Made available in DSpace on 2014-08-27T14:36:48Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-05-23Bitstream added on 2014-08-27T15:57:11Z : No. of bitstreams: 1 000778141.pdf: 7237434 bytes, checksum: e15d69f5374289c055c3f4368a55fc66 (MD5) / Este estudo discute os aspectos que configuram a recorrência como a própria essência do fazer artístico, especificamente na pintura. Os argumentos são construídos estabelecendo-se um diálogo entre a recorrência na filosofia da ciência e no campo da história da arte. Quando analisada segundo a especificidade do fazer pictórico, este estudo propõe a designação de recorrência histórica plástica. Neste cenário, a reflexão avança e busca apresentar, definir e distinguir universais (figura recorrente, imagem recorrente, tema recorrente e elemento recorrente) e, assim, contribuir para um corpus de conhecimentos sobre a forma artística — no interesse plástico — que possa ajudar a elucidar e organizar uma sintaxe visual da recorrência. O objeto deste estudo — produto de uma pesquisa bibliográfico-conceitual — fundamenta-se na visualidade de um recorte da obra de Leda Catunda. Por isso as discussões são pautadas pelo suporte visual de pinturas consagradas, desde as de Leonardo da Vinci até as de Leda Catunda, tidas como pontos focais para o desenvolvimento da pesquisa. Outras obras pictóricas da artista são importantes para fundamentar a elaboração desta sintaxe visual / Esta investigación analiza los aspectos que conforman la recurrencia con la esencia misma de la práctica artística, específicamente en la pintura. Los argumentos se construyen mediante el establecimiento de un diálogo entre la recurrencia en la filosofía de la ciencia y el campo de la historia del arte. Cuando se analizó la especificidad del hacer pictórico, este estudio se propone el nombramiento de recurrencia histórica plástica. Em este escenario, la reflexión se mueve hacia adelante y trata de presentar, definir y distinguir los universales como figura recurrente, imagen recurrente, tema recurrente y elemento recurrente que contribuye a um cuerpo de conocimiento acerca de la forma de arte – en su plástico interés – que pueden ayudar a clarificar y organizar una sintaxis visual de recurrencia. Aunque esta investigación es de naturaleza teórica, su objeto basada en la visualidad de pinturas de Leda Catunda de un recorte. Debido a esto, las discusiones se guían por el apoyo visual de pinturas consagradas de Leonardo da Vinci a las pinturas de Leda Catunda, tomada como puntos focales para el desarrollo de este estúdio. Otras obras pictóricas del artista son importantes para apoyar el desarrollo de esta sintaxis visual

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-06-29Bitstream added on 2014-06-13T20:27:36Z : No. of bitstreams: 1 andriani_bc_me_ia.pdf: 2743782 bytes, checksum: fd4bf7871fa96a94c6fc4d66b9ab6746 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / A Arte de Rua se tornou uma forte manifestação cultural ao longo dos últimos trinta anos, elaborando uma linguagem própria e se estabelecendo no mercado artístico. Contudo, o reconhecimento deste tipo de prática enquanto arte ainda é paradoxal, pois tange diversos pontos problemáticos nas relações sociais. A intervenção chega aos olhos do espectador sem pedir permissão, insere-se no contexto urbano quase que naturalmente, e em alguns casos chega a se camuflar como se já fosse parte da arquitetura. Seja qual for a sua base estética, a intervenção urbana alcança um vasto espectro de espectadores, mesmo que eles não queiram. O que se pretende nesta dissertação não é catalogar de forma cartesiana os diversos estilos encontrados nas ruas, mas sim refletir acerca desta prática, sobre seu funcionamento, seus desdobramentos, em uma leitura mais densa e tanto quanto possível objetiva / Street Art became a strong cultural manifestation during the last thirty years, creating a personal language and establishing itself into the art market. However, recognizing this practice as an art form is still a paradox. The intervention comes to the viewer's eyes without permission, inserts itself almost naturally into the urban context, and in some cases camouflages as it was already part of the architecture. Whatever the aesthetic bases are, the urban intervention reaches a huge specter of viewers, even if they don't want to. What is intended in this work is not to catalogue the different styles found in the streets in a Cartesian way, but supply a denser and as possible objective reading about this practice and also reflect about hot it works and unfolds

