A presente dissertação tem como objecto de estudo a representação na pintura a óleo de três rainhas do Antigo Regime, D. Maria Ana de Áustria (1683- 1754), D. Mariana Vitória de Bourbon (1718-1781) e D. Maria I (1734-1816). Embora nas figuras observadas se verifique uma evolução no que respeita a adornos, jóias e trajes, existe repetição no esquema de representação, mais precisamente no que respeita à pose, à posição da figura e aos signos régios que a acompanham. As nossas fontes primárias são obras de autores de artistas de várias nacionalidades, incluindo a portuguesa. Foram estudadas utilizando varias fontes secundárias, incluindo pinturas dos mesmos e de outros autores, o que nos permitiu obter informação mais detalhada sobre as primeiras.

Este trabalho incide sobre a Iconografia de Esposas Místicas na pintura Portuguesa através da análise de casos específicos. Foram estudadas cinco Santas e Esposas de Cristo nas pinturas de Josefa de Óbidos, Bento Coelho e um pintor desconhecido: Santa Úrsula, Santa Catarina de Alexandria, Santa Catarina de Siena, Santa Teresa de Avila e Santa Rosa de Lima. Depois de esclarecido o complexo tema do Casamento Místico, e tendo em conta as fontes primárias hagiográficas, este trabalho revela aspectos particulares da iconografia de todas as pinturas em análise, eliminando erros efectuados em análises pictóricas anteriores. Utilizando também o método que chamamos de «Hagiografia comparada», realçamos as semelhanças hagiográficas existentes entre Santos e Santas, que em certos casos extravasaram para a pintura, criando uma modelo pictórico, repetido ao longo dos tempos e de pintores. Esperamos assim contribuir para a melhor compreensão e difusão do tema do Casamento Místico.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão / Made available in DSpace on 2012-10-16T07:52:56Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-08T18:35:04Z : No. of bitstreams: 1 178398.pdf: 13271181 bytes, checksum: 516580cf043e9e8d2c2824ca1697145a (MD5) / Partindo do que considero "poetografia", entendida, concomitantemente, como uma teoria e um "regime de composição" que busca formular as instâncias de reconstituição de uma experiência estética singular, tendo como referência a obra artística, no intuito de articular os meios a partir dos quais o sujeito produziu, nela, sua própria auto-invenção, esta dissertação detém-se sobre certos quadros e sobre os poemas de Ismael Nery (1900-1934). A pesquisa divide-se em três ensaios. No primeiro, Ismael buscou, servindo-se dos auto-retratos e de alguns poemas, encontrar sua identidade no jogo multifacetado do disfarce. No segundo, Ismael quis saber as possibilidades do corpo, poética e plasticamente dilacerado, lançado ora num coletivo dado, ora disperso na natureza, tendo em vista alcançar a dimensões genérica da vida. No terceiro, pintor e poeta esforçam-se, neste processo de auto-invenção, para atingir a desintegração da forma humana e sua inserção na forma divina, mais radicalmente, sua integração num processo de transformação cósmica a partir do qual Deus se insinuou como energia

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-graduação em Filosofia / Made available in DSpace on 2012-10-24T05:11:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 249829.pdf: 5508341 bytes, checksum: 8c28c2d535bfd32644736769b966661e (MD5) / Este estudo não visa investigar cronologicamente o percurso de Merleau-Ponty acerca da pintura. Queremos investigar três temas que esboçam a filosofia de Merleau-Ponty e a pintura: o artista, a história da arte e a "experiência" com a arte. Ainda assim, esses temas foram "garimpados" dos principais textos "estéticos" merleaupontyanos: A dúvida de Cézanne, O olho e o espírito e A linguagem indireta e as vozes do silêncio. Por meio desses temas, nosso objetivo é mostrar que, num primeiro momento, a arte serviu a Merleau-Ponty para confirmar a tese fenomenológica da natureza primordial, ou seja, ele viu Cézanne realizar na pintura aquilo que ele queria fazer na filosofia. Mas, aos poucos, por reconhecer na pintura uma verdadeira linguagem, a saber, tácita, silenciosa, a natureza primordial passou a ser compreendida como uma linguagem e a pintura, por conseqüência, como uma verdadeira filosofia. Em linhas gerais, esta é a tese dos três textos dos quais nos ocupamos para elaborar esta dissertação e que versam sobre pintura. Mas a reapresentamos por meio das três questões nesses mesmos textos.

