Esta tesis tiene como objetivo el establecer unos criterios válidos para la restauración de los jardines en estosmomentos. Parte en primer lugar, de una clarificación lingüística entre los conceptos ampliamente usados y confusos de restauración, recreación y reconstrucción. Luego revisa las diferentes teorías de la restauración de los siglos XIX y XX tomando aspectos de algunas de ellas por cuestiones metodológicas. Posteriormente, analiza las reconstrucciones y restauraciones ocurridas en algunos de los jardines de Europa y España particularmente durante el período anteriormente mencionado, centrándose más detalladamente en las actuaciones habidas en este sector del patrimonio tras la publicación de la Carta de Florencia (1981). Igualmente se contemplan las diversas disciplinas que son de utilidad para desarrollar la restauración y recreación de los diversos tipos de jardín. Estas son: arqueología, fotografía, pintura y grabado, iconología y las diversas fuentes literarias y documentales existentes. Tras estos estudios, se realizan unas conclusiones que afirman que la Carta de Florencia (al margen de la importancia que tuvo como llamada de atención sobre el frágil patrimonio de los jardines para algunos países en un momento dado) en la actualidad no puede ser el marco de referencia para desarrollar la actividad restauradora de los jardines pues al consentir el repristino o reconstrucción de los mismos provoca la desaparición de importantes testimonios históricos presentes en ellos, producto de la huella que las diversas generaciones de seres humanos ha ido dejando en estos espacios. / Lacarra López, J. (2003). Criterios para la restauración del jardín en el siglo XXI [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/10960

Dentro del conujunto de la variada, a la vez que polífica, producción de Jiri Georg Dokoupil (Krnov, 1954) pretendemos demostrar que su Serie del Humo es la más importante de las 42 desarrolladas por este artista hasta la actualidad, no sólo por la cantidad de obras realizadasa sino -además- por su evolución y desarrollo constantes a lo largo de los años manteniéndose activa desde 1989 hasta nuestros días. Justificando la veracidad de esta afirmación, con todos nuestros respetos, desacreditaremos las voces de aquellos críticos -o estudiosos en general- que desorientados por la extraordinaria diversidad estilística de Dokoupil, lo acusan de falto de rigor, coherencia y orden. Para ello, reunimos una catalogación completa y actualizada de la citada serie, con un análisis de sus características y variaciones en su desarrollo, con un estudio comparativo de las relaciones con otras series y, en general, de las relaciones entre el trabajo de Dokoupil y otros artistas que se han servido de esta técnica. Necesariamente, antes de acometer esta tarea y a modo de aproximación, realizamos un estudio de la técnica utilizada, el fumage: su naturaleza y características, herramientas para su aplicación y posibilidades plásticas; así como un rastreo de los artistas que lo han utilizado, sin ningún tipo de restricción cronológica o geográfica, desde su descubrimiento en 1937 oir Wolfgang Paalen. A modo de anexo, incluimos la catalogación completa de las obras pictóricas que el autor del presente estudio realizó, con esta técnica, entre 1994 y 1999. / Pérez Esteban, JA. (2013). Cuadros de humo: Una constante esencial en la obra de Jiri Georg Dokoupil [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/19008

Este trabajo se divide en dos partes: en la primera se plantea un análisis de contenidos socio-históricos, antropológicos y artísticos sobre este antiguo gran ritual lúdico, permitiéndonos conocer y comprender el valor de este bien como patrimonio cultural de Mesoamérica y del mundo, ya que se nos presenta como un bien de doble importancia, pudiéndose ser apreciado tangiblemente por sus más de 1500 canchas de juego encontradas, así como sus incontables piezas escultóricas, cerámicas, pinturas, etc. Pero no menos importante es su valor cultural etnográfico como práctica, ya que se remonta a unos 3500 años y todavía se sigue jugando¿ En la segunda parte de esta tesis se plantea una nueva manera de conocer y difundir este ritual mesoamericano, tratando de contribuir a su preservación, así como también de los bienes muebles e inmuebles relacionados con este. Para ello se propone introducir en el currículo de escuelas y universidades prácticas de taller de réplicas a escala a través del modelado manual sobre elementos arquitectónicos y escultóricos relacionados con el Juego de Pelota, exponiendo estas obras para que exista un mayor conocimiento, apreciación y valoración de este bien cultural en otros lugares y continentes. / Berumen Rodríguez, CE. (2013). La utilización de réplicas a escala de elementos escultóricos y arquitectónicos sobre el juego de pelota prehispánico como método de conservación y difusión de este patrimonio [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/31374

Analiza el estilo y la técnica de los retratos pintados por Sérvulo Gutiérrez. Para ello selecciona quince retratos teniendo en cuenta el transcurrir de su producción artística que va desde el retrato académicamente bien hecho hasta la descomposición total de la figura. Demuestra el paso de la coherencia en la estructura de la composición a la desintegración. Explica el cambio del color local al uso del color simbólico. Examina la luz como elemento de volumen a su independización. Analiza el manejo de fondo y figura hacia su unificación. Analiza el proceso de la identificación del personaje con el subjetivismo. Determina los cambios desde la claridad en el diseño al caos. Identifica la evolución de la pincelada meditada a la espontaneidad absoluta. Analiza el cambio de la posición áurea de la figura a su desplazamiento. Demuestra el cambio del uso del ritmo regulado a la libertad rítmica. Examina el proceso de la técnica depurada a la libre aplicación del material. Examina la creación de un lenguaje plástico original. / Tesis