A construção do campo pictórico: acúmulos e sobreposições baseia-se na pesquisa sobre uma prática plástica, na construção de um campo pictórico. Assim, é apresentada, nesta dissertação, uma série de pinturas, produzidas entre 2002 e 2004, que tiveram como conceitos norteadores as noções de acúmulos e sobreposições exploradas na elaboração de pinturas. A narrativa é construída em paralelo ao processo de pintar. Seguindo, preferencialmente, a mesma seqüência de construção, procura-se apresentar os elementos que dão condição à instauração desses trabalhos. A partir da análise dessa experiência, se propõe o levantamento de questões recorrentes nessa prática, desde a seleção de referenciais, passando pelas ações operatórias, bem como elementos de naturezas variadas que envolvem uma prática plástica particular e que encontram reverberações na produção. Assim, são abordados assuntos como: o uso do recurso fotográfico na pintura, a exploração da matéria pictórica, a importância da ação do tempo nesse processo, os registros de trabalho e os reflexos e os diálogos firmados com a obra de outros pintores. Essa pesquisa estrutura-se como uma documentação de um processo de trabalho. Nesse sentido, aqui são apresentadas as hesitações, os questionamentos, as hipóteses e as experimentações relativas ao pintar. / The construction of the pictorial field: accumulations and overlaps is based on research about the plastic practice, in the construction of a pictorial field. Hence, it is presented in this dissertation a series of paintings, produced between 2002 and 2004, which had as guiding concepts the notions of accumulations and overlaps explored in the elaboration of paintings. The narrative is built in parallel to the process of painting. Proceeding, preferentially, the same construction sequence, trying to present the elements that allow the instauration of these works. Starting from the analysis of this experience, one intends the rising of appealing subjects in such practice, from reference selection, considering the operative actions, as well as elements varied in nature that involve a particular plastic practice and that find reverberations in the production. Hence, the approached subjects are: the use of the photographic resources in painting, the exploration of the pictorial matter, the importance of time effect in this process, the work recordings and the reflexes and dialogues with the other painters' work. This research is structured as a documentation of a work process. In that sense, here, the hesitations, the questionings, the hypotheses and the experimentations related to painting are presented.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2011. / Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-09-28T18:24:44Z No. of bitstreams: 1 2011_DeniseDiasCosta.pdf: 4967770 bytes, checksum: 82d571ef83cb5472f9bb85116546b80e (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-10-03T12:46:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_DeniseDiasCosta.pdf: 4967770 bytes, checksum: 82d571ef83cb5472f9bb85116546b80e (MD5) / Made available in DSpace on 2011-10-03T12:46:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_DeniseDiasCosta.pdf: 4967770 bytes, checksum: 82d571ef83cb5472f9bb85116546b80e (MD5) / Esta dissertação analisa a teoria de Wilhelm Worringer sobre a psicologia da abstração em arte que, até hoje, é pouco conhecida no Brasil e tem sido raramente citada em livros e debates sobre a arte abstrata em geral. Possivelmente porque ainda não foi traduzida para o português. Este estudo tem o objetivo de focar alguns aspectos importantes na base da criação artística, como defendidos por Worringer. Apesar da crítica a algumas de suas dicotomias, Abstraction and Empathy é considerada aqui como uma ferramenta importante de reflexão sobre minha própria produção poética dos últimos quatro anos, resultante do diálogo entre a teoria da arte e a prática de pintura abstrata. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation analyses the theory of Wilhelm Worringer about the psychology of abstraction in art which is little known in Brasil until today, and has been rarely cited is books and debates about abstract art in general. Possibly because his hasn´t been translated to Portuguese yet. This study has the goal of focusing onto some important aspects at the root of the artistic creation, as defended by WORRINGER. Despite critics to some of its dichotomy, Abstraction and Empathy is considered here as a important tool of reflection about my own poetic production of the last four years, which results from the dialogue between theory and practice of abstract painting.

A construção do campo pictórico: acúmulos e sobreposições baseia-se na pesquisa sobre uma prática plástica, na construção de um campo pictórico. Assim, é apresentada, nesta dissertação, uma série de pinturas, produzidas entre 2002 e 2004, que tiveram como conceitos norteadores as noções de acúmulos e sobreposições exploradas na elaboração de pinturas. A narrativa é construída em paralelo ao processo de pintar. Seguindo, preferencialmente, a mesma seqüência de construção, procura-se apresentar os elementos que dão condição à instauração desses trabalhos. A partir da análise dessa experiência, se propõe o levantamento de questões recorrentes nessa prática, desde a seleção de referenciais, passando pelas ações operatórias, bem como elementos de naturezas variadas que envolvem uma prática plástica particular e que encontram reverberações na produção. Assim, são abordados assuntos como: o uso do recurso fotográfico na pintura, a exploração da matéria pictórica, a importância da ação do tempo nesse processo, os registros de trabalho e os reflexos e os diálogos firmados com a obra de outros pintores. Essa pesquisa estrutura-se como uma documentação de um processo de trabalho. Nesse sentido, aqui são apresentadas as hesitações, os questionamentos, as hipóteses e as experimentações relativas ao pintar. / The construction of the pictorial field: accumulations and overlaps is based on research about the plastic practice, in the construction of a pictorial field. Hence, it is presented in this dissertation a series of paintings, produced between 2002 and 2004, which had as guiding concepts the notions of accumulations and overlaps explored in the elaboration of paintings. The narrative is built in parallel to the process of painting. Proceeding, preferentially, the same construction sequence, trying to present the elements that allow the instauration of these works. Starting from the analysis of this experience, one intends the rising of appealing subjects in such practice, from reference selection, considering the operative actions, as well as elements varied in nature that involve a particular plastic practice and that find reverberations in the production. Hence, the approached subjects are: the use of the photographic resources in painting, the exploration of the pictorial matter, the importance of time effect in this process, the work recordings and the reflexes and dialogues with the other painters' work. This research is structured as a documentation of a work process. In that sense, here, the hesitations, the questionings, the hypotheses and the experimentations related to painting are presented.