Estudia el campo pictórico de Lima, el cual es un sistema en donde se producen, circulan y consumen obras de arte. En este campo participan una serie de agentes que poseen distintos tipos de capital cultural, social y económico, cumplen distintos roles y ocupan posiciones jerárquicas y de dominación pictórica. Uno de esos agentes es el pintor, sujeto de estudio de esta investigación. El objetivo general de esta tesis es comprender y explicar mediante qué procesos socioartísticos los pintores se legitiman en el campo pictórico de Lima. Para ello, se realiza una descripción de dicho campo, se identifica a sus agentes y el rol que cumplen y se explica cómo va tomando forma el proceso de legitimación, a través de diferentes etapas. / Tesis

OLIVEIRA JÚNIOR, José Leite. O pictórico na poesia cabo-verdiana: dos Claridosos a Kiki Lima. 2009. 163f. - Tese (Doutorado) - Universidade Federal da Paraíba, Pós-graduação em Letras, João Pessoa, 2009. / Submitted by Cicera Costa (cicera.r.costa8@gmail.com) on 2016-09-16T14:16:10Z No. of bitstreams: 1 2009_tese_jleitejr.pdf: 2034256 bytes, checksum: d8bccf3acfb6dec55d0e7bb536b9f98d (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-09-19T22:27:26Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_tese_jleitejr.pdf: 2034256 bytes, checksum: d8bccf3acfb6dec55d0e7bb536b9f98d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-19T22:27:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_tese_jleitejr.pdf: 2034256 bytes, checksum: d8bccf3acfb6dec55d0e7bb536b9f98d (MD5) Previous issue date: 2009 / The relationship between literature and painting has been urging philosophers from Greek and Latin ancient cultures. Currently new branches in Semiotiks are being developed for this purpose. This research is based on semiotic theory of Jean-Marie Floch or, more precisely, on the adaptation of this theory to the Brazilian culture made by Antonio Vicente Pietroforte. Fora research subject was chosen painting and poetry of Cape Verde, aiming to clarify the following question: The paintings by Kiki Lima relates to the historical journal Claridade?Claridade were in all only nine editions (1936 to 1960). However, around the magazinewriters called "Claridosos" discussed the cultural typology of Cape Verde and has influenced the decision for independence of that country. Despite the dictatorship, the claridosospublished trials of high-level ficcional texts and poems, whose content has become a full of meaning heritage for the people of Cape Verde. Through the cultural mirror of Brazil, theclaridosos built a thesis on the creolization in Cape Verde. According to Manuel Ferreira, themain editions of the journal Clarity was drought and famine, migration and insularity. Theresistance to the tendency to emigrate as a solution to personal and national problems wererecurring in the work of claridosos. Kiki Lima (1953), the most important painter of CapeVerde, establishes a connection between his painting and the literature journal Claridade. In the mature phase of his work, radically changed his strategy to show the Cape Verdean people. Instead of showing a miserable scene of his country, he decided to present positive images of the every day life in Cape Verde. That decision has influenced you the technique ofpainting. In the mature phase, two main colors show up on the screen: the blue-cyan andorange. These colors, complementary colors in the palette, are absolutely contraries one to theother. In a semiotic approach, the roles of cyan and orange represents the manifestation of amore abstract dichotomy. In a individual level, the dichotomy of the generative sense of meaning is the life and death; in the society relationship, the dichotomic words are nature and culture. Orange refers to the body (individual) and the land (society); cyan refers to theclothing (individual) and the sea (society). Kiki Lima favors the role of the orange while hedevalues the cyan. Denying the cyan, he denies the sea and the clothing or, by analogy,respectively he denies the migration and foreign culture. Valuing the orange paint, heidentifies with the body and the land. And here is the solution to the tendency to migrate. Thisstrategy responds positively to the semiotics proposed by the poetic of the group claridosos.In conclusion, Kiki Lima intuitively transfer from