Ce texte accompagne la création Fūkei [paysages], poésie sonore et scénographique adaptant le style littéraire du romancier japonais Haruki Murakami. La recherche porte un regard sur les structures narratives employées par l'auteur dans ses romans et s'intéresse à leur fonction dans le discours de l'œuvre et sa réception. À cet effet, une méthodologie est élaborée en deux phases. Premièrement, les structures narratives sont extraites par l'analyse de textes choisis de l'auteur. Deuxièmement, ces structures sont redéployées au sein du processus compositionnel de l'œuvre. Ce procédé d'adaptation comporte donc la particularité de transposer des structures et procédés littéraires dans une autre forme d'expression artistique. Par ailleurs, il se distingue par l'adaptation du style d'une œuvre littéraire plutôt que d'en adapter le texte. Fūkei [paysages] allie ces différents éléments dans une œuvre multidisciplinaire théâtrale, sans acteurs. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art, adaptation, allégorie, nouveau réalisme, réalisme magique, métafiction, fragment, collage, esthétique, poétique, poïétique, son, sonore, scène, théâtre.

Ce projet doctoral prend la forme d'une thèse-création. Il s'agit d'une recherche où la pratique en art constitue le point de mire d'une théorisation. Cette thèse vise la compréhension du cheminement de l'oeuvre interdisciplinaire Mosaïque, depuis sa genèse en 2001, jusqu'à son actualisation lors de sa présentation au Théâtre de Verdure à Montréal le 16 août 2006. La démarche artistique, qui se déploie dans la rencontre entre le mouvement live, la projection vidéo et la diffusion sonore, sera observée à travers trois axes théoriques: subjectivité corporelle; poïésis et oeuvrement; trace et transcripture. Le processus de création est traversé par une fascination pour le corps en mouvement aboutissant à convoquer consciemment l'émergence créatrice. Les axes théoriques sont orientés à comprendre: comment se manifeste la subjectivité corporelle au sein d'une création artistique et comment en garantir l'implication aux différentes étapes de l'oeuvrement ; quelles sont les caractéristiques du cheminement de création de Mosaïque; est-ce qu'une action impliquée laisse sa marque dans l'oeuvre actualisée et est-ce que cette trace trouve son prolongement dans le devenir de l'oeuvre. Fondée sur les découvertes caractéristiques de la pratique, cette étude consiste à théoriser le modèle de l'oeuvrement : contours, finalités, cheminement singulier, phases de création, méthodologie appropriée pour comprendre la survivance de l'émergence créatrice, ou des implicitations comprises dans la trace et notamment d'une deuxième catégorisation conceptuelle se profilant dans le modèle de l'oeuvrement, la transcripture. La problématique de cette thèse est liée à la survivance de l'émergence créatrice dans la trace actualisée (l'oeuvre Mosaïque), afin de découvrir la façon dont se conjugue un processus dynamique et l'oeuvre actualisée: soigner la manière d'être dans l'oeuvrement marque-t-elle l'oeuvre? C'est ainsi que la question se pose: Retrouve t-on dans l'oeuvre Mosaïque des traces de l'oeuvrement? L'hypothèse de départ est que le corps aurait un rôle à jouer dans la démarche et la réflexion artistique. Dans ce sens, il participerait au phénomène d'oeuvrement interdisciplinaire en art. En arrière-scène, ce rôle que tiendrait le corps développerait une nature de conscience corporelle, évolutive, subjective, quelque chose de vivant et de changeant. Ainsi, la contribution du corps dans l'oeuvrement demande à être cultivée avant de devenir une dimension de la subjectivité corporelle, avant d'intégrer ce nouvel état de conscience qui marquerait l'oeuvre. La grande posture de ma recherche se situe dans une démarche heuristique, c'est-à-dire dans un pas à pas de découvertes où j'étudie ma propre expérience de recherche-création en tant que sujet-chercheure-auteure de l'oeuvre et de la thèse. Cette recherche s'inscrit dans une pensée post-positiviste où coexistent plusieurs vérités. En outre, on retrouve une composante phénoménologique dans le sens où, saisir un processus de création est une expérience du vécu humain. Par ailleurs, dans la spécificité de la méthodologie d'analyse, cette recherche poïétique visera la compréhension du phénomène de l'oeuvrement dans une démarche compréhensive et interprétative. La compréhension relèvera de deux types d'analyses des données: phénoménologique et