Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / Ce projet de recherche création implique essentiellement les arts visuels d'un point de vue interdisciplinaire (photographie, installation, peinture, sculpture) en relation avec une approche théorique spécifique qui s'alimente aux disciplines connexes (philosophie, littérature et histoire de l'art). Le noyau de cette relation complexe est l'aspect paradoxal et tragique de la photographie analogique directement liée à la nature mécanique de ce médium unique en arts visuels. En fait, c'est en développant les trois paradoxes ontologiques de la photographie (temporel, visuel et émotionnel) que cette recherche questionne l'intégralité visuelle de l'image photographique, plus précisément, la représentation dans le médium photographique, la relation entre la fiction et la réalité, et le rapport entre l'idée et le procédé technique employé dans le travail de création. Traitée à la fois par les écrits et par le biais d'une production artistique cette recherche soulève d'autres problématiques importantes pour parvenir à une conception plus juste et plus précise de la photographie en tant que médium qui cherche aujourd'hui sa nouvelle identité entre les procédés chimiques et les nouveaux procédés numériques. Concrètement, il s'agit des problématiques suivantes : la différence ontologique entre la photographie analogique et la photographie numérique, la spécificité de la photographie artistique par rapport à la photographie en général et la relation entre la photographie et les autres médiums. Ce travail vise à développer non seulement une réflexion pertinente sur le médium photographique, sur ses possibilités et ses limites, mais aussi à fermer un écart entre le discours sur l'art et le discours de l'art lui-même. Ainsi, par l'évolution visuelle d'une idée et son propos conceptuel il cherche à valoriser la théorie de la pratique et la pratique artistique elle-même comme étant les deux formes essentielles pour l'affirmation de l'art en soi, pour son émancipation totale de toutes les connaissances et de toutes les expériences qui lui sont extérieures.

Fabriquer des objets : marionnette, pavillon-loge, petit théâtre d'ombres, patins de bois, qui sont à la fois les moteurs et les contraintes qui déterminent la nature de l'événement. Ils engagent des gestes qui portent une gravité faite de simplicité, qui jouent sur plusieurs plans poétiques. C'est sur cette base que se construit une série de très courts événements, en vérité des petits tableaux, à caractère allégorique. Ces petits tableaux sont des condensés, tels que l'entend la psychanalyse à l'égard des rêves et de ses représentations ; le temps y est réduit comme toute éternité, sans chronologie, c'est-à-dire sans action servant une montée dramatique; les éléments contextuels (soit les objets, l'espace) sont au même plan que le personnage lui-même, c'est-à-dire de valeur équivalente au sens de tonalité. Cela exige donc un engagement d'un autre mode de présence que celui où l'action est entièrement assurée par les «transports» de l'acteur. Il s'agit plutôt d'une sorte de retrait de la part du personnage qui ne doit apparaître que dans son rapport à l'ensemble des éléments, de façon à faire sentir également la dimension aléatoire de sa présence dans l'espace autant que dans la durée. C'est un travail de silence en quelque sorte, une manière de laisser les choses entre elles alors qu'on est en leur sein. C'est pourquoi aucune action ne doit prendre trop d'ampleur afin de ne pas déplacer la dimension dramatique vers l'acteur exclusivement : S'il y a un drame il doit sourdre de toute part, il doit tout couvrir! / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Ce mémoire de maîtrise doit être lu comme une tentative d'éloignement. Éloignement face à toute théorie, à tout discours philosophique dominant ou non, à toute forme de connaissance préalable ou non à une pratique artistique, et potentiellement face à moi-même et aux autres. Sous forme de prolégomènes satiriques , ces textes sont un moment dans la vie de son auteur. Et dans un monde meilleur , le résumer serait impossible.

