[EN] This paper presents the study of the corpus of mural paintings of the initial gothic period, existing in the contemporary territory of the Valencian Community, from a technical viewpoint, both stylistically as material. Most of these group of mural paintings have been hidden and therefore ignored for ages, behind walls or under layers of plaster and over paintings. This findings, most of the times by chance, happened during the refurbishment of buildings that generally had a ruinous state. This fact determines that, by the conservation conditions, the pathologies that these mural paintings present may be different to other works with similar technical features. The picture groups are individually analyzed, identifying their historical and geographical circumstances, background and references to other arts, and the study of the conservation status, mode of the crafting and the materials components analysis. Each of the groups are identified and catalogued, with all their characteristic features, to elaborate a comparative study of them, in order to find common lines that define the existing corpus. An historical and technical itinerary through the valencian mural gothic painting is developed, as well as a study of the original execution, composition of the materials on the mural holder and the pictorial layer, with which determine different trends and influences, depending on the geographical areas where they are located. / [ES] Este trabajo presenta el estudio del corpus de pinturas murales del periodo gótico inicial, existentes en el actual territorio de la Comunidad Valenciana, desde una óptica técnica, tanto a nivel estilístico como matérico. La mayor parte de estos conjuntos pictóricos han estado ocultos y por tanto ignorados durante largo tiempo, tras muros o bajo capas de enlucidos y pinturas superpuestas. Sus descubrimientos, la mayor parte de las veces fortuitos, se produjeron durante obras de remodelación en edificios que presentaban generalmente un estado ruinoso. Este hecho determina que, por las condiciones de conservación, las patologías que presentan sean diferentes a otras obras con características técnicas similares. Se analizan individualmente los conjuntos pictóricos, identificando circunstancias históricas y geográficas, antecedentes y referencias en otras artes, además del estudio del estado de conservación, el modo de factura y la analítica de componentes. Se identifican y catalogan cada uno de los conjuntos con todos sus trazos característicos, para pasar posteriormente a realizar un estudio comparativo entre ellos, con el fin de encontrar trazos comunes que definen el corpus existente. Se hace un recorrido histórico y técnico por la pintura mural gótica, un estudio de las técnicas de ejecución originales, la composición de los materiales en los soportes murales y la capa pictórica, con las cuales determinar diversas tendencias e influencias, dependiendo de las zonas geográficas donde se encuentran. / [CA] Aquest treball presenta l'estudi del corpus de pintures murals del període inicial del gòtic, existents a l'actual territori de la Comunitat Valenciana, des d'un punt de vista tècnic, a nivell estilístic i matèric. La major part d'aquests conjunts pictòrics han estat ocults i per tant ignorats durant molts anys, rere murs o baix capes de lluïts i pintures superposades. Els seus descobriments, la majoria de les vegades fortuïts, succeïren durant obres de remodelació en edificis que presentaven generalment un estat ruïnós. Aquest fet determina que, per les condicions de conservació, les patologies que presenten siguen diferents a altres obres amb característiques tècniques semblants. S'analitzen individualment els conjunts pictòrics, identificant circumstàncies històriques i geogràfiques, antecedents i referències en altres arts; a més s'estudia l'estat de conservació, el mode de factura i l'analítica dels materials compositius. S'identifiquen i cataloguen cadascun dels conjunts amb tots els seus trets característics, per a passar posteriorment a realitzar un estudi comparatiu entre ells, per tal de trobar trets comuns que defineixen el corpus existent. Es fa un recorregut històric i tècnic per la pintura mural gòtica, un estudi de les tècniques d'execució originals, la composició dels materials en els suports murers i la capa pictòrica, amb les quals determinar les diverses tendències i influències, depenent-hi de les zones geogràfiques on es troben. / Rubio Mifsud, AI. (2015). La Pintura Mural Gòtica Lineal a Territori Valencià. Statu Quo del corpus conegut. Estudi i Anàlisi per a la Seua Conservació [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59466

