Este estudo busca demonstrar de que maneira o documentário, gênero originalmente cinematográfico, desenvolve-se no rádio. Entendido como uma narrativa autoral de não-ficção, trata-se de um gênero radiofônico pouco conhecido no Brasil. Para mapeá-lo, analisamos esse objeto sob diversos aspectos. Em primeiro lugar, buscamos contextualizá-lo dentro de um campo de estudo do Rádio Autoral. Considerando sua estreita relação com o documentário audiovisual, comparamos essas duas formas de abordagem e representação do real. Buscamos, em seguida, a definição de um conceito de radiodocumentário, apontando para as diferentes terminologias que congregam esse repertório de peças ao redor do mundo. Posteriormente, elencamos os elementos que compõe sua linguagem e descrevemos seu desenvolvimento histórico em alguns países, sob a perspectiva técnica e estética. Além disso, discutimos a presença do dispositivo documental no passado do rádio brasileiro e contextualizamos a presença do gênero no Brasil. Considerando que as novas formas de distribuição de áudio em plataformas digitais vêm transformando, nas últimas duas décadas, o modo de produção, difusão e o status cultural do radiodcumentário, propomos um estudo comparativo de dois modelos representativos do panorama contemporâneo: a webrádio francesa ARTE Radio e o programa semanal americano This American Life. Por fim, analisamos alguns exemplos de radiodocumentários desses dois modelos. / This research aims at demonstrating how the documentary, originally a film genre, develops into a radio format. Understood as an authorial nonfiction narrative format, it is a radiophonic genre almost unknown in Brazilian radio. To map it, we analyzed this object in several aspects. Firstly, we attempted a contextualization within the \"authorial radio\" field of study. Considering its close relationship with the audiovisual documentary, we compared these two formats with respect to their approach on representing reality. We, then, pursued a definition for the concept of radio documentary, pointing at the different terminologies of this repertory from around the world. Later, we listed the elements that compose its language and described the historical development of the radio documentary under the technical and aesthetic perspective in some countries. Furthermore, we discussed the presence of the documentary approach format in Brazilian radio and demonstrated how the genre presents itself in Brazil. Noticeable changes regarding the production model, distribution and the cultural status of the radio documentary have been noticed over the past two decades. A comparative review with respect to two contemporary models was then proposed: the French web radio ARTE Radio and the weekly American radio show This American Life. Finally, we analyzed some examples of these two models.

Esta pesquisa insere-se no contexto do Laboratório de Estudos em Psicologia da Arte (LAPA-USP) e aborda a temática da correspondência das artes e a unidade dos sentidos. Assumindo a postura interdisciplinar preconizada pelo Laboratório, munido de referencial fenomenológico, estético e psicanalítico, procurei investigar o romance Lavoura arcaica, de Raduan Nassar, e o filme homônimo, dirigido por Luiz Fernando Carvalho, atentando sobretudo para a correspondência estabelecida entre os dois registros. Mais especificamente, a partir da leitura do romance, abordei as condições para o surgimento do filme, debrucei-me sobre a correspondência entre as obras e aportei de volta à linguagem, quando então discuti a temática da diversidade e unidade do múltiplo encarnada em Lavoura arcaica. Voltar o olhar às duas narrativas e reconstruí-las neste trabalho implicou o nascimento de uma terceira narrativa. / This research inserts itself in the context of the Laboratory of Studies in Psychology of Art (LAPA-USP), and it tackles the theme of the correspondence between the arts and the unity of the senses. I assume the interdisciplinary posture of the Laboratory, with phenomenological, aesthetic, and psychoanalytic references, in order to examine the novel Lavoura arcaica, by Raduan Nassar, and the homonymic movie directed by Luiz Fernando Carvalho, attending mainly to the correspondence between the two records. To do that I dealt with the conditions for the emergence of the movie from the reading of the novel, I investigated the links between the two works, and then I turned my attention to the language, which made me discuss the theme of diversity and unity in the multiplicity of Lavoura arcaica. To investigate and to rebuild the two forms of the narrative in this research then created a third narrative.