herméneutique. Ainsi, l'oeuvre sera l'objet d'une description détaillée qui servira en second lieu à une interprétation. Parmi les résultats de ma recherche, le modèle de l'oeuvrement conduit à mettre à jour cinq catégories en filiation avec l'heuristique: posture herméneutique, expérience immédiate, subjectivité corporelle, implication et pensée émergente créatrice. Sur le plan épistémologique, cette recherche a porté l'expérience d'une nouvelle procédure qui se distingue des définitions traditionnelles des méthodes qualitatives. Ainsi, on retrouve une extension à la démarche heuristique par une implication n'intervenant pas uniquement sur le terrain, mais où le chercheur est impliqué au sein de sa propre subjectivité corporelle. L'analyse herméneutique a permis de comprendre que deux principes en apparence antinomiques, trace et oeuvrement, ne s'inhibent pas. Ces deux forces opposées s'entrelacent et se potentialisent sous certaines conditions d'observations. Cette analyse apporte une nouvelle perspective à la compréhension des enjeux à l'oeuvre dans l'alliance entre processus et trace. En effet, dans l'analyse, la trace est réinvestie dans un processus encore agissant: la transcripture. L'analyse de l'oeuvre et de l'oeuvrement dévoile l'existence d'une survivance de l'oeuvrement au sein des traces qui sédimentent l'oeuvre Mosaïque, notamment en lien avec le continu et le discontinu. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Poiësis, Heuristique, Processus de création en art, Trace, Subjectivité corporelle.

« L'art numérique » semble se constituer une place notoire dans les différentes pratiques artistiques contemporaines. Sous cette expression générique francophone, le regroupement opéré reste problématique, car il suscite de nombreuses interrogations. À quoi correspond ce mouvement, l'art numérique est-il délimité, délimitable, l'art numérique existe-t-il ? Est-ce pertinent d'opérer un tel regroupement ? Quelles sont les répercussions sur la pratique qu'il désigne, à moins qu'il s'agisse de l'inverse ? À quoi correspond l'art numérique ? Est-ce un art nouveau ? Ces questions sont à l'origine de cette thèse, en adjacence à une pratique plastique questionnant « matériellement » le numérique. L'objectif est d'analyser la question de « l'art numérique », d'en identifier précisément les caractéristiques et d'éclairer ces interrogations. Cette recherche témoigne des rapports qu'entretiennent pratiques et théories. Peuvent-elles s'enrichir mutuellement ? Doivent-elles se développer dans leurs propres directions ? Se pose alors la question de la pertinence de leur segmentation, et de la dénomination « art numérique » ? Est-ce significatif ? Qu'en est-il aujourd'hui de ces nouvelles technologies qui font partie de notre quotidien, y compris dans le domaine artistique ? Comment rendre compte d'un phénomène aussi vaste sans en restreindre artificiellement la complexité ? / It seems that the «Art Numérique» (Digital Art) is taking an ever-growing place in the various contemporary artistic practices. It is however still a problem to clearly define what is actually meant by this French generic expression, as what is currently associated with «Art Numérique» still generates numerous questions. How can this trend be defined? What are its boundaries? Are there any boundaries? Does «Art Numérique» actually exist? Is it relevant to categorize specific practices and techniques as «Art Numérique»? What is the influence of these categorization on the actual definition of the Art, or inversely, what should the subject «Art Numérique» include? How can «Art Numérique» be defined? Is it new? These questions are at the root of this thesis, developed in simultaneously with numerous plastic and practical experiments aiming at «physically» questioning and challenging the digital technology. My objective is to analyze the subject of «digital art», to precisely identify its characteristics, and to open new perspectives. This research highlights the relationship between practice and theory. Can they benefit from each other? Should they be studied and developed separately, each in their own direction? This raises the question of the relevance of their segmentation, and of the term «Art Numérique». Is it significant? What is the current status of all these new technologies, which are part of our daily life, including in the artistic field? Is it possible to report on such a vast phenomenon without artificially restricting its complexity?

