The thesis Love as Will to Dialogue in William Shakespeare's Tragedies deals with the analysis of selected characters' dialogues found in six William Shakespeare's tragedies. The aim of the thesis is to prove the given assumption of tragic ending caused by emotionally related characters and their mutual lack of communication in each play. The thesis is formally divided into theory and practical analysis. The theory is focused on definition of two major terms dialogue and love, from the view of linguistics, psychology, psychology of communication and philosophy. Following practical analysis offers detailed study of selected dialogues. The last part of the thesis summarizes the main implications found in analysis and proposes possible benefits of the work.

Using recent scholarship on intersubjectivity and cultural cognitive narratology, this project explores the disruption and reformation of early modern identity in Elizabethan revenge tragedies. The purpose of this dissertation is to demonstrate how revenge tragedies contribute to the prevalence of a dialogical rather than monological self in early modern culture. My chapter on Thomas Kyd's The Spanish Tragedy synthesizes Debora Shuger’s work on the cultural significance of early modern mirrors--which posits early modern self-recognition as a typological process--with recent scholarship on the early modern dialogical self. The chapter reveals how audiences and mirrors function in the play as cognitive artifacts that enable complex experiences of intersubjectivity. In my chapter on Shakespeare's Titus Andronicus, I trace how characters construct new identities in relation to their shared suffering while also exploring intersubjectivity’s potential violence. When characters in Titus imagine the inward experience of others, they project a plausible narrative of interiority derived from inwardness’s external signifiers (such as tears, pleas, or gestures). These projections and receptions between characters can lead to reciprocated sympathy or violent aggression. My reading of John Marston’s Antonio’s Revenge explores revenge as a mode of competition. Marston suggests a similarity between the market conditions of dramatic performance (competition between playwrights, acting companies, and rival theaters) and the convention of one-upmanship in revenge tragedy, i.e. the need to surpass preceding acts of violence. While other Elizabethan revenge tragedies represent reciprocity and collusion between characters as important aspects of intersubjective self-reintegration, Marston’s play emphasizes competition and rivalry as the dominant force that shapes his characters. My final chapter provides an analysis of Shakespeare's Hamlet. I argue that recent scholarship on intersubjectivity and cognitive cultural studies can help us re-historicize the nature of Hamlet’s “that within which passes show.” Hamlet’s desire for the eradication of his consciousness explores the consequences of feeling disconnected from others in a culture wherein identity, consciousness, and even memory itself depend on interpersonal relations.

Insanity, which has long been a favorite theme of Elizabethan drama, summoned the dramatist's imagination to wonderful creations -- creations that were fantastic and grotesque, but unforgettable.

Dans ses œuvres dramatiques, Shakespeare fait la part belle aux mots étrange(r)s, qu’il s’agisse de mots isolés, de phrases ou encore de scènes entières en langue étrangère. L’hétérolinguisme (Rainier Grutman) shakespearien se manifeste également par la présence dans ses pièces de variétés sociales ou régionales de l’anglais. Son importance est cependant moins quantitative que qualitative. En effet, les mots étrangers de Shakespeare font presque toujours l’objet d’une mise en scène, à une époque où la langue anglaise était elle-même en pleine quête identitaire. Leur rôle n’est jamais purement ornemental : ils déstabilisent et inquiètent la langue qui les accueille tout en entretenant avec elle une relation souvent ludique, comme en témoignent les nombreux jeux de mots interlinguistiques inventés par Shakespeare. Par ailleurs, la cohabitation des langues dans certaines de ses pièces entraîne parfois des opérations de traduction plus ou moins hasardeuses, qui font elles aussi l’objet d’une véritable mise en scène. En nous donnant à entendre les fréquents « dérapages » de la traduction, Shakespeare nous fait voir l’envers de la langue, qui court toujours le risque de devenir à son tour étrangère. La traduction des textes hétérolingues du dramaturge eux-mêmes n’est pas moins problématique. L’épreuve de l’« étranger au carré » lance en effet au traducteur un certain nombre de défis que cette thèse a pour vocation d’explorer. Néanmoins, si la pluralité des langues est d’ordinaire vécue comme une malédiction pour la traduction, elle représente également une chance pour la langue traduisante : contrainte de se « déprovincialiser », elle « se met à proliférer », selon les mots respectifs de Ricœur et de Berman. / If