the pages of poetry of the generation of Claridade to the screen of contemporary art's most important cultural problem of Cape Verde, namely, the tendency to emigrate. However, he proposes to solve it not by negative images of the Cape Verdean population, but by a happy contrast between the cyan and orange. In this battle of colors, the orange wins. The positive sanction of the warm color symbolizes the victory of the Creole culture. / A relação entre literatura e pintura vem instigando filósofos desde a antiguidade greco-latina. Atualmente desenvolvem-se novos ramos na Semiotiko com esse propósito. Esta pesquisa se baseia sobre a teoria semiótica de Jean-Marie Floch ou, mais precisamente, sobre a adaptação da teoria deste à cultura brasileira feita por Antonio Vicente Pietroforte. Para objeto de pesquisa escolheu-se a pintura e a poesia de Cabo Verde, objetivando-se esclarecer a seguinte questão: A obra pictórica de Kiki Lima relaciona-se com a histórica revista Claridade? A revista Claridade somou apenas nove números (1936 até 1960). No entanto, em torno da revista os escritores chamados "Claridosos" discutiram a tipologia cultural de Cabo Verde e influíram na decisão pela independência desse país. Apesar do regime ditatorial, os claridosos publicaram ensaios de alto nível, textos ficcionais e poemas, cujo conteúdo se tornou uma herança plena de significados para o povo de Cabo Verde. Através do espelho cultural do Brasil, os claridosos construíram uma tese sobre a criolização cabo-verdiana. Segundo Manuel Ferreira, os principais temas da revista Claridade eram a seca e a fome, a migração e a insularidade. A resistência à tendência de emigrar como solução para os problemas pessoais e nacionais eram recorrentes nos trabalhos dos claridosos. Kiki Lima (1953), o mais importante pintor de Cabo Verde, dialoga em sua pintura com a literatura da revista Claridade. Com a maturidade de seu trabalho artístico, mudou radicalmente sua estratégia de apresentar o povo cabo-verdiano. No lugar de mostrar um cenário miserável de seu país, ele decidiu apresentar imagens positivas da vida cotidiana do cabo-verdiano. Essa decisão de positivar a imagem de Cabo Verde influiu-lhe a técnica de pintar. Em sua fase madura, duas cores principais mostram-se sobre a tela: o azul-ciã e o laranja. Essas cores, complementares na paleta, são absolutamente contrárias entre si. Semioticamente visto, o papel do ciã e do laranja representa a exteriorização de um dicotomia mais profunda. Em se tratando do indivíduo, a dicotomia do sentido gerativo do sentido é a vida e a morte; se se tratada da relação social, o par dicotômico é a natureza e a cultura. Laranja é o corpo (indivíduo) e a terra (sociedade); ciã é a roupa (indivíduo) e o mar (sociedade). Kiki Lima favorece o papel da cor laranja e desfavorece o ciã. Negando o ciã, ele nega o mar e a roupa ou, por analogia, respectivamente ele nega a migração e a cultura estrangeira. Valorizando a tinta de cor laranja, ele se identifica com o corpo e a terra. E eis a solução para a tendência de migrar. Essa estratégia semiótica reponde positivamente à poética proposta pelos claridosos. Em conclusão, Kiki Lima intuitivamente transfere das páginas da poesia claridosa para a tela da pintura contemporânea o mais importante problema cultural de Cabo Verde, ou seja, a tendência para a emigração. Contudo, ele se propõe solucioná-lo não por imagens negativas da população cabo-verdiana, mas por um alegre contraste entre o ciã e o laranja. Nessa batalha de cores, vence o laranja. A sanção positiva dessa cor quente simboliza a vitória da cultura criola.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Campus Joinville, Programa de Pós-Graduação em Engenharia e Ciências Mecânicas, Joinville, 2017. / Made available in DSpace on 2017-06-27T04:21:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 346020.pdf: 1675068 bytes, checksum: 31c7bcc495240051703cf54edd306b71 (MD5) Previous issue date: 2017 / O aumento da utilização dos polímeros na indústria para diferentes aplicações trouxe a necessidade de novos desenvolvimentos, principalmente no que diz respeito a superfícies poliméricas revestidas com filme de pintura. Alguns dos polímeros largamente utilizados, como as poliolefinas, apresentam pobres propriedades superficiais, o que faz necessário a aplicação de