Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce travail d'esthétique philosophique est une analyse de l'art chorégraphique.Souvent considérée comme une forme d'expression immédiate et naturelle, la danse est aussi un art dont l'histoire relativement récente, les styles et les contenus thématiques sont riches et variés. Cette paradoxale combinaison de simplicité et de complexité mène à mettre en question nos systèmes théoriques les plus sophistiqués et nos distinctions conceptuelles les plus ancrées.Les avantages et inconvénients de diverses définitions philosophiques de l'art sont examinés, avant d'aborder la question du fonctionnement symbolique et de la réalité des propriétés chorégraphiques. En tant qu'art multiple, la danse représente un défi ontologique. Un chapitre est consacré aux processus créatifs, au statut de la notation et au rapport entre les oeuvres, leurs représentations et leurs interprétations. Après avoir proposé une définition de la danse, le travail étudie le concept d'expression. Outre les états mentaux et les mouvements physiques, l'intention et l'action, la liberté et le déterminisme, les notions d'expressivité naturelle, de technique, de style et de signification font l'objet d'une étude approfondie. Les dichotomies philosophiques traditionnelles se révèlent inadaptées à la danse, laquelle réconcilie la sensibilité et la rationalité, l'émotion et la compréhension, la spontanéité et la délibération, l'activité et la passivité, l'intériorité et l'extériorité, la contrainte et la liberté. / This study is a philosophical aesthetic analysis of choreographic art. Often considered as an immediate and natural form of expression, dance is also an art with a relatively recent, rapidly evolving history and varied styles and thematic contents. This paradoxical combination of simplicity and complexity leads to question our most sophisticated theoretical systems and our most apparently obvious conceptual distinctions, in a reconsideration of fundamental philosophical problems.The advantages and drawbacks of diverse definitions of art are examined, before addressing the symbolic functioning and the reality of choreographic properties. As a multiple art, dance is an ontological challenge. A chapter is devoted to the creation processes, the status of notation and the relation between the works and their performances and interpretations. After proposing a definition of dance, the study focuses on the concept of expression. In addition to mental states and physical movements, intention and action, freewill and determinism, the notions of natural expressiveness, technique, style and meaning are studied in detail. The traditional philosophical dichotomies appear to be inadequate to dance, insofar as this art reconciles sensibility and rationality, emotion and understanding, spontaneity and deliberation, activity and passivity, interiority and exteriority, constraint and freewill.

Siegfried Kracauer distingue deux tendances du cinéma: la «tendance réaliste» qui s'attache à montrer le monde dans sa réalité matérielle, et la « tendance formatrice» qui accorde une primauté absolue à une rêverie artistique détachée du monde alentour. Ces tendances répondent selon lui à deux postures éthiques contradictoires de l'homme qui, ou bien entretient un rapport d'immersion avec le monde ou bien, quand cette immersion s'avère impossible, se replie sur son intériorité. Ce clivage binaire peut être nuancé à l'aide du concept de dislocation qui, questionnant les rapports troubles qu'entretient l'homme avec un monde devenu difficilement habitable, permet de penser une posture éthique intermédiaire entre immersion et détachement, entre présence et absence au monde. Associé à la théorie du cinéma de Stanley Cavell, et interrogé à travers les filmographies de Wim Wenders, Théo Angelopoulos et Jean Cocteau, ce concept non seulement ouvre la voie à la conception d'une troisième tendance du cinéma que nous appelons la « tendance dislocatrice », mais permet aussi, à travers l'exploration des enjeux narratifs, esthétiques et « ontologiques» qu'il mobilise, de dessiner les traits d'un éventuel « cinéma de la dislocation ». / Siegfried Kracauer identifies two main tendencies of cinema: the "realistic tendency" in which the images depict the world in its material reality, and the "formative tendency" which gives absolute priority to an artistic reverie that is fully detached from the surrounding world. For Kracaeur, these tendencies are derived from two contradictory ethical postures of man who either has an immersive relation with the world or, when the immersion is impossible, withdraws into his own self. This binary cleavage can be questioned through the concept of dislocation. Studying the troubled relation between man and a world that has become hardly habitable, dislocation suggests an intermediate ethical posture which falls between immersion and detachment, presence in and absence from the world. Following Stanley Cavell's film theory, and studied through the films of Wim Wenders, Theo Angelopoulos and Jean Cocteau, this concept not only paves the way for the conception of a third tendency that we call the "dislocative tendency" of cinema, but can also, through the exploration of the narrative, aesthetical and "ontological" issues that it mobilizes, draw the features of an eventual "cinema of dislocation".

