Publicación a texto completo no autorizada por el autor / La presente investigación en torno al costumbrismo gráfico en la Lima republicana, tomando como caso específico las litografías con tipos populares de A. A. Bonnaffé, pretende ampliar los parciales y repetitivos conocimientos sobre el artista y de esta manera servir como punto de partida para futuras investigaciones. Para ello plantea analizar, desde la perspectiva del arte, el primer y segundo álbum litográfico del artista y hacer un seguimiento de las estampas, reutilizadas tanto en libros como periódicos en la época en la que fueron creadas. Por tal razón, el método tiene presente, además del examen artístico de las litografías y la lectura iconográfica de los tipos representados, el discurso como producto comercial dentro del marco del costumbrismo peruano. / Tesis

No description available.

El documento digital no refiere un asesor / Publicación a texto completo no autorizada por el autor / Analiza los procesos de producción de la historia de la arquitectura del período colonial, publicadas autónomamente o compiladas en libros con ese tema central, para determinar cuáles son las dinámicas de su formulación discursiva, qué características tiene la mirada de la investigación en cada momento histórico, cuáles son los criterios sustentados para garantizar su acceso a la verdad, cuáles sus fuentes y cómo son utilizadas, pero sobre todo, a qué intereses respondían sus miradas en cada momento específico. El estudio cubrirá el período inicial de su formulación, el cual comprende el lapso entre 1919 y 1950, que además corresponde al tiempo de inicio y vigencia de la arquitectura neocolonial y al gran impulso del crecimiento urbano. La investigación reflexiona acerca de la relación establecida entre el discurso de la historia de la arquitectura y las condiciones objetivas y subjetivas del momento en que dicho discurso fue producido, en el intento de identificar sus fundamentos, bases conceptuales y las respectivas metodologías de estudio. En resumen, se plantea un análisis historiográfico de los textos que abordan el tema, en la perspectiva de aportar a la reformulación contemporánea de sus planteamientos epistemológicos y metodológicos. / Tesis

No description available.

Estudio sobre la obra escultórica y dibujística del escultor Vicente Ferrero. Estudio de Vicente Ferrero como gestor en diferentes Instituciones públicas en las que ha tenido un papel clave en la defensa del patrimonio artístico, la lucha por la preservación de las obras monumentales públicas y la mayor presencia del dibujo y de la escultura en los Museos de la Comunidad Valenciana. Todo ello partiendo de la hipótesis de qué supone la obra escultórica del artista para la Historia del Arte y llegando a las conclusiones que desde unas características que lo definen como escultor su obra es relevante para el Patrimonio Artístico y la Historia del Arte. Para llegar a estas conclusiones son muy valiosas las aportaciones de personalidades del mundo de la Ciencia, de la Cultura y del Arte que han contribuido a un mejor entendimiento de ello.

No description available.

Ilustrado por los alumnos de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas, este libro repasa la historia del arte desde fines de la Edad Media hasta el periodo barroco, considerando el contexto histórico y sus artistas más representativos. Toma en cuenta la escultura, la pintura, la arquitectura, con interpretaciones precisas sobre las obras de los italianos Giotto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael. También de artistas de los Países Bajos, como Jan Van Eyck, El Bosco, Rubens, Rembrandt, Vermeer; asimismo de España (Velázquez). El libro se abre con el epígrafe atribuido al filósofo griego Platón: «La belleza es el resplandor de la verdad». Ideal para cursos de Lenguajes Artísticos, Arte y Arquitectura de la Edad Media al Renacimiento, y Arte y Arquitectura del Barroco al Art Nouveau.

Internet está promoviendo nuevas facetas comunicativas de carácter interpersonal, en las cuales interviene la identidad de los usuarios. Junto a ello, el uso que los artistas están haciendo del medio nos ha llevado a plantearnos conceptos y procesos comunicativos en torno a los cuales se produce la manifestación y representación del sujeto. Partiendo de diferentes soportes artísticos, incluida la propia red, hemos realizando una serie de itinerarios de raíz interdisciplinar en relación al concepto de identidad. Dividida en seis partes, esta tesis evoca aquellos libros de viajes del siglo XIX, donde la experiencia subjetiva del viajero servía de punto de vista para explorar y conocer nuevos mundos. Cada bloque delimita una propuesta, un recorrido, para abordar cada uno de los ejes conceptuales que conforman el corpus teórico de la misma: el retrato como representación gráfica de uno mismo (itinerario hacia la representación de uno mismo), la constatación de la identidad como diferencia en la figura del monstruo (las rutas de lo diferente: la monstruosidad), la utilización de máscaras y artificios con la intención de "ser otro" (itinerario a través de los diferentes soportes: máscaras y artificios) la experiencia autobiográfica (Las sendas de la propia experiencia), la relación del hombre con la tecnología (El encuentro con el otro artificial), y finalmente la identidad en la comunicación y el arte de Internet (Cartas de navegación: comunicación, identidad y arte en Internet). / San Cornelio Esquerdo, G. (2003). Cartografías de la identidad: seis itinerarios para la reflexión en torno a la práctica artística y comunicativa en la era digital [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2621

