Dès la fin des années 1980, de jeunes auteurs, désireux de s'affranchir du poids des contraintes de la bande dessinée classique, se sont regroupés afin de mettre sur pied de nouvelles structures éditoriales adaptées à leur ambition créatrice. C’est ainsi que fut créée en 1994, par un groupe d'auteurs belges, la structure éditoriale Fréon. Les œuvres qui y sont publiées, et particulièrement celles de leur collection Amphigouri, détonnent dans le paysage classique de la bande dessinée, révélant un projet éditorial singulier dont notre mémoire a voulu faire état. À partir d’un échantillon de quatre œuvres, nous avons tenté de cerner les caractéristiques qui singularisent ce projet éditorial et d’en évaluer les enjeux pour le domaine de la narration graphique contemporaine. L'analyse systématique des quatre ouvrages nous a permis de relever, tant aux niveaux technique, formel, narratif que thématique, les caractéristiques communes qui construisent l’identité de cette collection, l'exigence de la démarche qui l’anime. L’articulation de ces caractéristiques nous aura ainsi conduite à l’identification du «concept» du projet éditorial qui est l’assise de la collection. Nous en aurons conclu que les œuvres amphigouriques attestent d’une volonté éditoriale cohérente, précise et exigeante. Plus précisément, la collection Amphigouri revendique une utilisation résolument poétique des ressources du médium. Les principales caractéristiques de cette approche semblent être la création d’une nouvelle expression plastique, l’économie du scriptural, un investissement rigoureux de la contrainte modale, l'opacité et la polysémie du récit, la faculté de résister à une lecture immédiate, le choix d’exploiter les arts graphiques «traditionnels», mais également le souci d'une réflexion sur l’acte de narration. Notre démarche nous aura ainsi permis d’analyser une production par laquelle les ressources intrinsèques de la bande dessinée sont mises à profit: une production qui nous laisse entrevoir les nouvelles avenues que le genre mixte du 9e art est susceptible d’emprunter. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Fréon, Amphigouri, bande dessinée, narration graphique, modalités expressives.

Devant l'esthétisation croissante de la domination, l'auto-référentialité fonctionnelle du champ artistique et le manque d'inspiration des luttes sociales, il s'avère pertinent d'accorder une attention soutenue à l'imaginaire, à la créativité et aux affects dans les processus politiques. Ce mémoire, issu d'une volonté de ne pas se laisser abattre par l'inconsistance du monde et des rapports humains, pose d'emblée la nécessité de l'émancipation. La réflexion développée ici vise en ce sens à comprendre comment l'expérience esthétique peut contribuer aux processus d'émancipation, de quelle manière les théories esthétiques et les pratiques artistiques sont en mesure d'inspirer la praxis politique émancipatrice. Diverses perspectives théoriques (communisme libertaire, poststructuralisme, théorie critique, phénoménologie, etc.) seront mobilisées à cet effet afin de refléter autant que faire se peut le caractère fuyant, irréductible au discursif, de l'art et de l'expérience esthétique. L'analyse du concept d'émancipation tend d'abord à montrer qu'il s'articule comme un lien intensif et actif entre éthique et politique mobilisant des processus de subjectivation spécifiques et se déployant sous la forme d'un mouvement perpétuel d'affirmation et de négation. L'esthétique, traversée par des dynamiques similaires, entretient des rapports complexes avec l'émancipation, rapports à travers lesquels ces deux notions en viennent à se stimuler mutuellement. Les enjeux problématiques que sont le rapport de l'art à la société et aux institutions ainsi que la tension entre communication et conflit illustrent la manière dont l'art et la perspective esthétique interrogent et approfondissent la démarche émancipatrice. Une telle réflexion est mise à l'épreuve par l'étude critique de trois cas de pratiques artistiques contemporaines venant illustrer la difficulté de réaliser effectivement des processus émancipateurs. Le rapport entre art, esthétique et politique demeure pourtant une source d'inspiration constante pour la praxis émancipatrice, qui voit de multiples pistes s'ouvrir devant elle dans cette voie. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Émancipation, Pensée politique, Esthétique, Pratiques artistiques.

