Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau. Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies. Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque. Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier. Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps. La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.

Notre recherche porte sur la corporéité de la voix et sur l'étude des possibilités signifiantes de celle-ci. Son objectif premier est de démontrer que la voix en tant que matière sonore - c'est-à-dire la voix prise en dehors de sa fonction de support à la parole - peut développer sa propre forme de langage, et que ce langage corporel peut être utilisé comme épicentre d'une création scénique. L'essai scénique Une petite longueur d'onde consiste en une application pratique de cette recherche. D'une part, il explore la capacité de la voix à dégager du sens sans les mots, en communiquant à la scène des émotions, des états et des sensations. D'autre part, il utilise la voix tel un matériau, afin d'explorer comment celle-ci peut être modelée, façonnée et organisée et, ainsi, proposer d'autres significations. Complémentaire de notre essai scénique, l'essai critique La voix sans les mots, un langage corporel à la scène trace, dans un premier chapitre, un bref état des lieux du travail de la voix à la scène à travers l'étude de trois démarches : celles d'Antonin Artaud, du Roy Hart Théâtre et de Claude Régy. Le deuxième chapitre tente, quant à lui, de définir les liens entre la voix et le sensible, tant par la manifestation des émotions à travers la voix que par le rapport qu'elle entretient avec les sens de l'ouïe et de la vue. Enfin, le dernier chapitre s'intéresse à la voix et à sa signification, plus précisément aux possibilités d'intervenir sur la voix afin d'en transformer le sens. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : corps, langage, matière sonore, sensible, signification, voix

The Lofoten Maelström in Norway, one of the world’s most powerful systems of tidal eddies, has been a locus of terror and imagination for centuries. First depicted in renaissance cartography, the myth of the vortex was propagated through the occult science of Athanasius Kircher and found its most current expression in Edgar Allan Poe’s “A Descent into the Maelström”. This thesis is a work of exegesis. That is, a work of interpretation that leads out of a text, or a site, towards another level of meaning. Poe’s text refers to the geographic site of the thesis but also becomes a site in itself. It is out of this text/site that the author unfolds a series of exegetical pathways, constructing an ambiguous ground between the real and imaginary dimensions of the Maelström. This thesis is also a work of synthesis. It explores how the speculative architectural proposition can crystallize subtle conceptual material in ways that text and image alone cannot. While the thesis is heavily invested in various modes of representation, architectural and otherwise, it also acts as a critical investigation into the nature of representation itself. The document is composed as a performance in three parts. Each part broadly engages a fundamental binary that is latent in the work of architecture: 1) history and fiction 2) figure and ground 3) ritual and design. Part I introduces the site through various historical and fictional portrayals of the Maelström which have contributed to the co-authorship of its mythologized identity. Part II consists of a suite of three discursive essays that address the sublime, the death instinct, romanticism, negative theology, the chora, and 20th century performance theory. This material is organized under the umbrella of three figure/ground conditions: the figure against the sublime ground of the romantic-era painting, the negative ground of medieval mysticism, and the ritual ground of the Greek chorus and its spatial counterpart, the chora. Finally, Part III includes two movements: the design of a wave energy research facility, and a series of episodic vignettes that subvert the intentions of the designer by re-casting the facility as a place of ritual. With the Maelström as a backdrop, the architectural proposition offers itself as the stage upon which this struggle between design and ritual is enacted.

The Lofoten Maelström in Norway, one of the world’s most powerful systems of tidal eddies, has been a locus of terror and imagination for centuries. First depicted in renaissance cartography, the myth of the vortex was propagated through the occult science of Athanasius Kircher and found its most current expression in Edgar Allan Poe’s “A Descent into the Maelström”. This thesis is a work of exegesis. That is, a work of interpretation that leads out of a text, or a site, towards another level of meaning. Poe’s text refers to the geographic site of the thesis but also becomes a site in itself. It is out of this text/site that the author unfolds a series of exegetical pathways, constructing an ambiguous ground between the real and imaginary dimensions of the Maelström. This thesis is also a work of synthesis. It explores how the speculative architectural proposition can crystallize subtle conceptual material in ways that text and image alone cannot. While the thesis is heavily invested in various modes of representation, architectural and otherwise, it also acts as a critical investigation into the nature of representation itself. The document is composed as a performance in three parts. Each part broadly engages a fundamental binary that is latent in the work of architecture: 1) history and fiction 2) figure and ground 3) ritual and design. Part I introduces the site through various historical and fictional portrayals of the Maelström which have contributed to the co-authorship of its mythologized identity. Part II consists of a suite of three discursive essays that address the sublime, the death instinct, romanticism, negative theology, the chora, and 20th century performance theory. This material is organized under the umbrella of three figure/ground conditions: the figure against the sublime ground of the romantic-era painting, the negative ground of medieval mysticism, and the ritual ground of the Greek chorus and its spatial counterpart, the chora. Finally, Part III includes two movements: the design of a wave energy research facility, and a series of episodic vignettes that subvert the intentions of the designer by re-casting the facility as a place of ritual. With the Maelström as a backdrop, the architectural proposition offers itself as the stage upon which this struggle between design and ritual is enacted.