This doctoral thesis, entitled Death and artistic expression. The experience of death and its repercussion on 20th century european art, addresses the paradigmatic case of various artists whose works reflect personal experiences, as well as social, political and cultural events in their environment, where death takes on a prominent role, the repercussions of death are then echoed throughout their artwork. Therefore, this work acts as a starting point for some events taking place in twentieth-century Europe to carry out an analysis of the artistic production that emerged in this context. Likewise, the thesis includes in its first chapter an anthropological approach to the notion of what death means for the human being through thinkers as Edgar Morin, Louis-Vincent Thomas, Miguel de Unamuno or Mircea Eliade, among others. On the other hand, as a way of introduction, reference is made to an extensive historical period prior to the work that is analysed so that we can gain further depth and understanding. / La presente tesis doctoral, que lleva por título Muerte y expresión artística. La vivencia de la muerte y su repercusión en el arte europeo del siglo XX, aborda el caso paradigmático de diversos artistas cuyas obras son reflejo tanto de experiencias personales, como de acontecimientos sociales, políticos y culturales de su entorno, donde la muerte adquiere un notable protagonismo, algo que se manifiesta en la producción artística que llevan a cabo. Por tanto, el presente trabajo toma como punto de partida diversos acontecimientos que tienen lugar en la Europa del siglo XX al objeto de llevar a cabo un análisis de la producción artística surgida en este contexto. Asimismo, la tesis recoge en su primer capítulo una aproximación antropológica a la noción de lo que supone para el ser humano la muerte a través de pensadores como Edgar Morin, Louis-Vincent Thomas, Miguel de Unamuno o Mircea Eliade, entre otros. Por otro lado, a modo de introducción, se hace alusión a un extenso periodo histórico previo al siglo XX en el que el trabajo artístico de numerosos artistas es reflejo de su época. / La present tesi doctoral, que porta per títol Mort i expressió artística. La vivència de la mort i la seua repercussió en l'art europeu del segle XX, aborda el cas paradigmàtic de diversos artistes les obres dels quals són reflex tant d'experiències personals, com d'esdeveniments socials, polítics i culturals del seu entorn, on la mort adquirix un notable protagonisme, quelcom que es manifesta en la producció artística que duen a terme. Per tant, el present treball pren com a punt de partida diversos esdeveniments que tenen lloc en l'Europa del segle XX a fi de dur a terme una anàlisi de la producció artística sorgida en este context. Així mateix, la tesi arreplega en el seu primer capítol una aproximació antropològica a la noció del que suposa per a l'esser humà la mort a través de pensadors com Edgar Morin, Louis-Vincent Thomas, Miguel de Unamuno o Mircea Eliade, entre d'altres. D'altra banda, a manera d'introducció, es fa al¿lusió a un extens període històric previ al segle XX en el que el treball artístic de nombrosos artistes és reflex de la seua època. / Piqueras Arona, G. (2017). MUERTE Y EXPRESIÓN ARTÍSTICA. La vivencia de la muerte y su repercusión en el arte europeo del siglo XX [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90427

[ES] La limpieza de superficies pictóricas es uno de los procedimientos con mayor complejidad conceptual y dificultad técnica de los llevados a cabo durante un proceso de restauración. La aplicación en sucesivas intervenciones de estratos protectores o para refrescar la superficie pictórica mural, fue un procedimiento habitual y muy extendido hasta no hace tanto tiempo. Las sustancias aplicadas, en la mayoría de los casos, son productos insolubles en agua. Ejemplo de ello serían las ceras, los distintos polímeros sintéticos o los barnices naturales entre otros muchos materiales. La problemática que surge con el uso de este tipo de sustancias hidrofóbicas se debe a la penetración del material en la red porosa de la obra, y a la consecuente fragilidad que esto genera en su superficie. Este hecho provoca que la retirada de estos productos del estrato pictórico sea tremendamente complicada. Los procedimientos tradicionales de eliminación de estas sustancias de naturaleza mixta, implican el empleo de medios mecánicos o disolventes orgánicos. En consecuencia, se trata de intervenciones potencialmente agresivas con la pintura mural al fresco. Debido a estas razones, los sistemas nanoestructurados, como las soluciones micelares y las microemulsiones, se están considerando como una alternativa para la remoción de esta clase de productos. El propósito del estudio que aquí se presenta, consiste en analizar las clases de agentes de limpieza empleados para eliminar este tipo de estratos, así como, la búsqueda de nuevos tratamientos eficientes sí, pero incidiendo especialmente en su no toxicidad. Los productos de limpieza seleccionados para su evaluación son: soluciones micelares, microemulsiones y emulsiones sin tensoactivos. Tras la publicación de algunas intervenciones llevadas a cabo con éxito en Italia, esta investigación persigue revisar los sistemas nanoestructurados que forman parte de la nueva paleta de agentes de limpieza a disposición del conservador-restaurador. Confrontando las características constitutivas de la pintura mural italiana, con la casuística propia de las obras españolas y en concreto