O trabalho estabelece um diálogo entre a obra do pintor e poeta Ismael Nery e a primeira fase da obra do poeta Murilo Mendes (1930-1945). Os autores têm uma poética aproximada e suas obras foram enfocadas a partir dos aspectos a seguir: catolicismo, surrealismo, filosofia antiga, escolástica, equilíbrio e harmonia. Inicialmente, apresentou-se a figura de Ismael Nery a partir da fala de Murilo Mendes e Adalgisa Nery, esposa do artista. A idéia foi levantar as questões centrais que permearam a convivência dos dois amigos. Em seguida, foi apresentada a obra de Ismael Nery e suas fases cubista, expressionista e surrealista. Tratou-se também da poesia escrita nos últimos anos de vida do pintor. Murilo Mendes foi abordado no capítulo três, de sua obra foram delineados aspectos ligados à espiritualidade, à pintura, ao humor, ao surrealismo e à figura da mulher. A última parte do trabalho estabelece, mais diretamente, a intermediação entre a obra dos dois autores. Nela, são abordados alguns dos aspectos que, segundo Murilo Mendes, o levaram a se tornar poeta e Ismael é apontado como um deles. Nesta última parte, são colocados, lado a lado, quadros, desenhos e poemas dos autores e estabeleceu-se entre eles inúmeras associações a partir das quais foi possível observar a riqueza de possibilidades que pode propiciar o estudo comparado dos dois autores. / This thesis traces the dialogue between the work of the painter and poet Ismael Nery and the first phase of the work of the poet Murilo Mendes (1930-1945). Both authors have a similar poetics orbiting around the following issues: catholicism, surrealism, ancient philosophy, Scholastics, balance and harmony. In the first chapter, the figure of Ismael Nery was introduced paraphrasing Murilo Mendes and Adalgisa Nery, his wife. The idea was to figure out the underpinnings that permeated the convivence of both friends. In the following chapter, the cubist, expressionist and surrealist phases of the work of Ismael Nery were introduced as well as the written poetry of the last years of his life. In chapter 3, the aspects delineating the spirituality, the painting themes, humour and the figure of the woman in Murilo Mendess work were introduced. The last part of the thesis is concerned directly with the interweaving of the works of both authors. The three central features that according to Murilo Mendes enabled him to become a poet were highlighted. Ismael Nery is one of them. Pictures and poems of both authors were compared and innumerable associations emerged that enabled to uncover a mutual contribution between both.

No autorizada para ser publicada a texto completo en línea / Postítulo en restauración y conservación del patrimonio cultural mueble / El presente trabajo de memoria tiene por objetivo la descripción de los procesos realizados para la conservación y restauración de la obra mural Presencia de América Latina del autor mexicano Jorge González Camarena realizada en el año 1964, ubicada en el hall de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción. Esta obra mural ha sido declarada Patrimonio Histórico el año 2009 por el Consejo de Monumentos Nacionales (CMN). Los procesos de restauración tuvieron una duración de cuatro meses y dos semanas, fueron coordinados por el Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble (CENCROPAM), el Instituto Nacional de Bellas Artes(INBA) de México, la asesoría del Centro Nacional de Conservación y Restauración (CNCR) de Chile y gestionados por el CMN de Chile, con la participación de restauradores de ambos países.

