Resumo: Este trabalho apresenta uma reflexão teórica e composicional sobre a exploração de aspectos de referencialidade na música eletroacústica, mais especificamente na música eletroacústica mista e na música acusmática. A partir da definição da palavra “referencialidade” é apresentado um breve panorama da utilização de diferentes distinções binárias ou oposições dialéticas correlativas que situam o significado dentro ou fora do discurso musical, baseado principalmente em investigações semiológicas e semânticas. Depois disso é apresentada uma abordagem concisa do processo histórico que envolve estética musical e referencialidade, e a eliminação das associações extra-musicais e da referência causal dos sons, proposta por Pierre Schaeffer nos primórdios da música eletroacústica. Completando a abordagem histórica, é apresentada a idéia de recuperação da referência causal dos sons iniciada por Luc Ferrari no começo da década de 1960. Segue-se o ponto central desta pesquisa que é a investigação de várias dialéticas relacionadas aos aspectos de referencialidade interna e externa em textos de compositores eletroacústicos, como Denis Smalley, Trevor Wishart, Simon Emmerson, Michel Chion, Jonty Harrison e Natasha Barrett. A investigação destes aspectos é sucedida pela descrição, mediante uma análise das peças, dos principais processos e técnicas empregados pelo autor na concepção e criação da obra eletroacústica mista Cordamadeira para violão e sons eletroacústicos quadrifônicos, e da obra acusmática Hide-and-seek, nas quais são explorados diferentes níveis de referencialidade.

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Resumo: O presente trabalho resulta de um estudo sobre a participação do corpo na performance musical, desde a preparação do repertório até a sua apresentação no espetáculo, abordando-se o corpo do violonista não apenas como aquele que toca um instrumento, mas também buscando outras possibilidades de atuação, mais especificamente o elemento cênico. Verifica-se de que forma as experiências teatrais e de expressão corporal, podem auxiliar na performance do músico. Com base em referencial teórico explicitar-se-á a diferença entre performance e interpretação musical, a primeira como fruto da segunda. Através da relação entre corpo, música e técnica, serão enfatizados vários elementos considerados essenciais para uma melhor compreensão musical e, conseqüentemente, para a prática da performance musical. Estabelecendo analogias entre a performance musical e a performance teatral, assim como semelhanças e diferenças entre texto musical e texto literário, a proposta apresentada é de uma nova possibilidade de recital camerístico, tomando como exemplo três espetáculos realizados entre os anos de 2005 e 2009.

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Resumo: O presente estudo identificou a atuação profissional voltada para a docência dos bacharéis inseridos nas orquestras de Santa Catarina e mapeou os saberes desses instrumentistas de forma a conduzir as ações para um direcionamento mais eficiente da formação inicial e continuada destes profissionais. Os resultados indicam que dos 112 instrumentistas inseridos nas orquestras de Santa Catarina 45 são bacharéis, seis licenciados em música, 37 sem formação específica na área de música e 24 que ainda estão cursando suas graduações em música - licenciatura (5) e bacharelado (19). A atuação docente é exercida tanto pelos licenciados e bacharéis quanto por indivíduos sem formação específica na área de música. Dos 45 bacharéis em música identificados, 23 participaram da pesquisa sendo que 11 deles tocam em mais de uma orquestra no Estado. Considerando os participantes, foi constatado que 21 (91,30%) atuam na docência instrumental e 11 (47,83%) atuam com a docência em educação musical geral. Os dados encontrados indicam que, a prática docente ocorre em diferentes espaços como em conservatórios, escolas de música, escolas particulares, públicas e etc. Estas são devidas principalmente pelo gosto pessoal, profissional ou necessidade financeira. Além disso, salienta-se que os bacharéis das orquestras de Santa Catarina despendem de uma carga horária semelhante para atividades de performance orquestral e atuação docente, o que leva a necessidades de estudos focados nas demandas do mercado, principalmente com vistas para a necessidade de recursos humanos e vagas disponíveis. Ao mesmo tempo em que os bacharéis atuam como docentes, as IES (Instituições de Ensino Superior) disponibilizam em seus componentes curriculares, algumas disciplinas voltadas para tais atividades. No entanto, mesmo com percepções positivas para a atuação docente, é possível ver que as IES direcionam os objetivos dos seus cursos de bacharelado para a performance, o que pode resultar em lacunas que refletirão na atuação profissional. Salientando-se os conhecimentos necessários para ser um bom professor e as maneiras de adquirir-los, pode-se observar que as disciplinas referentes à docência, cursadas na graduação, são opções importantes para adquirir conhecimento. No entanto, a experiência cotidiana durante suas práticas docentes (experiência docente acumulada), também são fontes de aquisição de conhecimento fazendo importante, já na graduação, experiências com a prática de ensino ou estágio curricular, por exemplo. Os saberes experienciais são estratégias presentes para a atuação docente dos bacharéis, uma vez que os bacharéis relataram a utilização dos saberes associados as suas próprias aulas de instrumentos com seus professores e seus estudos pessoais. No entanto, foi observado que os saberes disciplinares, curriculares e de função educativa também foram apontados como importantes e englobam diferentes áreas de conhecimento como, por exemplo, psicologia, pedagogia, didática, história, anatomia. Além disso, questões específicas como repertório e conhecimentos técnicos também foram elencados como sendo importantes para as atuações docentes. Entretanto, quando relataram sobre os conhecimentos necessários para ser um bom professor, os instrumentistas declararam que o nível técnico do instrumento e o conhecimento didático foram considerados como tendo o mesmo peso de importância. A prática docente e a pedagogia também foram equiparadas no mesmo plano.

