Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2015. / A partir da obra de Artaud, sobretudo do período de internação em Rodez (fevereiro de 1943 a maio de 1946) até a sua morte (março de 1948), evidencia-se um ideário que sugere princípios para uma vocalidade no contexto da performance. Esta vocalidade é baseada em uma noção de glossolalia enquanto conceito vinculado às práticas enunciativas, sobretudo como potência para desarrazoar estratos vocais. Assim, a glossolalia pode agregar valores sonoro-poéticos que desestabilizam aspectos mais estabelecidos da produção e percepção de sentidos relacionados à voz e, dessa forma, busca-se aqui uma discussão sobre possíveis fronteiras da produção vocal para a performance ao valorizar aspectos nômades em sua experimentação de forma a enriquecer a investigação do ator e do performer contemporâneo. A experimentação no contexto dessa pesquisa baseou-se num conjunto de práticas de improvisação que, embora não tenha se abdicado da palavra, sobretudo em sua criação imaginária que extrapola o contexto da língua, buscou priorizar o som e seus parâmetros vinculados a aspectos mais ruidosos, ininteligíveis e instáveis da produção vocal, apontando recursos para um aquém e um além da linguagem. Dessa forma, buscando uma ressonância de Artaud em Deleuze e Guattari, assim como em Derrida, um plano conceitual foi traçado como agenciador de processos de criação para a voz em performance. Demais, foi feito um recorte cartográfico da glossolalia nos contextos linguístico-psiquiátrico, religioso e artístico que também serviu de território histórico-conceitual. Dois exercícios estéticos, baseados em práticas glossolálicas, foram gravados e editados em arquivos de áudio e cartografados a partir de uma noção de parâmetros do som, possibilitando a discussão para uma poética do devir vocal em performance. / Hailing from the works of Artaud, especially during his stay at Rodez (February 1943 to May 1946) until his death (March 1948), it is evident a set of ideas that suggests principles for voicing in the context of performance. This vocality is based on a notion of glossolalia as a concept linked to enunciative practices, especially as a power to irrationalize vocal strata. Thus, glossolalia can add sound-poetic values that destabilize more established aspects of production and senses of perception related to voice and, thus, here we seek a discussion of possible boundaries in vocal production to performance by highlighting nomad aspects in its experimentation, in order to enrich an actor and contemporary performer's research. Experimentation in the context of this research was based on a set of improvisational practices which, although not having abdicated the word, especially in its imaginary creation that goes beyond the language context, sought to prioritize the sound and its parameters linked to noisier aspects, unintelligible and unstable voice production, pointing to a resource below and beyond language. This way, seeking an Artaud resonance in Deleuze and Guattari, as in Derrida, a conceptual plan was drafted as an agent of creation processes for vocal performance. Also, there is a cartographic clipping of glossolalia in linguistic-psychiatric, religious and artistic contexts that also served as a historical and conceptual territory. Two aesthetic exercises, based on glossolalic practices, were recorded and edited and mapped from a notion of sound parameters, allowing the discussion into the poetics of becoming in a vocal performance.

In the period following the May 1968 protests, French women began to create theatre that highlighted women’s struggles. This study explores the dual influence of Antonin Artaud and Bertolt Brecht on plays by Hélène Cixous, Simone Benmussa, and the Théâtre du Soleil led by Ariane Mnouchkine. Artaud argued that theatre should become a transformative experience through an explosion of sensory stimuli: music, light, noise, and imagery. Conversely, Brecht wanted to use theatre to revolutionize society and theorized that by maintaining historical and emotional distance between the audience and the play, spectators would be encouraged to think critically about the its significance and be compelled to action. The female playwrights and directors studied created powerful theatre by combining these ideas in a manner mimicking Julia Kristeva’s notion of subject formation. Kristeva proposes that the human subject is never stable. Instead, it oscillates between the non-discursive, emotion-filled state she labels the semiotic and the more language- and logic-propelled symbolic register. These two realms are in constant tension as the semiotic disrupts the logic of the symbolic and in turn, the symbolic strives to regulate the semiotic impulses. In this study, I argue that the ideas of Artaud are aligned with the semiotic while those of Brecht resemble the symbolic. In the plays examined, the non-linguistic elements of the design and mise-en-scène engage with the didactic aims of the playwrights and directors, causing the spectator to connect emotionally with the story while simultaneously reflecting on its real-world signification.

