Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Lengua y Literatura Hispánica / El objetivo de este informe es describir las nuevas formas expresivas utilizadas por Adolfo Couve, establecido que su profesión de artista por partida doble no puede ser obviada, ya que es esta condición la que lo lleva a emplear en su literatura recursos de tipo pictórico. El descubrimiento de estos, ayudará a entender el cambio estético que se ha producido en la narrativa hispanoamericana actual y la innovación estilística que este implica.

El Intencionalismo es la teoría que defiende la relevancia de la intención del autor para determinar el significado de una obra de arte en su interpretación. El objetivo fundamental de esta tesis doctoral es justificar la validez del intencionalismo a partir de la revisión de sus conceptos fundamentales –interpretación, intención y significado– y el análisis de los problemas que cada uno de estos conceptos conlleva. Para ello, en primer lugar, se presentan los principales argumentos clásicos y contemporáneos del debate entre intencionalistas y anti-intencionalistas y las distintas versiones del intencionalismo a las que éste debate ha dado lugar. A continuación, se discuten las objeciones más actuales contra el intencionalismo, que vienen de los defensores de la teoría de la Maximización estética en la interpretación y de los defensores del Pluralismo interpretativo; denunciando ambos que el intencionalismo es una teoría interpretativa estéticamente deflacionaria. En segundo lugar, se aborda uno de los argumentos clásicos contra el intencionalismo, la Falacia Intencional, que apunta a las dificultades para conocer las intenciones de los autores. Definiendo un concepto de intención competente para el intencionalismo, desde el punto de vista del externismo epistemológico, el objetivo es mostrar que la intención no tiene por qué ser un misterio. En tercer lugar, se analiza otro de los argumentos clásicos contra el intencionalismo, la Tesis de la Identidad entre el significado del autor y el significado de la obra. Para ello se analiza cómo se ha concretado el modelo lingüístico –sobre el que se fundamenta tradicionalmente el intencionalismo– en el Intencionalismo Moderado, cuestionando que este planteamiento sea necesario para dar cuenta de la failibilidad del autor a la hora de cumplir sus intenciones. Por último, se ha reformulado la analogía entre el significado artístico y el lingüístico –generalmente implícita en el intencionalismo–, criticando tanto los principales argumentos en su contra, como la formulación tradicional que se ha hecho de esta analogía. Asimismo, se propone una analogía alternativa basada en una visión pragmática del lenguaje, con el objetivo de mostrar que el paradigma lingüístico del intencionalismo no es un planteamiento reduccionista. Metodología La metodología utilizada ha consistido fundamentalmente en el análisis y discusión de los principales argumentos a favor y en contra del intencionalismo, a partir de las principales fuentes bibliográficas primarias y secundarias, clásicas y contemporáneas. Asimismo, se han incorporando herramientas teóricas de disciplinas filosóficas más allá de la Estética, como la Filosofía del Lenguaje, la Filosofía de la Mente y la Filosofía de la Acción, para desarrollar un estudio interdisciplinar. Conclusiones Las conclusiones fundamentales que pueden extraer de la tesis son las siguientes. En primer lugar, el intencionalismo puede ser compatible, por un lado, con cierto grado de maximización estética en la interpretación suscribiendo la visión de la interpretación como formulación de hipótesis, pero sin necesidad de suscribir al mismo tiempo el Intencionalismo Hipotético. Por otro lado, el intencionalismo puede ser compatible con el pluralismo suscribiendo lo que he denominado como un pluralismo restringido, sin necesidad de abandonar su naturaleza monista. De esta manera, el intencionalismo no sería necesariamente una teoría interpretativa estéticamente deflacionaria. En segundo lugar, el intencionalismo puede dar cuenta del problema de conocer las intenciones del autor, que da lugar a la Falacia Intencional, a través de un concepto complejo de intencionalidad artística, en el marco de una visión externista de la mente y el conocimiento. En tercer lugar, el intencionalismo no necesita comprometerse con una visión convencionalista del lenguaje, ni con la distinción entre el significado de la proferencia y el significado intentado, para dar cuenta de la falibilidad del autor. En este sentido, se podría concluir que el Intencionalismo Moderado es un planteamiento innecesario. En cuarto lugar, suscribiendo una analogía entre el significado artístico y lingüístico revisada a la luz de una visión pragmática del lenguaje, el intencionalismo puede mantener el paradigma lingüístico como estrategia de justificación de la relevancia de la intención en la interpretación sin incurrir necesariamente en un