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Orientador: Maurício Dottori / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Letras e Artes, Programa de Pós-Graduação em Música. Defesa: Curitiba, 12/03/2010 / Bibliografia: fls. 89-95 / Resumo: Esta dissertação busca verificar os desdobramentos artísticos resultantes dos Festivais de Música de Curitiba e dos Cursos Internacional de Música do Paraná, eventos realizados nas décadas de 60 e 70 pela Sociedade Pró-Música de Curitiba, com direção artística do maestro Roberto Schnorrenberg e apoio financeiro do Governo do Estado do Paraná. Nestes eventos, a capital paranaense pôde observar um aumento expressivo de apresentações musicais, assim como a presença de instrumentistas, professores e grupos artísticos de outras cidades brasileiras e do exterior. Dois desdobramentos artísticos resultantes desses eventos serão aprofundados neste trabalho: Camerata Antiqua de Curitiba, instituição fundada durante os Cursos e Festivais de 1974, que permanece em atividade até os dias atuais, sendo considerada um dos principais grupos artísticos do Estado; e a Oficina de Música de Curitiba, criada inicialmente para possibilitar o aprimoramento dos músicos da Camerata Antiqua de Curitiba e seguindo o modelo artístico-educacional desenvolvido durante os Cursos e Festivais. O trabalho se apoiará principalmente em fontes originais não editadas, encontradas nos principais acervos da cidade de Curitiba, assim como em entrevistas com personalidades da área de música vinculadas aos eventos em questão, tendo em conta que poucas pesquisas acadêmicas relacionadas ao assunto foram realizadas. / Abstract: This master’s thesis aims to study the artistic developments that resulted from the "Music Festivals of Curitiba" and "International Music Courses of Paraná", both series of events happened in the decades of 60 and 70 sponsored by the "Pró-Música Society of Curitiba", under the artistic direction of conductor Roberto Schnorrenberg, and with funding from the Government of the State of Paraná. In these events, the capital of Paraná could see an expressive raise in the number of musical presentations, as well as in the attendance of instrumentalists, teachers and artistic groups from other Brazilian cities and foreign countries. Two artistic developments resulting from these events are studied in depth here: the "Camerata Antiqua of Curitiba", an institution founded during the Courses and Festivals of 1974, which remains active until the present days, and is considered one of the most important artistic groups of the State; and the "Curitiba’s Music Workshop", which was initially created in order to enable the improvement of the Camerata Antiqua’s musicians, and followed the artistic-educational model developed during the Courses and Festivals. The research will be mainly supported by original and unpublished fonts, which were found in Curitiba’s main archives, as well as buy interviews with people who took part in these events, since few academic researches related to this topic exist.

Resumo: A música é a arte dos sons organizados no tempo. Para que ela seja compreendida é preciso, dentre outras coisas, que se compreenda sua organização temporal. Neste trabalho foram abordados dois aspectos temporais da música: a simultaneidade e a igualdade de durações, no intuito de verificar como a criança desenvolve a compreensão de ambos. Esta pesquisa teve como objetivos identificar as etapas do desenvolvimento da compreensão da simultaneidade e da igualdade de durações em música; identificar graças a quais estruturas cognitivas acontece esse desenvolvimento; e identificar como a compreensão da simultaneidade e da igualdade de durações se desenvolve a partir do fazer musical. Essas questões foram respondidas por meio da revisão da obra de Piaget, e da transposição dos conceitos desse autor para o campo da Cognição Musical (o pesquisador suíço nunca estudou o desenvolvimento musical da criança). Este trabalho ainda envolveu um estudo do pensamento musical infantil, realizado através do método clínico piagetiano. Os experimentos realizados envolveram a execução musical em conjunto de um pequeno trecho musical composto de duas vozes (ou duas melodias diferentes), e a realização de uma entrevista semi estruturada sobre o que foi executado. Os participantes desta pesquisa foram 16 crianças de 5 a 9 anos de idade que, de modo geral, nunca haviam participado de aulas de música. A análise dos dados coletados junto a esse grupo permitiu a observação de que o desenvolvimento da simultaneidade e da igualdade de durações em música ocorreu do mesmo modo como apontado pela teoria piagetiana: em três etapas, durante as quais a criança parte do não reconhecimento de ambas, passa ao reconhecimento parcial ou gradual, até atingir, por fim, a compreensão completa desses dois aspectos temporais. Esse desenvolvimento em três etapas ocorre, principalmente, graças à evolução do pensamento infantil, e não propriamente graças a transformações na percepção da criança. Ainda observou-se que é a partir do "fazer" musical - da execução musical - que as crianças desenvolvem a compreensão da simultaneidade e da igualdade de durações em música. De acordo com a teoria piagetiana, a ação, inicialmente física e depois mental, faz com que a criança se lance sobre o mundo. Através dela a criança passa a conhecer e a compreender, pouco a pouco, aquilo que a cerca, inclusive a música.