L’objectivation de la démarche artistique en arts visuels dans le contexte d’un projet de création avec des étudiants en milieu universitaire francophone au Québec est une recherche-action-formation de type exploratoire. Elle investit l’objectivation du concept de démarche artistique à partir de la praxis en arts visuels, les phases du travail de la création et la pratique réflexive. Cette étude répond à la question suivante: La systématisation de critères d’objectivation de la démarche artistique permet-elle l’observation de l’élaboration de cette dernière chez des étudiants qui réalisent un projet de création en arts visuels? La rencontre de l’objectif général a privilégié la validation d’un modèle de démarche artistique conçu pour une formation universitaire en arts visuels et appliqué par des étudiants dans la réalisation d’un projet de création. C’est dans le cadre d’un Certificat en arts visuels offert à l’Université de Sherbrooke et lors d’une situation d’enseignement-apprentissage effectuée dans le cours Projet de création, que neuf sujets ont été observés afin de retracer en temps réel, la trajectoire de construction d’une démarche artistique. C’est par l’entremise des concepts d’objectivation et de démarche artistique qu’ont été cernés les niveaux d’objectivité et les modes d’opérationnalisation de ce vécu expérientiel. Ancrés dans la création, les indicateurs qui caractérisent une démarche artistique ont été objectivés à travers les apports de la poïétique, du milieu professionnel artistique contemporain et de la didactique des arts visuels. L’analyse et la discussion des résultats des données collectées à partir d’outils réflexifs et d’entrevues semi-dirigées montrent la démarche de compréhension, d’appropriation et de différenciation de cette trajectoire pour les neuf sujets confondus et à l’égard de chacun d’entre eux. Cinq des neuf sujets ont démontré l’engagement d’une démarche artistique. La validation scientifique de cette recherche s’est avérée concluante dans les rapports des indicateurs d’une démarche artistique vus en progression et de la distribution temporelle des effectifs réflexifs identifiant une trajectoire non linéaire mais plutôt spiralaire. Ainsi, la trajectoire de construction d’une démarche artistique d’étudiants universitaires serait au croisement d’un parcours transversal marqué par la triangulation des trois capacités ‘‘se dépasser, se situer et articuler’’, du vécu d’une séquence didactique en quatre temps accompagnée par une pratique réflexive et de la posture médiatrice de la formatrice, artiste professionnelle.

Tracey Emin est une figure singulière du monde de l'art londonien de par sa présence marquée autant dans le monde de l'art contemporain que dans les médias de masse. Les discours de l'artiste tendent à opérer un brouillage entre son œuvre et sa vie personnelle en se fondant sur une authenticité mis en avant par Emin elle-même. Elle se constitue ainsi une identité d'artiste femme en récupérant des stéréotypes attribués aux artistes. Toutefois, il ne peut être question de la véracité de l'authenticité d'Emin, puisque celle-ci est invérifiable. C'est pourquoi ce mémoire s'attarde plutôt sur le succès des actes et des discours d'Emin dans l'instauration de son statut d'artiste. Pour ce faire, le concept de performativité tel que développé par Judith Butler et les écrits de Foucault sur la parrhesia servent d'outils d'analyse afin de déterminer comment Emin parvient à se créer cette identité d'artiste femme tout en se faisant accepter comme telle par la plupart des spectateurs. Ce mémoire se penche sur les transformations dans les moyens employés par Emin afin de faire fonctionner son identité d'artiste. Ainsi, à travers l'analyse de l'œuvre The Exorcism of the Last Painting I Ever Made de 1996, il est question de la manière dont Emin doit se mettre en scène comme artiste à travers ses œuvres afin de se distinguer dans le monde de l'art étant donné son anonymat relatif à l'époque. La série de scandales qui éclate à la fin des années 1990 sert ensuite à démontrer comment, à travers une accession soudaine à la célébrité, Emin doit adapter ses discours à sa visibilité soudaine. Emin parvient finalement à maintenir sa visibilité au cours des années 2000 et l'examen de sa chronique hebdomadaire « My Life in a Column », publiée dans le journal The Independent, démontre comment Emin consolide son identité d'artiste en prenant le lecteur à témoin de ses aléas quotidiens. Le succès des diverses stratégies exploitées par Emin permet d'affirmer que sa pratique comporte une dimension politique insoupçonnée, puisqu'elle parvient à faire admettre des comportements habituellement jugés inadmissibles par le public. Ainsi, la performativité chez Emin opère une déstabilisation des normes qui forment son identité à la fois comme femme et comme artiste. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Tracey Emin, discours sur l'art, femme artiste, stéréotypes attachés à l'artiste, performativité.