del barroco valenciano. Para ello, se ha establecido un marco experimental que ha permitido analizar los resultados de diversas pruebas tanto en probetas realizadas ex profeso, como en las pinturas murales de las iglesias de San Nicolás y de los Santos Juanes, situadas ambas en la ciudad de Valencia. El procedimiento experimental ha permitido observar ventajas y desventajas de los sistemas nanométricos que necesariamente, deben ser evaluadas para aportar conclusiones que faciliten la labor del conservador-restaurador al enfrentarse a este tipo de problemática. Este estudio ha conseguido diseñar una alternativa viable, eficaz y no tóxica, mediante el empleo de emulsiones sin tensoactivos, que intenta resolver los inconvenientes encontrados en la práctica a la hora de trabajar con los sistemas nanométricos en obras murales del barroco valenciano. Esta línea de investigación abre un amplio campo de estudio científico con ambiciosas posibilidades futuras que pueden ser claves en la salvaguarda del patrimonio artístico. / [CA] La neteja de superfícies pictòriques és un dels procediments amb major complexitat conceptual i dificultat tècnica dels duts a terme durant un procés de restauració. L'aplicació en successives intervencions d'estrats protectors o per refrescar la superfície pictòrica mural, va ser un procediment habitual i molt estès fins no fa tant de temps. Les substàncies aplicades, en la majoria dels casos, són productes insolubles en aigua. Exemple d'això serien les ceres, els diferents polímers sintètics o els vernissos naturals entre molts materials. La problemàtica que sorgeix amb l'ús d'aquest tipus de substàncies hidrofòbiques es deu a la penetració del material a la xarxa porosa de l'obra, i a la conseqüent fragilitat que això genera en la seua superfície. Aquest fet provoca que la retirada d'aquests productes de l'estrat pictòric sigui tremendament complicada. Els procediments tradicionals d'eliminació d'aquestes substàncies de naturalesa mixta, impliquen l'ús de mitjans mecànics o dissolvents orgànics. En conseqüència, es tracta d'intervencions potencialment agressives amb la pintura mural al fresc. A causa d'aquestes raons, els sistemes nanoestructurats, com les solucions micelars i les microemulsions, s'estan considerant com una alternativa per a la remoció d'aquesta classe de productes. El propòsit de l'estudi que aquí es presenta, consisteix a analitzar les classes d'agents de neteja emprats per eliminar aquest tipus d'estrats, així com, la recerca de nous tractaments eficients sí, però incidint especialment en la seua no toxicitat. Els productes de neteja seleccionats per a la seua avaluació son: solucions micelars, microemulsions i emulsions sense tensioactius. Després de la publicació d'algunes intervencions dutes a terme amb èxit a Itàlia, aquesta investigació persegueix revisar els sistemes nanoestructurats que formen part de la nova paleta d'agents de neteja que es troba a disposició del conservador-restaurador. Confrontant les característiques constitutives de la pintura mural italiana, amb la casuística pròpia de les obres espanyoles i en concret del barroc valencià. Per a això, s'ha establert un marc experimental que ha permès analitzar els resultats de diverses proves tant en provetes realitzades expressament, com en les pintures murals de les esglésies de Sant Nicolau i dels Sants Joans, situades totes dues a la ciutat de València. El procediment experimental ha permès observar avantatges i desavantatges dels sistemes nanomètrics que necessàriament, han de ser evaluades per a aportar conclusions que faciliten la tasca del conservador-restaurador al enfrontar-se a aquest tipus de problemàtica. Aquest estudi ha aconseguit dissenyar una alternativa viable, eficaç i no tòxica, mitjançant l'ús d'emulsions sense tensioactius, que intenta resoldre els inconvenients trobats en la pràctica a l'hora de treballar amb els sistemes nanomètrics en obres murals del barroc valencià. Aquesta línia de recerca obre un ampli camp d'estudi científic amb ambicioses possibilitats futures que poden ser claus en la salvaguarda del patrimoni artístic. / [EN] The cleaning of pictorial surfaces is one of the most complex restoration processes in the field of Conservation. It is both conceptually challenging and technically rigorous. The application of different layers of coatings that serve to either protect the mural painting or to resaturate the pictorial surface, was a habitual and widespread practice that endured until only recently. In most cases, the applied materials were and remain insoluble in water. Examples of some of these substances include waxes, various synthetic polymers, or natural and synthetic varnishes among many other materials. The major problem that arises from the use of the aforementioned products is a result of their ability to penetrate into the artwork's porous network. This penetration can severely compromise the stability of the painting's surface and renders the removal of these products from the pictorial layer tremendously complicated. Traditional cleaning methods also