El arte rupestre prehistórico en general, y la pintura rupestre postpaleolítica en particular, constituye uno de los elementos más destacados de la Prehistoria española, erigiéndose a la vez en uno de los campos de la investigación que mayor controversia provoca dado el desconocimiento que padecemos en cuestiones tan fundamentales como son las de su cronología o su significado. Cuando se ha superado un siglo de investigación sobre la pintura rupestre postpaleolítica en España, y la producción científica supera los dos mil registros, creemos que es el momento de abordar, desde parámetros bibliométricos, el análisis de esta producción con la finalidad de evaluar el rendimiento de la actividad científica. Esta Tesis Doctoral recoge los resultados obtenidos de la aplicación de diversos indicadores bibliométricos a esa producción científica, en los ámbitos tanto de la producción misma como de su autoría.

Este trabalho resultou do processo de reflexão sobre o fazer artístico, vinculado à prática da criação na moda, bem como sobre um modo diferente de utilizar os diversos revestimentos do corpo humano.

Este trabalho resultou do processo de reflexão sobre o fazer artístico, vinculado à prática da criação na moda, bem como sobre um modo diferente de utilizar os diversos revestimentos do corpo humano.

Este trabalho resultou do processo de reflexão sobre o fazer artístico, vinculado à prática da criação na moda, bem como sobre um modo diferente de utilizar os diversos revestimentos do corpo humano.

Establece los elementos formales y simbólicos del lienzo El bautismo de Cristo, además de ser excepcionales, se sustentan en convenciones visuales apocalípticas que buscan un ágil reconocimiento didáctico y moral que a modo de catarsis ofrece respuestas espirituales y simbólicas al contexto de crisis súbita que Lima experimenta a partir del cataclismo de 1746. De acuerdo a las pocas fuentes disponibles sobre la vida de Manuel Paz, en agudo contraste con la calidad de la obra y el propio testimonio que deja el pintor en la firma de su lienzo, la envergadura del encargo El bautismo de Cristo respondería al prestigio que este pintor poseía a sus dieciocho años de edad, en el entorno pictórico limeño de primera mitad de siglo XVIII, por cierto, un periodo de producción artística poco estudiado por los estudios de historia del arte peruano. La descontextualización espacial del lienzo El bautismo de Cristo desarticula su lazo simbólico, estético y funcional con la arquitectura original del templo de San Lázaro. Pese a este factor, su actual exhibición en el templo es un claro indicador de su dependencia con este edificio monumental, lo que sugiere un vínculo orgánico con una parte específica del templo, probablemente su baptisterio. Los parámetros estéticos de la pintura limeña en el tránsito de la primera a la segunda mitad de siglo XVIII experimentan un cambio drástico a razón del impacto definitivo que deja el cataclismo de 1746 y del creciente absolutismo que experimenta la administración virreinal. El óleo de Paz demuestra caracteres de estilo que le posicionan como una obra intermedia entre ambos periodos, caracterizados el primero por un gusto ecléctico en el que confluyen vertientes estilísticas sevillanas, cusqueñas y flamencas, y el segundo por su orientación al clasicismo, vale decir, a un ideal canónico de belleza que busca el ilusionismo óptico, la mímesis y la cita ornamental de la antigüedad clásica. Según las afirmaciones sobre la participación de Paz en la serie de lienzos hagiográficos de San Pedro Nolasco en el convento de La Merced de Lima, la tendencia estilística general del conjunto sugiere que el autor atraviesa por un drástico cambio estilístico orientado hacia el gusto clasicista que caracteriza a la pintura epilogal del Virreinato. / Tesis