La recherche met en jeu la place accordée à l’espace en architecture. Etablissant celle-ci en un détachement disciplinaire et une langue propre, autour d’un sujet-œil dont le corps s’est absenté, le concept d’espace procède d’une double objectivation. Il apparaît assigné à la conception du pro-jet moderne. D’où l’hypothèse que « nous n’aurions-nous jamais été spatiaux », sinon au titre de cette vaine parenthèse.Champ opératoire de simulation, expression sensorielle et sensible, creuset des socialités, l’ambiance conduit à penser l’architecture comme potentialisation des subjectivations et des interrelations. Aussi son horizon se partage-t-il entre phénoménologie, sociologie de l’action située et philosophie pragmatiste.Traiter de l’air, cet invisible par nature, c’est embrasser les enjeux contemporains de la production architecturale, aux prises avec les injonctions contradictoires de l’échange aéraulique et du contrôle énergétique. C’est reconsidérer le construit au rythme du respiratoire. Au prisme de la poïétique, sont réinterrogées, sur le registre de la simulation, les modalités de perception et de production du milieu artefactuel qu’est l’architecture. Au titre d’une politique des ambiances, sur le plan de la conception de l’air, cette recherche investigue la problématique du commun, à l’abri de programmes ouverts pour architectures à forte capacité. Le travail donne lieu à l’examen critique des productions de Le Corbusier (Armée du Salut) et de Robain & Guieysse (Mie de Pain, Paris), de Christophe Amsler et de Philippe Rahm, de Sanaa (learning center, Lausanne) et de Lacaton & Vassal (école d’architecture, Nantes). / The research first explores the concept of space in architecture and how it establishes architecture as a separate subject with a language of its own, built around an ‘I - Eye’ whose body is absent. It rests upon a double objectivation and appears to belong to the conception of the modern pro-ject. Hence the hypothesis that ‘maybe we have never been spatial’, except within the borders set by that futile parenthesis.As an operational ground for simulation and for sensory and sensitive expression, a hub for social interplay, ambiance leads us to conceive architecture as a potentializer of subjectivations and interrelations. The concept unravels against the background of phenomenology, the sociology of situated actions and philosophical pragmatism. To take air as a subject, which is by its nature an invisible element means to embrace the issues of contemporary architectural production struggling with the contradictory demands of aeraulics and energy control. It means rethinking what is built according to the rhythm of breathing. The modes of perception and production in architecture’s artefactual settings are examined anew through the prism of poiesis and on the level of simulation. About our conception of air, understood within the framework of a politics of ambiance, the research investigates the problematics of the common, under the shelter of open programmes meant for high-capacity architectures. The work examines the productions of Le Corbusier (Armée du Salut), Robain & Guieysse (Mie de Pain, Paris), Christophe Amsler and Philippe Rahm, Sanaa (learning center, Lausanne) and Lacaton & Vassal (school of architecture, Nantes).

Cette recherche, menée par un designer-chercheur en immersion dans le monde professionnel, interroge la problématique de la conciliation entre pratique réelle et prise de recul réflexive sur le métier. Dans cette visée, elle est en partie fondée sur une question épistémologique : quelles sont les connaissances spécifiques apportées par la recherche en design ? Quelle est sa place dans les cadres académique et professionnel ? De manière plus individuelle, peut-on aujourd’hui mener une démarche de design-poïétique, qui concilie pratique et discours ? Si oui, quelles sont les modalités de cette dualité, et comment l’intégrer dans le monde professionnel ? Explorer les porosités, les échos et les tensions entre praxis, pensées et implications sociales du design permet de développer une connaissance active, ancrée dans le réel. Envisagés sous l’angle commun de l’expérience, ces axes disciplinaires deviennent complémentaires, dépassant les dualismes qui ont trop souvent cours entre théorie et pratique, entre faits et valeurs, entre sciences et société, entre esthétique et politique. Une pensée du design ne peut pas viser à ériger des vérités, mais plutôt à ancrer la pratique dans une éthique, qui respecte les singularités de chaque individu et de chaque situation. Pour le chercheur, il s’agit de commencer par décrire ces relations entre pratique et réflexion pour ensuite les redéfinir en fonction de ses besoins – et permettre à d’autres de le faire. Le profil du praticien réflexif se double alors de celui de théoricien et de passeur. / This research work, lead by a designer-researcher embedded into the professional field, questions the conciliation between real-life practice and reflective hindsight. On this basis, it partly relies on the epistemological issue: what kind of specific knowledge can design research create? How does it fit into both academic and professional frameworks? In a more personal way, how can one conduct a poietic design approach that combines practice and discourse? How to reconcile it with working reality? Exploring the continuities, echoes or tensions between praxis, theories and social implications linked to design practice is a way to develop a dynamic knowledge, rooted in reality. When looked at with a focus on experience, these disciplinary axes become complementary. They overcome the conservative oppositions between theory and practice, facts and values, sciences and society, aesthetics and politics. A design theory cannot aim at seeking the absolute truth, but rather at anchoring practice in ethics that respects the uniqueness of each individual and situation. For the design researcher, that means starting by describing the relations between practice and thinking, in order to rearrange them according to one’s needs. Then, the reflexive practitioner evolves into a theorist and a broker of ideas.

