Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce travail de thèse interroge la représentation du héros au sein des mouvements réaliste et naturaliste du XIXe siècle. Il s'agit, au travers d'un corpus de six romans et nouvelles, de mettre en lumière la tension inhérente à la figure héroïque chez Honoré de Balzac, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant et Émile Zola. Malgré un refus apparent du modèle classique antique qui se signe par une banalisation du personnage principal, les romanciers réalistes-naturalistes n'échappent finalement pas à la tentation héroïque; en proposant un parcours initiatique et des formes originales de sacralisation, ils fabriquent un nouveau type de héros, à la fois plus proche des préoccupations de la société de l'époque et traversé par des représentations mythiques, éternelles (qu'elles soient issues du domaine mythologique, biblique, littéraire, psychanalytique ou religieux). La dialectique entre temporalité sociétale et permanence du légendaire se donne alors à lire. Cette thèse de doctorat cherche donc à démontrer l'exécution immuable d'une symphonie héroïque au sein de la poétique réaliste et naturaliste tout en rappelant la nature spécifique du héros chez chaque auteur étudié. / This thesis questions the representation of the hero by the realist and naturalist movements of the XIXth century. Transgressing six novels and short stories, it aims at highlighting the inherent tension of the heroic figure in the works of Honoré de Balzac, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant and Émile Zola. Despite an apparent refusal of the classic antique model which is illustrated by a trivialization of the main character, the realist-naturalist novelists do not escape from the heroic temptation; by offering a journey of initiation and unusual forms of sacralization, they fabricate a new type of hero, both closer to the concerns of society at that era and influenced by mythical and eternal representations (whether from mythological, biblical, literary, psychoanalytical or religious fields). The dialectic between the societal temporality and the permanence of the legendary is thus to be read. This doctorate thesis therefore seeks to de! monstrate the immutable execution of a heroic symphony within the realist and naturalist poetry while recalling the specific nature of the hero in the work of each author studied

L'objet de cette thèse est de proposer une position originale dans le débat sur le réalisme scientifique, l'empirisme modal, et d'en démontrer la fructuosité quand il s'agit de tirer des enseignements du contenu cognitif des théories scientifiques. L'empirisme modal est une position empiriste, suivant laquelle le but de la science n'est pas de produire des théories vraies, mais des théories empiriquement adéquate. Cependant, il propose d'adopter un cadre plus large que les versions traditionnelles d'empirisme pour penser l'expérience, en incorporant un engagement envers les modalités naturelles, ou l'idée qu'il y a du possible dans la nature, et des contraintes sur les possibles. Nos théories sont empiriquement adéquates si elles délimitent correctement l'étendue des expériences possibles. Cette position s'appuie sur une conception située et pragmatique des modalités naturelles et de la confrontation empirique. Nous prétendons qu'elle est à même de rendre justice au succès empirique des sciences, sans pour autant faire face au problème du changement théorique qui mine le réalisme scientifique. Nous expliquons comment les contraintes de nécessité sur les phénomènes peuvent être connues à l'issue d'une induction, et en quoi cette façon de voir s'accorde avec la pratique scientifique. Enfin, nous affirmons qu'un engagement envers les modalités naturelles offre une richesse interprétative à même de renouveler, dans un cadre pragmatiste, plus ouvert que le réalisme, certaines questions métaphysiques tout en les ramenant à l'expérience. / The aim of this thesis dissertation is to propose a novel position in the debate on scientific realism, modal empiricism, and to show its fruitfulness when it comes to interpreting the cognitive content of scientific theories. Modal empiricism is an empiricist position, according to which the aim of science is to produce empirically adequate theories rather than true theories. However, it suggests adopting a broader comprehension of experience than traditional versions of empiricism, through a commitment to natural modalities. Following modal empiricism, there are possibilities in nature, and constraints on what is possible, and a theory is empirically adequate if it correctly delimits the range of possible experiences. The position rests on a situated and pragmatic conception of natural modalities and of empirical confrontation. We claim that it can do justice to the empirical success of science, while not falling prey to the problem of theory change that undermines scientific realism. We explain how constraints of necessity on phenomena can be known by induction, and how this modal epistemology fits with scientific practice. Finally, we claim that a commitment to natural modalities allows for a rich interpretation of the cognitive content of theories. Modal empiricism could renew some metaphysical debates within a pragmatist framework, by tying them to experience and not being constrained by realist prejudices.

