Cette thèse met en valeur la grande évolution de l’art de la mise en scène et étudie la relation décor-technologie numérique du point de vue du design. Parmi les technologies numériques dont la scénographie fait l’usage, nous choisissons la technologie de la RV (réalité virtuelle) en tant qu’outil permettant de créer le décor au théâtre et pouvant enrichir la présence du spectateur. La préoccupation donc dès le début de notre recherche était de savoir comment enrichir le sentiment de présence chez le spectateur au décor d’un art théâtral. Il est très important pour nous de réussir à créer ce décor théâtral dans lequel le spectateur devient un acteur ou plutôt un «Spect-acteur ».Les nombreux avis qui s'opposent à l’intégration de la technologie de la RV au théâtre donnent des arguments liés au danger de l’immersion. Notre thèse met en lumière l’interaction comme une deuxième caractéristique fondatrice de la RV contrebalançant la passivité de l’immersion. Puis, nous abordons largement le sujet du design interactif.En vue de créer donc une vision sur le monde de la mise en scène de demain, nous adaptons le récit d’Alice au pays des merveilles pour créer notre projet Aider Alice. Celui-ci permet aux « Spec-acteurs » d’échanger avec les éléments virtuels d’une animation interactive dans le cadre d'un jeu vidéo collaboratif. Un groupe de trois participants, à chaque passage, contribue à changer le point de vue sur le décor ainsi qu’à choisir sa couleur. Nous considérons que la scène médiatisée crée un sentiment de présence chez l’ensemble du public alors que l’interaction est la clé qui enrichit ce sentiment chez les «Spect-acteurs ». / This thesis highlights the great evolution of the art of staging and studies the relationship between the scenery and the digital technology from the standpoint of design. It focuses on its role in the future of the scenography. The scenography is used among the digital technologies; we choose the "VR"virtual reality technology as a tool to create the scenery of the theatre to enrich the viewer's presence. The concern from the beginning of our research was about; how to enhance the sense of presence in the viewer to the decor of a theatrical art.It is very important for us to succeed in creating a theatrical setting in which the spectator becomes an actor or rather a “Spect- actor”. Research has highlighted a few examples that used the virtual technology in the scenography. We then tackle the critiques of this technology made by researchers in the theatre. Many opinions that oppose the integration of this technology in theatre give arguments related to the danger of the immersion. The thesis highlights the interaction as a second founding characteristic of the "VR" offsetting the passivity of immersion. Then we approach the subject of the interactive design.In order to create a vision of the world of the staging in the future, we adapt the story of Alice in Wonderland to create our project Helping Alice. This allows spec-actors to interact with virtual elements of an interactive animation within a framework of collaborative video game. A group of 3 “Spect- actors” everyone participate to change the view of the scenery but also to choose the colour. We consider that the mediatized scene creates a sense of presence among the public so that interaction is the key that enriches the received feeling.