employ mechanical action and include the use of organic solvents. These types of interventions are potentially aggressive to fresco mural paintings. Consequently, nanostructured systems, such as micellar solutions and microemulsions, are being considered as alternatives for their removal. The aim of this study is to analyse different cleaning agents used to eliminate hydrophobic materials from the fresco mural paintings while investigating new, efficient and non-toxic treatment options. The cleaning products selected for analysis include micellar solutions, microemulsions and emulsions without surfactants. After the publication of some recent successful innovations made in Italy, this research aims to review the nanostructured systems available as cleaning agents for mural paintings to the conservator-restorer. It also attempts to analyse the effects of these substances while bearing in mind the constitutive differences between Italian and Spanish mural paintings, specifically in paintings from the Baroque period in the Spanish city of Valencia. To this end, an experimental framework has been established that enables the results of various tests to be analysed both on mock-up samples done ex professo, and in situ samples on mural paintings from the Valencian churches of San Nicolás and Santos Juanes. The described experimental procedure has allowed for the observation of advantages and disadvantages inherent in nanometric systems, which will provide findings that facilitate the work of practising conservator-restorers grappling with these types of problems. This study has resulted in the development of an effective and non-toxic alternative solution that employs emulsions without surfactants. This new solution takes steps towards rectifying practical disadvantages associated with current emulsion-based cleaning systems. This line of research opens up a wide field of scientific study with broad future possibilities integral to the successful safeguarding of artistic heritage. / La presente tesis doctoral se ha realizado gracias a la concesión de varias becas y de una estancia breve en Estados Unidos con la que se opta a La Mención Doctorado Internacional. Estas ayudas han resultado indispensables para la elaboración y llegada a término de este trabajo de investigación: • Contratos pre-doctorales del Programa para la Formación de Personal Investigador (FPI) de la Universitat Politècnica de València-Subprograma 1. Convocatoria 2015 financiada por la Universitat Politècnica de València. El período de disfrute de la beca fue de 01/02/2016 al 30/06/2016. • Ayudas para la contratación de personal investigador de carácter predoctoral (DOCV núm. 7738, de 10.03.2016). Cofinanciadas por el Fondo Social Europeo (FSE) de acuerdo con el Programa Operativo de FSE 2014-2020 de la Comunitat Valenciana financiada por la Consellería de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana. Duración de la ayuda: 01/07/2016 hasta el 31/01/2019. • Para optar al título de Mención Doctorado Internacional, se ha llevado a cabo parte de la investigación, en uno de los centros más relevantes en el campo de la Conservación y la Restauración de Estados Unidos. El Museo Winterthur, adscrito al Winterthur/University of Delaware Program in Art Conservation bajo la supervisión de Joyce Hill Stoner y Richard Wolbers. Esta estancia predoctoral de tres meses de duración, fue posible gracias a la concesión de una de las Subvenciones para estancias de contratos predoctorales en centros de investigación fuera de la Comunidad Valenciana, Cofinanciadas por el Fondo Social Europeo (FSE) de acuerdo con el Programa Operativo de FSE 2014-2020 de la Comunitat Valenciana financiada por la Consellería de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana. Período: 01/09/2017 hasta el 01/12/2017. Parte de los resultados de esta estancia se reflejan en el capítulo VI de esta tesis. / Pérez Benito, P. (2019). Microemulsiones, soluciones micelares y emulsiones sin tensoactivos en la limpieza de pintura mural al fresco [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/124826

El objeto de este trabajo es la vida y la obra de la artista americana Mary Cassatt, adscrita al movimiento impresionista y poco conocida en nuestro país, centrándonos en dos aspectos principalmente: su condición de mujer moderna y su larga época como pintora de retratos de mujeres con niños. Así, repasaremos algunos de los mitos de la era moderna, pasearemos por el París de finales del siglo XIX y debatiremos sobre la condición femenina en las postrimerías de dicho siglo, lo que nos llevará a cuestionarnos las ideas de libertad defendidas y difundidas por la revolución francesa, cuyas asimetrías y falacias continúan afectando aún hoy a nuestra sociedad occidental. Mary Cassatt fue una mujer luchadora que combatió con singular inteligencia y habilidad las convenciones de su siglo. Sus retratos muestran acertadamente la psicología de la dama burguesa, pero también van un paso más allá; en este trabajo hablaremos de cómo Cassatt pasó de plasmar las escenas cotidianas de los