Cette recherche s'inscrit dans la continuité d'une pratique établie de l'hétérogénéité en peinture. Elle réinvente, renouvelle, mais surtout met en examen une attitude créatrice, au même titre que les procédés et les stratégies déterminant mon parcours de production. Ainsi, un classement iconographique issu de la constitution d'une banque d'images pervertira ma démarche et ses mobiles initiaux. Au reste, mon usage de disparité de signes picturaux se circonscrira dans une dislocation des mécanismes de la représentation. Ces préoccupations participeront à l'édification d'une grille d'analyse spécifique appliquée sur le corpus résultant. Je procède là à une discrimination des opérations de restitution et de désignation selon une taxonomie personnelle inventoriant divers modes d'interventions picturales.

Faisant écho à l’exposition Chronosculpture, ce mémoire retrace mes réflexions des deux dernières années sur les principaux concepts qui habitent ma pratique sculpturale, soit les notions de réénergisation, de dynamisme potentiel et de temporalité qui émergent de la suspension d’objets. En abordant dans un premier temps les singularités qui découlent de cette technique de suspension, j’articule ce parcours réflexif autour du concept de chronosculpture, un type de sculpture qui génère une durée et un déroulement potentiel par la mise en relation d’objets-séquence dans l’espace. Ma vision temporalisée de la sculpture prend entre autres forme en tissant des liens avec la reconstitution du mouvement par la chronophotographie, le concept de durée indivisible selon Henri Bergson et certaines notions développées par Gilles Deleuze en lien avec le cinéma. / Supporting the exhibition Chronosculpture, this thesis retraces my reflections over the past two years on the main concepts that inhabit my sculptural practice, namely the notions of re-energization, potential dynamism and temporality that emerge from the suspension of objects. By first addressing the singularities that result from this technique, I articulate this reflexive journey around the concept of chronosculpture, a type of sculpture that generates a temporal unfolding and a duration by the relation of sequence objects in the space. Among other things, my temporalized vision of sculpture is articulated by referring my practice to the reconstruction of movement through chronophotography, the concept of indivisible duration according to Henri Bergson and certain concepts developed by Gilles Deleuze in connection with cinema.

Louis-David L.-Gagnon présente ses outils et ses techniques pour créer des contrastes au sein de ses tableaux. Issu du monde du graffiti et de la rénovation, il dévoile comment ces deux milieux l'ont influencé dans son art et met l'emphase sur le rôle du hasard et de l'assemblage dans sa pratique. / Louis-David L.-Gagnon presents his tools and techniques to create contrasts in his paintings. Coming from the world of graffiti and renovation, he reveals how these two environments influenced him in his art and emphasizes the role of chance and assemblage in his practice.

Titre de l'écran-titre (visionné le 30 janvier 2023) / Les recherches et les expérimentations menées au cours de ma maîtrise visaient à comprendre et à préciser le rôle de ma pratique artistique dans mon exploration des diverses composantes du réel. En m'appuyant notamment sur des théories écoféministes et néomatérialistes, j'ai tenté de mettre en lumière le caractère à la fois consistant et indéterminé de ces composantes, leurs pouvoirs d'action respectifs, ainsi que la complexité de leurs interrelations, qui nous sont souvent invisibles. Ce mémoire expose entre autres comment, par une démarche pragmatique, je cherche constamment à rattacher mes fabulations à la réalité des choses concrètes. J'y parle de mon intérêt pour l'écologie, qui teinte ma perception du monde et influence l'ensemble de mon processus de création. Il y est question de la voie de l'« entre », celle qui relie les pôles d'un monde que l'on a clivé et hiérarchisé, et qui est aussi celle que je privilégie pour créer. J'explique également comment l'art peut se révéler être une forme de magie, qui m'octroie un certain pouvoir d'action face à notre monde en péril. Enfin, j'examine comment mon langage plastique résulte d'une rencontre entre mon pouvoir personnel et l'agentivité des diverses choses impliquées dans mon processus de création.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Ce mémoire se veut une réflexion sur la nature du lien qui unit l'oeuvre au regardeur. Il met l'accent sur une remise en question de la notion d'interprétation et propose un modèle d'approche différent qui privilégie plutôt l'expérience. Ici, l'oeuvre est envisagée telle quelle, c'est-à-dire désengagée de message ou de discours, dans son surgissement. Différents concepts y sont abordés, tels que le sublime et la signifiance. Les écrits de plusieurs auteurs importants comme Roland Barthes, Jean-François Lyotard, Giorgio Agamben et Roman Jakobson fournissent les lignes directrices de cette réflexion. Celle-ci sert ensuite de canevas à une analyse détaillée de mon travail. J 'y traite plus particulièrement d'une exposition intitulée Amas, fatras, îlots qui fut présentée au Centre d'art et de diffusion CLARK en février 2008.