Notre mémoire de recherche-création a pour point de départ deux conceptions sonores filmiques, auxquelles nous avons contribué en tant que monteur et concepteur sonores. Ces films – et leur bande sonore – ont, par leur forme, leur contenu, mais aussi par la dynamique ayant rythmé leur création, redéfini un aspect ou un autre de notre pratique. Ainsi, au moyen d'une auto-poïétique, nous explorons les différentes conditions de la création sonore mises en jeu, qu'elles soient d'ordre technique – le film Saint-Denys Garneau – ou d'ordre esthétique – le film Ma famille en 17 bobines. Dans chaque cas, nous cherchons aussi à explorer les problèmes poétiques et pratiques posés. Au creux de cette conjugaison de ces conditions émergent alors des outils de médiation, des relations humaines, des mouvements esthétiques et des postures d'écoute qui jettent un éclairage inédit sur notre pratique sonore. / This research-creation project finds its roots in two film sound designs to which I contributed as a sound editor or sound designer. These films – and their respective soundtracks –, by their form, their content, but also by the dynamics that pulsed their creation, have redefined certain aspects of my own sound work. In this study, by the means of an autopoietic analysis, I explore the creative conditions at play in the elaboration of my sound designs, as they answer to technical matters – the film Saint- Denys Garneau – or aesthetic matters – the film Ma famille en 17 bobines. In each case, I also seek to deepen poetic and practical problems. From deep in the combination of these conditions emerge mediation tools, human relations, aesthetic movements and modes of listening that shed new light on my sound practice.

L’élaboration de ce travail de thèse s’inscrit dans une démarche universitaire, elle est également pensée de manière simultanée avec la création artistique. Elle s’oriente vers des questionnements liés à une quête personnelle, intime, mais également « traquée » dans une voie plus large qui est celle de la généalogie, de la photographie de famille, de l’image documentaire et des zones d’ombres qui font partie de toute histoire personnelle. Des mécanismes de résistance à l’artification se déploient comme tentative de réponse artistique et de recherche, face à une histoire mutique, un manque de paroles. L’histoire familiale est source de filiations plurielles, de transmissions – verbales ou non –, mais aussi de secrets. Certains vides apparaissent parfois dans des portraits où l’élément absent, par l’insistance de son manque dans la logique du récit, devient obsédant. La spécificité pour les artistes qui s’attachent à ces corpus consiste à collecter, s’approprier et exposer ces images troubles pour les réinvestir dans un circuit artistique, volubile et efficace. Ces nouvelles images, définies comme histoires intimes mais aussi comme un art du témoignage, se transforment alors en une mémoire collective : par un habile téléscopage de sens, l’oeuvre ainsi née de l’image vernaculaire fait irruption par sa plasticité et offre un sens nouveau à la figure effacée ou absente. Cette réflexion théorique et artistique, entreprise sur les relations polysémiques entre photographie documentaire et poïétique de l’effacement, analyse la manière dont l’art agit au coeur des images d’archives. Qu’est-ce qui de l’art– par ses méthodes, ses dispositifs de mise en oeuvre, son inscription sociale et historique–se trouve activé qui permette ainsi de « lire » une image qui refusait de se donner. Réciproquement, quels leviers sont élaborés par les artistes, pour mettre à jour des images qui ne leur appartiennent pas et qui viennent bouleverser notre rapport à l’information initiale ? C’est là tout l’enjeu de cette recherche théorique et plastique qui permet de saisir une mécanique d’artification des images d’archives, à mi-chemin de l’histoire intime et de la mythologie artistique ; ou comment du récit en creux surgissent des images, figures vacillantes entre présence et absence, archives d’un devenir reformulé. / The development of this thesis work falls within an academic approach, andis also simultaneously thought in connection with the artistic creation. It deals with personal and private questioning, but is also « hunted » in a different way regarding yet genealogy, family and documentary