L’étude a pour objet le chant de l’enseignant en Éducation musicale en France. Elle s’appuie sur la question suivante : Comment l’enseignant doit-il chanter ? Trois grandes parties structurent la démarche. Le premier Livre explore les écrits concernant la voix chantée de l’enseignant, qui, d’un « modèle » vocal légitime problématique dans le contexte de l’enseignement de masse, évolue vers une vocalité se voulant plus adaptée au contexte, mais toujours incertaine. Il conclut à la prégnance des choix esthétiques dans tout ce qui touche à la vocalité en éducation musicale. Le Livre II cherche à expliquer les raisons des paradoxes qui collent au chant de l’enseignant : il dégage les facteurs socio-historiques et didactiques qui font du chanter en éducation musicale une activité spécifique par son ancrage partiel dans les représentations traditionnelles du chant, et dans les grands concepts éducatifs. Le Livre III démontre la réalité des choix esthétiques et ses incidences sur la transposition didactique du chant. Par l’examen des traits stylistiques des répertoires valorisés, et par l’analyse acoustique de voix chantées d’enseignant, il met en évidence le rôle capital de la manière de chanter d’un enseignant dans la notion de vocalité. La démarche de recherche se finalise à travers la proposition d’une élaboration conceptuelle de « profils vocaux éducatifs ». / The subject of the study is the singing activity of teachers in French music education. The study poses the following question: how should the teacher sing? Three important subjects inform the answer. The first Book considers literature on the teacher’s singing voice. This voice is in the first place a legitimate vocal model ; but this in itself is problematic in the context of mass education. So the voice strives to take on a vocality better suited to the teaching environment. The conclusion of the first book is that it is aesthetic choices that prevail in everything relating to vocality in music teaching. Book II tries to explain the reasons for the paradoxes which are inherent in the teacher’s singing. It analyses the socio-historical and didactic factors which make music education such a particular activity as it is grounded both in traditional representations of singing and in educational concepts. Book Three shows just how present aesthetic choices are, and how they affect the way teachers adapt them to their teaching purposes. The stylistic features of various repertoires used are studied and the sound of music teachers’ voices is analysed. This enables us to show that the way a teacher sings plays a vital role in their teaching. As a result of this research we have drawn up a conceptual proposal for ‘educational vocal profiles’.

Le but de ce travail de recherche est de construire théoriquement le design comme dispositif communicationnel, d’abord entre deux entités abstraites ou deux “sociétés anonymes” que sont l’art et l’industrie. Ainsi, la première partie a pour objet la définition et l’évolution du sens des mots “art”, “industrie”, “design”. Une deuxième partie vise à définir un concept de design qui se distingue de l’actualisation constituée par le phénomène “design industriel” au cours du dix-neuvième et duvingtième siècle. La troisième partie cherche à mettre en lien ce phénomène avec l’émergence de la scène médiatique et de l’exposition universelle afin de produire la modernité comme religion de l’ère industrielle. Cet ouvrage théorique se propose aussi de mesurer en quoi l’art est altéré par le système industriel, et inversement comment les artistes parviennent à faire progresser une exigence esthétique dans ce système socio-économique / The aim of this research was to build in theory a concept of design as a communication device, first between two groups or moral persons : art and industry. The first part seeks for a definition of “art”, “industry”, “design” ; the emergence and evolution of these notions. A second part is aimed at building a concept of design that would distinguish itself from the usual definition of design understood only in its industrial extent, which is a phenomenon limited to the nineteenth and twentieth centuries. The third part is an attempt to link this phenomenon with that of the emergence of a mediatic worldwide scene and universal exibition in order to produce modernism as a religion for the industrial era. This theoretical work also offers to measure how art is being modified by and through this industrial system, and on the other hand how some artists make the dream of a greater aesthetical attention progress in this system

Cette thèse pose la question de l’exigence artistique dans les pratiques théâtrales en amateur. On s’appuie principalement sur l’observation de festivals de portée départementale ou nationale, suivant l’hypothèse que ces manifestations favorisent les discussions sur les choix esthétiques. La recherche se déploie autour d’une interrogation : quand une activité artistique se pratique dans un cadre non professionnel, comment s’articulent les objectifs d’amélioration de la qualité des spectacles avec le souci de maintenir un respect mutuel ? Constituée à partir de l’analyse des représentations et des rencontres inscrites à l’affiche des festivals, l’étude a été complétée par des entretiens avec les membres des troupes participantes, des comités d’organisation ou des jurys, dont certains artistes professionnels. On structure les résultats obtenus en s’intéressant d’abord aux conditions dans lesquelles les amateurs satisfont leur passion et en évoquant les moyens