planteamiento reduccionista. / Intentionalism defends that the authorial intention is relevant in order to determine the meaning in the interpretation of a work of art. The objective of this doctoral thesis is to jutify the validity of intentionalism by revising its most important concepts –interpretation, intention, and meaning– and analizing the problems each one conveys. To that end, firstly, I introduce the main arguments of the debate between intentionalists and anti-intentionalists, and the multiple versions of intentionalism this debate gives rise to. Below, I discuss the most important current anti-intentionalists’ objections, which come mainly from the supporters of the Aesthetic Maximization Theory in interpretation and the supportes of interpretative Pluralism. Both denounce that intentionalism is an aesthetically deflationary theory of artistic interpretation. Secondly, I focus on a classical argument against intentionalis, namely, the Intentional Fallacy, which points to the problem of knowing authorial intention. By defining a suitable concept of artistic intention, framed in epistemological externalism, the objective is to show that intentions are not a mistery. Thirdly, I tackle another classical argument against intentionalism, namely, the Identity Thesis between work meaning and author’s intended meaning. In this sense, I analyze how the linguistic model –traditionally adopted by intentionalism– has been instantiated in Moderate Intentionalism, questioning that this approach is necessary in order to account for the authorial fallibility to fulfil her intentions. Finally, the analogy between artistic and linguistic meaning –generally implicit in every intentionalist approach– is reformulated by developing a criticism as much of the arguments of its detractors as of its traditional supporters, and proposing an alternative analogy based on a pragmatic view of language.

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El arte del Tercer Reich es especialmente más complejo que otros, pues pocos regímenes políticos reforman en tan breve lapso de tiempo la sicología de un país. Entre 1933 y 1945 el término cultura fue una de las principales claves operativas nacionalsocialista. Así lo estableció infatigablemente la prensa oficialista: “El Estado de Adolf Hitler se ha hecho cargo de todas las manifestaciones artísticas, pasadas y presentes, para integrarlas en la idea sublime del volk”. “Con el renacer del Volkish aumenta la posibilidad de un arte nuevo y auténtico, enraizado en el pueblo alemán” 2 Bajo este complejo panorama, la propuesta de lasiguiente tesina radica en la importancia de profundizar algunas de las problemáticasestéticas que surgen en la producción del arte oficial del Tercer Reich, alzando la miradamás allá de los indudables reparos que éste período conlleva, para aislar en cierta medidalas producciones y desarrollos artísticos, integrándolos a la historia del artecontemporáneo, pues frecuentemente el arte nazi se obvia, dejando un vacío en lacontinuidad de la historia del arte alemán. Mucho se ha discurrido sobre el estancamiento cultural de Alemania en el período del Gobierno Nacionalsocialista, tras su marcado hermetismo con las corrientes contemporáneas, principalmente en lo que respecta a la pintura, escultura y, en menor medida, a la arquitectura (que fue, como se verá más adelante, una disciplina mucho más flexible con los influjos vanguardistas), gracias al constante culto que Hitler y sus hombres le rendían a las influencias clásicas, especialmente a la cultura helena. Sin embargo, con lo referente a los medios de comunicación masiva, el nacionalsocialismo tomó una postura muy avanzada para la época, pues los nazis comprendían perfectamente la complejidad y necesidad de la propaganda constante como vital herramienta, indispensable para perpetuar el poder y así penetrar en el inconsciente colectivo. Por ello, se justifica plenamente la creación del Ministerio de Propaganda y Cultura comandado por Joseph Goebbels, principal hombre de la organización nazi y mano derecha del Führer, quien implementó dominios directos en todos los medios de comunicación masiva, recalcando su énfasis en la prensa, radio y cine. Por lo mismo, la importancia de la imagen tomó un rol inconmensurable, innegable para Hitler, quien vislumbró a tiempo la relevancia de manipular la información como medio de persuasión, luego de la Primera Guerra Mundial

