Le but de cette recherche consiste à saisir le sens que revêt l'expérience du chaos connue dans le vécu de la création artistique. Dans cette étude, l'expérience du chaos renvoie au moment de doute, de désordre et de remise en question qui survient au fil de la création et correspond, pour la personne qui y prend part, à l'expérience du non-formulé. Pour mener à terme notre recherche, nous avons travaillé en étroite collaboration avec trois artistes professionnels pendant plusieurs mois, et utilisé, en termes de méthodologie, une approche phénoménologique. Le procédé d'analyse que nous avons appliqué repose sur un mode d'explicitation de la structure de l'expérience qui se trouve implicitement dans les données descriptives recueillies. Les résultats de notre analyse dévoilent la structure typique de l'expérience du chaos qui, dans ce contexte, désigne la signification se dégageant de l'expérience du chaos de chacun des artistes co-chercheurs. Cette recherche nous a permis d'observer que le travail d'exploration de l'expérience du chaos a produit, chez les artistes co-chercheurs, un retentissement sur la conscience qu'ils ont de leur démarche créatrice et de l'ensemble de leur vécu. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2015

Loin des Yeux Près du Corps est un projet d’installation sonore qui s’intéresse tout d’abord à la notion de décalage entre ma perception et ce que les écrits stipulent au sujet des impacts sur la santé de la pollution atmosphérique. Cette notion de décalage est présente dans plusieurs aspects du texte qui mettent en relation des éléments artistiques et théoriques, notamment en parlant de la différence entre traduction et transduction, du rapport entre l’humain et la machine et de la rencontre de tous ces éléments. L’installation en question prend forme à partir d’instruments de musiques réels ayant été modifiés afin de répondre à la mesure de niveaux de polluants. Quelques explorations « parenthèse » ont également contribué à faire avancer la réflexion autour du projet principal. / Loin des Yeux Près du Corps is an art installation project about the notion of gap between my personal perception of air pollution and what the science says about it. This notion is declined in many ways in this research, putting in relation artistic and theoretical elements, exploring the differences between translation and transduction, the relations between humans and machines and the connexions between all those elements. This installation is made from "real" musical instruments that have been modified to react to the air pollution levels. Some “parallel” explorations are also documented here, having contributed to nurture the main research.

Titre de l'écran-titre (visionné le 2 février 2024) / Le texte qui suit accompagne l'exposition Ce qu'il en reste, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval, du 9 novembre au 17 décembre 2023. Il aborde les questionnements pratiques et les enjeux conceptuels qui jalonnent ma pratique en sculpture, depuis la fabrication même des « choses » dans l'atelier jusqu'au moment de leur apparition dans le monde, dans le contexte de l'exposition. Liant à la fois une approche descriptive et réflective du processus créatif et des choses qui en émergent, il cherche à cerner comment les notions de matière et d'objet conditionnent l'avancement de ma pratique et de ma recherche. Une fois son rapport à la matière et à la technique établis, la pratique y est présentée en deux temps successifs : « l'objet » et « l'espacement ». Le premier temps est celui de l'espace d'atelier. Des aspects concrets qui s'y rattachent se dégagent certaines notions plus abstraites telles l'empreinte, la tension entre la limitation et l'indétermination, la dimension productive de la récurrence, ou encore la qualité d'autreté. Le deuxième temps est celui de l'espace de présentation. L'exposition y est considérée comme une action prolongeant le processus de création. Il y est question, entre autres, de l'espacement, des notions de déplacement et de réapparition, de la singularité mouvante, de l'intensité. / The following text accompanies the exhibition Ce qu'il en reste, at the Galerie des artsvisuels of the Université Laval, presented from November 9th to December 17th, 2023. Itaddresses practical questions and conceptual issues emerging from my artistic productionof objects, from their very appearance in the studio to their arrivance to existence in thecontext of their exhibition. Linking both descriptive and reflective approaches to my creativeprocess and to « the things in themselves », it seeks to identify how the notions of matter andobject condition my practice and my research. Once its relationship to material andtechnique has been established, the practice is considered in two successive stages: « theobject » and « the spacing ». The first of those stages is that of the space of the studio. Fromthe concrete aspects attached to it emerge certain abstract notions such as the imprint, thetension between limitation and indetermination, the productive dimension of recurrence, orthe quality of otherness. The second stage is that of the space of presentation, throughwhich the exhibition is considered as an integral part of the creative process. Among otherthings, it is about spacing, the notions of displacement and reappearance, moving-singularity, and intensity.

Ce mémoire constitue une analyse et une mise en contexte de mon évolution, en tant qu'artiste et en tant qu'homme, voulant expliquer ma démarche artistique ainsi que tout le questionnement découlant de la réalisation d'un corpus d'oeuvres lors de mes deux années à la maîtrise. Cette recherche questionne entre autres la nature de l'image identitaire, son symbolisme et mon processus de création amenant à une modification de cette même image. Ce texte présente donc une analyse personnelle face à l'ouverture occasionnée par l'appropriation et la création d'une image matière.

