O objeto desta tese enfatiza a minha prática artística desenvolvida durante 2010 e 2012, período que freqüentei o mestrado de Poéticas Visuais da Universidade de São Paulo. A produção escrita aqui apresentada acompanhada de imagens, permite uma descrição crítica e contextualizada dos trabalhos em questão. A narração da sua linha de construção e a concepção justificada através de associações. O evento como objeto de trabalho, e ponto de partida. A vivência de algumas situações como prática, para a representação de objetos, criando intersecções de acontecimentos, períodos históricos, ou mesmo ficções (A), através de um processo de tradução em esculturas (B). Este processo de transferência de A para B contém uma série de conexões invisíveis: como réplicas de objetos, articulações de sentidos, associações, para a construção de escultura, ou de imagem. Estas peças surgiram da possibilidade de tornar material uma relação. A relação que tenho estabelecido entre dois lugares: Portugal e Brasil, os dois países onde tenho vivido nos últimos quatro anos. / a period that I attended the Master of Visual Poetics, University of Sao Paulo. The written production accompanied by images presented here, allows a contextualized and critical description of the work in question. The narration of its time line of construction and design justified through associations. The event as an object of work and starting point. Direct experience as a practice for the representation of objects, for the intersection of events, historical periods or even fictions (A), translated into sculptures (B). This transference process from A to B holds some invisible connections, such as replicas, different meanings in articulation and associations for the construction of a sculpture or image. These pieces came from the possibility of making material a relation. The relation I have established between these two places: Portugal and Brazil, the two countries I\'ve been living in for the past four years.

Para compreender a relação entre cor e fotografia, investiguei seus aspectos técnicos e poéticos. Aprofundando-me na pesquisa de importantes fotógrafos que trabalham com a cor, realizando uma série de entrevistas com os artistas estudados e especialistas na área e construindo uma prática artística pessoal, procuro mostrar nesta dissertação como a cor adquire autonomia, tornando-se elemento estrutural da obra. / To understand the relationship between color and photography, I investigated the technical and poetical aspects. Deepening in the researches about important photographers that work with color, making a series of interviews with the artists that had been studied and professionals from the area and building an artistic personal practice, I try to show in this dissertation how the color acquires autonomy becoming a structural element of the work.