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[ES] La investigación empieza con un análisis y cartografiado del sistema global del arte en la actualidad, así como la contextualización histórica del avance y desarrollo del concepto de arte asociado a la economía. El desarrollo del financiamiento de las artes y sus situación estructural es estudiado para poder analizar el fenómeno desde la perspectiva del materialismo dialéctico. La importancia de la economía radica en que es el motor del cambio en la percepción del arte entre su utilidad y un bien suntuario. Esta situación es relevante para establecer un vínculo entre la actividad artística y su relación social. Eso es lo que nos da las bases socio-económicas estructurales para ligarlo a la filosofía política anarquista. Estudiamos las características del pensamiento libertario desde las dos perspectivas, los clásicos anarquistas que dividían su pensamiento entre las cuatro ramas clásicas, el Anarquismo Individualista, el Anarquismo Comunista, el Anarquismo Sindicalista y el Mutualismo. Las cuatro vertientes del pensamiento ácrata contemporáneo Anarquismo Feminista, Anarquismo Cibernético, Anarquismo Ecologista y el Neo-zapatismo son estudiados para definir sus bases estructurales y los cambios al pensamiento clásico anarquista y nos ayuden a resolver las dinámicas de dichos cambios, para trasponerlos al estudio y práctica de las artes. Finalmente demostramos que las prácticas artísticas contemporáneas poseen el mismo espíritu de libertad que el pensamiento anarquista, una búsqueda constante por lo nuevo no puede darse dentro de los sistemas reconocidos o interpretados en el espacio-tiempo que define a los periodos artísticos. Ello lleva a los artistas a rebelarse de forma natural a los patrones existentes, no existirá nada nuevo dentro de lo conocido, y la transgresión se hace absolutamente necesaria. Esto comprueba la idea inicial de que la filosofía política anarquista posee las bases fundamentales para una creación artística, ambas son formas de alcanzar la libertad como forma de responsabilidad y el uso de la praxis como forma de conseguirla. Sentando así las bases teóricas para una de las posibles Teorías Anarquistas del Arte. / [CAT] La investigació comença amb una anàlisi i cartografiat de el sistema global de l'art en l'actualitat, així com la contextualització històrica de l'avanç i desenvolupament del concepte d'art associat a l'economia. El desenvolupament de l'finançament de les arts i els seus situació estructural és estudiat per poder analitzar el fenomen des de la perspectiva de l'materialisme dialèctic. La importància de l'economia radica que és el motor de l'canvi en la persepción de l'art entre la seva utilitat i un bé sumptuari. Aquesta situació és rellevant per establir un vincle entre l'activitat artística i la seva relació social. Això és el que ens dóna les bases socio-econòmiques estructurals per lligar-ho a la filosofia política anaquista. Estudiem les característiques de la pensada liebrtario des de les dues perspectives, els clàssics anarquistes que dividien el seu pensament entre les quatre branques clàssiques, l'Anarquisme Individualista, l'Anarquisme Comunista, l'anarquisme Sindicalista i el mutualisme. Les quatre vessants de la pensada àcrata contemporani Anarquisme Feminista, Anaquismo Cibernètic, Anarquisme ecologista i el Neozapatismo són estudiats per definir les seves bases estructurals i els canvis a la pensada clàssic anarquista i ens ajudin a resoldre les dinàmiques d'aquests canvis, per traspolarlos a l'estudi i pràctica de les arts. Finalment vam demostrar que les pràctiques artístiques contemporànies posseeixen el mateix espírutu de llibertat que el pensament anarquista, una recerca constant per la novetat no pot donar-se dins dels sistemes reconeguts o interprestados en l'espai-temps que defineix els períodes artístics. Això porta als artistes a rebel·lar de forma natural als patrons existents, no hi haurà res de nou dins del conegut, i la transgressió es fa absolutament necessària. Això comprova la idea incial que la filosofia política anarquista posseeix les bases fonamentals per a una creació artística, ambdues són formes d'aconseguir la llibertat com a forma de responsabilitat i l'ús de la praxi com a forma d'aconseguir-la. Establint així les bases teòriques per a una de les possibles Teories Anarquistes de l'Art. / [EN] This thesis begins with an analysis and mapping of the global art system today. The historical contextualisation of the advancement and development of the concept of art which we associate with the economy. The development of arts financing and its structural situation is studied to analyse the phenomenon from the perspective of dialectical materialism. The importance of the economy is that it is the engine of change in the pursuit of art between its utility and luxury good. This situation is relevant to establish a link between artistic activity and their social relationship. This is what gives us the structural socio-economic bases to link it to the anarchist political philosophy. We study the characteristics of Anarchist thought from two perspectives, the classic anarchists who divided their thinking between the four classical branches, Individualist Anarchism, Communist Anarchism, Syndicalist anarchism and Mutualism. The four strands of contemporary anarchist thought. Feminist Anarchism, Cybernetic Anarchism, Ecological Anarchism and Neozapatism are studied to define