Orientador: Carlos Alberto Sampaio Barbosa / Banca: José Luiz Bendicho Beired / Banca: Álvaro Vázquez Mantecón / Resumo: Em 1933, a Secretaría de Educación Pública (SEP) do México criou o seu Plan para la filmación de películas educativas, um projeto cinematográfico financiado pelo Estado que tinha como objetivo produzir uma série de filmes com o intuito de se forjar uma consciência socioeconômica na população. O projeto foi criado no mesmo período em que o Partido Nacional Revolucionario (PNR) elaborou o seu Plan Sexenal, documento que continha as diretrizes governamentais do mandato de seu candidato oficial, Lázaro Cárdenas, vitorioso nas eleições de 1934. Entre as medidas propostas pelo PNR estava a polêmica reforma educacional que implantou a "educación socialista" no país. O foco central da nossa pesquisa é o único filme concluído do projeto cinematográfico da SEP, Redes, produzido entre os anos 1934 e 1936. O filme narra a luta de um grupo de pescadores contra as injustiças impostas por um comerciante e um candidato político. A mensagem de Redes é bem clara: somente através da união entre os trabalhadores é possível superar a exploração da qual são vítimas. Os principais envolvidos na criação de Redes foram o compositor e maestro mexicano Carlos Chávez (1899-1978), então chefe do Departamento de Bellas Artes da SEP e o fotógrafo nova-iorquino Paul Strand (1890- 1976), que estava no México desde 1932 realizando um projeto fotográfico. Nossa hipótese é que Redes pode ser considerado tanto resultado de uma política cultural revolucionária da SEP, que se radicalizou após a criação do PNR, quanto uma obra pessoal de Paul Strand. O nosso objetivo é refletir como Redes se insere em tal contexto político e cultural e, através da análise fílmica, apontar as tensões e ambiguidades presentes no discurso cinematográfico. Com isso, pretendemos identificar as aproximações e as rejeições entre o filme e o projeto ideológicoestético, tanto da SEP quanto de Paul Strand / Abstract: In 1933, Mexico's Secretaría de Educación Pública created its Plan para la filmación de películas educativas, a state-funded cinematographic project that aimed to produce a series of films promoting socioeconomic awareness in the population. The project was created in the same period in which Partido Nacional Revolucionario (PNR) drew up its Plan Sexenal, which contained the government guidelines of the mandate of its official candidate, Lázaro Cárdenas, victorious in the 1934 elections. Among the measures proposed by PNR was a controversial education reform that implanted the "educación socialista" in the country. The focus of our research is the only completed film from SEP's cinematographic project, Redes, produced between 1934 and 1936. The film focuses on the struggle of a group of fishermen against the injustices imposed by a merchant and a political candidate. The message of Redes is very clear: only through their union, the workers can overcome the exploitation of which they are victims. The main people involved in the creation of Redes were the Mexican composer and conductor Carlos Chávez (1899-1978), then head of SEP's Departamento de Bellas Artes, and the New Yorker photographer Paul Strand (1890-1976), who was in Mexico since 1932 doing a photographic project. Our hypothesis is that Redes can be considered as both a result of a revolutionary cultural policy of SEP, which became radicalized after the creation of PNR, and a personal work of Paul Strand. Our objective is to reflect how Redes is inserted into such a political and cultural context and, through film analysis, to point out the tensions and ambiguities seen in the cinematographic discourse. Thereby, we intend to identify the approximations and rejections between the film and the ideological-aesthetic project of both SEP and Paul Strand / Mestre

A presente pesquisa tem como objetivo pensar o cinema de George Méliès, na virada do século XIX para o século XX, como um prisma através do qual refratam-se espectros da modernidade, ou seja, elementos recorrentes em seus filmes que desdobravam questões caras àquele período, e que se ressignificam de diferentes maneiras à luz da chamada pós-modernidade. / The present research aims to think George Méliès' films, at the turn of the nineteenth century for the twentieth century, as a prism through which refracted specters of modernity, that is, recurring elements in his films, each one unfolding differente meanings about that period, and each one of them ressignfying themselves in different ways in the light of the so-called postmodernity.

