Jeanne Zaidel-Rudolph (1948-) is South Africa's most prominent female art music composer. Her compositional output includes most of the music genres. An expert pianist herself, the instrument has remained central to her educational and creative career. The purpose of this thesis is to elucidate the musical structure of three of Zaidel-Rudolph's piano compositions. They are the Sonata no.l (1969), the Three Dimensions (1974) and the Virtuoso I (1987). The research investigates a possible synthesis of technical and aesthetic elements. Comprehension of the music's architecture allows the performer to convey its true character. The thesis is presented in nine chapters. The first two constitute the motivation for the research as well as the composer's biography. The following three chapters form the greater part of the thesis, comprising in-depth analyses of the three works respectively. The research method moves from the broader to the finer musical details to ascertain the formal organisational shaping of Zaidel-Rudolph's compositional language. The three-movement Sonata no.l shows the neoclassical approach of Igor Stravinsky (1882-1971) in its well-proportioned and balanced sectional moulding. Motivic and rhythmic transformations as well as contrapuntal treatments suggest Bela Bartok's (1881-1945) influence. Tonal centres are implied, never fully expressed. The Three Dimensions bears witness to Gyorgy Ligeti's (1923-) inspiration. The avant-garde style experiments with novel sonic effects e.g. the plucking of the piano's strings. Indigenous African rhythms are juxtaposed with Eastern scalar sonorities. Vertical structuring constitutes the superimposition of dissonant intervals. Horizontal structuring features the repeated use of specific intervals to lend motivic unity. The Virtuoso I also represents an eclectic approach. Western, African and spiritual elements are integrated into a mature style. A traditional Hebrew melody provides the germinal motives for thematic construction. Instances of bitonality and triadic harmony are present; the tonal system however remains free. Perpetual rhythm predominates with ostinato figurations and jazzy accentuation. The following three chapters comprise re-edited versions of the complete manuscripts of the three respective compositions. Printing errors are brought to the attention; extensive suggestions regarding performance practice are added. The thesis concludes with a chapter listing all Zaidel-Rudolph's compositions, a bibliography and a discography. / Thesis (D Mus (Performing Art))--University of Pretoria, 2006. / Music / unrestricted

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Thesis (MA (Afrikaans and Dutch))—University of Stellenbosch, 2005. / The aim of this study is to examine the relationship between eroticism, violence and death as it occurs in Jeanne Goosen's short story collection, ' n Gelyke kans. The research is based upon the hypothesis that these stories express in a particular manner the transgressive role of eroticism in breaking through social conventions and barriers. As a possible framework for discussion reference is made in the first place to George Bataille's theories on the subversive nature of eroticism, Julia Kristeva's semiotic and pre-Oedipal theories, and Mikhail Bakhtin's notion of the carnivalesque. Subsequently a reading strategy was designed by means of an in-depth analysis of ten stories from the collection in accordance with general formalistic principles. The conclusion is reached that Goosen with non-judgmental sympathy exposes man's inborn, continuous search for the illusion of perfect happiness. This state of bliss is sometimes achieved by the violent "incorporation" of the beloved/desired “other", and the final outcome is a concomitant and inevitable decline into an unwholesome, destructive, and fatal erotic power play.

Jeanne Lapointe, intellectuelle d'influence et professeure passionnée, a marqué l'histoire du Québec en participant, entre autres, aux Commissions Parent et Bird. Discrète, elle demeure aujourd'hui une figure méconnue du grand public comme du milieu littéraire dans lequel elle a œuvré des années 1940 à la décennie 1990. Ce mémoire constitue une première étude en profondeur de son œuvre critique. Nous proposons une analyse de ses textes disponibles à ce jour, inédits et publiés, qui concernent explicitement la littérature. Il s'agit d'une reconstitution du parcours critique de J. Lapointe qui permet une caractérisation de sa démarche dans le champ littéraire par le biais de la poétique de la critique. Œuvrant successivement au sein de la revue Cité Libre, dans le domaine de la psychanalyse puis dans une perspective féministe, Jeanne Lapointe s'est forgé un itinéraire clairement divisé en trois grandes périodes critiques qui déterminent conséquemment les divisions de cette étude qui rend compte de la cohérence d'une pensée en évolution.