El presente proyecto desarrolla su investigación sobre la diversidad de cuestiones que pueden incidir en el proceso de la obra de arte individual pictórica, aquella que podemos entender como obra de carácter personal. Se profundiza en el hecho de que en la evolución del arte, además de las referencias y condicionantes artísticos y socio-culturales, es fundamental la determinación del artista como ser individual, quien en un entorno singular e influyente define su obra, configurada bajo la dialéctica entre su capacidad de duda y su capacidad de decisión ante al pasado, el presente y el futuro. El carácter personal del artista ha influido en todas las épocas, decir lo contrario sería negar la mano -en el sentido de autoría e identidad- del ser humano en la producción artística. No obstante, su grado de intervención y de implicación ha sido diferente en cada momento de la historia. En el periodo decimonónico, substancialmente desde el romanticismo, germinan los puntos de partida más sólidos de lo que significará la pluralidad y el valor de la personalidad como señas de identidad del arte del siglo XX. En la pintura, las influencias más directas parten del impresionismo y de artistas que desde su acentuado temperamento han sido pilares de las líneas pictóricas que se formaron intensivamente y extensivamente dentro de ese arco cronológico abierto entre finales del XIX y la contemporaneidad. Los tratamientos plásticos y los valores conceptuales son un inestimable material procesual que se transmite generacionalmente y sobre el que se fundamenta la construcción del lenguaje pictórico. Pero todo ello, de un modo u otro, está cimentado y conformado por el pensamiento del artista, que es el impulso vital en el desarrollo de la creación. Teniendo presente la idea de individualidad y de proceso como elementos determinantes en la creación plástica, esta investigación se centra en el estudio y selección de reflexiones, declaraciones y manifestaciones teóricas de una serie de artistas significativos de finales del siglo XIX y de la primera mitad del XX, que han sido importantes e influyentes no sólo por la calidad de sus obras sino porque fueron catalizadores del arte del pasado y de su tiempo, y consolidaron fundamentos esenciales del arte moderno. El proceso de investigación de un artista y de su pintura está en constante movimiento, en constante mutación. Pintar es un hecho activo que en su consustancialidad con el pintor no evoluciona linealmente, ni con una previsible certeza, sino que la propia vitalidad genera permanentemente múltiples cambios de referencias y de miradas, de incertidumbres, de direcciones, de decisiones y acciones que sobrepasan los límites de la predicción. Constatamos que cada idea fragmentaria del pintor tiende a convertirse en el centro de su pensamiento y puede actuar como elemento impulsor de la obra. En muchos casos, una reflexión aislada se convierte en el motor decisivo de la creación. Partiendo desde este espíritu investigativo, los textos de los artistas han sido tratados especialmente desde un sentido fragmentario del pensamiento. / Sánchez-Carralero Carabias, R. (2009). El proceso de la creación en la obra de arte individual pictórica y su vinculación con la pluralidad referencial [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/14116

La insistencia de Giorgio Morandi (Bolonia 1910-1964) en unos escasos temas a lo largo de toda su vida y su apuesta por una pintura puramente visual son los dos principios básicos que caracterizan su obra en un contexto histórico y cultural convulso. En este sentido, la consolidación y la fecundidad de su trabajo en serie tras la Segunda guerra mundial aconseja que nos detengamos en este periodo. La conveniencia de ordenar sus series y agrupar los cuadros de un mismo motivo, prevalece. Analizar los procesos formales que subyacen a cada grupo, reconocer sus semejanzas y sus diferencias, así como contrastar unas series con otras, nos permite profundizar en la naturaleza de su obra al mismo tiempo que reconocer las particularidades de cada cuadro. Del mismo modo, la representación, la abstracción o la experimentación son algunos de los conceptos que estudiamos a propósito del pintor y que nos ayudan, no solo a interpretar su obra sino a reflexionar sobre la pintura moderna. Y, sobre todo, a reconocer en Morandi un referente sólido e imprescindible al que remitirnos hoy. / Aguilar Alonso, R. (2014). MORANDI. LA SERIE COMO TEMA PICTÓRICO (1946 -1964) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/38707

En esta tesis tratamos la incorporación de objetos en los cuadros. Para analizar las características de este procedimiento pictórico hemos enfocado nuestro análisis hacia la obra pictórica de Carmen Calvo, pintora valenciana con reconocimiento internacional. El estudio lo hemos dividido en cuatro apartados: El primero es una presentación de antecedentes históricos, así como de algunos autores en concreto, que por el modo de utilizarlos, hemos considerado interesante compararlos con la forma de hacer de Carmen Calvo, extrayendo así cuál es su aportación a la pintura mediante la utilización de este recurso. En el segundo apartado, realizamos un análisis de la obra de esta pintora, que está vertebrado en tres periodos: Representación y Abstracción; Presentación del objeto Representación. El tercer apartado está dedicado al análisis retórico de la utilización del objeto en la obra de Carmen Calvo. Finalmente analizamos su obre desde la empatía, la memoria y la microhistoria para poder extraer significados de sus cuadros. La tesis incluye una entrevista con Carmen Calvo como aporte documental, y una catalogación de 375 de sus cuadros, presentados en soporte informático como documento adjunto / Cucala Félix, A. (2005). El objeto como elemento material en la pintura contemporánea: la obra de Carmen Calvo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57001