Lys de la royauté ou croix de l’Église, l’espace des villes médiévales se caractérise par les marques qu’y ont apposées les institutionsmédiévales. À la fin du Moyen Âge, les nouvelles élites urbaines s’approprient ce marquage de l’espace public par l’image en yimposant leurs propres signes. Elles affirment alors leur présence sur la scène publique et artistique. Aux XIVe et XVe siècles, ledécor civil se fait l’expression tangible de cette transformation sociale ; des signes emblématiques et de petites sculptures figuréesinvestissent l’espace urbain. L’institution municipale fait édifier un bâtiment emblématique, l’hôtel de ville, dont le portail armoriéfait écho aux emblèmes qu’elle fait placer dans les lieux stratégiques. Les particuliers, à leur tour, transposent à leurs habitations cesmodes de représentation monumentale. Officiers ou marchands, ces hommes nouveaux couvrent leurs résidences de blasons, figuresreligieuses ou emblématiques. Les ensembles décoratifs, en les rattachant à un métier, une institution ou une paroisse, disent laposition sociale et les valeurs morales que revendiquent les commanditaires bourgeois. Ceux-ci, par la présentation de leurs insignespersonnels, de leur devise ou de leur nom, mettent en scène leur identité, introduisant dans l’espace public urbain des fragments desubjectivité. Des petites figures singulières et radicales se déploient : corps nus et exposés, scènes grotesques et allégoriques, quifigurent la déchéance possible pour valoriser le statut. Structurés et hiérarchisés, ces décors forment un système relationnel danslequel l’ascension répond à l’exclusion, signes d’un ordre social en transformation. / Whether royal lily or Christian cross, the space of medieval towns is characterized by the marks placed on it by medieval institutions.At the end of the Middle-Ages, the new urban elites make the process of marking the city their own by imposing their own signs onthe public space. Thus, they assert their presence on the public and artistic scene. In the 14th and 15th century, civilian decorationbecomes the tangible expression of this social transformation ; emblems and small sculptural figures conquer the urban space. Anemblematic edifice, the town hall, is erected by the municipal institution, whose emblazoned portal echo other emblems placed atstrategic locations. Private citizens, in turn, transplant into their homes these monumental modes of representation. Officers ormerchants – these men of a new kind – cover their residences with coats of arms, religious or emblematic figures. By linking them toa profession, an institution or a parish, these decorative programs state the social standing and moral values that those affluentcommissioners claim for themselves. By presenting their personal insignia, their motto or their name, they put their identity on stage,thereby introducing fragments of subjectivity in the public and urban space. Some singular and radical small figures begin toproliferate: exposed, naked bodies, grotesque and allegorical scenes that foreshadow one’s possible downfall in order to exalt one’scurrent status. Structured and hierarchically organized, these decors form a relational system in which social promotion dialogueswith exclusion : telltale signs of a social order in transformation.

Ce travail de recherche sur le décor sculpté religieux à Paris a eu pour ambition de reconstruire l'image d'un patrimoine en partie disparu : l'espace interne de l'église parisienne entre 1660 et 1760 à travers le mobilier liturgique, le décor en relief ou en ronde-bosse, dans la nef, le transept et le chœur des églises de la capitale du royaume. Notre étude analyse ainsi la sculpture religieuse dans son espace d'inscription immédiat, entre art monumental et art décoratif, de la fin des grandes commandes religieuses royales du XVIIe siècle, tel le Dôme des Invalides, à l'avènement du néo-classicisme dans le chœur de Saint-Germain-l'Auxerrois en 1760, avant la reprise des grands chantiers royaux, inaugurés par les travaux menées à la basilique Sainte-Geneviève. Même si une partie de ces décors a été démonté à la Révolution, il est possible d'appréhender précisément leur contenu, les éléments détruits étant analysés à partir de nombreuses sources iconographiques et écrites qui permettent de restituer l'œil du contemporain dans une église. Grâce à la découverte de nombreux contrats d'archives, il a été possible de déterminer les conditions et les facteurs matériels et religieux de la commande. L'étude des textes critiques, issus de la théorie artistique et religieuse contemporaine, pose le problème du luxe du décor religieux, ainsi que le problème de l'organisation de l'espace intérieur de l'église, et dont est largement tributaire l'évolution stylistique et formelle du décor. Cette thèse, combinant histoire de l'art, histoire du visuel, histoire économique et histoire religieuse, contribue ainsi à la connaissance d'un patrimoine artistique français méconnu. / This work on the religious sculptured decoration in Paris had for ambition to built the image of a partially disappeared heritage : the space interns of the Parisian church between 1660 and 1760 through the liturgical furniture, the relief decoration or in round-bump, in the nave, the transept and the choir of the churches of the capital of the kingdom. Our study so analyzes the religious sculpture in its immediate space, between monumental art and decorative art, the end of the big royal religious orders of the XVIIth century, such the Dome des Invalides, in the advent of the neoclassicism in the choir of Saint-Germain-l'Auxerrois in 1760, before the resumption of the big royal construction works, inaugurated by the works in the basilica saint-Geneviève. Even if a part of these decorations was destroyed in the Revolution, it is possible to determinate exactly their contents : the destroyed elements are analyzed from numerous iconographic and written sources which allow to restore the eye of the contemporary in a church. Thanks to the discovery of contracts of archives, it was possible to determine the conditions and the material and religious factors of the order. The study of the critical texts, stemming from the contemporary artistic and religious theory, raises the problem of the luxury of the religious decoration, as well as the problem of the organization of the internal space of the church, and on which is widely dependent the stylistic and formal evolution of the decoration. This work combine art history, history of the picture, economic history and religious history to contributes to the knowledge of an underestimated French artistic heritage.