Germaine Dulac's 1928 avant-garde film, La Coquille et le Clergyman, based on a script written by Antonin Artaud, presents the idea of the woman as an object of desire, subjected to the male gaze through the cinematic process. Not only is the lone female character the object of desire of her two male suitors on screen, but she also becomes the object of desire for the presumably male viewer of the film, who has become a silent character in the film. Rather than simply being the spectator, the viewer's own identity becomes entwined with that of the on screen characters. While the idea of the woman as the object of desire subjected to the often male gaze in the cinema has been analyzed by many feminist film theorists, including Laura Mulvey, Kaja Silverman and Mary Ann Doane, the theories presented center on films directed either by male directors or female directors since the 1970's. Very little has been written about films directed by women in the 1920's, including La Coquille et le Clergyman. By examining Coquille et le Clergyman, I hope to fill in a gap in the discourse of the majority of feminist film theory. This thesis will not only attempt to understand how Germaine Dulac, an early feminist film director, approaches the idea of the female body as an object of desire subjected to the male gaze differently than her male film director counterparts, but will examine how the relationships between the female character and the two male characters differ from other male directed avant-garde films from the 1920's and how these relationships affect spectatorship. By examining La Coquille et le Clergyman, I hope to better understand how Dulac's cinematic interpretation of Artaud's script treats the idea of spectatorship, not only in 1928, but also today.

Cette recherche est une tentative de mener un processus de création artistique, à la fois théorique et pratique, qui puisse contribuer à penser de nouvelles modalités d'images dans le champ de l'art et propose des pistes alternatives à la représentation. Ces images, fluides, autopoïétiques, sont davantage pensées ici comme translations continues que comme formes déterminées. Vivantes, elles se constituent sur leur bordure, à la limite d'une prise de consistance ou d'une dissolution. Nous partons du mouvant, de la durée bergsonienne, nous plaçant en son sein afin d'épouser le flux continuel des nos corps et des choses. Nous investissons un processus ouvert, celui d'une base d'expérimentation somatique fluide impliquant à la fois un corps sans images, en amont de celles produites par le système nerveux, et une multiplicité d'images poétiques engendrées par l'expérience. À ces pratiques, nous couplons celle d'une philosophie vécue en acte, engageant des concepts dans le processus créatif, le mouvement et la danse. Nous sommes portés à vivre, à penser, un seuil de tremblement sur lequel la perception ordinaire vacille, et à élaborer des modalités de regard qui tentent d'ouvrir les corps et les espaces les libérant d'images fixes ou d'identités trop définies. Il s'agit non seulement de voir avec la peau, les liquides, les os, mais d'épouser le vide au cœur des choses et de tenter de voir avec « les yeux du vide » afin que les images se transmutent continuellement en leur anagramme : magies. Nous pouvons alors nous connecter aux dimensions fluidiques de la vie afin que coule une nouvelle douceur entre les corps et les catégories. / This research is an attempt to establish a process of artistic creation, simultaneously theoretical and practical, contributing to the conception of new image modalities in the art field and offering alternatives to representation. Images –fluid, autopoietic– are considered here more as continuous translations than fixed shapes. They are living entities, constituting themselves at their limits, always on the verge of attaining consistency or dissolving. We start with movement, Bergsonian duration, putting ourselves inside it in order to embrace the continual flux of our bodies and of things. We enter into an open process based upon a groundwork of fluid somatic experimentation involving both (1) explorations without images (explorations antecedent to the images produced by the nervous system) and (2) a multiplicity of poetic images engendered by the process itself. We join to these practices that of a philosophy experienced in action, involving concepts in the creative process, movement, and dance. We come to experience and conceive a threshold of trembling on which ordinary perception flickers. We develop modalities of the gaze that attempt to open bodies/spaces, liberating them from set images or too-fixed identities. At issue is not merely seeing with skin, liquids, bones, but espousing the void at the heart of things and attempting to see with "the eyes of the void" in order that images be transmuted continually into their anagram: magies [spells]. We may then connect to the fluidic aspects of life and a new gentleness may flow between bodies and categories.