we understand “strange” in the former sense of “foreign, alien” as well as “unusual or surprising”, « strange words » play a significant role in Shakespeare’s drama, whether they take the form of single words, whole sentences or even entire scenes written in a foreign language. Shakespearian heterolingualism (Rainier Grutman) also encompasses social or regional varieties of English in the plays. Its importance, however, has less to do with quantity than quality. Indeed, Shakespeare’s “strange words” are highly theatrical and often take centre stage, in an age when the English language itself was beginning to define its identity. Their role is rarely ornamental—they destabilise and unsettle their host language even as they playfully interact with it, as is demonstrated by the many interlingual puns concocted by Shakespeare. Moreover, the cohabitation of languages in some of Shakespeare’s plays can sometimes lead to questionable acts of translation. As Shakespeare stages the frequent “slips” of translation, he unveils the other side of the English language, which always runs the risk of becoming foreign in its turn. The translation of Shakespeare’s heterolingual texts themselves is no less problematic. The trial of the doubly foreign presents the translator with a number of challenges that this thesis proposes to explore. Nevertheless, if the plurality of languages is usually perceived as a curse when it comes to translation, it also opens up opportunities for the translating language: forcefully “de-provincialised” (Ricoeur), the mother tongue begins to thrive.

L’émergence d’un « ‘esprit’ capitaliste » (Weber) en Angleterre et en France au tournant des XVIe-XVIIe siècles a favorisé la reconfiguration des rapports entre avaritia et cupiditas, qui déterminent tout le champ sémantique de l’usure et de l’intérêt. Cette thèse postule que cette évolution est sensible dans la comédie française et anglaise de l’époque, et plus particulièrement chez les grands dramaturges qui ont marqué l’imaginaire collectif en mettant en scène des personnages avares. À partir d’un type comique issu à la fois du théâtre antique et du canon religieux bien établi dans l’Occident chrétien, l’appréhension nouvelle de l’argent comme objet et comme signe permet de construire une véritable figure moderne de l’avarice. Shylock, Volpone et Harpagon sont suspendus entre un or quasi divin, et l’univers plus ou moins connu de l’argent, qu’ils pensent maîtriser grâce à leur trésor. S’ils s’intègrent parfaitement à la fluidité moderne des échanges économiques, culturels et sociaux, ils participent aussi à leur dévalorisation, par une activité et un discours proprement usuraires. Leur entourage tente de soumettre cette « labilité » (Simmel) suscitée par l’économie de l’usurier-avare à un nouvel ordre, cosmique, éthique ou politique. Le conflit se résout devant la justice, instance discriminatoire externe et prétexte à la mise en abyme du jugement social. L’analyse finale de ces dénouements permet de comprendre le travail de chaque auteur sur la forme et la fonction du comique, à travers le texte, les genres, ou une esthétique de l’espace. Elle montre que chacun s’attache à valoriser l’apport de son art au public dans une période de crise socio-économique. / The emergence of a capitalist ‘spirit’ (Weber) in England and France at the turn of the sixteenth and seventeenth centuries played a leading role in reconfiguring the relation between avaritia and cupiditas which determine the whole semantic field of usury and interest. This thesis postulates that this evolution is perceptible in French and British comedy at that time, in particular for some of the playwrights who staged miserly characters imprinted in our collective imagination. Starting from a comic type as common in Greek and Roman drama as it was in the well-established religious canon in the Christian West, a new understanding of money as object and as sign leads to the construction of a truly modern figure of avarice.Shylock, Volpone (Mosca) and Harpagon, hang on to a almost divine idea of gold and the more or less known world of money, medium they think they control through their treasure, and which is about to become the universal equivalent of any good. Those characters fit perfectly into this modern dynamic of economic, cultural and social exchanges, but they also contribute, with their strictly usurious speech, to its depreciation. Their entourage tries to tame this « lability » of values (Simmel) generated by the economy of the usurer-miser to a new order – a cosmic, ethical or political order. Conflicts are resolved by a court of law, external discriminatory authority and pretext for the mise-en-abyme of social judgment. The analysis of these denouements allows one to understand the work of each author in the comic form and function, through the text, the genres, or an aesthetic of space. It shows how much each author strived to value the contribution of his art to the public, in a time of socio-economic crisis.