S’interroger sur le décor de cinéma parait ouvrir un champ de recherche illimité, surtout lorsqu’il s’agit de la création cinématographique de Stanley Kubrick. Indéniablement le décor nous transmet l'état émotif des personnages, illustre l’ambiance des séquences et est même source de jouissance esthétique. Le décor de cinéma chez Kubrick apparaît alors comme un élément prépondérant de son langage cinématographique. Certains décors de ses films font même partie de notre mémoire cinématographique collective. Parmi ses treize longs métrages, cette recherche analyse plus précisément le décor dans A Clockwork Orange / Orange mécanique  (1971), décor aussi polémique que le film lui-même. Avec une approche pluridisciplinaire : cinématographique, esthétique, sémiologique, sociologique, historique, cette recherche montre le caractère symbolique et esthétique du décor qui est lié à son aspect iconique, plastique et à son rapport à l’élément sonore du film. L’objet principal est de faire comprendre le « sens » du décor et la façon de le construire au sein du film. L’étude du décor chez Kubrick permet de connaître ses sources d’inspiration et son goût pour l’architecture, le design et les Arts. De surcroît, cette recherche atteste son caractère perfectionniste grâce auquel il est considéré comme l’un des plus grands cinéastes visionnaires de l’histoire du cinéma. / Questions on film sets always seem to open up new fields of research, especially when the film is by Stanley Kubrick. Certainly, his scenic design conveys the emotional state of the characters illustrates the atmosphere of the sequences and even arouses our aesthetic pleasure. Kubrick’s film sets are a dominating element for his film language. Many of them are a part of our collective film memory. Among his thirteen films, this research focuses on the scenic design in A Clockwork Orange / Orange mécanique ( 1971 ) which caused as much debate as the movie itself. Thank to a multidisciplinary approach: cinematography, aesthetics, semiology, sociology, and history of art, this research shows the significance and artistic value of the film sets which are linked to its iconic and plastic aspects and to its relationship with sound. The main objective is to clarify the "meaning" of the film sets and the way they are conceived within the movie. The study of the Kubrick’s film sets allows us to know his artistic tastes, his sources, classical and contemporary, of architecture, design and Arts. Furthermore, this research gives evidence of his perfectionist character, thanks to which he is considered as one of the greatest visionary filmmakers of cinema’s history.