A tessitura deste texto tem seu início no encontro com a obra de Antonin Artaud e nas inquietações que surgem da experiência de uma leitura que se dá como se uma escuta fosse. Escuta-leitura que recolhe nas construções do poeta efeitos de testemunho acerca do momento de queda do sujeito, de desenlace da estrutura, tempo de soltura entre voz e palavra, quando o que emerge é o grito. Percorro, para isso, um caminho de leitura que se pretende um ensaio de escuta da narrativa de Antonin Artaud. Narrativa depositada nas cartas escritas por ele ao longo do seu período de internamento nos manicômios franceses entre os anos de 1937 e 1946. Leitura que toma as cartas como recorte norteador da pesquisa, mas que se mantém em interlocução com elementos de outras produções do poeta que se enlacem à escrita das correspondências. Diante do enclausuramento manicomial, das camisas de força, do eletrochoque, Artaud resistia amarrado à arte. O teatro irá compor um dos principais espaços fora da lógica manicomial. O artista, nas cartas, no teatro, nos poemas ou nos autorretratos, vive a busca por encontrar uma forma de transcrever o que é da ordem do grito. Este estudo acerca da voz e das tentativas de escritura do inominável conduz a uma pergunta auxiliar sobre o corpo. Questão que emerge na experiência clínica ao encontrar, no lugar de palavras articuladas a uma trama discursiva, algo que dá a ver a história de um sujeito através do que no corpo se cifra. Para compor essa trama entre o texto artaudiano e os interrogantes que emergem da clínica, busco nos fios da psicanálise a lalangue – articulador teórico que, em minhas elaborações, enlaça corpo e palavra, voz e escrita. É a partir de lalangue que me inclino em direção à obra de Artaud. Artaud encenou, desenhou, escreveu, gritou o grito. E assim, o grito, vestígio de real que irrompe na cadeia associativa em razão da desarticulação do discurso, pode fazer algo de uma travessia: do vazio da voz desancorada da palavra em um momento de queda do sujeito para um espaço/tempo de endereçamento e existência. Existência que se sustentará corporificada na obra de Artaud. / The woven of this text has its beginning in the work of Antonin Artaud and in the anxiety that arise from the reading-listen experience as if it were a listening. The listening-reading that gathers in the construction of the poet effects of the testimony regarding the moment of the subject fall, of the structure disconnection, of looseness time between the voice and the word, when what arise is the scream. For that, I laid a reading path that is a listening essay in the narrative of Antonin Artaud. This narrative is found in the letters which were wrote by him in his time as an intern in several French mental asylums, from 1937 to 1946. This reading makes his letters as the research compass, but maintain the connection to other work of this poet. Faced with the mental asylum enclosure, the straitjacket and the electro-shock, Artaud remained bound to the art. The theater will compose one of the spaces out of this asylum logic. In the letters, in the theater, in the poems or in the self-portraits, the artist lives to find a way to transcribe what is an scream instance. This study regarding the voice and the writing attempts of the unnamed, leads an auxiliary question about the body. This question arises in the clinical experience which finds, replacing the words from a discursive plot, something else that makes the subject history cyphered in the body. To compose this plot between the plot between the text from Artaud and the questioners that arise from the clinic, I turn to the threads of the lalanage psychoanalyses – theoretical articulator which in my reasoning, connects body and word, voice and writing. Since lalange that I tend to the work of Artaud. Artaud, played, draw, wrote and shout out the scream. With these actions the scream, trace of the real that irrupts in the association chain due to the disarticulation of the speech, can make the passage: from the voice emptiness unanchored from the word during the moment of the subject fall to a time/space of direction and existence. Existence that sustains itself embodied in the work of Artaud.