rituales burgueses que tanto atraían a los impresionistas a convertirse en pintora por excelencia de la maternidad, y cómo este cambio fue y sigue siendo malinterpretado, no solo por la crítica masculina, sino, muy especialmente, por la feminista. Trataremos de explicar cómo una mujer fuerte y trabajadora, y, tal vez paradójicamente, soltera y sin descendencia, pudo defender los derechos y la dignidad de su género retratando un tema tan manido y edulcorado, y sin embargo tan hermoso y preñado de posibilidades como las relaciones materno-filiales. Este trabajo tratará pues de unir los aspectos humanos y artísticos de una gran pintora, y, a la vez, relacionarlos con la época que le tocó vivir, como un todo inextricable. Creemos que solo así podemos entender lo comprometido de su postura, lo valiente de sus decisiones y el objeto de su obra; Mary Cassatt trató de cambiar su mundo mediante la elegancia de su arte: sus armas fueron su inteligencia y su talento, y con ellas logró hacerse respetar en un mundo de hombres, y, quizás, contribuir a un tímido cambio hacia una sociedad más justa, cambio que aún no ha terminado de hacerse efectivo en nuestros días. Intentaremos explicar cómo lo logró, en qué triunfó y en qué fracasó y el porqué de que su obra no goce hoy en día de la popularidad que merece. / This thesis is about the life and work of the American artist Mary Cassatt, who was a member of the Impressionist movement, but whose paintings are poorly known in our country; we focus in two main aspects: her condition as a modern woman and her long period as a portrait painter of women with children. With these themes in mind, we will examine some of the modern-age myths, walking through the streets of Paris as they were at the end of the XIXth century, and we will debate about the turn-of-the-century concept of femininity, which will lead us to question the idea of freedom defended and disseminated by the French Revolution: its asymmetries and fallacies are still affecting nowadays our western civilization. Mary Cassatt was a combative woman who fought against her century’s conventions with unusual ingenuity and skill. Her portraits reflect cleverly the bourgueois woman’s psychology, but they also go beyond that; in this thesis we will talk about how Cassatt made the transition from capturing the everyday scenes that fascinated her Impressionist colleagues so much, to become the quintessential painter of motherhood, and how this change was, and still is, much maligned and misunderstood, not only by regular critics, but also, and specially, by feminist ones. We will try to explain how this strong, hard-working woman, and one who was, perhaps paradoxically, single and without children, could become the staunch defender of her genre’s rights and dignity devoting herself to such a trite and watered-down – but also so beautiful and full of possibilities in the proper hands – topic. So in this thesis we will try to combine the humane and artistic aspects of a great painter, and, at the same time, relate them to her day and age, as an inextricable blend. We believe that this is the only way to understand her commitment and braveness, her decisions and the purpose of her work; Mary Cassatt tried to change her world using the elegance of her art: her weapons were intellect and talent, and with them she achieved respect in a world ruled by men, and, perhaps, she contributed to a timid advance towards a more unbiased society, a change which is still in progress during our days. We will try, in essence, to explain how she managed to do that, her triumphs and defeats, and the reasons why her work doesn’t have today the popularity it deserves.

Especialista en terapia de arte, mención arteterapia / La siguiente monografía trata del proceso arteterapéutico con una mujer diagnosticada con trastorno de esquizofrenia paranoide que asiste a un hospital diurno de Santiago. Afectada en el campo de su estructura y contenido mental, su funcionamiento social y relación con el medio, el arteterapia se presenta como un acompañamiento arteterapéutico en beneficio de su autoconocimiento, control de impulsos y posibilidad de vínculo entre ella y el mundo externo. Para la comprensión del caso, se describen brevemente tres enfoques psicológicos en que la persona, su libertad, responsabilidad y relaciones son las principales preocupaciones. El arteterapia gestáltica se aborda como el principal referente, enfatizando en el contacto con lo que se siente y percibe durante el acto de crear, siempre en condición de presente. Pareciera que la relación directa entre paciente y arteterapeuta entran en una dinámica en que la interacción de emociones y cuerpo sostienen un proceso dinámico y simbólico. A través de la pintura y la poesía, el siguiente caso nos muestra un camino creativo hacia la comprensión interna de la persona, internalizándose en un proceso donde paciente y arteterapeuta en práctica exploran ideas, símbolos y posibilidades creativas que amplían la experiencia y posibilitan una mayor construcción del autoconocimiento y estima personal.