Ce projet doctoral prend la forme d'une thèse-création. Il s'agit d'une recherche où la pratique en art constitue le point de mire d'une théorisation. Cette thèse vise la compréhension du cheminement de l'oeuvre interdisciplinaire Mosaïque, depuis sa genèse en 2001, jusqu'à son actualisation lors de sa présentation au Théâtre de Verdure à Montréal le 16 août 2006. La démarche artistique, qui se déploie dans la rencontre entre le mouvement live, la projection vidéo et la diffusion sonore, sera observée à travers trois axes théoriques: subjectivité corporelle; poïésis et oeuvrement; trace et transcripture. Le processus de création est traversé par une fascination pour le corps en mouvement aboutissant à convoquer consciemment l'émergence créatrice. Les axes théoriques sont orientés à comprendre: comment se manifeste la subjectivité corporelle au sein d'une création artistique et comment en garantir l'implication aux différentes étapes de l'oeuvrement ; quelles sont les caractéristiques du cheminement de création de Mosaïque; est-ce qu'une action impliquée laisse sa marque dans l'oeuvre actualisée et est-ce que cette trace trouve son prolongement dans le devenir de l'oeuvre. Fondée sur les découvertes caractéristiques de la pratique, cette étude consiste à théoriser le modèle de l'oeuvrement : contours, finalités, cheminement singulier, phases de création, méthodologie appropriée pour comprendre la survivance de l'émergence créatrice, ou des implicitations comprises dans la trace et notamment d'une deuxième catégorisation conceptuelle se profilant dans le modèle de l'oeuvrement, la transcripture. La problématique de cette thèse est liée à la survivance de l'émergence créatrice dans la trace actualisée (l'oeuvre Mosaïque), afin de découvrir la façon dont se conjugue un processus dynamique et l'oeuvre actualisée: soigner la manière d'être dans l'oeuvrement marque-t-elle l'oeuvre? C'est ainsi que la question se pose: Retrouve t-on dans l'oeuvre Mosaïque des traces de l'oeuvrement? L'hypothèse de départ est que le corps aurait un rôle à jouer dans la démarche et la réflexion artistique. Dans ce sens, il participerait au phénomène d'oeuvrement interdisciplinaire en art. En arrière-scène, ce rôle que tiendrait le corps développerait une nature de conscience corporelle, évolutive, subjective, quelque chose de vivant et de changeant. Ainsi, la contribution du corps dans l'oeuvrement demande à être cultivée avant de devenir une dimension de la subjectivité corporelle, avant d'intégrer ce nouvel état de conscience qui marquerait l'oeuvre. La grande posture de ma recherche se situe dans une démarche heuristique, c'est-à-dire dans un pas à pas de découvertes où j'étudie ma propre expérience de recherche-création en tant que sujet-chercheure-auteure de l'oeuvre et de la thèse. Cette recherche s'inscrit dans une pensée post-positiviste où coexistent plusieurs vérités. En outre, on retrouve une composante phénoménologique dans le sens où, saisir un processus de création est une expérience du vécu humain. Par ailleurs, dans la spécificité de la méthodologie d'analyse, cette recherche poïétique visera la compréhension du phénomène de l'oeuvrement dans une démarche compréhensive et interprétative. La compréhension relèvera de deux types d'analyses des données: phénoménologique et herméneutique. Ainsi, l'oeuvre sera l'objet d'une description détaillée qui servira en second lieu à une interprétation. Parmi les résultats de ma recherche, le modèle de l'oeuvrement conduit à mettre à jour cinq catégories en filiation avec l'heuristique: posture herméneutique, expérience immédiate, subjectivité corporelle, implication et pensée émergente créatrice. Sur le plan épistémologique, cette recherche a porté l'expérience d'une nouvelle procédure qui se distingue des définitions traditionnelles des méthodes qualitatives. Ainsi, on retrouve une extension à la démarche heuristique par une implication n'intervenant pas uniquement sur le terrain, mais où le chercheur est impliqué au sein de sa propre subjectivité corporelle. L'analyse herméneutique a permis de comprendre que deux principes en apparence antinomiques, trace et oeuvrement, ne s'inhibent pas. Ces deux forces opposées s'entrelacent et se potentialisent sous certaines conditions d'observations. Cette analyse apporte une nouvelle perspective à la compréhension des enjeux à l'oeuvre dans l'alliance entre processus et trace. En effet, dans l'analyse, la trace est réinvestie dans un processus encore agissant: la transcripture. L'analyse de l'oeuvre et de l'oeuvrement dévoile l'existence d'une survivance de l'oeuvrement au sein des traces qui sédimentent l'oeuvre Mosaïque, notamment en lien avec le continu et le discontinu. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Poiësis, Heuristique, Processus de création en art, Trace, Subjectivité corporelle.