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Submitted by Ellen Paula (ellenspaula@gmail.com) on 2017-04-13T14:37:23Z No. of bitstreams: 1 AS VEIAS TRÁGICAS DA LOUCURA.pdf: 2003514 bytes, checksum: 87992dda745aad5acfcd5a44b161c208 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2017-04-17T11:39:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 AS VEIAS TRÁGICAS DA LOUCURA.pdf: 2003514 bytes, checksum: 87992dda745aad5acfcd5a44b161c208 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-17T11:39:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AS VEIAS TRÁGICAS DA LOUCURA.pdf: 2003514 bytes, checksum: 87992dda745aad5acfcd5a44b161c208 (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Trata-se de pesquisa histórico-crítica, composta por ensaios, na linha de História, Crítica e Recepção, forma e método de aproximação inspirados em Adorno, Theodor (2003), na qual a autora produziu três textos estruturalmente independentes e subjetivamente intercambiados, procurando perseguir os rastros da loucura que marca a poética de Antonin Artaud. Partindo da concepção de experiência trágica da loucura, como pressentiu Michel Foucault, contaminado pela perspectiva do trágico nietzschiano, sugere-se que há um jogo de transgressão e de limites entre razão e loucura, que se materializa na poética artaudiana como combate do corpo, da linguagem e do pensamento contra as estruturas que os imobilizam. No recorte biográfico da viagem de Antonin Artaud à Irlanda, cria-se uma tensão metafórica entre a imagem da água e a imagem da Ilha, a fim de demarcar o combate no duelo entre a Crueldade e o Juízo de Deus, que resultará nos duros anos de intermanto asilar a que o poeta foi submetido. De onde, sob a máscara de Vincent van Gogh, Antonin Artaud acusará a sociedade do ocidente de não suportar a sabedoria trágica dos corpos delirantes, demonstrando que aquilo que chamamos loucura, nada mais é do que a potência do pensamento louco, tomada por uma Tentação para devir, a cada vez que a Crueldade da existência diante dele se desnuda, a tal ponto de provocar o suicídio. / This master´s dissertacion is historical-critical research, in the search line of History, Criticism and Reception. It was organized in the meeting academis essays, form and method of approach inspired by Adorno, Theodor (2013). The author this dissertacion produced three structurally independent texts and subjectively interchanged and she sought to pursue the traces of madness that marks the poetic of Antonin Artaud. Starting from the conception of tragic madness experience as envisioned Michel Foucault, contaminated by the Nietzschean tragic perspective, the dissertacion suggests that there is a game of transgression and of the limits of reason and madness which is embodied in the artaudiana poetic as body combat, language combat and thought combat against the structures that immobilize them. In the biographical outline of the travel Antonin Artaud Ireland, a metaphoric tension is created between the water image and the island image to demarcate the fight in the duel between cruelty and the judgment of God, that will result in the hard years of asylum boarding which the poet was submitted. There, under the mask of Vincent Van Gogh, Antonin Artaud accuses western society does not support the tragic wisdom of delirious bodies, demonstrating that what we call madness, nothing more than the power of the crazy thought, taken by the temptation to become, each time the existence of Cruelty in front of him is naked until take him to suicide limit.

A tessitura deste texto tem seu início no encontro com a obra de Antonin Artaud e nas inquietações que surgem da experiência de uma leitura que se dá como se uma escuta fosse. Escuta-leitura que recolhe nas construções do poeta efeitos de testemunho acerca do momento de queda do sujeito, de desenlace da estrutura, tempo de soltura entre voz e palavra, quando o que emerge é o grito. Percorro, para isso, um caminho de leitura que se pretende um ensaio de escuta da narrativa de Antonin Artaud. Narrativa depositada nas cartas escritas por ele ao longo do seu período de internamento nos manicômios franceses entre os anos de 1937 e 1946. Leitura que toma as cartas como recorte norteador da pesquisa, mas que se mantém em interlocução com elementos de outras produções do poeta que se enlacem à escrita das correspondências. Diante do enclausuramento manicomial, das camisas de força, do eletrochoque, Artaud resistia amarrado à arte. O teatro irá compor um dos principais espaços fora da lógica manicomial. O artista, nas cartas, no teatro, nos poemas ou nos autorretratos, vive a busca por encontrar uma forma de transcrever o que é da ordem do grito. Este estudo acerca da voz e das tentativas de escritura do inominável conduz a uma pergunta auxiliar sobre o corpo. Questão que emerge na experiência clínica ao encontrar, no lugar de palavras articuladas a uma trama discursiva, algo que dá a ver a história de um sujeito através do que no corpo se cifra. Para compor essa trama entre o texto artaudiano e os interrogantes que emergem da clínica, busco nos fios da psicanálise a lalangue – articulador teórico que, em minhas elaborações, enlaça corpo e palavra, voz e escrita. É a partir de lalangue que me inclino em direção à obra de Artaud. Artaud encenou, desenhou, escreveu, gritou o grito. E assim, o grito, vestígio de real que irrompe na cadeia associativa em razão da desarticulação do discurso, pode fazer algo de uma travessia: do vazio da voz desancorada da palavra em um momento de queda do sujeito para um espaço/tempo de endereçamento e existência. Existência que se sustentará corporificada na obra de Artaud. / The woven of this text has its beginning in the work of Antonin Artaud and in the anxiety that arise from the reading-listen experience as if it were a listening. The listening-reading that gathers in the construction of the poet effects of the testimony regarding the moment of the subject fall, of the structure disconnection, of looseness time between the voice and the word, when what arise is the scream. For that, I laid a reading path that is a listening essay in the narrative of Antonin Artaud. This narrative is found in the letters which were wrote by him in his time as an intern in several French mental asylums, from 1937 to 1946. This reading makes his letters as the research compass, but maintain the connection to other work of this poet. Faced with the mental asylum enclosure, the straitjacket and the electro-shock, Artaud remained bound to the art. The theater will compose one of the spaces out of this asylum logic. In the letters, in the theater, in the poems or in the self-portraits, the artist lives to find a way to transcribe what is an scream instance. This study regarding the voice and the writing attempts of the unnamed, leads an auxiliary question about the body. This question arises in the clinical experience which finds, replacing the words from a discursive plot, something else that makes the subject history cyphered in the body. To compose this plot between the plot between the text from Artaud and the questioners that arise from the clinic, I turn to the threads of the lalanage psychoanalyses – theoretical articulator which in my reasoning, connects body and word, voice and writing. Since lalange that I tend to the work of Artaud. Artaud, played, draw, wrote and shout out the scream. With these actions the scream, trace of the real that irrupts in the association chain due to the disarticulation of the speech, can make the passage: from the voice emptiness unanchored from the word during the moment of the subject fall to a time/space of direction and existence. Existence that sustains itself embodied in the work of Artaud.

Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2016-08-09T23:24:15Z No. of bitstreams: 1 FagnerTorresDeFranca_TESE.pdf: 2820082 bytes, checksum: 1aef38a2acfea05b589c53dab57a583c (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2016-08-15T19:55:24Z (GMT) No. of bitstreams: 1 FagnerTorresDeFranca_TESE.pdf: 2820082 bytes, checksum: 1aef38a2acfea05b589c53dab57a583c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-15T19:55:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FagnerTorresDeFranca_TESE.pdf: 2820082 bytes, checksum: 1aef38a2acfea05b589c53dab57a583c (MD5) Previous issue date: 2016-02-18 / Antonin Artaud (1896-1948) publicou mais de duas mil p?ginas apenas pela editora Gallimard. Sessenta e oito anos ap?s a sua morte seus escritos continuam sendo lan?ados. Artaud escrevia compulsivamente sobre diversos assuntos, lan?ando pseud?podes em tantas dire??es quantos eram seus interesses, alguns dos quais se ramificavam e se desenvolviam, enquanto outros adormeciam esperando desdobramentos que, por vezes, vinham ou n?o. Teatro, cinema, poesia, literatura, filosofia, hist?ria, pintura e desenho eram alguns dos seus temas de reflex?o. A incurs?o pela chamada s?tima arte, por exemplo, foi um dos projetos interrompidos pelo franc?s de Marselha. Deixou poucos - mas profundos - textos sobre o assunto, variando entre o encantamento e o des?nimo. Atuou em vinte e dois filmes e deixou sete roteiros, dos quais apenas um foi filmado. Relativamente curta (1923-1935), mas consistente, a carreira de Artaud pelo cinema ? ainda pouco analisada, sendo mais conhecidas suas propostas para o teatro, principalmente a no??o de Teatro da Crueldade. ? a partir dela que responderemos a algumas quest?es: Artaud elaborou uma no??o de crueldade para al?m do teatro? ? poss?vel pensar a cultura da crueldade para o cinema? Podemos refletir sobre o sujeito contempor?neo a partir dessa abertura? A ideia de crueldade pensada pela chave do cinema prop?e estabelecer uma nova rela??o do sujeito contempor?neo com a imagem, o corpo e o pensamento, no sentido de abrir um outro canal de di?logo com a cultura e resgatar a pot?ncia inexplorada da arte como meio de se posicionar frente ao mundo e aos desafios que ele diariamente nos coloca. / Antonin Artaud (1896-1948) est un po?te, acteur, dramaturge et ?crivain fran?ais n? ? Marseille, mais dont la vie artistique se d?veloppe principalement ? Paris. Artaud est l'auteur de la notion bien connue de Th??tre de cruaut?, qui inspire encore aujourd'hui de nombreux groupes de th??tre dans diff?rents coins du monde. Il a ?crit sur le th??tre, la po?sie, l'art, la philosophie, entre autres. De 1924-1935 est ?galement d?di? au cin?ma, ? la fois dans son th?orique et pratique. Une ?tape un peu inconnu et peu explor? dans sa vie. Elle a jou? dans 22 films avec certains des r?alisateurs les plus importants dans le monde, et a laiss? huit sc?narios, dont un seul a ?t? realiz?, et huit ?crits th?oriques sur le cin?ma. Cette th?se cherche ? examiner pr?cis?ment cette p?riode insuffisamment ?tudi? dans sa carri?re, ? partir de trois questions initiales: Artaud d?velopp? un sens de la cruaut? au-del? du th??tre? Nous pouvons penser ? la culture de la cruaut? envers les films, en d?autres termes, un cin?ma de la cruaut? ? Nous pouvons penser sur le sujet contemporain de cette culture? La r?ponse ? ces trois questions est oui. L'id?e de la pens?e de la cruaut? au cin?ma est intervenue concomitamment ? leurs exp?riences et ?laborations de ce qu'il a appel? Th??tre de la cruaut?. Les deux r?flexions sont donn?s concomitamment et de mani?re r?cursive. Plus que cela, toutes ses productions artistiques, dont la po?sie et la peinture, ont ?t? travers?s