pictures and the shadow zones that are part of all personal history. Mechanisms of resistance to arti- fication are deployed as an attempt at an artistic and theoretical response, facing a mute story, a lack of words. The family history is the origin of plural filiations, transmissions–with or without words–but also secrets. Sometimes some empty spaces appear on portraits. The missing element, thus, becomes an obsession due to its lack in the logic of the story. The artists working on those corpuses specifically aim to collect, reclaim and exhibit those blurred pictures in order to re-use them into an artistic, voluble and efficient circuit. These new pictures–private stories and testimony art at once–turn into a collective memory : by a clever telescope of meaning, the work, born out of the vernacular image, breaks through thanks to its plasticity, and offers a new meaning to the erased or absent figure. This theoretical and artistic reflection, based on the polysemous relations between documentary pictures and « erasing poietic », analyses the way that art acts into old archive pictures. How can art give the power to « read » a picture that is invisible ? Which ways, implemented devices, social and histo- ric beliefs allow it ? Conversely, what levers are developed by the artists, to update images that do not belong to them and that change our vision of the initial information ? Here is the challenge of this theoretical and plastic research that let us understand a mechanism of the artifying archival image, midway between private story and artistic mythology ; or how can images or vacilla- ting figures between presence and absence appear from invisible elements, as archives of a reformulated future.

Le thème central de la recherche est la place du vide constructif dans la dimension spatiale du décor de cinéma. Il s’agit de mettre en évidence, à travers les racines et le processus de création du décor de cinéma, la notion d’objet espace vide comme source d’informations et comme « troncage narratif » en sus de sa spatialité et de sa dépendance au construit et au visible. En s’appuyant sur la notion de tressage, on observe le jeu du visible et de l’invisible qui devient, pour le décorateur, le jeu du construit, de l’intervalle et du vide. Cette poïétique du décor de cinéma nous fait voyager en aller-retour entre image et espace. L’image de création, l’image iconographique devient matière, ontogénèse à double sens. L’étude des processus de perception des images met en évidence des notions que le créateur d’espace, le décorateur plasticien utilisera dans la modélisation de son espace poétique et la mise en place de sa vraisemblance, émergence de nos jeux d’enfance. Espace de la feinte théâtrale et cinématographique, espace poétique sensible au scopique, véritable installation panoptique du sens dont le processus de perception a été expérimenté par certains artistes du Quattrocento avec la naissance de la perspective puis ensuite par des artistes contemporains. / The central theme of my research is the importance of constructive emptiness in the spatial dimension of the film set. My intent is to highlight, through the roots and processes of the creation of the film set, the notion of empty space object as a source of information and as a “narrative truncation" besides its spatiality and dependence on what is constructed and visible. By relying on the notion of interweaving, one can observe the interactions of what is visible and invisible, which becomes, for the set designer, the interactions of what has been constructed on the set, as well as the intervals and the empty spaces. This poietics of the film set makes us go back and forth between image and space. The creative image, the iconographic image becomes material, a two-way ontogeny. The study of the process of image perception highlights the concepts that the creator of the space, the artistic decorator, will use in the modelling of their poetic space and the establishment of their likelihood, which is the emergence of our childhood games. It is the crafty space of theater and film, the poetic space sensitive to the scopic, a true panoptic installation of meaning whose processes of perception have been experienced by some artists of the Quattrocento with the birth of perspective and now by contemporary artists.