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_11136_Relações entre pintura, fotografia e imagem na arte contemporânea_ANDREIA_FALQUETO.pdf: 5170666 bytes, checksum: 98961481323a8723f0636a7756191f38 (MD5) Previous issue date: 2017-06-29 / Iniciando a reflexão com o modernismo na arte e o advento da fotografia, esta pesquisa pretende fazer um estudo das relações entre foto e pintura através da história da arte moderna, elegendo trabalhos de arte e teorias da arte para embasar as reflexões. Além disso, trago aqui uma preocupação com questões da imagem ligadas à nossa vida, como índice, memória, registro do que existiu, afirmações de passados e fatos possíveis de conhecermos devido à existência da imagem técnica. Através do estudo de trabalhos de diversos artistas e teóricos da fotografia, imagem, pintura e história da arte, viso aqui entender e preencher uma pequena lacuna de questões sobre como a fotografia é usada no processo de criação de uma pintura figurativa, unindo a pesquisa em textos, reflexões e entrevistas com jovens artistas brasileiros. Pretendo entender, além do meu próprio ponto de vista, bastante empírico, como se dá o uso dessas imagens técnicas (termo de Vilém Flusser) e qual a relação que o artista (que faz pintura figurativa) tem com a fotografia em sua criação. Essas fotografias variam entre registro autoral, apropriação e colagem, sendo mais uma implicação nesse processo poético. Em suma, nessa pesquisa, as análises pretendem elucidar os modos e os meios de uso da imagem fotográfica por pintores contemporâneos, bem como de que forma essa relação constrói pontes com a memória evocada pela foto e significados contidos na imagem. Palavras-chave: pintura, fotografia, imagem, arte contemporânea.

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo / Banca: Marco Garaude Giannotti / Banca: Fernando José Amed / Resumo: Resumo Esta pesquisa constitui-se de duas partes complementares: a primeira apresenta um relato do processo de criação das pinturas que desenvolvi entre os anos de 2013 e 2015, as quais são exibidas aqui. Desse relato se originam as ideias-chaves que compõem a trama teórica apresentada nos capítulos seguintes, cujo objetivo consiste em expor as reflexões oriundas da prática, relacionando-as com o pensamento de autores e artistas afins. O eixo central desta dissertação gira em torno da questão do olhar, posto que as pinturas por mim elaboradas utilizam referências visuais para sua criação. Nesse sentido, a observação das coisas que existem ao redor levou à constatação de que não sou visível para mim mesma e, partindo dessa premissa, são analisadas questões como a necessidade da percepção visual de si, por meio da investigação da pintura de autorretrato e da autocontemplação mediante o uso de instrumentos como espelho e fotografia, e a percepção visual do outro, tomando como foco o olhar que se direciona aos objetos que existem no interior da casa. É apresentada, ainda, análise acerca de dois artistas específicos: Jean-Baptiste Siméon Chardin e Giorgio Morandi. As conclusões desta pesquisa,... / Abstract: This research is constituted by two complimentary parts: the first one reports the creative process of the paintings produced by myself between 2013 and 2015, which are exhibited here. The key-concepts analyzed on the following chapters are originated from the report and aim to expose reflections derived from practice by establishing links with other authors and artists. The dissertation focuses on the act of seeing, since the paintings I produce require direct observation of visual references. In that sense, the act of looking at things around me led to the finding that I'm not visible to myself, and starting from this premise, the research investigates the necessity of visual perception of oneself, by analyzing self-portrait paintings and the usage of instruments that make us visible, such as the mirror and photograph, and the visual perception of others, by examining our relation with the objects that belong to the interior of a home. It is also presented an investigation of two artists: Jean-Baptiste Siméon Chardin and Giorgio Morandi. The research conclusions, in accordance with Silvio Zamboni conceptions, are contained in the produced paintings. / Mestre

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