Ce travail explore la topologie de la symbolique du nationalisme français à travers la figure de Jeanne d'Arc, dans l'oeuvre de Maurice Barrès, Autour de Jeanne d'Arc (1916), et celle de Léon Bloy, Jeanne d'Arc et l'Allemagne (1915). Ces deux textes sont des artefacts culturels de la Grande Guerre, et leur convocation tutélaire de Jeanne d'Arc, comme figure identitaire française, fait émerger deux modes de penser, deux visions de l'histoire et deux conceptions de la nation qui révèlent d'irréductibles oppositions idéologiques au sein de la droite conservatrice. Notre parcours suit les micro-transformations discursives du topos Jeanne d'Arc, en prise directe avec le texte. Ce «pas-à-pas» révèle que 1'émergence de Jeanne génère une réarticulassions du fonds mémoriel national qui s'inscrit chez Barrès, dans l'ordre nouveau d'une France régénérée par la guerre, alors que pour Bloy, i l trace une topologie de la dégénérescence, fondee sur une vision totalisante où le retour à Dieu détermine le sens unique de l'histoire. En tant que production symbolique, la portée générale de Jeanne d'Arc en 1914 soulève, paradoxalement, la problématique de la construction de 1'individualité: le combat de Jeanne au front de 14 passe par une revanche franco-française dans une République "déracinée" et déchristianisée -- mais non désacralisée. En effet, le mysticisme frelatéé de la Jeanne barrésienne et le messianisme millénariste de la Jeanne bloyenne traduisent, chez nos deux auteurs, la volonté d'un retour à un âge d'or de la nation. Notre analyse montre que cette pensée de la fracture s'articule sur un mouvement de transfert du politique dans la sphère du mysticisme. Les forces cohésives qui autorisent la jonction des destinées de Jeanne et de la France sont ici déployées au niveau du discours, à travers leurs déplacements, leurs réarticulassions, leurs discontinuités. Elles ne sont pas renvoyées à une idéalité conceptuelle. L'enjeu de 1'analyse est de constituer des réseaux de sens et de circonscrire progressivement des séries discursives récurrentes qui nous donneront, en fin de parcours, une idée de la francité en 1914, c'est-à-dire, pour Barrès et Bloy, celle d'une nation en mal d'origines.

Ce travail explore la topologie de la symbolique du nationalisme français à travers la figure de Jeanne d'Arc, dans l'oeuvre de Maurice Barrès, Autour de Jeanne d'Arc (1916), et celle de Léon Bloy, Jeanne d'Arc et l'Allemagne (1915). Ces deux textes sont des artefacts culturels de la Grande Guerre, et leur convocation tutélaire de Jeanne d'Arc, comme figure identitaire française, fait émerger deux modes de penser, deux visions de l'histoire et deux conceptions de la nation qui révèlent d'irréductibles oppositions idéologiques au sein de la droite conservatrice. Notre parcours suit les micro-transformations discursives du topos Jeanne d'Arc, en prise directe avec le texte. Ce «pas-à-pas» révèle que 1'émergence de Jeanne génère une réarticulassions du fonds mémoriel national qui s'inscrit chez Barrès, dans l'ordre nouveau d'une France régénérée par la guerre, alors que pour Bloy, i l trace une topologie de la dégénérescence, fondee sur une vision totalisante où le retour à Dieu détermine le sens unique de l'histoire. En tant que production symbolique, la portée générale de Jeanne d'Arc en 1914 soulève, paradoxalement, la problématique de la construction de 1'individualité: le combat de Jeanne au front de 14 passe par une revanche franco-française dans une République "déracinée" et déchristianisée -- mais non désacralisée. En effet, le mysticisme frelatéé de la Jeanne barrésienne et le messianisme millénariste de la Jeanne bloyenne traduisent, chez nos deux auteurs, la volonté d'un retour à un âge d'or de la nation. Notre analyse montre que cette pensée de la fracture s'articule sur un mouvement de transfert du politique dans la sphère du mysticisme. Les forces cohésives qui autorisent la jonction des destinées de Jeanne et de la France sont ici déployées au niveau du discours, à travers leurs déplacements, leurs réarticulassions, leurs discontinuités. Elles ne sont pas renvoyées à une idéalité conceptuelle. L'enjeu de 1'analyse est de constituer des réseaux de sens et de circonscrire progressivement des séries discursives récurrentes qui nous donneront, en fin de parcours, une idée de la francité en 1914, c'est-à-dire, pour Barrès et Bloy, celle d'une nation en mal d'origines. / Arts, Faculty of / French, Hispanic, and Italian Studies, Department of / Graduate