um pré-tratamento nesses materiais antes da aplicação do revestimento de pintura. Existe disponível uma variedade de pré-tratamentos com o intuito de melhorar as propriedades de superfície dos polímeros, entre eles, o mais comumente aplicado na indústria é a flambagem pela sua característica de atingir os níveis desejados de energia de superfície com pequeno tempo de tratamento. Este trabalho teve como objetivo avaliar o efeito da flambagem no aumento da aderência de revestimentos de pintura em substratos de polipropileno. Para isso, foram preparadas amostras com e sem o tratamento de flambagem e, posteriormente, as amostras foram caracterizadas para avaliar os resultados obtidos. Os resultados comprovam a eficácia do tratamento de flambagem no aumento da energia de superfície e assim na aderência dos revestimentos aplicados aos substratos de polipropileno (PP). Análises químicas mostraram a formação de novos grupos funcionais hidroxila e carbonila na superfície do PP e análises físicas validaram os ganhos em termos de melhoria de aderência dos revestimentos ao substrato de PP após o tratamento de flambagem.<br> / Abstract : The increase of polymers use on the industry for many different applications bring the need of new developments, especially in the subjects related with polymeric substrates coated with a painting film. Some of the polymers largely used, as polyolefins, have poor superficial properties making necessary a pretreatment before coating the paint film. There is a number of pretreatments related to the polymer?s superficial properties improvement, the most known at the industry is the flame process because it is possible to achieve the necessary level of surface energy in a short processing time. This work has as a target to study the effect of flame process in the adhesion increase for painting films applied on polypropylene substrates, for that samples will be made with and without flame process and after that they will be characterized to check the results. The results obtained prove the efficiency of flame treatment on the surface energy increase also on the paint film adhesion when applied in polypropylene (PP) substrates. The chemical analyses have proved the new functional groups formation such as hydroxyl and carbonyl at the PP surface and physical analyses have validated the improvements on adhesion between the PP substrates and the paint film after flame treatment.

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_9153_Jorge da Silva Magalhaes.pdf: 6362092 bytes, checksum: e1a87ddc11840d20dc421a1c1502bbfc (MD5) Previous issue date: 2015-08-14 / EEsta dissertação propõe-se analisar a produção artística de temática religiosa de Alfredo Volpi, considerando contextos periféricos relevantes, como a situação sócio-política da época e o contato direto que o artista teve com os afrescos de mestres pré-renascentistas em sua única viagem à Europa. Santos e madonas foram temas visitados e revisitados por Volpi durante quatro décadas consecutivas, fato este que por si só deixa transparecer inequivocamente o interesse do artista pelo assunto. Considera-se este um dos fatores de maior pertinência a justificar esta pesquisa, dentro de critérios acadêmicos, uma vez que é notório que Volpi não se permitia dedicar-se a investigações estéticas sem consideráveis pretensões. Sendo assim, pode-se deduzir que para o artista havia muito mais coisas em jogo do que simplesmente uma despretensiosa produção de figuras religiosas. Tais personagens surgem em seu repertório no primeiro lustro da década de 1930, a iniciar suas aparições inicialmente como traduções das imagens tradicionais - várias vezes estritamente como cópias encomendadas - continuando a ser produzidas até o final do decênio de 1960. No decorrer dessa trajetória, essas figuras passam a revestir-se de originalidade, chegando à sua última fase engastadas a fachadas, bandeirolas e mastros até desaparecerem totalmente de cena. Este estudo, longe de se apresentar como palavra final e, muito menos, como verdade absoluta, visa buscar fomentar um ambiente propício a novas discussões e chamar a atenção para essa produção artística que, definitivamente, ainda encontra-se bem distante de uma análise à altura de sua importância histórica e cultural. Palavras-chave: Arte. Modernismo. Pintura. Madonas. Volpi.