Les études kantiennes peuvent se pencher sur l’œuvre de Kant, mais aussi sur sa réception et la manière dont le kantisme a contribué à faire surgir des réflexions philosophiques originales. Cette thèse explore cette deuxième voie, à travers le prisme particulier des circulations entre science, philosophie et épistémologie. Il s’agit de rendre compte de la manière dont des savants ont compris et utilisé Kant, au XIXe siècle en France. Ampère, Brunschvicg, Comte, Couturat, Gergonne, Lacroix, Léchalas, Littré, Milhaud, Poincaré, Renouvier, Rey, Ribot, Paul Tannery, Wronski et Wyrouboff sont quelques exemples de penseurs plus ou moins connus ayant une formation scientifique et faisant usage de Kant. Toutefois, plutôt que de proposer une suite rhapsodique d’études consacrées à ces savants, cette thèse suit les principaux réseaux de circulations des images et usages du kantisme tout au long du XIXe siècle en France. De l’Académie de Berlin aux revues francophones de la fin du siècle, une institutionnalisation des références à Kant se met progressivement en place et elle implique de nombreuses interfaces entre science, philosophie et épistémologie. Kant est utilisé notamment pour souligner l’activité du sujet dans la constitution de la connaissance et pour poser le problème épistémologique de la correspondance des représentations avec la réalité. Ainsi, le réalisme est mis en tension. Plusieurs savants s’emparent du kantisme pour construire des options philosophiques originales repensant les liens et les oppositions entre empirisme, idéalisme et scepticisme. Par exemple, un réalisme structural associé à une réflexion sur la croyance et sur les probabilités émerge dès le début du XIXe siècle. On le retrouve, sous des formes variées, chez Ampère, Cournot ou encore Tannery. Par ailleurs, le kantisme sert de creuset philosophique pour penser le fondement des sciences. La géométrie et l’arithmétique sont au centre des débats. C’est particulièrement vrai à la fin du siècle, avec la renaissance des géométries non-euclidiennes et le développement des liens entre mathématiques et logique. Ces problématiques ont des racines plus anciennes et les matrices des usages de Kant émergent dès le début du siècle. Enfin, il n’est pas rare d’observer que les savants utilisent Kant dans des analyses portant sur la mécanique rationnelle ou encore sur la cosmologie. De manière générale, la présente étude rend compte de la manière dont les références à Kant fonctionnent pour penser ces sciences. En définitive, il s’agit de manifester que Kant est un acteur français décisif de l’épistémologie et de la philosophie des sciences de tout le XIXe siècle / Kantian studies can look at Kant’s body of work, as well as the way it was received and how it has contributed to the emergence of original philosophical reflections. This thesis examines the latter path, through the peculiar prism of circulation between science, philosophy and epistemology. The goal is therefore to show how scholars understood and used Kant. Ampère, Brunschvicg, Comte, Couturat, Gergonne, Lacroix, Léchalas, Littré, Milhaud, Poincaré, Renouvier, Rey, Ribot, Paul Tannery, Wronski and Wyrouboff are but a few examples of more or less renowned thinkers with a scientific education who used Kant. However, rather than offering a litany of studies dedicated to these scholars, this thesis follows the main circulation networks of pictures and uses of Kantianism all through the XIX century in France. From the Prussian Academy of Sciences to the Francophone reviews at the end of the century, references to Kant were being more and more institutionalized, which implied many interactions between science, philosophy and epistemology. However, Kant was notably used to acknowledge the importance of the subject’s activity in constituting knowledge and to raise the epistemological issue of correspondence between representations and reality. The concept of realism was then given a bit of a stretch. Several scholars seized Kantianism to build up original philosophical options, which rethought the connections and oppositions between empiricism, idealism and