Cette recherche porte sur l'œuvre d'art comme dispositif, sur le décloisonnement des pratiques artistiques actuelles en tant que facteur déterminant de la réception de l'art. L'hypothèse qui sera explorée dans ce mémoire est que le décloisonnement des pratiques artistiques entraîne une diversification importante des contextes de l'art, ce qui favorise l'élargissement de la notion de public et une réévaluation de son rôle. Si les pratiques artistiques contemporaines nous semblent complexes à définir, ce serait lié à leur hétérogénéité ainsi qu'à la dissémination des contextes de diffusion : les œuvres s'insèrent dans des communautés, elles vont vers des lieux publics, des espaces sociaux et médiatiques rejoignant potentiellement un public plus large et engageant une participation plus directe du public. Nous étudions ici des pratiques artistiques qui soulèvent des questionnements sur la société dans laquelle nous vivons et qui mettent l'accent sur les relations intersubjectives et sur la réception de l'œuvre. Nous croyons que le contexte social de présentation de l'œuvre a un impact déterminant et qu'il peut transformer le rôle du public. Ce que nous voulons démontrer, c'est que l'œuvre d'art ne se conçoit pas comme un simple objet, mais comme un dispositif et que, ce faisant, l'œuvre d'art se dote d'un nouveau potentiel, celui d'élargir le public de l'art, tout en l'obligeant à une forme d'engagement plus complexe. Nous analyserons de façon comparative « La Cantine » de Massimo Guerrera, l'exposition « Keep it slick, Infiltrading capitalism with The Yes Men », de The Yes Men ainsi que « Money-back Products (Produits remboursés) » de Matthieu Laurette. Il est essentiel de noter que les œuvres de notre corpus ont des caractéristiques communes qui ne se situent pas dans leurs objets : elles se déploient dans d'autres espaces - c'est-à-dire l'espace public, social et médiatique; elles proposent des modes de relations nouveaux; et finalement, plus fondamentalement, elles regroupent des hétérogènes. Cette caractéristique est centrale et constitue le fondement de toute la réflexion qui sous-tend notre projet. Le principal problème qui se posait à nous était de trouver comment faire une étude qui porte en partie sur le public - les publics - sans sombrer dans les débats qu'animent les milieux de l'art et de la sociologie de l'art contemporain. Nous avons voulu partir des œuvres elles-mêmes pour comprendre leur potentiel à rejoindre le public. C'est là que la question de l'hétérogénéité s'est posée avec le plus d'acuité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : dispositif, art actuel, Massimo Guerrera, Matthieu Laurette, The Y es Men, public, hétérogénéité, esthétique relationnelle, intervention en milieu urbain, infiltration médiatique.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Le présent travail explique et approfondit la démarche artistique d’un compositeur travaillant à partir de la musique traditionnelle québécoise et cherchant à donner un élan à son travail en s’inspirant des musiques savantes. Il est divisé en trois chapitres dans lesquels on retrouve des analyses détaillées de pièces issues du répertoire traditionnel québécois et des répertoires classique et jazz. Le premier chapitre traite d’œuvres de Joseph Allard, Louis « Pitou » Boudreault, Jos Bouchard et Aimé Gagnon en cherchant à préciser les éléments stylistiques qui caractérisent le style d’ici. Le deuxième chapitre analyse les pièces Stolen Moments d’Oliver Nelson et Waltz for Debby de Bill Evans et explore un jazz en équilibre entre conservatisme et innovation. Le troisième chapitre explore deux approches originales à la modalité dans des musiques riches en variations par l’analyse de Pagodes de Claude Debussy et de Ostinato de Béla Bartók. Le quatrième chapitre expose ma démarche. / This work explains and elaborates the artistic approach of a composer that works primarily with traditional Quebec music and wishes to give momentum to his work by inspiring himself with the jazz and classical idiom. It is divided in three chapters in which pieces of the traditional repertoire and of the classical and jazz repertoires are analyzed in detail. The first chapter describes works of Joseph Allard, Louis « Pitou » Boudreault, Jos Bouchard, and Aimé Gagnon and aims at defining some stylistic elements specific to Quebec's traditional style. The second chapter addresses the pieces Stolen Moments by Oliver Nelson and Waltz for Debby by Bill Evans and explores a jazz in balance between conservatism and innovation. The third chapter deals with original approaches to modality through the analysis of two musical pieces rich in variations: Pagodes by Claude Debussy and Ostinato by Béla Bartók. The fourth chapter presents my own creative process.