Esta dissertação tem como objeto de estudo a minha produção de pintura entre os anos de 2006 e 2008 e as relações que esta estabelece com as séries produzidas anteriormente durante minha permanência na Alemanha. O vínculo entre estes trabalhos dá-se principalmente através do uso da fotografia - da sua manipulação e posterior releitura através da pintura - que tem como tema as relações com o cotidiano tanto através da Internet como do contato direto com pessoas e coisas. A montagem destas pinturas no espaço é outro elemento importante dentro do processo de trabalho que enfatiza as relações com o espectador e com a lógica interna da própria pintura. / This paper has as a study purpose my painting production between the years of 2006 and 2008 and the relations that it established with the series previously produced, during my time in Germany. The link between these works occurs mainly through the use of photograph of its manipulation and the subsequent reinterpretation through painting -, which has as subject the relations with the everyday life, whether through the Internet or through the direct contact with people and things. The montage of these paintings in space is another important element within the work process, which emphasizes the relations with the audience and the internal logic of painting itself.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-12T17:49:48Z No. of bitstreams: 1 José Almir Valente Costa Filho.pdf: 10593880 bytes, checksum: b3528041080ffb70ad53adbd0b35b92e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-12T17:49:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 José Almir Valente Costa Filho.pdf: 10593880 bytes, checksum: b3528041080ffb70ad53adbd0b35b92e (MD5) Previous issue date: 2017-12-19 / This work investigates some contemporary artistic manifestations which bring in their aesthetic experiences objects made from items of everyday life that, through various operations, are transformed into contemporary visual poetics. It analyses aesthetic changes in the status of art which have occurred from modern and contemporary art with the emergence of Duchamp's ready-mades, going through Arman's assemblages, performances and happenings of Fluxus artists until the contemporary installations of El Anatsui. The strategies of the processes of production, assembly/exhibition and apprehension of those works are also brought into appreciation. As a corpus of analysis, three works were selected: Manto da apresentação (Mantle of Presentation) (1985) by Arthur Bispo do Rosário, Arqueologia poética (Poetic Archeology) (2011) by Luiz Antônio Rodrigues - Chiquitão and Marat (Sebastião) (2009) by Vik Muniz. Fundamentally, the choice of these works was based on their original aspect. Their singularity comes from the fact that those artists use materials and objects of daily use as one of the elements that constitute the materiality of the aesthetic arrangement of their works, in relation to other art materials. The theoretical and methodological basis of this work is found in the French semiotics of Algirdas Julien Greimas, with its developments in Plastic semiotics, in the researches of Jean-Marie Floch and Ana Claudia de Oliveira, as well as in the works of Eric Landowski about the “sense felt" in constituting acts produced from interaction regimes. Throughout the analysis of the corpus, it can be noticed how is produced the construction of meaning concerning these different discourses, as well as of the interactions coming from the relationship between enunciator and enunciatee. Thus, it is demonstrated, at this point, how matter and materials mean in the aesthetic discursive construction of the works and in the aesthesia condition of the production of the sense that gives meaning to it. The focus of the semiotic on the sensitive matter of art, makes it possible to establish a more in-depth study of the issues listed here. It can be better realized that the formants of matter have a special "force" - during the creation of high impact discourses towards the art spectators and, in their context, being able to engage them in the works that promote aesthesia and which materiality is the outlet that affects them. This sensitizes the artists to the new uses of matter and materials, re-signifying their use in everyday life, an achievement of the art produced in Brazil in dialogue with other international artistic trends / Investigação das manifestações artísticas na contemporaneidade, que trazem em suas experiências estéticas objetos construídos a partir de objetos da cotidianidade que, por operações várias, são transformados em poéticas visuais contemporâneas. Reflete-se sobre as mudanças estéticas no estatuto da arte que ocorreram a partir da arte moderna e contemporânea, com o surgimento dos ready-mades de Duchamp, passando pelas assemblages de Arman, performances e happenings do Grupo Fluxus, até as instalações contemporâneas de El Anatsui, apreciando as estratégias dos processos de produção, montagem/exposição e apreensão das obras analisadas. Como corpus de análise, selecionamos Manto da apresentação (1985) de Arthur Bispo do Rosário, Arqueologia poética (2011) de Luiz Antônio Rodrigues – Chiquitão e Marat (Sebastião) (2009) de Vik Muniz. As obras escolhidas se justificam, a princípio, por se destacarem pelo aspecto da originalidade. Essa singularidade advém do fato de os artistas utilizarem materiais e objetos do uso cotidiano como um dos elementos que formam a materialidade do arranjo plástico das obras, em relação com outros materiais artísticos. A base teórica e metodológica utilizada encontra-se na semiótica francesa de Algirdas Julien Greimas, com os seus desdobramentos na semiótica plástica, nas pesquisas de Jean-Marie Floch e Ana Claudia de Oliveira, e no trabalho sobre o “sentido sentido” em ato constituído a partir dos regimes de interação teorizados por Eric Landowski. Na análise do corpus, percebe-se como se dá a construção de sentido desses diferentes discursos, assim como das interações provenientes das relações entre enunciador e enunciatário. Assim, chega-se a: como as matérias e os materiais significam na construção discursiva estética das obras e na condição estésica da produção do sentido que a significa. Com essa visada semiótica sobre a matéria sensível da arte, consigamos constituir um estudo mais aprofundado sobre as questões aqui elencadas, percebendo que os formantes matéricos têm uma “força” especial – na criação de discursos impactantes no destinatário e em seu contexto, engajando-os nas obras que promovem estesias nas quais a materialidade é o desembocador que afeta, sensibilizando o artista para os novos usos dos materiais e matérias, e ressignificando seu uso na cotidianidade, um feito da arte produzida no Brasil em diálogo com outras tendências da arte internacional