skepticism. For instance, a form of structural realism associated with a reflection on belief and probabilities appeared as soon as the beginning of the XIX century. It can be found, for example, under various forms in Ampère, Cournot or even Tannery. Moreover, Kantianism was used as a philosophical melting pot to think out the founding principles of sciences. Geometry and arithmetic were at the heart of the debates. It was especially the case at the end of the century, thanks to the rebirth of Non-Euclidian geometries and the development of links between mathematics and logic. However, these problematics had roots that were older and the matrices of Kant’s uses emerged as soon as the beginning of the century. Finally, it is not uncommon to observe that scholars used Kant to think out rational mechanics or even cosmology. As such, this study reports how references to Kant worked to think out these sciences. According to these perspectives, Kant is indeed an influential actor in epistemology and philosophy of science in the XIX century in France

Gerhard Richter, Sigmar Polke et Blinky Palermo apparaissent aujourd’hui comme des figures majeures de l’histoire de l’art contemporain allemand. Richter est unanimement reconnu pour l’étendue de sa pratique picturale qui, depuis le début des années soixante, explore tous les registres de la figurabilité à travers l’usage de la photographie, brisant les limites traditionnelles du médium et du style. Polke, bien qu’encore trop méconnu en France, bénéficie de nombreuses expositions dans le monde depuis la fin des années soixante. Sa disparition, en 2010, a suscité de la part de la critique un intérêt nouveau. A la monadologie de Polke, incarnée par la trame sérigraphique au crible de laquelle est passée la vie toute entière, répond la géométrie romantique d’un peintre presque totalement ignoré du public français : Blinky Palermo. Disparu prématurément en 1977, sa popularité - notamment en Allemagne et Etats-Unis – ne cesse de croître depuis le milieu des années soixante-dix. Qu’en est-il précisément de ces trois destins qui, dans les couloirs de l’école d’art de Düsseldorf en 1961 et le voisinage d’une figure chamanique - celle de Joseph Beuys – se sont un jour croisés ? Richter, Polke et Palermo ont d’abord été ces « junge Männer » en quête d’éternité qu’en 1982 chantait Alain Bashung dans son album Play Blessures. Le socle de notre recherche coïncide donc avec les questionnements d’une génération marquée par la culpabilité, le besoin de nouveaux horizons, la conscience de la catastrophe et l’ambiguïté du modèle américain. Richter, Polke et Palermo représentent à eux-seuls un pan entier de l’histoire et de l’art allemands. / Gerhard Richter, Sigmar Polke and Blinky Palermo are emerging, since the middle of the sixties, as major artists in the context of German contemporary art. Richter is today widely celebrated for the breadth of his pictorial practice which, since the early sixties, explores all registers of painting through the use of photography, breaking the traditional boundaries of the medium and style. Polke, although still too little known in France, has many exhibitions around the world since the late sixties. His death in 2010 sparked criticism from a new interest. Polke’s Monadology, embodied by the reproduction of the Ben-Day Dots printing process, encounters the Euclidean geometry of a romantic painter almost totally ignored by the French public : Blinky Palermo. Died prematurely in 1977, his popularity - especially in Germany and the United States - is constantly growing since the mid-seventies. What precisely connects these three painters, in the neighborhood of the shamanic personality of Joseph Beuys? That is the question we solve. Richter, Polke and Palermo were first these "junge Männer" in search of eternity Alain Bashung in 1982 sang in his album Play Blessures. The rhythm of our research is given by the history of a generation marked by guilt, the need for new horizons, awareness of the disaster and the ambiguity of the American model. Richter, Polke and Palermo are on their own an entire part of history and German art.