Ce texte d'accompagnement pose une réflexion sur mon projet de recherche création en arts visuels portant sur le diptyque en peinture et sur sa relation avec ma pratique artistique. Mon projet de maîtrise est constitué de quatorze peintures qui m'ont permis d'établir des confrontations, des formes de duels ou d'échos entre mes œuvres. J'ai observé mes diptyques et j'ai posé une réflexion sur mon processus de création et sur l'origine de chaque oeuvre. De plus, j'ai réfléchi sur le continuum de cette série et étudié l'impact du diptyque dans ma production artistique. Cette recherche vise à accroître mes connaissances sur ma pratique en arts visuels tout en m'aidant à mieux comprendre ma vie de jeune femme artiste dans la vingtaine. / This accompanying text describes an art-based research project that consists of my study of the diptych in painting and its relation to my art. I created fourteen paintings and was able to construct confrontations, forms of duels and echoes, and paintings that compliment each other. I examined my diptychs while reflecting on my creative process and the origin of each painting. Also, I reflect on the continuum of my series, as well as the impact of the diptych on my paintings. The goal of this research was to gain understanding on the continuum of my art practice while shedding light on my life as a young woman artist in her twenties.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2009-2010 / Ce texte accompagne l'exposition intitulée Le Dimanche des objets, laquelle consiste en la présentation d'assemblages d'objets décoratifs domestiques dans un local commercial. Ce document constitue une réflexion sur mon travail artistique par l'étude de cette production. J'aborde la pratique du magasinage comme une forme de flânerie qui permet de se faire spectateur de la réalité matérielle. Cette pratique est à l'origine d'une collection d'objets Kitsch noirs et lustrés, principalement de céramique, que j'ai utilisés pour réaliser des assemblages. Mes oeuvres questionnent les objets de la vie quotidienne en tant que matière et remettent ainsi en cause notre perception de ces derniers. L'importance accordée à l'objet dans ma pratique sonde les frontières entre l'art et le design. Cette problématique, conjointe à des considérations sur le décoratif et sur le lieu de réception de l'oeuvre, embrouille notre appréhension des objets de ma création.

Ce mémoire décrit la création de six univers selon les possibilités de retrouver des similarités dans le microcosme comme le macrocosme. Ces assemblages se veulent trompeurs, c'est-à-dire que mes visuels suggèrent un sujet, mais ils ne représentent pas toujours ce que c'est en réalité. Je souhaite créer des mondes imaginaires. Dans chacune de ces fresques, il y a des tableaux, mais il est difficile de discerner les oeuvres peintes de celles qui sont imprimées.

Ce mémoire se décline en deux parties, pensées comme deux choses distinctes qui ne se lient que par les thèmes qui y sont abordés. La première est écrite sous la forme d'un récit fondé sur une course de soixante-deux kilomètres réalisée en Gaspésie, quelques mois avant la publication de ce mémoire. La deuxième aborde ma pratique artistique à la manière dont je travaille, en faisant le tour des choses avec insistance. Ainsi, je m'intéresse à ses enjeux, particulièrement à ceux qui se seront présentés durant ma maîtrise. La forme de ce texte est pensée comme un entonnoir; commençant par un lieu plus vaste, moins spécifique, bien que grandement subjectif, et précisant, dans un deuxième temps, les concepts préalablement évoqués par le récit, de façon à donner à voir l'expérience comme universelle. / This thesis is divided in two distinct parts, linked to each other only through the themes that aretouched upon. In the first part, I reflect on a sixty-two kilometer run that took place in Gaspésie a fewmonths prior to this publication. The second part focuses on my artistic practice, much in the sameway as I construct objets: by circling around them. In doing so, I take interest in its specific concerns, especially in those which emerged during my postgraduate studies. The form of this text acts as afunnel, starting from a larger, less specific yet highly subjective space, and slowly homing in onconcepts as it also renders experience as universal.

Depuis plus de cinq ans, je poursuis une recherche portant sur les fictions sous-jacentes à mon réel et ce, afin d'en faire émerger de nouveaux récits. Situé à la frontière du documentaire et de la fiction, mon travail se base sur une méthode d'autofilmage et de documentation obsessive me permettant d'aborder le monde et de provoquer des situations sujettes à la métamorphose fictive par le récit et le montage. De la pratique intimiste en vidéo à la réalisation d'un projet de long métrage collectif, mes projets sont le résultat de rencontres filmées, autant avec l'Autre qu'avec le Soi, à travers différents niveaux d'existence. Inspiré de la formule de Rimbaud, mon corpus d'œuvres réalisé à la maîtrise porte le nom *Je est un autre*. Son noyau, *Le Forget Show*, est un projet de long-métrage tourné lors d'une résidence de création au Domaine Forget en mai 2022. Ce film, ainsi que les expérimentations vidéographiques qui l'accompagnent, servent de témoignages de mon parcours vécu et performé pendant les deux dernières années. Mon travail sera présenté sous une forme hybride - entre l'exposition et la salle de cinéma - lors d'un événement public, rassemblant les acteurs et actrices improvisés, amis et famille ayant été transformés, avec moi, en personnages de mon univers filmique. Ce mémoire-essai, explorant les différentes étapes de ma méthode ainsi que les principes de la rencontre filmée, tentera de mettre en lumière les questions soulevées par ma démarche, à savoir les idées qui se sont dégagées à travers ces deux années de production de films docufictifs collaboratifs. / For over five years, I have been researching the underlying fictions of my reality in order to create new narratives. Situated on the border between documentary and fiction, my work is based on a method of self-filming and obsessive documentation, enabling me to navigate the world and to provoke situations that undergo fictional metamorphosis through narrative and editing. From intimate video practice to the realization of a collective feature-length film, my projects are the result of filmed encounters with both the Other and the Self, across different levels of existence. Inspired by Rimbaud's formula, my body of work completed during my master's degree in art bears the title *Je est un autre*. Its core, *Le Forget Show*, is a feature-length project shot during a creative residency at Domaine Forget in May 2022. This film, along with other video experimentations, serve as a record of the journey I have lived and performed over the past two years. My work will be presented in a hybrid form - between exhibition and the movie theatre - during a public event, bringing together the improvised actors, friends and family who have been transformed, with me, into characters of my filmic universe. This essay-memoir, exploring the different steps of my method as well as the principles of the filmed encounter, will attempt to shed light on the questions raised by my approach, namely the ideas that have emerged through these two years of collaborative docufictive film production.