Le décor architectonique de l’Arles antique traite de l’ensemble des éléments lapidaires d’architecture décorés de l’antique Arelate. La prise en compte du plus grand nombre de bloc a permis de proposer une synthèse sur l’évolution stylistique et chronologique de l’ornementation arlésienne – une frise qui s’étale du premier triumvirat au Vème siècle après J.-C. – et une restitution du développement architectural du centre monumental d’Arles. L’étude s’articule autour des deux principaux axes analytiques que sont les motifs ornementaux canoniques constitutifs de la modénature des blocs et les composantes architecturales. Par ces analyses, l’objectif premier était de fixer un certain nombre de jalons chronologiques qui pourront faire office de référence en Narbonnaise pour la datation d’éléments d’architecture. Notre raisonnement et les méthodes employées avaient vocation à répondre à une problématique générale qui était la place d’Arles au sein de la Gaule Narbonnaise, notamment par la définition ou la précision de la circulation des cartons et les rapports entretenus avec Rome. Arelate présente toutes les caractéristiques d’une ville ayant brillamment réussi la transposition des « modèles romains », adaptée à son urbanisme et à sa topographie. Rome, et Auguste particulièrement, ont marqué de leur empreinte la ville par les mutations qu’ils ont favorisées et encouragées, à moins qu’ils ne les aient simplement décidées. Ces premiers aménagements sont suivis, au fil des années, de réalisations confirmant le rôle de la colonie dans un processus de romanisation passant en grande partie par l’architecture et le développement de son ornementation. / The architectural decoration of ancient Arles concerns all lapidary decorated architectural elements of Ancient Arelate. Taking into account the largest number of blocks allowed us to propose a synthesis of the stylistic and chronological evolution of Arles ornamentation - a frieze which runs from the first triumvirate to the fifth century AD - and restitution of architectural development of the monumental center of Arles. The study focuses on two main analytical axes, canonical ornaments and architectural components. For these analyses, the primary objective was to fix a number of historical milestones that will serve as a reference for dating Narbonese architectural elements. Our reasoning and methods used were intended to respond to a problem that was the place of Arles in Narbonese Gaul, including the definition or the accuracy of the movement of canonicals ornaments and relationships maintained with Rome. Arelate has all the characteristics of a city having succeeded in the implementation of the "Roman models", adapted to its town planning and its topography. Rome and Augustus in particular have left their mark on the city by the mutations that they fostered and encouraged, unless they simply decided on them. These early developments were followed, over the years, by achievements confirming the role of the colony in a process of Romanization passing largely by the architecture and the development of its ornamentation.

Cette recherche s’inscrit dans le contexte actuel où bon nombre de disciplines créatrices cherchent à redéfinir le contour de leur activité. La scénographie n’en fait pas exception. Dans une période très récente, des questions sur les limites de la scénographie et son rapport avec les autres arts se sont posées. Cette thèse prétend démontrer que les bouleversements à l’œuvre ces dernières années sont majeurs en affectant le rôle même du scénographe. Il nous a paru cohérent de concentrer la recherche sur la 12e édition de la Quadriennale de Prague en 2011. En effet, cette édition fut le premier événement qui effectua un changement terminologique, introduisant dans ce contexte le terme de Performance Design en le substituant le terme traditionnel de scénographie. L’accent mis sur ce concept prétendait inclure de nouvelles formes de créations émergeantes. Ce changement provoqua des échos importants et suscite depuis de nombreux débats dans le domaine des arts de la scène. Il semblait donc nécessaire de déterminer les nouveaux contours de la discipline. Quelles sont les fonctions actuelles du scénographe ? Quelles compétences doit-il avoir aujourd’hui pour répondre aux enjeux propres de la mise en scène ? Quels sont les domaines où le scénographe exerce sa pratique ? Quelles sont les limites de la scénographie ? Ou encore, quels sont les nouveaux espaces, au-delà des domaines traditionnels, qui s’ouvrent comme champs de pratique ? Interroger le statut actuel du scénographe exige inévitablement de revenir sur ses définitions historiques. Cette recherche ne prétend pas être une étude exhaustive de l’histoire de l’évolution du rôle du scénographe. Cela nous a cependant permis d’isoler trois fissures dans son évolution. Nous proposons de développer cette analyse à partir de trois catégories : fonction, domaine, et compétence. Afin de compléter un débat somme toute théorique, nous avons souhaité entendre les voix de scénographes de différents pays dans le monde. Cette diversité d’entretiens nous a permis d’avoir un exemple vivant de la réalité particulière de ceux qui exercent la discipline aujourd’hui. / This research fits into the current context in which many creative disciplines seek to redefine the outline of their activity. The scenography is no exception. In recent years, questions have arisen about the limits of scenography and its relationship with other arts. This thesis aims to show that the upheavals at work in the last years have profoundly affected the role of the scenographer. It has seemed coherent to us to focus the research on the 12th edition of the Prague Quadrennial in 2011. Indeed, this edition was the first event that made a terminological change, introducing in this context the term Performance Design substituting the traditional term of Scenography. The emphasis on this concept had the purpose of including new forms of emerging creations. This change provoked important echoes and has been the subject of many debates in the field of the performing arts. It therefore seemed necessary to determine the new contours of the discipline. What are the current functions of the scenographer? What skills must he have today to respond to the specific challenges of staging? What are the areas where the scenographer practices? What are the limits of the scenography? Or again, what are the new spaces, beyond traditional domains, that open up as fields of practice? To question the current status of the scenographer inevitably requires a reconsideration of his historical definitions. This research does not claim to be an exhaustive study of the evolution of the scenographer's role. Nonetheless it has allowed us to isolate three cracks in its evolution. We propose to develop this analysis by means of three categories: function, domain, and competence. In order to complete a theoretical debate, we wanted to hear the voices of scenographers from different countries around the world. This diversity of interviews has allowed us to have a living example of the particular reality of those who exercise the discipline today.