Orientador: Arlindo Rebechi Júnior / Banca: Marcelo Magalhães Bulhões / Banca: Mauro Alejandro Baptista y Vedia Sarubbo / Orientador: Arlindo Rebechi Junior / Resumo: Com o propósito de analisar a estrutura da mise em scène e o ponto de vista do cinema de Quentin Tarantino, esta dissertação parte do pressuposto que Tarantino opera através de um amálgama de cinema de entretenimento e o cinema de autor. Com a quebra do ilusionismo e distanciamento Tarantino parece jogar com elementos de cena e efeitos de som e música para trabalhar um fluxo de atenção e distração em uma encenação com profundidade de campo. Esta dissertação tem como finalidade identificar os elementos que constituem o cinema de Tarantino, assim como reconhecer as técnicas utilizadas pelo diretor, suas referências e estilo. Compreende-se que Tarantino representa um diversificado cinema pós-moderno, com seus alicerces na tradição da encenação e na entidade do plano. Mesmo evocando elementos do melodrama ou do mainstream Tarantino trata de subvertê-lo, com a quebra do ilusionismo e profundidade de campo. O corpus desta pesquisa é composto pelos dois mais recentes filmes de Tarantino até o momento, Django Livre (2012) e Os Oito Odiados (2015). Estes objetos de estudo foram escolhidos por serem esteticamente similares visualmente, porém, contrastantes em suas respectivas construções narrativas e em ritmo, através da utilização da trilha sonora e da performance como agentes tensionadores da ação / Abstract: With the objective of analyzing the structure of the mise en scène and the cinematic point of view of Quentin Tarantino, this dissertation assumes that Tarantino operates through an amalgam of entertainment and author cinema. With a break from the cinematographic illusionism and detachment, Tarantino seems to play with the elements within the scene, also with songs, music and sound effects, to work with an attention and distraction flow in a staging with depth of field. This dissertation aims to define the elements that constitute the cinema of Tarantino, as well as to designate the techniques utilized by the director, his references and style. It is understood that Tarantino represents a diversified postmodern cinema, with its foundations in the tradition of staging and in the entity of the take. Even when evoking elements of the melodrama or of the mainstream, Tarantino tries to subvert them by breaking down the illusionism and through the works of depth of field. The corpus of this research is composed by two of the most recent films of Tarantino thus far, Django Unchained (2012) and The Hateful Eight (2015). These objects of study were chosen because of their visual similarity, and their contrasting narrative constructions and rhythm, exacerbated through the use of soundtrack and the actor's performance as tensioning agents of the plot / Mestre

A presente tese analisa o percurso cômico do cinema na Itália até sua transformação em commedia all\'italiana. Transcorrido entre 1958 e 1977, o movimento baseou-se na representação neorrealista, no cinema mudo e na commedia dell\'arte para retratar a Itália durante o boom econômico iniciado nos anos 1950. Antecipados pelas trajetórias do diretor Vittorio de Sica e do cômico Totò, os grandes criadores empenharam-se em praticar um humorismo ácido e crítico. Diretores como Mario Monicelli, Dino Risi e Pietro Germi, atores como Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Monica Vitti e Franca Valeri, roteiristas como Age Incrocci, Furio Scarpelli, Rodolfo Sonego, Suso Cecchi d\'Amico, Ruggero Maccari e Ettore Scola retrataram a distopia italiana encenada nas ruas, nas praias, dentro dos automóveis. A era do consumismo desenfreado consumiu o próprio homem, e seu épico de angústias foi descrito no cinema por meio de máscaras cômicas. / This thesis analyzes the comic route of cinema in Italy until its transformation into the commedia all\'italiana. Between 1958 and 1977, the movement was based on the neo-realist representation, the silent film and the commedia dell\'arte, to portray Italy during the economic boom begun in the 1950s. Anticipated by the trajectories of director Vittorio de Sica and the comic Totò, the great creators committed themselves to practicing an acid and critical humor. Directors like Mario Monicelli, Dino Risi and Pietro Germi, actors like Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Monica Vitti and Franca Valeri, writers like Age Incrocci, Furio Scarpelli, Rodolfo Sonego, Suso Cecchi d\'Amico, Ruggero Maccari and Ettore Scola portrayed the Italian dystopia staged in the streets, on the beaches, inside the cars. The era of unbridled consumerism consumed man himself, and his epic of anguish was described in the movies by comic masks.