Nous examinons d’abord les aspects de la souveraineté politique sur la scène shakespearienne. À la lumière des analyses consacrées par Walter Benjamin au drame baroque, en 1928, et de la réaction de Carl Schmitt dans Hamlet ou Hécube (1956), nous montrons que Shakespeare met en scène la mortalité des corps politiques et la souveraineté nouvelle de l’intrigant dans le temps terrestre. Sommé de maîtriser l’art et le tempo de l’intrigue, le Prince est néanmoins impuissant à empêcher la décomposition de l’État. En prenant appui sur le drame élisabéthain, notamment sur le vertige mélancolique et sceptique d’Hamlet, nous interrogeons alors l’effort contemporain en vue de l’ordre et de la synchronisation dans la cité. La théorie hobbesienne de la représentation politique et juridique moderne rompt avec la conception mystique de l’unité politique et toute écriture inspirée des lois, tandis que la scène civile y est dédiée à la paix du commerce entre les individus afin de garantir les conditions d’une autonomie réelle dans la sphère privée. Réciproquement, cette autonomie doit pérenniser les solutions à la mélancolie et au scepticisme conceptualisées dans Léviathan. Tout en entérinant la tragédie de l’existence humaine et de tout savoir déjà mise en scène par Shakespeare, Léviathan évite d’emblée l’exaltation schmittienne ainsi que la violence « pure » logée, selon Benjamin, dans l’état d’exception de la subjectivité. À travers les spectres qui, chez Hobbes, n’ont plus droit de cité, la scène shakespearienne défait cependant les mécanismes de l’ordre et de la synchronisation continus, cela sans congédier le droit ni le projet de l’autonomie. / First, we examine the aspects of the political sovereignty on the Shakespearean stage. In the light of Walter Benjamin’s Origin of the German baroque drama (1928) and of Carl Schmitt’s answer to Benjamin in Hamlet or Hecuba (1956), we show that Shakespeare stages the mortality of the political bodies and the new sovereignty of the plotter. Urged to master the art and the tempo of the plot, the prince is nonetheless unable to prevent the decomposition of the state. Then, drawing on the Elizabethan drama, and especially on Hamlet, we question the contemporary effort towards order and synchronization within the city. Hobbes’s theory of political and juridical representation breaks with the mystical conception of political unity and with any inspired legislation, whereas the civil scene is dedicated to the peace between individuals in order to ensure the possibility of a real autonomy in the private sphere. Reciprocally, this autonomy must consolidate the solutions to the problems of melancholy and skepticism conceptualized in Leviathan. While endorsing the tragedy of human condition and of knowledge already put on stage by Shakespeare, Leviathan prevents Schmitt’s exaltation as well as the « pure » violence which, according to Benjamin, lies in the subject’s state of exception. Yet, through the ghosts that Leviathan cannot tolerate within the public sphere, the Shakespearean stage unravels the mechanisms of perpetual order and synchronization without rejecting the law and the project of autonomy.