Hemos investigado sobre el interés que ha suscitado tanto para los psiquiatras como para los artistas, la pintura de enfermos mentales y la utilización del arte como terapia en España. También hemos hecho una aproximación comparativa con el desarrollo de la cuestión en el resto de los países europeos y hemos analizado las diferentes orientaciones teóricas. En de la Segunda Guerra Mundial se comenzó a utilizar el "art-therapy" en los países anglosajones, debido a las necesidades de los largos internamientos en hospitales. Su desarrollo como disciplina se vio favorecido por la difusión y popularización del arte a partir del "Art and Craft" de W. Morris, las teorías de Hebert Read sobre arte y educación, las influencias de la Bauhaus, la emigración de psicoanalistas y la tradición de asociacionismo de la sociedad inglesa. En España, la evolución del arte-terapia ha sido distinta al resto de Europa. Así establecemos como causas de la no institucionalización del arte terapia: Recepción pasiva de saberes; no institucionalización del psicoanálisis; escasa modernización cultural, económica y social; la Guerra Civil; la no tradición de asociacionismo; el déficit en infraestructuras y en formación; el desinterés de la Administración hacia el sector; el enfoque conservador de la asistencia; la prevalencia del modelo manicomial y la rivalidad entre las cátedras de psiquiatría. Sin embargo, pese a las dificultades, hemos querido destacar las excepciones: Las aportaciones tempranas de Pérez Valdés (1917-1918), G. R. Lafora (1922), Pérez Villamil (1933); el museo de pintura del Hospital Psiquiátrico de Ciempozuelos; el Congreso Mundial de Psicoterapia de 1958 en Barcelona y las comunicaciones de psicoterapia por el arte; el IV Congreso Mundial de Psiquiatría en 1966 en Madrid y la exposición de arte psicopatológico; las experiencias que tuvieron lugar en las cátedras universitarias; los congresos de psicopatología de la expresión (1984,1985) y las jornadas sobre pintura ...... / Hernández Merino, AM. (2000). De la pintura psicopatológica al arte como terapia en España (1917-1986) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/5846

Este trabajo inicia en el primer capítulo con una breve aproximación al concepto de la escultura, los procesos técnicos y materiales dentro de la enseñanza de las artes académicas en Europa y México; para presentar a continuación en el segundo capítulo una exhaustiva revisión y análisis de la evolución en la historia de los métodos y planes de estudios, así como de los programas específicos que se aplicaron tanto en el pasado académico del siglo XIX como los que se dieron en el siglo XX, para llegar en el tercer capítulo a los que hoy en día se enseña como programas de asignatura para el aprendizaje de esta disciplina artística dentro de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) perteneciente a la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y en relación a otras seis escuelas y universidades mexicanas que ofrecen la licenciatura en las Artes Visuales. El cuarto y último capítulo trata a modo comparativo de los planes de estudio y programas que se dan en tres universidades españolas, de Madrid, Barcelona y Valencia. La investigación parte desde la fundación de la Antigua Academia de San Carlos en 1781, como primera Real Academia de Bellas Artes de origen hispano en el continente americano, abarcando su transformación en el tiempo tras la independencia, para llegar finalmente a su incorporación en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), convirtiéndose a partir de 1931 en Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). La ENAP sin duda con sus distintos talleres, espacios de trabajo y metodología didáctica se ha convertido por vocación universitaria, con su historia, dedicación y el compromiso social que la ha distinguido dentro del sistema de enseñanza en el país, en un referente obligado para la enseñanza superior de las artes en todo México y en Iberoamérica. / Tous Olagorta, FJ. (2011). La enseñanza de la escultura en las artes visuales. Historia y análisis de los planes de estudio y programas vigentes en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, México, Distrito Federal [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/11553