Throughout their careers the Impressionists demonstrated a strong, but rarely examined, interest for decoration. A careful examination of both archival material and well-known artworks produced between 1870 and 1895 shows that Pissarro, Degas, Cézanne, Monet, Renoir, Morisot and Caillebotte never ceased to explore the values of decoration and the decorative. Set in the context of the Third Republic’s passion for monumental decoration and deep interest in the decorative arts, the Impressionists’ experiments range from ceilings to ceramic tiles, and from never achieved projects to ambitious realisations (although none remain in their original location). One painter among those surveyed also engaged with theoretical thinking: Renoir wrote for the press and drew up the drafts of a Grammar mainly focused on the decorative arts. Along with a number of artworks explicitly designated as decorative that were predominantly exhibited at the Impressionist shows, the Impressionists further produced more than twenty decorative ensembles made for the interiors of amateurs who then became patrons. Renoir, who started his career as a painter on porcelain, worked in the 1870s for the Parisian homes of a Romanian aristocrat, prince Bibesco, and of a leading publisher, Georges Charpentier, but also for the country house of Paul Berard. Monet, in a similar fashion, painted for the department store magnate Ernest Hoschedé in his property of Montgeron. Initially publicised by the painters in the 1870s, the decade on which this thesis focuses, the Impressionists’ decorative works were subsequently undertaken more quietly though continuously. Morisot painted a chimney trumeau for her own salon, to which Monet gave a pendant (they were eventually used as overdoor panels). Monet and Renoir also painted door-panels for Durand-Ruel. None of these later schemes were actually promoted towards a wide public, showing how the Impressionists’ commitment to painting decorations went from a strategic (and partly commercial) vision to embody a deeper reflection on the essence of painting and its relation to the wall – a reflection that the larger dissertation submitted to the Université de Bourgogne embraces. The critics’ attention, however, went the opposite way. It grew from a relative but highly meaningful disinterest to making the decorative key to their approach at the turn of the century, but in all situations, mocking or praising, their comments shed a crucial light on the Impressionist’s enterprises and their relations to the society’s concerns. An analysis of the Impressionists’ decorative experiments and their critical reception encourages, as this thesis aims to demonstrate, a reconsideration of our vision of Impressionism, for its development drew much more from the decorative than has so far been discussed.