Das umfangreiche, stilistisch vielfältige Werk des 1875 in Dresden geborenen Malers, Grafikers und Bildhauers Otto Hettner (1875‐1931) ist heute nahezu unbekannt. Der Künstler hatte zunächst in Karlsruhe und Paris Malerei studiert, mehrere Jahre in der pulsierenden Kunstmetropole gelebt, sich mit Edvard Munch angefreundet und intensiv mit den neuesten Entwicklungen auseinandergesetzt, bevor er sich zwischen 1905 und 1911 zusammen mit seiner Frau Jeanne (1878‐1958) in Florenz niederließ. Nach einem kurzen Aufenthalt in Berlin und der Teilnahme am Ersten Weltkrieg erhielt Hettner 1917 den Ruf an die Dresdner Kunstakademie, wo er schließlich ab 1919 als Professor lehrte und maßgeblich verantwortlich für den Anschluss der Institution an die internationale Moderne war. Unterbrochen wurde seine Tätigkeit wiederholt durch seine Tuberkulose‐Erkrankung, die ihn zu Kuraufenthalten in südlichen Ländern zwang und zu einer längeren Abwesenheit vom Akademiebetrieb führte. Hettner starb 1931 und hinterließ ein rund 4.300 Werke umfassendes OEuvre, das Gemälde, Zeichnungen, Buchillustrationen, Bühnenbildentwürfe und Skulpturen umfasste.

Cette étude porte sur la pratique de l’artiste française Jeanne Rij-Rousseau (1870-1956). Au début du XXe siècle, cette créatrice évolue dans les cercles d’avant-gardes parisiens. Bien que ses œuvres soient régulièrement associées à l’esthétique cubiste, elle développe une technique originale, qu’elle appelle le vibrisme, et qui lui vaut une certaine reconnaissance de son vivant. Aujourd’hui toutefois, son œuvre est tombé dans l’oubli. L’objectif de cette première étude universitaire est de contribuer à la connaissance de cette figure. Ce mémoire vise à faire ressortir la spécificité de sa production artistique. Les nombreuses représentations de l’univers du sport qu’elle réalise dans les années 1920 ont particulièrement contribué à la fortune critique de l’artiste. L’étude s’appuie donc sur un corpus thématique d’œuvres à thème sportif qui incarnent la recherche d’une modernité plastique : Les Courses, Les Rameurs, Géo-Charles au Vélodrome d’Hiver et Les Lutteurs. L’analyse détaillée de celles-ci permet de mettre en valeur les rapports de l’art de Rij-Rousseau avec celui des cubistes et des futuristes, et de mieux situer son apport à l’histoire de l’art moderne.

I argue that Margaret Atwood’s work in MaddAddam is about survival; it is about moving beyond preconceived, thoughtless ideology of any form with creative kinship. Cooperation and engagement cannot be planned in advance, and must take the form of something more than pre-established ideology. I will discuss MaddAddam in light of Donna Haraway’s recent work in which she argues that multispecies acknowledgement and collaboration are essential if humans are to survive and thrive in the coming centuries. By bringing the two texts into dialogue, one sees that Atwood’s novel constitutes the kind of story deemed necessary by Haraway for making kin in the Chthulucene. Various scenes depicting cooperation and interdependence among humans and other animals offer chthonic models of kinship; these relationships, as opposed to ideological and anthropocentric isolation, will serve as the means of surviving and thriving within an ongoing apocalypse. / Includes bibliography. / Thesis (M.A.)--Florida Atlantic University, 2018. / FAU Electronic Theses and Dissertations Collection

This dissertation examines the translation of paintings and drawings by François Boucher (1703–1770) into luxury media. Eighteenth-century collectors expended small fortunes on precious objects that reproduced Boucher’s work: cameos, intaglios, enamel-painted porcelain vessels, gold boxes, biscuit porcelain figurines, wool and silk tapestries, and furniture upholstery. Existing studies of eighteenth-century reproduction have tended to focus on innovations in printmaking that enabled the production of inexpensive and extremely faithful facsimiles of works of art. Luxury reproductions, by contrast, were expensive, scarce, and materially assertive, often calling attention to their mediums, and to the act of mediation itself. Through an investigation of the morphological, material, and temporal stakes of these intermedial translations, I show that luxury copies were not derivative substitutes for absent originals, but rather were generative tools of social, artistic, and political identity construction. A central figure in this story is the royal mistress Madame de Pompadour (1721–1764), who was an avid collector of Boucher’s work (and of reproductions after his work), and who reproduced his cameos and intaglios in a limited-edition set of engravings. Through her engravings and decorative installations, Pompadour demonstrated a keen interest in the material processes of transmission and the agency of media. I examine Pompadour’s work and patronage in relation to her political identity as a mediator between the court and the king. Boucher was the perfect collaborator in Pompadour’s project; the material processes of intermedial translation often became the very subject of his work. Boucher’s and Pompadour’s deep investment in the materiality of mediation demands that we revise our understanding of the Rococo “unity of the arts,” which too often is attributed to a dematerialized mobility.