et les outils dont ils se dotent collectivement pour y parvenir. Puis on envisage les façons dont les amateurs exercent leur jugement quand il leur faut construire le programme d’un festival. On aborde alors les festivals en les considérant comme des expériences de vie et on considère les valeurs mises en œuvre dans ces aventures humaines. Un dialogue est instauré entre tous ces aspects et différentes conceptions théoriques de l’art, selon que l’accent est placé sur ce qui se passe lors d’une représentation, sur les intentions, sur l’expertise ou sur les effets. On insiste sur la dimension sociale de ces pratiques et sur le fait que le temps disponible est consacré de préférence au plateau, plutôt qu’aux discours / This thesis deals with the question of the artistic demand in amateur theatre practices. It mainly relies on the observation of national or departmental festivals, based on the assumption that these events allow for the debating about aesthetical choices. The research is driven by on the interrogation: when one practises an artistic activity as a non-professional, how to articulate the objectives of improving the quality of the shows with the concern for maintaining a mutual respect? The study analyses performances and group discussions scheduled during the festivals, completed by interviews with some members of companies, or of the organising committees, or of the juries, some of them being professional artists. The results are taken up, in turn, beginning with the conditions under which the amateurs satisfy their passion, including the means they collectively develop and put into action, therefore. Then the ways of assessing one’s taste when having to elaborate the program of a festival are examined. It is then proposed to regard festivals as whole experiences of life and to take into account the values which are at work during these human adventures. All these aspects are put into dialogue together with some theoretical conceptions of art, according to the most significant elements: intentions, expertise, effects. The social dimension of the practices is underlined, as well as the fact that amateurs have rather spend their time on scene, rather that discussing

ENJEUX ÉTHIQUES ET ESTHÉTIQUES DE QUELQUES REPRÉSENTATIONS LITTÉRAIRES DES CONFLITS AU PROCHE-ORIENT AU XXe SIÈCLERésumé : Le corpus à partir duquel cette thèse construit sa réflexion est composé des œuvres de :Myriam ANTAKI, Les Versets du pardon, en1999 ; d’Anouar BENMALEK, L'Amour loup, en 2002 ; de Hubert HADDAD, Palestine, en 2007 ; de Sahar KHALIFA, Chronique du figuier barbare, en 1978 ; de Jean-Marie Gustave LE CLÉZIO, Étoile errante, en 1992 ; de S. YIZHAR, (Sipur Hirbet Hiza, 1949), Hirbat-Hiza, en 2010 (trad. franç.).Pour ces écrivains, les crises apparaissent comme un puissant générateur d'écriture et permettent d’apprécier selon différents points de vue les conflits du Moyen Orient. En effet, d'aires géographiques et culturelles différentes, les auteurs retenus sont tous sensibles aux questions de conflits qui fragilisent cette partie du monde, leur écriture est un moment intense qui invite le lecteur à plonger dans cette histoire. Cette thèse ambitionne donc d’investir, à partir de six textes littéraires contemporains français et francophones, les conflits du Proche-Orient en général et singulièrement le conflit qui oppose l’État d’Israël aux Arabes palestiniens à partir de 1948 date à laquelle le statut des Juifs a été transformé par la création d’un État et où parallèlement celui des Palestiniens a été transformé en statut de peuple sans terre. Si la thématique pointe le Proche-Orient dans son ensemble, la lecture est davantage orientée sur le conflit israélo-palestinien comme générateur principal des guerres qui se jouent dans cette partie du monde depuis 1946 ; étant entendu que la majorité des conflits du Proche-Orient sont inextricablement liés les uns aux autres et tirent leurs origines dans la question palestinienne. Cette réflexion ne prétend pas résoudre ou trouver des solutions aux problèmes que connaît le Proche-Orient : telle n'est pas l'intention de la littérature. Les textes affrontent l’Histoire mais exposent, par des moyens littéraires et romanesques, ces tensions en représentations possibles de la vie des peuples et des sociétés en jeu. Elle propose un point de vue sur des écritures en quête d’altérité tout à la fois esthétique, éthique et épistémique, et tente d’apprécier la lucidité des personnages toujours à la recherche de l’Autre, afin de poser de nouveaux rapports entre Juifs israéliens et Arabes palestiniens. Non plus des rapports conflictuels de haine et d’intolérance mais des rapports de considération et de reconnaissance réciproque.Mots-clés : représentation, Shoah, Nakba, altérité, relation, éthique / Ethnic and aesthetic issues of literary representations of conflicts in the Middle-East during the twentieth centurySummary:The program (corpus) around which the reflexion this thesis revolves, is based on the literary books below:Myriam ANTAKI, Les Versets du pardon, 1999 ; Anouar BENMALEK, L’Amour loup, 2002 ; Hubert HADDAD, Palestine, 2007 ; Sahar KHALIFA, Chronique du figuier barbare, 1978 ; Jean-Marie Gustave LE CLÉZIO, Étoile errante, 1992; S. YIZHAR, (SipurHibertHiza, 1949), Hirbat-Hiza, 2010 (French trad.).For these writers, crisis acts as a powerful source of inspiration for their artworks and enable us to look upon and appreciate from numerous points of view the conflicts occurring in the Middle-East. Indeed, coming from different geographical and cultural regions