Dans les récits médiévaux, la réalité littéraire du décor est avant tout l'expérience imaginaire qu'introduit l'acte de lecture, avant d'être instrument qui permet au lecteur de réaliser l'image. Dans notre étude, il nous importe de préciser les éléments descriptifs, naturels et architecturaux, ou les visions du décor servant de cadres aux romans médiévaux. Avec une grande économie de moyens, la langue médiévale dit tout sur le sujet. En effet le stéréotype fonctionne toujours parfaitement, mais nous avons aussi de belles, brèves – mais énergiques – descriptions de châteaux et de villes. Les éléments du paysage peuvent s'ordonner en un panorama cohérent qui sait se mettre au service de l'action. Répondant aux nécessités du récit et sous forme de mentions généralement brèves, nous voyons apparaître peu à peu les éléments constitutifs des décors, naturels et urbains. Les rapides indications sont celles qui font apparaître le mieux la réalité d'un château ou d'une ville des XIIe et XIIIe siècles, telle qu'un romancier pouvait les présenter et les donner à voir à son public. / For a reader of medieval narratives the literary of the scenery, is in the first place an imaginary experience introduced by the act of reading and only subsequently it serves the role of an instrument necessary to reconstruct the image. In the present study, I discuss and reflect upon the natural and architectural elements of description and also the visions of the scenery recurrent in the medieval novel. The medieval language is extremely efficient in its descriptions of subject. The stereotypes are ever present, though punctuated by beautiful, short, yet vivid, descriptions of castles and cities. The elements of the landscape at times form a coherent panoramic setting for the action. Brief descriptions and mentions of the elements of the scenery, both natural and urban, appear as they are called for by the narrative. Such short indications appear to best show the reality of the castles or cities of XII and XIII century.

Cette thèse se propose de mettre en relief des enjeux esthétiques et théoriques encore inaperçus du décor filmique, en prenant pour exemple le travail de Luchino Visconti, dont le cinéma fournit un cadre privilégié pour mener une telle recherche. Cinq grands films en costumes situés dans un XIXe siècle tardif, entre 1860 et 1911, constituent le corpus de l’étude, que vient compléter l’horizon réflexif des mises en scène de théâtre. On se donne pour tâche de relever et de faire ressortir les fonctions descriptive, historique et dramaturgique du décor. Le concept de scène ouvre ce décor XIXe à son extension la plus large : de l’espace au temps, du plus matériel au moins évidemment perceptible, du visuel au sonore. Le décor est cette scène, à la plasticité et la malléabilité remarquables, sur laquelle se met en place une poétique indissociable des perspectives temporelles. Comme scène, le décor est là où l’émergence du XIXe se noue, se joue et se structure selon trois niveaux : l’historicité, le drame, le temps. De la reconstitution historique à l’imagerie du siècle, des rhétoriques XIXe à la dramaturgie passionnelle, de la mise en scène du temps aux décors-temps en passant par les fictions et la corporéité du décor : voilà vers quelle poétique les scènes du décor acheminent le spectateur. Le distendant jusqu’à ses limites les plus élargies (le temps et ses mouvements, son anachronisme et sa fragmentation, ses fractures et sa musicalité), la réflexion aborde pour finir le décor XIXe comme cette forme cinématographique aspirant à une autre visibilité : telle une présence qui « inquiète le regard » (D. Païni). Cette approche du décor permet alors de repenser le travail de Visconti dans la modernité. / This doctoral thesis aims at highlighting aesthetic and theoretical aspects of film sets, throughout the work of Luchino Visconti. Five great costume films taking place in the late nineteenth century, between 1860 and 1911, complemented by the reflexive horizon of theatre stagings, constitute the corpus of the analysis. Descriptive, historical, and dramatic features of the film sets are identified and highlighted. The notion of scene enables us to consider the nineteenth century sets through a broad spatial and temporal scope; from the more substantial to the least clearly perceptible; from vision to audition. The film set is considered as a stage, with its characteristic plasticity and malleability, whereby the poetics is set up, indivisible from temporal perspectives. As a stage, the film set is the place where the emergence of the nineteenth century gets structured according to three levels: historicity, drama, and time. From the reconstruction of history to the imagery of the century, from the nineteenth century’s rhetoricity to the passionate drama, from the staging of time to temporal-settings, through film sets’ fictions and corporeality: this is the poetics towards which film sets’ scenes carry on the viewer. Distending the film set to its most extended limits (its time and movements, its anachronism and fragmentation, its fractures and musicality), towards the end, the reflection tackles the nineteenth century film sets as a cinematographic form aspiring to a new type of visibility — similar to a presence which "worries the sight" (D. Païni). This wide approach of the film set enables us to analyse Visconti’s work through the lens of modernity.