L'enseignement des arts au niveau universitaire est traditionnellement organisé par discipline afin de faciliter la formation d'artistes spécialistes pour chaque forme d'arts (Detels, 2000). Bien que cette spécialisation ait amené au développement d'artistes dotés d'une haute expertise, elle ne répondrait pas suffisamment aux pratiques et aux exigences actuelles du milieu professionnel, lesquelles se veulent de plus en plus portées sur la création et la collaboration entre plusieurs disciplines (Richard et al., 2015; Snook et Brown, 2017). En outre, la nouvelle génération d'apprenants accorde un grand intérêt aux pratiques qui favorisent un apprentissage moins formel de l'art (Cayari, 2014; 2015). C'est notamment les cas pour celles qui leur permettent de mélanger des disciplines (Richard et al., 2015) et d'utiliser des technologies (O'Neill, 2012), car elles seraient plus connectées avec le monde dans lequel ils vivent (Jenkins, 2009). Ce projet de recherche vise à décrire la manière dont des étudiants inscrits à des programmes universitaires en arts ont perçu une formation artistique reçue dans le cadre d'un cours multicycle les ayant invités à travailler en collaboration à l'aide d'une approche de cocréation interdisciplinaire lors de la session d'automne 2019. À cette fin, nous avons réuni un échantillon de dix-huit étudiants inscrits à un programme de premier ou de deuxième cycle universitaire en art visuel, en musique ou en théâtre à l'Université Laval. L'activité de recherche connectée à ce nouveau cours a permis de récolter et d'analyser diverses données pour mieux comprendre les retombées de ce cours sur leur formation universitaire d'artiste. Dans le but de documenter l'expérience vécue par les étudiants dans le cadre du cours, nous avons utilisé les journaux de bord qu'ils devaient remplir après chaque séance. De plus, à la suite de la dernière séance de cours, nous avons utilisé un questionnaire pour identifier les facteurs qui ont influencé positivement ou qui ont limité leur engagement envers l'approche de cocréation interdisciplinaire que nous leur avons proposée durant le semestre. Enfin, nous avons réalisé une entrevue de groupe semi-dirigée afin de valider notre interprétation de la perception des étudiants sur la pertinence de réaliser des échanges interdisciplinaires au sein d'une formation universitaire et pour faire émerger des pistes d'améliorations pédagogiques à intégrer au plan de cours. Les résultats du projet révèlent l'importance de favoriser l'intégration de pratiques qui rassemblent plusieurs disciplines durant la formation artistique et pédagogique au niveau des études supérieures. En effet, une adaptation du contenu des programmes actuels en arts avec davantage d'aspects liés à la collaboration entre les disciplines aurait pour effet de mieux connecter le contenu des formations universitaires avec le milieu de la création artistique actuelle. De plus, ce rapprochement permettrait aux étudiants de développer et de maîtriser des outils théoriques et pratiques pour atteindre de façon plus efficace la professionnalisation à leur sortie des études. La description de l'expérience vécue par les étudiants montre que l'utilisation d'activités d'exploration en groupe est idéale pour les introduire à une approche de cocréation interdisciplinaire. Les résultats mettent également en lumière que les étudiants ont parfois de la difficulté à collaborer lorsqu'on leur demande de réaliser un important objectif comme la cocréation d'une présentation finale. Les résultats liés au questionnaire sur l'engagement révèlent que la valeur liée aux activités et l'apprentissage actif ont été des vecteurs favorables pour soutenir l'engagement des étudiants. Plus précisément, l'intérêt et l'importance que les étudiants ont accordés à l'approche de cocréation interdisciplinaire et la réalisation d'activités variées, la prise d'initiatives et les responsabilités que les étudiants se sont données ont été des sources importantes d'engagement. À l'opposé, les sentiments de compétence et d'immersion ont pu limiter l'engagement et même les apprentissages des étudiants, car ces derniers manquaient d'expériences préalables envers ce type d'approche pour pouvoir satisfaire pleinement ces