of the world, the authors quoted above are significantly conscious about the conflict matters which disrupt this particular part of the world. And their writings enable the reader to experience a real submersion in this particular world. Thus theaim of this thesis, based on these six contemporary, modern literary artworks, is to commit to these conflicts of the Middle-East and have an overview of the matter, particularly the Israeli-Palestinian conflict which aroused from the establishment of the state of Israel in 1948 and intercommunal violence in Mandatory Palestine between Jews and Arabs. Despite the fact that the theme aims the Middle-East in general, the argument is focused on the Israeli-Palestine conflict. The latter being the main source of conflict and wars occurring in this part of the world since 1946, provided that the majority of these conflict matters are inextricably linked to each other and furthermore that they erupted due to the Palestinian matter in particular. This thesis will not attempt to solve or provide answers to the problems faced in the Middle-East: it is not the aim of literature. The texts face History but, by means of literary and Romanesque writings, they provide an overview, a picture of the lives of these societies, these nations out there. It provides with an angle on and about writings in search of otherness in both an aesthetic and ethnic way and furthermore in an epistemological way. Also, the latter tries to appreciate the lucidity of the characters which are in an everlasting search of otherness, in order to alight new relations between Israeli Jews and Palestinian Arabs. No more conflictual relationships based on hatred and intolerance but relationships based on mutual consideration, appreciation and acknowledgement.Key words: representation, Shoah, Nakba, otherness, relationship, ethnic

Cette étude ethnographique porte sur le réseau social du tango argentin à Montréal, les valeurs esthétiques du tango, l’interprétation de l’expérience de la danse acquise au cours du processus de socialisation et les différents agents de socialisation. Dans un contexte de réappropriation et de déterritorialisation d’un savoir-faire comme le tango, les références symboliques relatives à son contexte d’origine, son imaginaire collectif et son contexte sociohistorique sont moins accessibles. Ceci semble appeler chez les danseurs montréalais une sorte de surdétermination de l’expérience immédiate, concrète et interactive de la danse dans la construction d’un sens collectif. Cette recherche s’intéresse plutôt à la transposition dans le réseau montréalais de certaines normes esthétiques en lien avec les modalités interactives de la danse. Ces normes esthétiques induisent une attention particulière portée à la qualité de l’expérience se reflétant dans les pratiques et les discours. Ces valeurs esthétiques remontent au contexte d’origine du tango et à la rencontre entre différents univers socialisateurs transnationaux à différentes étapes de son évolution. De ce type de rencontres «transesthétiques», s’est développé un dualisme entre le danser pour les autres et le danser pour soi, dans les représentations et la mise en forme d’une expérience dansée. À Montréal, c’est avec emphase qu’on observe la cohabitation de ces deux systèmes de valeurs en apparence antagonistes où, d’une part, est valorisé l’exhibition du soi et, d’autre part, sont priorisés l’intériorité et l’expérience subjective. En bref, ce mémoire explore les relations complexes qui existent entre les processus culturels et leurs produits, l’expérience et le sens, entre la subjectivité individuelle et la collectivité, et redéfinit l’agentivité des acteurs sociaux en étudiant les modes spécifiques de production du sens dans un art comme la danse. / This ethnographic study explores the Argentine tango network of Montreal, the esthetic values of this tango, the interpretation of experience acquired through the socialization process and the various agents of socialization. In a context of appropriation and deterritorialization of a savoir-faire art such as tango, the symbolic references related to the dance’s original context, mythology and sociohistoric context are less accessible to the dancers. This seems to call a sort of overdetermination of the actual, concrete and interactive experience of the dance in the construction of collective meaning. My research will explore a transposition which occurs within the tango social sphere; a compliance with interactive aspects of esthetic norms that draws the dancer’s attention in practice and discourse towards a certain quality of experience. These values can be traced to the origins of tango and the encounters between different social worlds and transnational connections at different periods of its evolution. From such transesthetic encounters, tango has developped, in the way experience is represented and put into form, a dualism between dancing for others and dancing for one self. In the specific context of Montreal, we observe this cohabitation of two apparently antagonistic value systems. On one hand, we value the personal exhibition, and on the other, we prioritize the inner nature and subjective experience of the dance. In brief, this thesis explores the complex relationship existing between cultural process and cultural products, between experience and meaning, between collectivity and individual subjectivities, and redefines the agentive role of social actors by examining the specific ways meaning is produced in expressive culture such as the dance.