Dans un contexte de complexité territoriale où les référents spatiaux se multiplient, se fragmentent, se recomposent et entrent en concurrence, aborder la question de la territorialisation culturelle comme un processus communicationnel est le moyen par lequel ce travail contribue à la réflexion sur les phénomènes de requalification et de recomposition des territoires. Par emprunt de la notion de territorialisation à la Science politique et à la Géographie, notre posture s'appuie sur une boîte à outils (théorique et méthodologique) capable de construire un regard oblique dont le principe est celui de l'indissociabilité des composants d'un même phénomène. En effet, l'originalité de cette recherche se situe principalement dans l'articulation d'approches habituellement considérées comme irréconciliables étant donné le caractère polyphonique des discours qui participent de cette poïétique territoriale - les modalités de la (re)génération d'un territoire - : l'approche identificationnelle matérialisée par les discours des acteurs politiques, et l'approche appropriationnelle qui s'intéresse aux récits de pratiques territoriales des habitants et des usagers. L'enjeu scientifique de cette thèse réside donc dans la compréhension du fonctionnement de ce processus communicationnel et de sa capacité à enchanter, par la médiation des discours, un espace intercommunal. Pour la compréhension de ce processus, nous avons pris appui sur le cas d'Ouest Provence, ancienne « ville nouvelle » située sur les rives de l'étang de Berre, au nord-ouest de Marseille, marqué par une imposante activité industrielle et polluante. Cette agglomération se trouve aujourd'hui dans une phase de normalisation, après avoir bénéficié, pendant quarante ans, du régime exceptionnel de ce projet de développement urbain initié et soutenue par l'État. À partir d'une approche ethno-sémiotique, nous avons constitué et analysé un corpus hétérogène de discours circulants (discours d'inauguration de l'identité nouvelle d'Ouest Provence, extrait du numéro inaugural du journal intercommunal, toponyme, logotypes, programmes et éditoriaux de saison de la régie culturelle SCOP), et de discours provoqués (entretiens ethnographiques auprès des acteurs politiques, administratifs et culturels, et auprès des spectateurs-abonnés de la régie culturelle SCOP). L'objectif étant de mettre au jour le travail d'obturation d'une partie du champ de vision de l'habitant et de l'usager que mènent les acteurs politiques, par une restructuration de leurs pratiques ou du moins de leurs effets, afin d'enchanter leur imaginaire territorial. Et c'est par l'intermédiaire d'un opérateur, le dispositif de la régie culturelle Scènes et Cinés, que se met en place cette stratégie. Effectivement, la pratique de sortie au théâtre est donc décrite comme une pratique de mobilisation des habitants et des usagers de manière à leur faire croire en cette « communauté imaginée » qu'incarne Ouest Provence. Mais à côté de ces discours d'élus, l'analyse des récits des pratiques des abonnés de Scènes et Cinés laisse entrevoir une territorialité dont les trois régimes que esquissés (le sentiment du chez-soi, l'engagement, et l'attachement à un être-ensemble) sont motivés par un rapport sensible au territoire. Cette dimension de la pratique de sortie au théâtre nous semble fondamentale en ce qu'elle révèle la nature du rapport individuel et collectif des spectateurs à leurs espaces de pratiques culturelles qui est, avant tout, façonné par la sensation et l'émotion. La territorialité spectatorielle constitue ainsi une expérience qui participe, tout au moins momentanément, du processus d'enchantement territorial. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : territoire(s), territorialité, intercommunalité, villes nouvelles, identité, communication territoriale, discours, énonciation, spectacle vivant, représentation, Ouest Provence.

Notre mémoire de recherche-création a pour point de départ deux conceptions sonores filmiques, auxquelles nous avons contribué en tant que monteur et concepteur sonores. Ces films – et leur bande sonore – ont, par leur forme, leur contenu, mais aussi par la dynamique ayant rythmé leur création, redéfini un aspect ou un autre de notre pratique. Ainsi, au moyen d'une auto-poïétique, nous explorons les différentes conditions de la création sonore mises en jeu, qu'elles soient d'ordre technique – le film Saint-Denys Garneau – ou d'ordre esthétique – le film Ma famille en 17 bobines. Dans chaque cas, nous cherchons aussi à explorer les problèmes poétiques et pratiques posés. Au creux de cette conjugaison de ces conditions émergent alors des outils de médiation, des relations humaines, des mouvements esthétiques et des postures d'écoute qui jettent un éclairage inédit sur notre pratique sonore. / This research-creation project finds its roots in two film sound designs to which I contributed as a sound editor or sound designer. These films – and their respective soundtracks –, by their form, their content, but also by the dynamics that pulsed their creation, have redefined certain aspects of my own sound work. In this study, by the means of an autopoietic analysis, I explore the creative conditions at play in the elaboration of my sound designs, as they answer to technical matters – the film Saint- Denys Garneau – or aesthetic matters – the film Ma famille en 17 bobines. In each case, I also seek to deepen poetic and practical problems. From deep in the combination of these conditions emerge mediation tools, human relations, aesthetic movements and modes of listening that shed new light on my sound practice.