par la notion de cruaut?. Nous concluons que leurs ?laborations sur un cin?ma de la cruaut? a et? interrompu au moment m?me que le d?veloppement technique a soulign? la possibilit? de sa r?alisation. De plus, ? l'enqu?te de son travail, nous pouvons voir que presque toute sa pens?e a ?t? pr?par? sous les images, de sorte que nous pouvons m?me parler d'une pens?e cin?matographique d?Antonin Artaud. En cons?quence, nous ne concevons pas sa th?orie au septi?me art comme secondaire ? leurs int?r?ts, comme le rapporte la plupart de ses commentateurs, mais absolument essentiel dans le d?veloppement de ses ?crits, qui jusqu'? maintenant accumul? plus de deux mille pages. En outre, Artaud ne pense pas l'art pour l'art, mais seulement comme un dialogue fructueux et intensif avec l'homme et la culture. L?art ?tait l'instrument privil?gi? de proposer un diagnostic et une nouvelle fa?on de voir la soci?t? contemporaine. ? travers le film il a imagin? la possibilit? d'une reprise de forces ?thico-esth?tique-politiques perdus sous les d?combres de la civilisation occidentale. L'?tablissement d'une nouvelle relation avec l'image, le sujet de la (post-) modernit? pourrait sauver une puissance esth?tique du corps et de la pens?e que, r?interpr?t?, agiraient envers eux-m?mes et le monde ? r?inventer.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000447108-Texto+Completo-0.pdf: 1663346 bytes, checksum: d5d350da1ba7cdbdfd1d05edfca19119 (MD5) Previous issue date: 2013 / It’s sketchy a study about of poetic textuality in the Antonin Artaud’s poems and in the David Nebreda’s designed writes. Used the hermeneutics of difference by the way of Jacques Derrida’s desconstruction. In each of authors are examined three theoretical points: first, beyond articulation of scripture concept and its derivation in difference, trail and hymen, from desconstruction; next, it’s thought the psychossomatic concept inside of a psychoanalytical approach, whose body and psychic cause strong interference; by the last, the subjectile concept is examined in a dimension of madness and loss of rationality in contemporary aesthetic production, for there is the subdivision of poetic activity with its add attempt a pictographic support to texts, dismantling the standard perception of reading separated from subjective process. Looking up a reading which interpreter implication is important for a specific play with madness, both in the clinic as in the researcher personal analysis, in order to draw a parallel attached to artistic activity of Artaud and Nebreda. / É delineado um estudo acerca da textualidade poética nos poemas de Antonin Artaud e nos escritos desenhados de David Nebreda. Utiliza-se a hermenêutica da diferença pela via da desconstrução de Jacques Derrida. Em cada um dos autores são examinados três pontos teóricos: primeiro, através da articulação do conceito de escritura e sua derivação em diferensa, rastro e hímen, a partir da desconstrução; em seguida, é pensado o conceito de psicossomática dentro de uma perspectiva psicanalítica, cujo como corpo e psiquismo causam forte interferência; por fim, o conceito de subjétil é examinado em uma dimensão de enlouquecimento e de perda da racionalidade na produção estética contemporânea, pois há o fracionamento da atividade poética com a sua tentativa de adicionar um suporte pictográfico aos textos, desmantelando a percepção tradicional de leitura separada dos processos subjetivos. Busca-se uma leitura dos textos em que a implicação do intérprete se faz premente em um jogo específico com a loucura, tanto na clínica quanto na análise pessoal do pesquisador, de forma a traçar um paralelo unido à atividade artística de Artaud e Nebreda.