Cette thèse entend actualiser le diagnostic de Gilles Deleuze sur le « peuple qui manque » en inspectant une série de figures prélevées dans quatre corpus contemporains : les films de Jia Zhangke ; quatre documentaires autour dudit « mouvement des places » initié par la révolution tunisienne de 2010, à savoir Tahrir, place de la libération de Stefano Savona, Maïdan de Sergueï Loznitsa, Vers Madrid de Sylvain George, The Uprising de Peter Snowdon ; les fictions réalistes françaises de Bruno Dumont, Abdellatif Kechiche, Jean-Charles Hue et Rabah Ameur-Zaïmeche ; un ensemble de films récents mettant en scène des figures de migrants clandestins. Le postulat théorique de cette recherche est que le « peuple » n'est pas un donné tangible ni une substance immuable, mais la résultante de configurations symboliques mobiles spécifiant les subjectivitations politiques propres à chaque époque ou épistémè (Michel Foucault est la seconde référence tutélaire de ce travail, et Jacques Rancière la troisième). Son hypothèse analytique veut que la mise en relation de ces films que tout éloigne fasse apparaître les dénominateurs communs aux figures du peuple contemporaines : l'effacement de leurs prédicats, la déroute de leurs perspectives historiques et leur désaffiliation idéologique et statutaire. Articulées ensemble, elles témoignent d'un remplacement du prolétariat par un précariat fondé sur un phénomène de désappartenance, dont cette recherche piste l'isomorphe esthétique à travers les films. Elle en conclut que le peuple ne manque plus, mais clignote. / This PhD aims to update Gilles Deleuze's diagnosis concerning « the people that lacks » through the examination of a range of figures found in four different corpus : the movies of Jia Zhangke ; documentaries made upon the arab spring and the western uprisings that followed these events (Tahrir, place de la libération of Stefano Savona, Maïdan of Sergueï Loznitsa, Vers Madrid of Sylvain George, The Uprising of Peter Snowdon) ; the french realist dramas of Bruno Dumont, Abdellatif Kechiche, Jean-Charles Hue and Rabah Ameur-Zaïmeche ; a set of movies staging figures of refugees. The premise of this research is that the « people » can not be conceived as an eternal substance or a fixed identity, but is to be understood as the product of historical and symbolic configurations specifics to each epoch or épistémè (Michel Foucault is another leading reference of this work, altogether with Jacques Rancière), therefore carving the political subjectivities of an age. The analyses are guided by the hypothesis that, put together, these figures can outline the common characteristics of the people of our time : the erasure of its predicates, the deletion of its former historical perspectives and the fact that it is ideologically and socially disaffiliated. This tends to prove that the proletariat has been replaced by a « precariat » whose existence is determined by a phenomenon of « unbelonging ». This research looks for the aesthetic

Tennessee Williams utilise pour la première fois l’expression « théâtre plastique » en 1944, dans un essai où il évoque les limites du langage verbal. Ce qu’il recherche, c’est un langage « des sons, des couleurs et des mouvements », un au-delà des mots censé redonner vie à un théâtre réaliste jugé moribond. Il se fixe ainsi pour objectif de retranscrire sur la page la totalité de l’expérience théâtrale. Créateur d’images, le dramaturge se compare fréquemment à un peintre et puise dans l’art pictural les éléments de son nouveau langage. Gauguin, Van Gogh, De Chirico, Hofmann ou encore Pollock font partie de la longue liste d’artistes qui lui ont permis d’échapper à la pétrification dans un mimétisme réaliste associé à l’image photographique. Cités dans ses essais ou dans ses pièces, ils orientent son théâtre vers l’abstraction à laquelle le dramaturge aspire. Or, l’influence des images sur le « théâtre plastique » ne se limite pas seulement à la peinture, la fascination de Williams pour le cinéma a également contribué à façonner son écriture, élargissant encore davantage l’alphabet de son langage théâtral. L’image apparaît en ce sens comme un agent libérateur du langage, un au-delà des mots dans lequel se profile un « je » en marge de la représentation comme système culturellement prédéterminé et prédéterminant. L’écriture de Williams désire l’image. De là vient sa puissance subversive. Le processus créateur tout entier se fonde sur l’entrelacement des logiques sémiotiques propres au langage et à l’image, faisant de l’un l’envers de l’autre, sa moitié indispensable. Le rapport de complémentarité qui unit l’image au langage dans toute l’œuvre de Williams met à jour l’originalité d’une écriture animée par un désir d’image, écriture vivante du théâtre. / When Tennessee Williams coined the phrase “plastic theater” in 1944, he described it as a language of “sounds, colors and movements,” a language freed from the limitations of words. His aim was to breathe new life into what he called “the exhausted theater of realistic conventions.” His ability to put the totality of theatrical experience into words manifests itself in the scripts of his plays. Williams is a creator of pictures, a playwright in the true sense of the word who found in painting and cinema the images he needed to elaborate his new language for the stage and move away from a “photographic likeness” he rejected because it was associated with realism. Gauguin, Van Gogh, De Chirico, Hofmann or Pollock are but a few of the many painters mentioned in his plays or essays who provided him with the means to enrich his vocabulary for the stage and lead his “plastic theater” toward “something more abstract.” But cinema also influenced him, giving him the opportunity to explore new possibilities and create a space between words and images where the elusive truth could be revealed. Images thus helped liberate Williams from the literary traditions as well as from the cultural codes that had defined and confined his writing from the very beginning. The writer who felt “wrapped up in literary style like the bandages of a mummy” found in images the subversive power he needed to express his true self and breathe life into words that he had always wanted to be “more than words.” From “the language of vision” to “organic writing,” Williams’s “plastic theater” evinces a desire for images.

