'une image matière.

Cette thèse est le résultat d’une recherche-création en arts visuels analysée à travers une méthode autoethnographique afin d’établir quels savoirs provenant de la réalisation d’une création artistique sont transférables à l’enseignement des arts. En étudiant ma propre recherche-création, je mets en relief le dialogue de la création (Buber, 1923/2012) ainsi que la posture d’amateur public (Pentecost,2007). Je démontre comment le processus de création et la pratique réflexive d’une artiste-pédagogue peuvent alimenter sa posture d’accompagnement pédagogique. En utilisant une méthode autoethnographique (Chang, 2008; Ellis,2004, 2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay,1997), j’explore les liens unissant la pratique artistique et l’enseignement des arts visuels s’approchant d’une épistémologie constructiviste radicale (Glasersfeld,1981/1988, 1988) où le bricolage est mis à l’avant-plan (Denzin & Lincoln, 2011).Cette recherche se réalise sur deux fronts : d’abord par la réalisation d’un projet de création artistique, puis par l’observation et l’analyse de ce projet (processus et résultats) selon une perspective autoethnographique. Le projet de création, Bluetooth, est composé de pièces de céramique et d’estampes numériques inspirées d'une quête où se croise mon histoire personnelle à des faits historiques. II en découle une hagiographie fantasmée et improbable dans laquelle des dents bleues ainsi que le viking Harald Bluetooth et le Frère Marie-Victorin se retrouvent à l’avant-plan, au carrefour du dialogue de la création et du concept d’amateur public. La thèse est rédigée à la manière d’un récit autobiographique, un récit de pratique de création (Paquin, 2014) écrit à la première personne, à partir duquel j’extrais des connaissances nouvelles. La mise en relief de ces connaissances vise dans un premier temps à faire ressortir le dialogue bubérien présent dans l’expérience de création et à présenter une modélisation de mon processus de création. Dans un deuxième temps, je dégage des principes tirés de cette expérience de création personnelle et j’établis comment ils se transposent dans l’accompagnement pédagogique que je réalise auprès d’étudiants universitaires en enseignement des arts. Mots clés : accompagnement, amateur public, dialogue, pratique réflexive, processus de création / This thesis is the culmination of a research-creation in visual arts that employs an autoethnographic method of examination and analysis. My goal with this project isto determine which knowledge derived from artistic creation is transferable to arts education. By studying my own research-creation, I emphasize the dialogue of creation (Buber, 1923/2012) and how the position of the public amateur(Pentecost, 2007) can be embodied in the creative process. I demonstrate how the creative process and the reflexive practice (Schön, 1982) of an artist-teacher cannourrish the artist-teacher’s engagement with guided pedagogy (accompagnement pédagogique). Using an auto-ethnographic method (Chang, 2008; Ellis, 2004,2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay, 1997), I explore how the links between artistic practice and visual arts education approach radical constructive epistemology (Glasersfeld, 1981/1988, 1988) where bricolage construction is foregrounded.This research is carried out in two ways. First, by the realization of an artistic project, and second, by observing and analyzing the process and results of the project from an autoethnographic perspective.The creative project, Bluetooth, is composed of ceramic pieces and digital prints inspired by an investigation to see where my personal history crosses with historical facts. The end result is a fantasized and unlikely hagiography in which blue teeth, as well as the Viking Harald Bluetooth and Brother Marie-Victorin find themselves front and center, intersecting with the dialogue of creation and the concept of public amateur.The thesis is written as art practice narrative (Paquin, 2014), an autobiographical account written in first person from which I am able to draw out new knowledge.The first objective in high lighting this knowledge is to bring out the Buberian dialogue present in the experience of creation and to provide a model of my creative process. The second objective is to draw out principles from this experience of personal creation and to establish how they are transferred into the guided pedagogy that I engage in as an arts educator with my university students. Key words: guided pedagogy, public amateur, dialogue, reflexive practice, creative process

Ce texte est un accompagnement théorique de l'exposition Piscines, présentée au mois de juin 2008 à la Galerie des Arts Visuels de l'Université Laval. J'y traite de mon travail de création en explicitant les points théoriques et formels essentiels : la représentation et ses mécanismes, le factice et l'apport des traces du travail, le jeu et sa relation à l'art et au rite, et enfin, l'hétérotopie et son rapport à la problématique du fragment et de la totalité.

*Le roi est chauve* est une série de mots qui dans le meilleur des cas, apportera, je l'espère, à sa lecteur·trice un haussement de sourcil ou un sourire en coin. Cette série de mots, qui agit à la fois comme titre de ce texte et de l'exposition, est empruntée de l'exemple classique du concept de description définie *L'actuel Roi de France est chauve* donnée par le philosophe analytique anglais Bertrand Russell. Croyez-le ou non, ce texte n'abordera pas cet énoncé, ni la philosophie analytique et encore moins de Bertrand Russell. Je parlerai bien simplement de roi, d'être et de calvitie. En fait, je ne parlerai pas du tout de roi. Je parlerai plutôt de l'interprétation personnelle du concept d'autoreprésentation dans ma pratique en arts visuels et comment celui-ci s'est transformé pendant ma recherche. Les projets artistiques analysés dans ce mémoire trouvent leur source dans des événements personnels survenus en 2018, 2019 et 2020. Parmi eux figurent un voyage entre ami·e.s au Château de Versailles, ma rencontre avec l'artiste visuelle Claudie Gagnon et le moment où j'ai décidé de me raser moi-même les cheveux. Les projets de création issus de ces expériences incluent la vidéo *L'Opérette en II actes*, le site web *Les Liaisons dangereuses* et *Le roi est chauve*, un projet mêlant la photographie et la sculpture.