The purpose of this study was to identify Artaudian criteria contained in three different performance practices including (1) a television performance, (2) a live performance, and (3) a workshop performance. These included, respectively, (1) an episode from The X-Files television series; (2) MetamorphoSex, a live ritual performance with performance artist Annie Sprinkle; and (3) Rachel Rosenthal’s DbD Experience Workshop. Core criteria of Artaudian Theater of Cruelty were established through analyses of the relevant literature. These criteria were then coupled with characteristics of French feminist theory and a “shamanistic” perspective to create a theoretical-analytic tool with Artaudian criteria as its centerpiece. Also, performance analysis, experiential and experimental reflexive-subjectivity, and performative poetics were techniques applied for analytic purposes. Analyses identified a range of Artaudian criteria and feminist and “shamanistic” characteristics in the three performances; these included radical and performative poetics, embodied states of ecstasy and transformation, and non-reliance on written texts and scripts in performance practices. Among other things, analyses of different performance practices indicates that identified Artaudian performances, as a whole, tend to hinge upon performing “in the extreme” and may inadvertently serve to reinscribe race and imperialist hegemonies through an exaggeration of performing “whiteness in the extreme.” Additionally, women performing “in the extreme” are often unfairly characterized as heightened and exaggerated examples of “womanness.” Masked behind themes of women’s empowerment are cultural and performative archetypes of woman as “goddess,” “monster,” or heartless “cyborg.” Implications of these findings are discussed as well as the creation of public spaces where groups of people gather for an “extreme” performative event that, through dramatic spectacle and purpose, unites them with a particular theme or focus. It is argued that such spaces have the potential to catalyze endeavors seeking transformation and, in particular, transform the social lives of the participants. / text

Le but de la présente thèse est de retracer le changement théorique qu'a réalisé Antonin Artaud de la notion du moi, et par là d'éclairer la poétique particulière qu'il a établie à la fin de sa vie. La 1ère partie focalise ses premiers écrits et surtout la maladie dans laquelle il ne pouvait penser. Qu'est-ce que l'impossibilité de penser ? Pour lui cette maladie n'est qu'un dysfonctionnement psychologique. Sa maladie consiste à son incapacité de faire correspondre rétrospectivement sa pensée intérieure aux paroles extériorisées. A l'époque le moi artaldien restait minimisé. Il s'agit dans la 2e partie de la théorie du théâtre qu'il développait toute sa vie. Certes sa théorie reste cohérente en ce sens qu'il s'agit toujours de la relation entre le texte et l'acteur. Mais dans les années 30 comme le texte fonctionne comme un double qui hante le moi de l'acteur et lui demande tel ou tel acte, le texte se trouve toujours antérieur à l'acteur. Par contre, dans les années 40, Artaud n'accepte plus l'antériorité du texte par rapport à l'acteur, ce qui rend impossible le théâtre au sens ordinaire du terme. La 3e partie aborde l'hypertrophie du moi artaldien. Or cette centralité du moi artaldien n'est pas un solipsisme car ce n'est que rétrospectivement qu'il peut dire " tout est sorti de moi ". Cette rétrospectivité lui permet de développer sa propre poétique à travers la lecture des Chimères de Nerval où il établit un nouveau sujet littéraire : sujet de lecture qui domine rétrospectivement l'espace poétique. L'hypertrophie du moi n'est point un symptôme de la schizophrénie, mais un support théorique à la poésie contemporaine, comme la poésie sonore ou littéraliste.

Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau. Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies. Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque. Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier. Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps. La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.