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L’objectif de cette thèse est d’étudier le cinéma américain indépendant du point de vue de la différence qu’il instaure avec le cinéma hollywoodien, comme une ligne de fuite qui le déterritorialise tout en créant pour lui-même des formes nouvelles d’expression et de contenu. Cela suppose de considérer ses rapports avec le cinéma hollywoodien comme rapports entre deux plans d’immanence surgis au même niveau d’individuation à l’intérieur d’un plan d’immanence plus large, celui du cinéma nord-américain. Et, en même temps, il suppose de considérer la différence entre ces sous-plans dans ce qu’elle implique pour une pensée en cinéma, à savoir en blocs d’images-mouvement et d’images-durée, qui se trouve en face des tensions particulières qui caractérisent la société américaine. Dans cet esprit, la distinction principale qu’il faut considérer est celle qui passe entre : d’une part, le cinéma hollywoodien et ses différentes façons (genres, récit organico-actif) de « sauver » la différence, en la représentant ; et de la représenter en la rapportant aux exigences d’une seule grande forme en affinité directe avec ce que je définis comme rêve de continuité et de cohérence de la société américaine ; et, d’autre part, le cinéma indépendant et ses différentes façons de témoigner d’un fond rebelle qui déterritorialise le sens prédéterminé vers lequel les actions et les situations du cinéma hollywoodien convergent. Ce qui se trouve au-delà ou en-deçà de la représentation organique-hollywoodienne et que le cinéma indépendant arrache à cette dernière est un espace de distribution errante, intensive, entre forces et rapports de forces. / The objective of this thesis is to study the American independent cinema from the point of view of the difference which it founds with the Hollywood cinema, as a line of flight which deteritorialises the latter, while creating for itself new forms of expression and content. That supposes to consider its relation with the Hollywood cinema as one between two plans of immanence emerged on the same level of individuation inside a broader plan of immanence, that of the North-American cinema. And, at the same time, it supposes to consider the difference between these under-plans in what it implies for a cinema-thought, namely a thought in terms of blocks of movement-images and time-images, facing the particular tensions which characterize the American society. Within this framework, the principal distinction that should be considered is that which passes between: on the one hand, the Hollywood cinema and its various ways (genres, organico-active régime) “of saving” the difference, by representing it; and of representing it by bringing it back to the requirements of only one great form in direct affinity with what I define as a dream of continuity and of coherence of American society; and, on the other hand, the independent cinema and its various ways of testifying to a rebellious core which deteritorialises the predetermined direction towards which the actions and the situations of the Hollywood cinema converge. What is beyond or below Hollywood organic representation and that the independent cinema tears off from the latter is a space of wandering and intensive distribution between forces of power and forces of resistance.

Rarement figuré dans le bestiaire paléolithique, l'ours n'en est pas moins l'un des animaux les plus proches de l'homme, par son physique, son éthologie et sa stature. Au-delà d'un nécessaire inventaire des représentations d'ours de l'art du Paléolithique supérieur, notre recherche s'inscrit dans l'approche naturaliste des animaux figurés dans l'art préhistorique développée au Muséum national d'Histoire naturelle. Dans ce cadre nous avons étudié et analysé près de deux cent représentations dans l'art pariétal et mobilier provenant de toute l'Europe. Nous les avons aussi mises en comparaison avec des représentations de l'animal issues des arts rupestres de l'Holocène (Asie, Europe du Nord, Amérique du Nord). Ce travail a permis de mettre en lumière de grandes convergences, parfois à travers le temps et l'espace. Elles portent notamment sur les « clés d'identification », que nous avons définies. La massivité, la rondeur du corps de l'animal, la forme de sa tête et de ses oreilles permettent de le déterminer. Nous nous sommes également intéressés au réalisme des représentations ainsi qu'à leur contexte thématique, topographique et archéologique. Plus généralement, nous nous sommes interrogés sur la valeur allégorique susceptible d'être portée par l'image. Nous considérons que certaines représentations d'ours ont pu acquérir une portée symbolique importante mais rien en l'état de notre recherche ne permet d'attester d'un rôle cultuel ou culturel particulier de l'ours dans les cultures du Paléolithique supérieur.