their structural bases and changes to classical anarchist thought and help us to resolve the dynamics of such changes, to transfer them to the study and practice of the arts. Finally, we demonstrate that contemporary artistic practices have the same spirit of freedom as anarchist thought; a constant search for the new cannot take place within the systems recognized or interpreted in the space-time that defines artistic periods. This leads artists to naturally rebel against existing patterns, there will be nothing new within the known, and transgression is necessary. This proves the initial idea that anarchist political philosophy has the fundamental bases for artistic creation, both are ways of achieving freedom as a form of responsibility and the use of praxis as a way of achieving it. Thus laying the theoretical foundations for one of the possible Anarchist Theories of Art. / Lugo Martínez, PÁ. (2020). Hacia una teoría libertaria del arte. Propuesta teórica sobre las relaciones y fundamentos de la filosofía política anarquista con las prácticas transgresoras artísticas contemporáneas [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/158594

[ES] La presente investigación trata sobre la pintura de Paisaje en La Montaña. Así se conocía a la actual Comunidad Autónoma de Cantabria cuando en el siglo XIX varios artistas comenzaron a pintar Paisajes sin haber existido ningún precedente en la región que se adscribiera al género. Desde este hito social, artístico e histórico que supuso el surgimiento de la idea moderna del paisaje, la pintura de Paisaje ha persistido en el campo de la creación local, donde ha evolucionado influenciada por el desarrollo de las ideas artísticas modernas hasta la contemporaneidad. Por tanto, la pintura de Paisaje se ha mantenido vigente en cada una de las épocas posteriores, desechando la idea de que pudiera ser una moda decimonónica pasajera, gracias a las condiciones morfológicas de la geografía elegida. Para demostrar la hipótesis, en un primer capítulo se investiga sobre la semántica del paisaje como concepto, en un segundo capítulo se indaga sobre los orígenes del género del Paisaje en la pintura, desde un horizonte general hasta el marco geográfico definido, y, por último, se muestra la investigación artística realizada acerca de la idea del Paisaje Montañés junto con los resultados plásticos obtenidos. / [CA] La present investigació tracta sobre la pintura de Paisatge a la Muntanya. Així es coneixia a l'actual Comunitat Autònoma de Cantàbria quan en el segle XIX diversos artistes van començar a pintar Paisatges sense haver existit cap precedent a la regió que s'adscriguera al gènere. Des d'aquesta fita social, artístic i històric que va suposar el sorgiment de la idea moderna del paisatge, la pintura de Paisatge ha persistit en el camp de la creació local, on ha evolucionat influenciada pel desenvolupament de les idees artístiques modernes fins a la contemporaneïtat. Per tant, la pintura de Paisatge s'ha mantingut vigent en cadascuna de les èpoques posteriors, rebutjant la idea que poguera ser una moda huitcentista passatgera, gràcies a les condicions morfològiques de la geografia triada. Per a demostrar la hipòtesi, en un primer capítol s'investiga sobre la semàntica del paisatge com a concepte, en un segon capítol s'indaga sobre els orígens del gènere del Paisatge en la pintura, des d'un horitzó general fins al marc geogràfic definit, i, finalment, es mostra la investigació artística realitzada sobre la idea del Paisatge Muntanyés juntament amb els resultats plàstics obtinguts. / [EN] The present investigation deals with the painting of Landscape in the Mountain. This is how the current Autonomous Community of Cantabria was known when, in the 19th century, several artists began to paint Landscapes without having existed any precedent in the region that was ascribed to the genre. Since this social, artistic and historical milestone that led to the emergence of the modern idea of landscape, landscape painting has persisted in the field of local creation, where it has evolved influenced by the development of modern artistic ideas to the contemporary. Therefore, landscape painting has remained current in each of the subsequent periods, rejecting the idea that it could be a passing nineteenth-century fashion, thanks to the morphological conditions of the chosen geography. To demonstrate the hypothesis, in a first chapter the semantics of landscape as a concept is investigated, in a second chapter the origins of the Landscape genre in painting are investigated, from a general horizon to the defined geographical framework, and, finally, , the artistic research carried out on the idea of the Mountain Landscape is shown together with the plastic results obtained. / Alba Rodríguez, V. (2022). El Paisaje Montañés. La pintura de paisaje en Cantabria desde una aproximación contextual y personal [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/190827