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-02-22T11:43:54Z No. of bitstreams: 1 Sueli Chaves Andrade.pdf: 3112531 bytes, checksum: 7f54bec4f70c3790a30a9b1667d7b223 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-22T11:43:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sueli Chaves Andrade.pdf: 3112531 bytes, checksum: 7f54bec4f70c3790a30a9b1667d7b223 (MD5) Previous issue date: 2017-02-17 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / Chris Cunningham is the main subject in this thesis. Cunningham was one of the most influential and creative music video directors in the 90’s and early 2000’s. Visible throughout his art is the theme of the body and its innards - an important and wide discussion in contemporary culture studies. The hypothesis of this text is that the music video is one of the main audiovisual narratives of postmodern culture from the aspect of new aesthetics and artistic experiments. Cunningham adds original marks to the characteristics that constitute contemporary art, especially the one that has placed the body under interrogation and also the art object as waste. The contemporary art discussion in this thesis is inspired by psychanalysts Jacques-Allan Miller and Gerard Wajcman and the positioning of the object, and a new gaze at it is provided by Didi-Huberman. Concerning the role of the body in this setting, Santaella brings a contribution on it as an art support, besides presenting much of the specific problems of the body in culture. Raymond Bellour, Philippe Dubois and Arlindo Machado with their discussions around film and video allow the insertion of the music video as a language with its own characteristics and history, as the theorists Andrew Goodwin, E. Ann Kaplan and Carol Vernallis point out. The Lacanian theory provides a formal way to analyze and discuss the body from an instinctive perspective that drives the subject in the contemporary world. In order to prove this assertion and the hypothesis of this thesis, three semiotic-psychoanalytic analyses were done on the following works: All is Full of Love (1999), Flex (2000) and Rubber Johnny (2005) / Chris Cunningham é o objeto de investigação desta tese. Trata-se de um autor reconhecido de videoclipes e narrativas audiovisuais contemporâneas das décadas de 1990 e 2000. Seus trabalhos são permeados por uma temática de suma importância e ampla discussão no campo de estudos da cultura contemporânea: o tema do corpo e suas estranhezas. A hipótese que se coloca é a de que o videoclipe é um dos principais formatos narrativos audiovisuais do pós-moderno, sob o aspecto da produção de novas estéticas e experimentações artísticas. Tendo isso em vista, a obra de Cunningham acrescenta marcas originais às características próprias da arte contemporânea, especialmente aquela que vem colocando o corpo sob interrogação e o objeto enquanto dejeto. No que diz respeito aos debates que envolvem a arte contemporânea, há uma escuta daquilo que os psicanalistas Jacques-Allan Miller e Gerard Wajcman têm a dizer sobre o lugar do objeto, bem como sobre uma nova forma de olhá-lo, tal qual propõe Didi-Huberman. A respeito do papel do corpo neste mesmo cenário, Santaella traz uma contribuição sobre o mesmo como suporte da arte, além de apresentar as problemáticas específicas do corpo na cultura. Raymond Bellour, Philippe Dubois e Arlindo Machado aprofundam a discussão sobre cinema e vídeo, o que permite a inserção do videoclipe como uma linguagem com características e história próprias, conforme apontam os teóricos Andrew Goodwin, E. Ann Kaplan e Carol Vernallis. Toma-se, então, a perspectiva psicanalítica de orientação lacaniana para observar o corpo para além de sua função como suporte na arte: o das pulsões que tomam conta do sujeito no universo contemporâneo. De modo a comprovar tal afirmação e a hipótese desta tese, três análises de cunho semiótico-psicanalítico abordam os trabalhos: All is Full of Love (1999), Flex (2000) e Rubber Johnny (2005)

Este trabalho estuda a presença da ironia em um conjunto de trabalhos de Carlos Pasquetti em fotografia e em Super-8, realizados desde o final da década de 1960 até o presente, nos quais o artista apresenta seu próprio corpo em ações performáticas. Pretendo questionar a presença da ironia na indefinição de um limite entre suas autoimagens performatizadas e o próprio artista. O emprego da ironia, segundo a indicação de Carvalho, não visa menosprezar a inteligência do observador, mas solicitar deste uma participação ativa na formulação de interpretações individualizadas. A ironia, que participa na construção do trabalho do artista, é interpelada pela pesquisa sobre a sua função, a sua ação de, por sua vez, interpelar o espectador, provocando nele a confluência, a geração e o descobrimento de uma verdade própria sobre a arte. / This work studies the presence of irony in a set of works by Carlos Pasquetti in photography and in Super-8, made from the late 1960s to the present, in which the artist presents his own body in performance actions. I want to question the presence of irony in the indefiniteness of a boundary between his performatized self-images and the artist himself. The use of irony, according to Carvalho's indication, is not intended to underestimate the observer's intelligence, but rather to solicit an active participation in the formulation of individualized interpretations. The irony, which participates in the construction of the artist's work, is Interpellated by the research on its function, its action in turn, to Interpellate the viewer, provoking in him the confluence, the generation and the discovery of one's own truth about art.