Le cinéma populaire indien est à la fois un lieu de création de mythes filmiques puissants et un univers qui interagit avec un autre corpus, celui des mythes et des épopées classiques, plus particulièrement le Ramayana et le Mahabharata. Si ces derniers ont souvent été l’objet d’adaptations, surtout dans les premières décennies du cinéma indien, le cinéma contemporain compose des rapports complexes et singuliers vis-à-vis des héros et de leurs hauts faits. Les mythes traditionnels surgissent au détour d’un plan, à la manière d’une résurgence morale, narrative et/ou formelle, tout comme – dans un mouvement inverse – le cinéma cherche ces mêmes mythes pour consolider son imaginaire. Ce travail sur les relations entre mythe et cinéma croise le champ de la politique et de l’Histoire. Les mouvements pour l’Indépendance, la Partition, les tensions intercommunautaires s’insinuent dans le cinéma populaire. La présence des mythes dans les films peut devenir une fixation esthétique des traumatismes historico-politiques. La difficulté de représenter certains actes de violence fait qu’ils viennent parfois se positionner de manière déguisée dans les images, modifiant irrémédiablement la présence et le sens des références mythologiques. Les mythes ne disent ainsi pas tout le temps la même chose. Ces résurgences mythologiques, qui produisent des mutations et des formes hybrides entre les champs politique, historique, mythique et filmique, invitent par ailleurs à un décloisonnement dans l’analyse de la nature et des supports des images. Ainsi, des remarques sur la peinture s’invitent dans le cours de la recherche aussi naturellement que des œuvres d’art contemporain, des photographies ou l’art populaire du bazar. Un champ visuel indien, large et métissé, remet en scène constamment des combinaisons entre l’arrière-plan et l’avant-plan, entre la planéité et la profondeur de champ, entre l’ornementation d’un décor et son abandon. Le cinéma populaire, traversé par la mémoire des mythes et des formes, devient le creuset d’un renouveau esthétique. / Indian popular cinema is both a place of filmic mythical creation and a universe interacting with previous bodies of work; the classical myths and epics, and especially the Ramayana and the Mahabharata. Although the latter have often been adapted, especially in the early decades of Indian cinema, contemporary cinema builds complex and attitudes towards heroes and their achievements. Traditional myths appear in a shot, in the manner of a moral, narrative and/or formal resurgence. In an opposite movement, this cinema seeks those same myths to strengthen its imagination. Working on the relations between myth and cinema, one has to cross the political and historical field, for Independence movements, Partition and inter-community tensions pervade popular cinema. Myths in movies can become an aesthetic fixation of historical-political traumas. The challenge of some representation of violent acts explain that they sometimes hide themselves in images, irreversibly altering the presence and meaning of mythological references. Therefore, myths don't always tell the same story. Those mythological resurgences, producing mutations and hybrid forms between the political, historical, mythical and film-making fields, also invite a de-compartmentalisation when we analyse the nature of the images and the mediums that welcome them. Our study naturally convenes notes on painting, as well as contemporary art, photography or bazaar popular art. A broad and mixed Indian visual field constantly recombines background and foreground, flatness and depth of field and ornemented and neglected sets. Popular cinema, moved by the memory of myths and forms, becomes the breeding ground of an aesthetic revival.