A presente pesquisa teve como ponto de partida a experiência com docentes que recebem crianças consideradas da educação especial em duas escolas públicas de uma cidade do interior do Rio Grande do Sul. O estudo investigou o modo como as Rodas de Conversa podem contribuir para a formação continuada de educadores que recebem alunos de inclusão. O objetivo principal foi ofertar condições para que as professoras narrassem suas experiências cotidianas com esses alunos e que, por meio dessas narrativas, pudessem apostar mais na construção de um saber singular acerca de seu fazer docente. As interrogações norteadoras da pesquisa foram: é possível que se produzam movimentos nas narrativas e, quiçá, nas posições discursivas das educadoras através das Rodas de Conversa? As Rodas seriam potentes como dispositivo de formação dirigida a educadores que recebem alunos de inclusão? A metodologia utilizada para a condução e a análise do material foi inspirada na escuta psicanalítica – a atenção flutuante, do lado da pesquisadora; a associação livre, na fala dos docentes; e a temporalidade do a posteriori, na análise dos materiais –, conjugada aos efeitos ético-metodológicos advindos do tema da experiência em Walter Benjamin. As Rodas, pela escuta da dimensão da experiência dos docentes, funcionaram como espaços de acolhimento aos alunos considerados da educação especial, onde muitas vozes, palavras e vivências puderam ser enunciadas, criando assim condições para que se desse o trânsito da “Mão Única” para as “Passagens”. É nesse sentido que apostamos na construção do saber da experiência como via de travessia para uma micropolítica de inclusão nas escolas. / The present research had as a starting point the experience with teachers who assist children with special needs in two public schools in a countryside city of Rio Grande do Sul. The study investigated the way the Conversation Rounds can contribute to the continuous education of teachers who have students from inclusion. The main purpose was to offer conditions for the teachers to talk about their daily experiences with these students and, through these narratives, they could invest more in the development of singular knowledge involving their teaching practice. The questions which guided this research were: Is it possible to produce movement in the narratives and, perhaps, in the discursive attitude of the teachers? Would the Rounds be powerful to a formative proposal directed to the teachers who work with special needs education? The methodology used to conduct and analyze the material at the Rounds was inspired in the psychoanalytic listening – by the researcher’s suspended attention, the free association at the teacher’s talking and the deferred temporality at the material analysis - combined with the ethics-methodological effects from Walter Benjamin’s theme of experience. Using elements like listening, experience, knowledge and truth, several voices, words and experiences could be interlaced and thus, being a way to make working and welcoming special needs students more creative. We can say that the Conversation Rounds, when they go from a “One-way” to “Passages”, they point to the development of knowledge based on experience and, thus having the possibility of becoming an inclusion micro-policy at schools.

A presente pesquisa teve como ponto de partida a experiência com docentes que recebem crianças consideradas da educação especial em duas escolas públicas de uma cidade do interior do Rio Grande do Sul. O estudo investigou o modo como as Rodas de Conversa podem contribuir para a formação continuada de educadores que recebem alunos de inclusão. O objetivo principal foi ofertar condições para que as professoras narrassem suas experiências cotidianas com esses alunos e que, por meio dessas narrativas, pudessem apostar mais na construção de um saber singular acerca de seu fazer docente. As interrogações norteadoras da pesquisa foram: é possível que se produzam movimentos nas narrativas e, quiçá, nas posições discursivas das educadoras através das Rodas de Conversa? As Rodas seriam potentes como dispositivo de formação dirigida a educadores que recebem alunos de inclusão? A metodologia utilizada para a condução e a análise do material foi inspirada na escuta psicanalítica – a atenção flutuante, do lado da pesquisadora; a associação livre, na fala dos docentes; e a temporalidade do a posteriori, na análise dos materiais –, conjugada aos efeitos ético-metodológicos advindos do tema da experiência em Walter Benjamin. As Rodas, pela escuta da dimensão da experiência dos docentes, funcionaram como espaços de acolhimento aos alunos considerados da educação especial, onde muitas vozes, palavras e vivências puderam ser enunciadas, criando assim condições para que se desse o trânsito da “Mão Única” para as “Passagens”. É nesse sentido que apostamos na construção do saber da experiência como via de travessia para uma micropolítica de inclusão nas escolas. / The present research had as a starting point the experience with teachers who assist children with special needs in two public schools in a countryside city of Rio Grande do Sul. The study investigated the way the Conversation Rounds can contribute to the continuous education of teachers who have students from inclusion. The main purpose was to offer conditions for the teachers to talk about their daily experiences with these students and, through these narratives, they could invest more in the development of singular knowledge involving their teaching practice. The questions which guided this research were: Is it possible to produce movement in the narratives and, perhaps, in the discursive attitude of the teachers? Would the Rounds be powerful to a formative proposal directed to the teachers who work with special needs education? The methodology used to conduct and analyze the material at the Rounds was inspired in the psychoanalytic listening – by the researcher’s suspended attention, the free association at the teacher’s talking and the deferred temporality at the material analysis - combined with the ethics-methodological effects from Walter Benjamin’s theme of experience. Using elements like listening, experience, knowledge and truth, several voices, words and experiences could be interlaced and thus, being a way to make working and welcoming special needs students more creative. We can say that the Conversation Rounds, when they go from a “One-way” to “Passages”, they point to the development of knowledge based on experience and, thus having the possibility of becoming an inclusion micro-policy at schools.

Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau. Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies. Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque. Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier. Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps. La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.