[ES] La fotografía se encuentra en un estado de masificación incontrolada. Todo el mundo es fotógrafo. En el terreno de las artes plásticas contemporáneas, todo creador (ya sea pintor, escultor, grabador...) es paralelamente fotógrafo. Históricamente, encontramos precedentes de estas relaciones entre las diferentes disciplinas de las artes plásticas hasta crear un todo inseparable; en la praxis del pintor, su relación con la fotografía se presenta de una manera directa y hermanada. En el caso de Cy Twombly, tanto su estética como su producción multidisciplinar, muestran un camino en que la fotografía se adopta como posible vía de exploración o nervio de producción. Todo ello nos lleva a necesitar, como observadores, un móvil; el espectador precisa saber por qué el modus operandi de un artesano de la materia pintura, intercede e interactúa con tal máquina, es decir, qué utiliza, qué extrae, cuál es el drenaje obtenido de tal acción. El objetivo de esta investigación es ahondar en el trabajo fotográfico de Cy Twombly, el cual ha permanecido en un plano de marginación respecto al resto de sus prácticas artísticas. El análisis y la documentación de estas imágenes, comprende desde sus primeras tomas de 1952 hasta los últimos disparos con máquina Polaroid los últimos días de su vida durante 2011. El estudio de estas imágenes se ha llevado a cabo, paralelamente, a las intenciones, códigos y formas de hacer del artista y, a su vez, puesta en relación con el resto de medios que este utilizó a lo largo de su carrera productora. Este conjunto de factores pretende dilucidar las razones de la existencia de estas fotografías y profundizar en su descripción visual y material de las obras. El proceso de esta tesis doctoral basa su grueso en la investigación de campo y en el trabajo con personas cercanas al entorno de Twombly, así como en contacto directo con las obras originales y objetos pertenecientes al artista. El trabajo durante dos años en la Cy Twombly Foundation ha servido para fundamentar lo expuesto en estas páginas, así como las conversaciones con las primeras fuentes, como las entrevistas transcritas con el Sr. Nicola Del Roscio (amigo, editor y compañero de viajes del artista), han servido para afianzar estas palabras y dotarlas de un peso significativo. / [CA] La fotografia es troba en un estat de massificació incontrolada. Tothom és fotògraf. En el terreny de les arts plàstiques contemporànies, tot creador (ja siga pintor, escultor, gravador...) és paral·lelament fotògraf. Històricament, trobem precedents d'aquestes relacions entre les diferents disciplines de les arts plàstiques fins a crear un tot inseparable; en la praxi del pintor, la seua relació amb la fotografia es presenta d'una manera directa i germanada. En el cas de Cy Twombly, tant la seua estètica com la seua producció multidisciplinària, mostren un camí en què la fotografia s'adopta com a possible via d'exploració o nervi de producció. Tot això ens porta a necessitar, com a observadors, un mòbil; l'espectador requereix saber per què el modus operandi d'un artesà de la matèria pintura, intercedeix i interactua amb tal màquina, és a dir, què utilitza, què extrau, quin és el drenatge obtingut de tal acció. L'objectiu d'aquesta investigació és aprofundir en el treball fotogràfic de Cy Twombly, el qual ha romàs en un pla de marginació respecte a la resta de les seues pràctiques artístiques. L'anàlisi i la documentació d'aquestes imatges, comprèn des de les seues primeres fotografies de 1952 fins als últims trets amb màquina Polaroid els últims dies de la seua vida durant 2011. L'estudi d'aquestes imatges s'ha dut a terme, paral·lelament, a les intencions, codis i maneres de fer de l'artista i, al seu torn, posada en relació amb la resta de mitjans que aquest va utilitzar al llarg de la seua carrera productora. Aquest conjunt de factors pretén dilucidar les raons de l'existència d'aquestes fotografies i aprofundir en la seua descripció visual i material de les obres. El procés d'aquesta tesi doctoral basa el seu gruix en la investigació de camp i en el treball amb persones pròximes a l'entorn de Twombly, així com en contacte directe amb les obres originals i objectes pertanyents a l'artista. El treball durant dos anys en la Cy Twombly Foundation ha servit per a fonamentar l'exposat en aquestes pàgines, així com les converses amb les primeres fonts, com les entrevistes transcrites amb el Sr. Nicola Del Roscio (amic, editor i company de viatges de l'artista), han servit per a afermar aquestes paraules i dotar-les d'un pes significatiu. / [EN] Photography is in a state of uncontrolled massification; everyone is a photographer. In the field of plastic arts, nowadays every creator (be it a painter, sculptor, engraver...) is, at the same time, a photographer. Historically, we find precedents of these relationships between the different disciplines of the plastic arts to create an inseparable whole and, in the praxis of the painter, this relationship with photography is presented in a direct and twinned way. In the case of Cy Twombly, both its aesthetics and its multidisciplinary production show a path in which photography is adopted as a possible route of exploration or production nerve. This leads us to need, as observers, a motive; the viewer needs to know why the modus operandi of an artisan of the pictorial matter intercedes and interacts with the photographic machine; what he uses, what he extracts, what is the drainage obtained from such action. The objective of this research is to delve into Cy Twombly's photographic work, which has remained in a state of marginalization compared to the rest of his artistic practices. The analysis and documentation of these images, including from his first shots of 1952, until the last ones with Polaroid machine the last days of his life during 2011. The study of these images has been carried out, in parallel, to the intentions, codes and ways of doing of the artist and, in turn, put in relation to the rest of the media that he used throughout his productive career. This set of factors aims to clarify the reasons for the existence of these photographs and deepen their visual and material description of the works. The process of this doctoral thesis bases its bulk on field research and work with people close to the Twombly environment, as well as in direct contact with places, original works and objects belonging to the artist. The two-year work at the Cy Twombly Foundation has served to base the exposed in these pages, as well as the conversations with the first sources, like the interviews transcribed with Mr. Nicola Del Roscio (friend, editor and travel companion of the artist ), have served to strengthen these words and give them a significant weight. / Peris Muñoz, CM. (2019). "STATE OF MIND" Un acercamiento al cosmos fotográfico de Cy Twombly [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/135274