A partir da análise de Um Filme Falado (2003), de Manoel de Oliveira, são discutidas questões relacionadas à historiografia, à narrativa histórica por meio do cinema, bem como à crítica do orientalismo, eurocentrismo, relacionado-as à historiografia lusa e à do Mediterrâneo. São levados em conta aspectos de outras obras do realizador português, em especial Non, ou a vã glória de mandar (1990). Para a interpretação da película são consideradas obras da historiografia e de análise fílmica, bem como da crítica ao orientalismo, promovendo um diálogo com a historiografia em especial aquela que aborda o Mediterrâneo, Portugal, observando aspectos da história ibérica moderna, as relações do Ocidente com o Oriente árabe islâmico, além de levar em conta aspectos historiográficos como os lugares de memória. / Beginning with the film analysis of A Talking Picture (2003), by Manoel de Oliveira, here are discussed several questions regarding historiography, historical narrative through cinema, as well as the critics of Orientalism, Eurocentrism, connecting them with Portuguese and Mediterranean historiographies. I take in consideration aspects of other works by the Portuguese director, especially No or the vain glory of command (1990). To proceed about the film interpretation are considered works from historiography and film analysis, as well as from the critic of Orientalism, promoting a dialogue with historiography especially the one that approaches the Mediterranean Sea, Portugal, observing aspects from Iberian history, the relations of West and Islamic East, and also considering historiographical aspects as places of memory.

Cette thèse a pour but d\'analyser trois films que le cinéaste brésilien Glauber Rocha a réalisés à l\'étranger: O leão de sete cabeças (Congo/Italie/France, 1970), Cabeças cortadas (Espagne, 1970) et História do Brasil (Cuba/Italie, 1972-74, co-réalisation de Marcos Medeiros). Nous partons de l\'idée selon laquelle la production des significations de l\'oeuvre cinématographique (les choix esthétiques et la manipulation du langage) exprime les déterminations et les influences du processus historique (des rapports sociaux et économiques, de la production de la culture et de l\'expérience personnelle du cinéaste). La présence internationale de Glauber Rocha, entre 1969 et 1974, a été circonscrite par la réalisation de ces films, la publication d\'articles et d\'interviews dans des périodiques européens et latino-américains et, finalement, la participation aux festivals, aux rencontres et aux congrès de cinéma. Ces formes d\'action ont consolidé les idées et les aspirations du cinéaste, de même qu\'elles ont fini par expliciter les frontières et les impasses de ses expectatives. Nous sommes en mesure de croire que les films analysés constituent le noyau dynamique d\'un projet formulé par Glauber Rocha: celui qui est tourné vers l\'intégration politique et esthétique des cinématographies situées dans des pays pauvres (en Amérique Latine, en Afrique, en Asie). Le cinéaste a nommé ce projet de Cinéma Tricontinental, inspiré de l\' internacionalisme de Che Guevara. Notre thèse prétend démontrer que le Cinéma Tricontinental établit la convergence d\'um programme politique de l\'unité du Tiers Monde, d\'une création esthétique marquée par l\'incorporation de la réligiosité populaire et d\'une perspective de révolution sociale - simultanément utopique et rédemptrice. / Esta tese tem por objetivo analisar três filmes do cineasta brasileiro Glauber Rocha realizados no exterior: O leão de sete cabeças (Congo/Itália/França, 1970), Cabeças cortadas (Espanha, 1970) e História do Brasil (Cuba/Itália, 1972-74, co-dirigido por Marcos Medeiros). Parte-se do entendimento que a produção de significados da obra cinematográfica (as escolhas estéticas e a manipulação da linguagem) expressa as determinações e as influências do processo histórico (das relações sociais e econômicas, da produção da cultura e da experiência pessoal do cineasta). A atuação internacional de Glauber Rocha, entre 1969 e 1974, foi delineada pela realização destes filmes, a publicação de artigos e entrevistas em periódicos europeus e latino-americanos e, finalmente, a participação em festivais, encontros e congressos de cinema. Estas formas de ação consolidaram as idéias e os anseios do cineasta, bem como explicitaram as fronteiras