Réalisé en cotutelle avec l'Université de Paris Ouest Nanterre La Défense / L'émergence d'un « 'esprit' capitaliste » (Weber) en Angleterre et en France au tournant des XVIe-XVIIe siècles a favorisé la reconfiguration des rapports entre avaritia et cupiditas, qui déterminent tout le champ sémantique de l'usure et de l'intérêt. Cette thèse postule que cette évolution est sensible dans la comédie française et anglaise de l'époque, plus particulièrement chez les dramaturges qui ont marqué l'imaginaire collectif en mettant en scène des personnages avares. À partir d'un type comique issu à la fois du théâtre antique et du canon religieux bien établi dans l'Occident chrétien, l'appréhension nouvelle de l'argent comme objet et comme signe permet de construire une véritable figure moderne de l'avarice. Les protagonistes de chaque pièce, Shylock, Volpone (Mosca) et Harpagon, sont suspendus entre un or quasi divin, et l'univers plus ou moins connu de l'argent, medium en passe de devenir l'équivalent universel de tout bien, qu'ils pensent maîtriser grâce à leur trésor. S'ils s'intègrent parfaitement à la fluidité moderne des échanges économiques, culturels et sociaux, ils participent aussi à leur dévalorisation, par une activité et un discours proprement usuraires. Leur entourage tente de soumettre cette « labilité » des valeurs (Simmel) suscitée par l'économie de l'usurier-avare à un nouvel ordre, cosmique, éthique ou politique. Le conflit se résout devant la justice, instance discriminatoire externe et prétexte à la mise en abyme du jugement social. L'analyse des dénouements permet dès lors de comprendre le travail de chaque auteur sur la forme et la fonction de la comédie, à travers le texte, les genres, ou une esthétique de l'espace. Elle montre que chacun s'attache à valoriser l'apport de son art au public, dans une période de crise socio-économique. / The emergence of a capitalist ‘spirit’ (Weber) in England and France at the turn of the sixteenth and seventeenth centuries played a leading role in reconfiguring the relation between avaritia and cupiditas which determine the whole semantic field of usury and interest. This thesis postulates that this evolution is perceptible in French and British comedy at that time, in particular for some of the playwrights who staged miserly characters imprinted in our collective imagination. Starting from a comic type as common in Greek and Roman drama as it was in the well-established religious canon in the Christian West, a new understanding of money as object and as sign leads to the construction of a truly modern figure of avarice. Shylock, Volpone (Mosca) and Harpagon, hang on to a almost divine idea of gold and the more or less known world of money, medium they think they control through their treasure, and which is about to become the universal equivalent of any good. Those characters fit perfectly into this modern dynamic of economic, cultural and social exchanges, but they also contribute, with their strictly usurious speech, to its depreciation. Their entourage tries to tame this « lability » of values (Simmel) generated by the economy of the usurer-miser to a new order – a cosmic, ethical or political order. Conflicts are resolved by a court of law, external discriminatory authority and pretext for the mise-en-abyme of social judgment. The analysis of these denouements allows one to understand the work of each author in the comic form and function, through the text, the genres, or an aesthetic of space. It shows how much each author strived to value the contribution of his art to the public, in a time of socio-economic crisis.