besoins. / Art education at university level has traditionally been organized by discipline to produce artists who specialize in different art forms (Detels, 2000). While this specialization has led to the development of a high level of expertise, it is no longer sufficiently connected to current professional practice and demands that are increasingly focused on creation and collaboration across multiple disciplines (Richard & al., 2015; Snook & Brown, 2017). In addition, young learners show a great interest in practices based on less formal approaches to teaching and learning arts (Cayari, 2014; 2015). They are especially interested in approaches that allow them to mix disciplines (Richard et al., 2015) and use technologies (O'Neill, 2012), which would be more connected to the world where they live (Jenkins, 2009). The purpose of this research project is to describe how students enrolled in university art programs perceive the integration of an interdisciplinary co-creative approach. To conduct this study, we gathered a sample of 18 participants studying in undergraduate or graduate programs in visual arts, music, and theater at Laval University. In the fall 2019 semester, they participated in the before-mentioned arts course. Data were first collected through a journal that participants completed after each session to document their experience in the course. Following the final course semester, we administered a survey to identify factors that positively influenced or limited participants' engagement with the interdisciplinary co-creation approach. Finally, we conducted a semi-structured group interview to validate our interpretation of students' perceptions regarding the relevance of interdisciplinary approaches in university education and to identify pedagogical improvements to be integrated into the course plan. Results indicate the importance of encouraging the integration of practices that bring together several disciplines during artistic and pedagogical training at both undergraduate and graduate levels. Indeed, adapting the curriculum of current art programs to incorporate more collaboration between disciplines would connect the content of university training with the current creative arts milieu. Furthermore, it provides students with more theoretical and practical tools to achieve professionalization more effectively after graduation. The description of the students' experience shows us that the use of group exploration activities is an ideal tool to introduce an interdisciplinary co-creation approach. Results also reveal that students have difficulty to collaborate when asked to accomplish a major goal such as co-creating a final presentation. Analyses related to the engagement survey show that the activity value factor and the active learning factor were favorable vectors to support student engagement, especially concerning the interest and the importance that students place on the interdisciplinary co-creation approach. Additionally, the completion of a set of varied activities, the possibility of taking initiatives, and the responsibilities that students gave themselves were important sources of engagement. In contrast, the sense of competence and immersion may have limited student engagement and even learning, due to participants little prior experience with this kind of approach and collaborative work to fully meet these needs.

Emma est une installation sonore dont le modèle prend racine au sein de la tradition orale québécoise. Typique de l'organisation de l'espace lors des fêtes de cuisine, l'installation emprunte la forme circulaire dessinée par huit caisses de son jumelées à huit chaises qui substituent chacune un personnage. Au centre, est diffusé un document sonore sur lequel est enregistrée une chanson à répondre chantée par mon arrière-grand-mère : Emma. Ensuite, j'ai produit de nouveaux enregistrements qui sont combinés au document original et mis en relation dans un nouveau dialogue : la nouvelle version d'Emma. Le concept artistique est une rencontre entre les univers de la tradition et de l'invention qui fait revivre mon héritage des pratiques sociales de ma culture. Emma formule une version qui tente de répondre à l'évolution des pratiques traditionnelles.