e os impasses as suas expectativas. Acreditamos que os filmes analisados constituem o núcleo dinamizador de um projeto formulado por Glauber Rocha de integração política e estética das cinematografias dos países pobres dos três continentes (América Latina, África e Ásia). O cineasta denominou este projeto de Cinema Tricontinental, inspirado no internacionalismo revolucionário de Che Guevara. Nossa tese pretende demonstrar que o Cinema Tricontinental fez convergir um programa político de unidade do Terceiro Mundo, uma criação estética pautada na incorporação da religiosidade popular e uma perspectiva de revolução social - simultaneamente, utópica e redentora.

O filme O Exército Inútil, realizado no ano de 1983 pelo diretor americano Robert Altman é a adaptação cinematográfica do texto dramatúrgico de David Rabe intitulado Streamers. A partir das discussões sobre a relação entre Cinema e História, a análise do filme se direcionou para as questões políticas e sociais presentes na obra, articulando-as com o contexto histórico e social nos Estados Unidos no início dos anos 1980. O filme refere-se ao momento profissional em que Robert Altman encontrava-se com dificuldades para realizar seus projetos junto à indústria cinematográfica americana, o que o levou a atuar em produções de menor orçamento, veiculadas, principalmente, em festivais de cinema nos Estados Unidos e na Europa. O Exército Inútil narra a história de quatro recrutas e dois sargentos que se encontram em uma caserna do exército americano, aguardando o envio para o Vietnã. Ao longo da trama, os conflitos raciais e sexuais acabam por conduzir o grupo a um final trágico, com a morte de duas personagens e a prisão de outra. Relacionando as situações retratadas no filme, estabeleceram-se as temáticas que conduziram este estudo, privilegiando as questões referentes aos conflitos raciais e homossexuais nos Estados Unidos no início dos anos 1980. Nessa época, Ronald Reagan tornou-se presidente da República e, com apoio de políticos conservadores, iniciou um processo de diminuição dos recursos federais destinados aos programas sociais de amparo aos pobres e grupos representantes das minorias no país, ao mesmo tempo em que privilegiava o incremento da indústria bélica. A partir desse contexto, foram examinados os efeitos dessa política nas comunidades negras dos Estados Unidos, que se encontravam sob pressão política e social. Simultaneamente aos cortes nos serviços públicos, observou-se a ampliação da presença dos negros entre a população carcerária, revelando o caráter conservador daquelas medidas. O implemento de tais políticas para as comunidades homossexuais nos Estados Unidos, nos primeiros anos da década de 1980, foi analisado a partir proliferação da AIDS, cujas causas eram ainda desconhecidas, bem como seus impactos. Como resultado ocorreu a mobilização da própria comunidade pelo controle da síndrome e a tentativa de barrar seu avanço. Nesse contexto, o filme foi interpretado como uma forma de representação dos conflitos sociais que vinham se operando na sociedade americana, na época de sua produção e exibição. A indústria cinematográfica americana também foi favorecida pelas políticas conservadoras do período e privilegiou um modelo de produção que tinha como principal característica a utilização de efeitos especiais e intensa divulgação, o que elevava os custos e exigia retornos financeiros cada vez mais vultosos. Diante desse quadro, o filme O Exército Inútil, além de representar os conflitos políticos presentes na sociedade americana da época, refere-se, também, aos processos de mudanças que vinham ocorrendo em Hollywood desde os finais da década de 1970 e que, naquele momento, refletiam-se nos trabalhos de Robert Altman. O filme, portanto, foi entendido como uma obra que dialoga com as transformações políticas ocorridas nos Estados Unidos no início dos anos 1980. / Streamers, film made by the American director Robert Altman in 1983 is a screen adaptation of the play Streamers by the playwright David Rabe. Based on discussions on the relationship between the cinema and History, the analysis of the film was oriented to political and social issues raised in it, linking them to the American historical and social context at the beginning of the 1980s. The film refers to the professional moment in which Robert Altman was facing