L'émergence d'un « 'esprit' capitaliste » (Weber) en Angleterre et en France au tournant des XVIe-XVIIe siècles a favorisé la reconfiguration des rapports entre avaritia et cupiditas, qui déterminent tout le champ sémantique de l'usure et de l'intérêt. Cette thèse postule que cette évolution est sensible dans la comédie française et anglaise de l'époque, plus particulièrement chez les dramaturges qui ont marqué l'imaginaire collectif en mettant en scène des personnages avares. À partir d'un type comique issu à la fois du théâtre antique et du canon religieux bien établi dans l'Occident chrétien, l'appréhension nouvelle de l'argent comme objet et comme signe permet de construire une véritable figure moderne de l'avarice. Les protagonistes de chaque pièce, Shylock, Volpone (Mosca) et Harpagon, sont suspendus entre un or quasi divin, et l'univers plus ou moins connu de l'argent, medium en passe de devenir l'équivalent universel de tout bien, qu'ils pensent maîtriser grâce à leur trésor. S'ils s'intègrent parfaitement à la fluidité moderne des échanges économiques, culturels et sociaux, ils participent aussi à leur dévalorisation, par une activité et un discours proprement usuraires. Leur entourage tente de soumettre cette « labilité » des valeurs (Simmel) suscitée par l'économie de l'usurier-avare à un nouvel ordre, cosmique, éthique ou politique. Le conflit se résout devant la justice, instance discriminatoire externe et prétexte à la mise en abyme du jugement social. L'analyse des dénouements permet dès lors de comprendre le travail de chaque auteur sur la forme et la fonction de la comédie, à travers le texte, les genres, ou une esthétique de l'espace. Elle montre que chacun s'attache à valoriser l'apport de son art au public, dans une période de crise socio-économique. / The emergence of a capitalist ‘spirit’ (Weber) in England and France at the turn of the sixteenth and seventeenth centuries played a leading role in reconfiguring the relation between avaritia and cupiditas which determine the whole semantic field of usury and interest. This thesis postulates that this evolution is perceptible in French and British comedy at that time, in particular for some of the playwrights who staged miserly characters imprinted in our collective imagination. Starting from a comic type as common in Greek and Roman drama as it was in the well-established religious canon in the Christian West, a new understanding of money as object and as sign leads to the construction of a truly modern figure of avarice. Shylock, Volpone (Mosca) and Harpagon, hang on to a almost divine idea of gold and the more or less known world of money, medium they think they control through their treasure, and which is about to become the universal equivalent of any good. Those characters fit perfectly into this modern dynamic of economic, cultural and social exchanges, but they also contribute, with their strictly usurious speech, to its depreciation. Their entourage tries to tame this « lability » of values (Simmel) generated by the economy of the usurer-miser to a new order – a cosmic, ethical or political order. Conflicts are resolved by a court of law, external discriminatory authority and pretext for the mise-en-abyme of social judgment. The analysis of these denouements allows one to understand the work of each author in the comic form and function, through the text, the genres, or an aesthetic of space. It shows how much each author strived to value the contribution of his art to the public, in a time of socio-economic crisis. / Réalisé en cotutelle avec l'Université de Paris Ouest Nanterre La Défense

Towards the end of the 19th century Oscar Wilde wrote the four society plays that would become his most famous dramatical works: Lady Windermere’s Fan (1892), A Woman of No Importance (1893), An Ideal Husband (1895) and The Importance of Being Earnest (1895). The plays combined characteristic Wildean witticisms with cunning social criticism of Victorian society, using stereotypical characters such as the dandy, the fallen woman and the “ideal” woman to mock the double moral and strict social expectations of Victorian society. These plays, and to an extent also Wilde’s symbolist drama Salomé (1891), have been the object of a great deal of scholarly interest, with countless studies conducted on them from various angles and theoretical perspectives. Widely under-discussed, however, are Wilde’s two Elizabethan-Jacobean tragedies, The Duchess of Padua (1883) and A Florentine Tragedy (1894). This thesis therefore sets out to explore The Duchess of Padua and A Florentine Tragedy in order to gain a broader understanding of Wilde’s forgotten dramatical works, while also rediscovering two of Wilde’s most transgressive female characters—Beatrice and Bianca. Challenging traditional ideas of gender and female sexuality, Beatrice and Bianca can be read as proto-feminist figures who continually act transgressively, using their voice and agency to stand up against patriarchy and asserting their rights to experience their lives on their own terms. Through an in-depth study of these plays, this thesis will demonstrate that Wilde’s Elizabethan-Jacobean tragedies, with their strong, modern female characters Beatrice and Bianca deserve greater critical attention on a par with the extensive scholarship on Wilde’s well-known dramatical works.