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_6475_PDF Flavio-Shiró, sua Pintura e sua Plurisensorialidade. Claudia Stringari Piassi 20130829-161050.pdf: 9817407 bytes, checksum: 44b6325b43f8834915bf527f20f1387d (MD5) Previous issue date: 2013-05-17 / A influência familiar de Flavio-Shiró pela arte oriental é um dos requisitos, entre tantos outros, para entender a gênese de suas formas, linhas, cores e gestos diante da pintura. A dissertação Flavio-Shiró, sua Pintura e sua Plurisensorialidade, tem como objetivo estudar algumas obras criadas pelo artista nas décadas de 1950, 1960 e 1970 e que se destacaram pelo uso diversificado de materiais. A materialidade e a maneira de pintar fazem referências aos gestos caligráficos orientais gestos estes que norteiam todo o seu percurso artístico. A materialidade foi aqui analisada como uma maneira de destacar as relações do material com a técnica utilizada pelo artista tanto na fabricação quanto na manipulação de sua obra de arte. A fotografia de Flavio-Shiró foi outra técnica estudada, na presente pesquisa, porém dentro de uma análise comparativa com algumas de suas pinturas. É uma técnica utilizada pelo artista que requer maior detalhe na pesquisa. Por isso, há uma intenção de continuar com os estudos fotográficos, pois as fotografias de Flavio-Shiró levantam discussões sobre uma época da fotografia abstrata e seus experimentos. Quanto à performance nas obras de Flavio-Shiró aparecem novas discussões sobre a pintura do artista. Buscam-se pontos de convergências com artistas que trabalharam de maneira performática como: Jackson Pollock e Antoni Tàpies, estabelecendo paralelos com a performance na pintura oriental. As linhas são formadas a partir de gestos em uma posição não tão habitual para um artista, ou seja, agachando-se sobre a obra, revelando destreza na formação de linhas firmes e ágeis, mesmo que não haja a formação dos ideogramas, reminiscências de um passado que se faz presente em sua vida. Devido a isso, na produção pictórica, o artista (de maneira performática na horizontal ou na vertical, dependendo da intencionalidade e da matéria que utiliza) transforma a pincelada, em um gesto vigoroso e expressivo. Percebe-se que há uma energia física e corporal que formam, a cada pincelada, desenhos e ideogramas que expressam a essência da escrita. Por isso, esta pesquisa, procura estabelecer um possível diálogo entre a arte milenar da caligrafia japonesa e a expressividade de caráter performático na pintura de Flavio-Shiró. A ânsia por liberdade na pintura de Shiró vem desde a sua infância, quando ele ainda recebia incentivo do pai, e até hoje o torna um pintor com características tão ímpares de produção artística. E a sua preocupação com relação à vida e ao cotidiano, pelo fato de ser um artista que nunca se preocupou em se especializar em um movimento ou técnica de pintura é o que o alimenta durante seu percurso performático.

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Resumo: Esta pesquisa tem como tema a Figura Humana Fragmentada e trata da representação de corpos em fragmentos na Pintura, utilizando como referência a teoria de Omar Calabrese sobre o Fragmento. O recorte temporal partiu do Neoclassicismo (século XVIII) para chegar ao século XX: período de maior transformação formal na representação da figura humana, marcada por obras cuja temática são fragmentos de corpos. Os objetivos da pesqusa são: estudar o tema da figura humana fragmentada nas obras de pintura dentro do recorte temporal proposto; identificar, comparar e discutir os aspectos estéticos e iconográficos dessas composições pictóricas e analisar as obras escolhidas como objetos de estudo: "Tiradentes Esquartejedo" (1893) de Pedro Américo (1843-1905) e "Reflexos de Sonhos no Sonho de Outro Espelho (Estudo sobre o Tiradentes de Pedro Américo)" (1998) de Adriana Varejão (1964). Os procedimentos metodológicos são: análise iconográfica e comparativa, dentro do referencial sócio-histórico. Os resultados apontaram que o tema da Figura Humana permanece sendo representado por meio da dualidade: figura inteira versus figura-fragmentada, pois representar o corpo em partes tem o mesmo significado e importancia quanto inteiro. Tiradentes esquartejado em Pedro Américo se realaciona com os elementos estéticos que definem uma composição como obra-pormenor e em Adriana Varejão como obra-fragmento. / Abstract: This research has how the Fragment Human Figure theme and treats of representation on the body on fragments in the picture, utilizing as reference the Omar Calabrese's about the Fragment theory. The temporal cut parted of Neoclassicism (18th century) for to come in the 20th century: period of larger formal transformation in the human figure representation, marked by works whose thematic are body's fragments. Yhe objectives of research are: to study the theme of gragmented figure human in the works of picture whitin of temporal cut propossed; to identify, to compare and todiccuss the iconographies an esthetics aspects from that's pictures composition and to analyze the works choices "Quarted Tiradentes" (1893) of Pedro Américo (1843-1905) and "Reflections of Dreams on a Dream of Another Mirror (Study after Pedro Américo's Tiradentes)" (1998) of Adriana Varejão (1964). The methodology's proceedings are: comparative and iconographic analyses, wthin of historic-associate reference. The results have pointed for the theme of human figure stays being represents by means of duality: intact figure versus fragmented figure, for to represent the body in parts has the same significanceand importanc as intact. "Quarted Tiradentes" in Pedro Américo to relate to aesthetics elements that define one composition how detail work and in Adriana Varejão with fragment-work's. / Mestre