La thèse traite du décor de stuc à Damas à l'époque des Zanguides et des Ayyoubides; nous avons sélectionné neuf monuments de la vieille ville de Damas et de ses faubourgs, aux décors en stuc abondants les plus marquants à cette époque. Ce sont: al-Bïmaristan al-Nürï, al-Madrasa al-Nüriyya, al-Madrasa al­Badriyya, al-Turba al-Hatünïyya, al-Madrasa al-Sâmiyya al-Barrâniyya, la Mosquée d'al-Hanâbila, la Mosquée d'al-Tawba, al-Bïmaristân al- Qaymarï et al-Turba al-Takrïtiyya. La thèse est organisée en deux volumes : un premier volume d'étude et un second rassemblant un catalogue et les illustrations. Le premier volume s'organise en trois parties. La première partie est consacrée au contexte géographique et historique de la ville de Damas, à travers son expansion intra et extra-muros au cours du temps, suivie par une présentation du stuc en tant que matériau: caractéristiques, techniques utilisées et évolution chronologique à partir du début de l'époque islamique. La deuxième partie présente une étude détaillée des monuments par ordre chronologique; chaque monument est décrit sous trois aspects: historique, architectural et surtout ornemental. Une datation approximative du décor est proposée, suite à l'analyse et à l'étude comparative du décor. Chaque panneau décoratif est détaillé en suivant cinq axes de recherches. Nous abordons en premier lieu le cadre du décor, son schéma directeur et sa composition décorative; puis, nous identifions les motifs et nous dénombrons en vue de statistiques les motifs utilisés dans chaque panneau décoratif; nous commentons ensuite le traitement intérieur des motifs. La troisième partie de notre étude aborde la synthèse, sous forme d'étude analytique comparative de chaque étape de l'étude du décor, en établissant une iconographie des différents motifs floraux à partir du répertoire ornemental des neuf monuments étudiés; ces motifs sont classés en fonction de leur forme la plus simple et de leur type. L'étude comparative a été réalisée à partir de ces monuments ou d'autres monuments de la même époque, sur différents matériaux. Nous avons abordé l'étude typologique des motifs à partir de leur origine. L'analyse comparative des procédés de décoration nous a permis de dégager certains points : les motifs floraux utilisés en soulignant les plus fréquents et les plus rares, ainsi que les écoles artistiques dominantes dans le décor de stuc de Damas à l'époque zanguide et ayyoubide. / This research deals with the stucco decoration in Damascus during the Zangid and Ayyubid period. Nine monuments have been selected in the old city of Damascus and its outskirts, because of their particular importance. These are al-Bîmaristan al-Nürî, al-Madrasa al-Nüriyya, al-Madrasa al- Badriyya, al-Turba al-ljatünîyya, al-Madrasa al-Samiyya al-Barraniyya, al-ijanabila mosque, al­Tawba mosque, al-Bîmaristan al- Qaymarî and al-Turba al-Takrîtiyya. The thesis is organized in two volumes: the first volume is dedicated to the study of the decoration, the second volume contains the catalogue and the figures. The study volume is divided into three parts. The first part presents the geographical and historical context of Damascus through its expansion intra-muros and extra-muros through the time, followed by a presentation of the stucco as a material, its characteristics, its techniques and its chronological evolution since the early Islamic period. The second part is devoted to the detailed study of the monuments in chronological order. Each monument is described through three aspects: historical, architectural and ornamental. An approximate dating of the decorations is proposed according to the analysis and comparative study. Each decorative unit is detailed according to five lines: the environment of the decoration, its design blueprint and decorative composition, the identification of decorative patterns, the statistical use of each separate pattern, and finally the inner treatment of each pattern. The third part provides a synthesis with an analytical and comparative study. A directory of the different floral patterns used in the nine monuments has been established and organizcd according to their basic type. The comparative study is conducted through these monuments and other contemporary monuments, displaying various techniques. This comparative analysis allowed to highlight some aspects such as: the most commonly used floral designs or the rarest, and the different styles dominating the stucco decoration in Zangid and Ayyubid Damascus.