difficulties to accomplish his projects along with the American cinematographic industry, what led him to operate with small budget productions, released mainly in film festivals in the United States and Europe. Streamers tells the story of four recruits and two sergeants in American army barracks, waiting to be sent to Vietnam. In the plot development, racial and sexual conflicts end by leading the group to a tragic end, in which two characters die and another one is sent to prison. By relating the situations portrayed in the film, one established the issues which gave rise to this study, focusing on those concerning racial and homosexual conflicts in the United States at the beginning of the 1980s. At that time, Ronald Reagan became president and, with the support of conservative politicians, began the process to reduce the federal resource programs meant for social support of the poor and minority groups in the country, and at the same time he furthered the increase of the strategic war industry. Based on such a context, one assessed the effects of such a policy in the American black communities which were put under political and social pressure. At the same time in which public budget cuts were made, there was an increase in the number of Negroes put in jail, what showed the impact of the conservative character of such steps. The implementation of such policies concerning homosexual communities in the United States at the beginning of the 1980s was analyzed based on the spread of Aids, whose causes as well as impacts were still unknown. As a result, there was a community mobilization to control the syndrome of Aids and the attempt to stop its spread. Within that context, the film was enacted as a means to portray the social conflicts under way in American society at the time of its production and exhibition. The American cinematographic industry was also favored by those conservative policies and gave priority to a production model characterized by the frequent use of special effects [FX], and world-wide release, what increased the film budget and demanded bulky ticket-office reward. In face of such a picture, the film Streamers, besides presenting the political conflicts within the American society of that time, also refers to the process of changes brought about in Hollywood since the end of the 1970s and which, at that time, affected Robert Altmans work. Therefore, the film was viewed as a work which holds a dialog with the political changes occurred in the United States at the beginning of the 1980s.

Esta pesquisa insere-se no contexto do Laboratório de Estudos em Psicologia da Arte (LAPA-USP) e aborda a temática da correspondência das artes e a unidade dos sentidos. Assumindo a postura interdisciplinar preconizada pelo Laboratório, munido de referencial fenomenológico, estético e psicanalítico, procurei investigar o romance Lavoura arcaica, de Raduan Nassar, e o filme homônimo, dirigido por Luiz Fernando Carvalho, atentando sobretudo para a correspondência estabelecida entre os dois registros. Mais especificamente, a partir da leitura do romance, abordei as condições para o surgimento do filme, debrucei-me sobre a correspondência entre as obras e aportei de volta à linguagem, quando então discuti a temática da diversidade e unidade do múltiplo encarnada em Lavoura arcaica. Voltar o olhar às duas narrativas e reconstruí-las neste trabalho implicou o nascimento de uma terceira narrativa. / This research inserts itself in the context of the Laboratory of Studies in Psychology of Art (LAPA-USP), and it tackles the theme of the correspondence between the arts and the unity of the senses. I assume the interdisciplinary posture of the Laboratory, with phenomenological, aesthetic, and psychoanalytic references, in order to examine the novel Lavoura arcaica, by Raduan Nassar, and the homonymic movie directed by Luiz Fernando Carvalho, attending mainly to the correspondence between the two records. To do that I dealt with the conditions for the emergence of the movie from the reading of the novel, I investigated the links between the two works, and then I turned my attention to the language, which made me discuss the theme of diversity and unity in the multiplicity of Lavoura arcaica. To investigate and to rebuild the two forms of the narrative in this research then created a third narrative.