Cette thèse est le résultat d’une recherche-création en arts visuels analysée à travers une méthode autoethnographique afin d’établir quels savoirs provenant de la réalisation d’une création artistique sont transférables à l’enseignement des arts. En étudiant ma propre recherche-création, je mets en relief le dialogue de la création (Buber, 1923/2012) ainsi que la posture d’amateur public (Pentecost,2007). Je démontre comment le processus de création et la pratique réflexive d’une artiste-pédagogue peuvent alimenter sa posture d’accompagnement pédagogique. En utilisant une méthode autoethnographique (Chang, 2008; Ellis,2004, 2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay,1997), j’explore les liens unissant la pratique artistique et l’enseignement des arts visuels s’approchant d’une épistémologie constructiviste radicale (Glasersfeld,1981/1988, 1988) où le bricolage est mis à l’avant-plan (Denzin & Lincoln, 2011).Cette recherche se réalise sur deux fronts : d’abord par la réalisation d’un projet de création artistique, puis par l’observation et l’analyse de ce projet (processus et résultats) selon une perspective autoethnographique. Le projet de création, Bluetooth, est composé de pièces de céramique et d’estampes numériques inspirées d'une quête où se croise mon histoire personnelle à des faits historiques. II en découle une hagiographie fantasmée et improbable dans laquelle des dents bleues ainsi que le viking Harald Bluetooth et le Frère Marie-Victorin se retrouvent à l’avant-plan, au carrefour du dialogue de la création et du concept d’amateur public. La thèse est rédigée à la manière d’un récit autobiographique, un récit de pratique de création (Paquin, 2014) écrit à la première personne, à partir duquel j’extrais des connaissances nouvelles. La mise en relief de ces connaissances vise dans un premier temps à faire ressortir le dialogue bubérien présent dans l’expérience de création et à présenter une modélisation de mon processus de création. Dans un deuxième temps, je dégage des principes tirés de cette expérience de création personnelle et j’établis comment ils se transposent dans l’accompagnement pédagogique que je réalise auprès d’étudiants universitaires en enseignement des arts. Mots clés : accompagnement, amateur public, dialogue, pratique réflexive, processus de création / This thesis is the culmination of a research-creation in visual arts that employs an autoethnographic method of examination and analysis. My goal with this project isto determine which knowledge derived from artistic creation is transferable to arts education. By studying my own research-creation, I emphasize the dialogue of creation (Buber, 1923/2012) and how the position of the public amateur(Pentecost, 2007) can be embodied in the creative process. I demonstrate how the creative process and the reflexive practice (Schön, 1982) of an artist-teacher cannourrish the artist-teacher’s engagement with guided pedagogy (accompagnement pédagogique). Using an auto-ethnographic method (Chang, 2008; Ellis, 2004,2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay, 1997), I explore how the links between artistic practice and visual arts education approach radical constructive epistemology (Glasersfeld, 1981/1988, 1988) where bricolage construction is foregrounded.This research is carried out in two ways. First, by the realization of an artistic project, and second, by observing and analyzing the process and results of the project from an autoethnographic perspective.The creative project, Bluetooth, is composed of ceramic pieces and digital prints inspired by an investigation to see where my personal history crosses with historical facts. The end result is a fantasized and unlikely hagiography in which blue teeth, as well as the Viking Harald Bluetooth and Brother Marie-Victorin find themselves front and center, intersecting with the dialogue of creation and the concept of public amateur.The thesis is written as art practice narrative (Paquin, 2014), an autobiographical account written in first person from which I am able to draw out new knowledge.The first objective in high lighting this knowledge is to bring out the Buberian dialogue present in the experience of creation and to provide a model of my creative process. The second objective is to draw out principles from this experience of personal creation and to establish how they are transferred into the guided pedagogy that I engage in as an arts educator with my university students. Key words: guided pedagogy, public amateur, dialogue, reflexive practice, creative process