Estas pesquisa em poéticas visuais orienta-se para o campo de estudos Arte e Natureza relacionando desenho, gravura, fotografia e elementos naturais organizados em instalações efêmeras. Os tabalhos poéticos realizados estão relacionados à observação de formas orgânicas presentes na natureza, à coleta de elementos vegetais e especialmente ao surpreendente encontro com casas e lugares que brotam. A investigação detém-se sobre conceitos como a organicidade, a efemeridade, a fragilidade e a lentidão, propondo a delicadeza como resistência a um entorno acelerado e por vezes pouco sensível. Os trabalhos são abordados da perspectiva de seus processos, ao considerar os cadernos e outros documentos manuscritos como registros fundamentais para a elaboração do pensamento poético que norteou toda a pesquisa. Assim proponho com o volume impresso de tese a apresentação de uma investigação em fluxo. Em minha escrita estabeleço diálogos com a botânica, com a literatura, com o cinema e com a filosofia. / This research in Visual Art explores the Art and Nature field of study, combining drawing, printmaking, photography and natural elements to build ephemeral installations. The artworks produced are related to the observation of organic forms present in nature, with the collection of plant specimens, and especially with the surprising encounter with growing houses and places that sprout. The investigation focuses on concepts such as organicity, ephemerality, fragility and slowness of time, proposing delicacy as resistance to accelerated and sometimes insensitive surroundings. The artworks are approached from the perspective of their processes, considering the notebooks and other manuscript documents as fundamental records for the construction of the poetic thinking that guided the entire research. Thus, I propose with the printed volume of the thesis, an investigation that is in flux. In my writing I establish dialogues with botany, literature, cinema and philosophy.

Esta pesquisa objetiva apresentar uma análise sobre a utilização da vitrine como espaço integrante da obra de arte. Problematiza a necessidade do uso do espaço isolado e intocável da vitrine como área imprescindível para determinadas propostas artísticas contemporâneas. Averigua também as relações entre a área envidraçada da vitrine e o observador. Verifica como a vitrine é tematizada não só no espaço arquitetônico, mas também na pintura e na fotografia. Examina dessa maneira a atitude dos artistas em colecionar, selecionar, organizar, classificar, deslocar e exibir uma série de objetos reunidos no interior de tal dispositivo. Interroga se a presença de artistas que trabalham com a vitrine ou com o espaço, apenas delimitado, não estaria ligada à crise do conceito tradicional de autor. / This research aims to present an analysis of the use of the museums display as an integrating space of the work of art. It gives emphasis on the use of an isolated and untouchable space in the museums display as an essential area to establish contemporary aesthetic proposals. So, it also checks how the display case is given thematically not only in the architectural space, but also in the painting and photograph. It analyses the artists approach of collecting, selecting, arranging, assorting, displacing and displaying a series of united objects in the interior of such device. It is questioned if the presence of the artists who work with the museum display or with demarked space would not be tied to the crisis of the authors traditional concept.

Este estudo buscou analisar uma parte da obra da artista contemporânea francesa Dominique Gonzalez-Foerster, pondo em foco especialmente sua relação com a arquitetura moderna e com o Brasil. Nessa direção, interessava também compreender de que maneira a artista opera as dimensões do tempo e do espaço em suas obras. Para isso, fez-se necessário um estudo prévio sobre o rompimento das barreiras artísticas com a arquitetura e outros campos de conhecimento, um aprofundamento sobre a síntese e autonomia no campo artístico, assim como uma investigação acerca de algumas teorias para a arte contemporânea e os grupos de artistas que se conformaram ao redor de um conceito de Estética Relacional. A pesquisa se deteve sobre o período que compreende os anos finais da década de 1980 até 2014 e estudou obras realizadas no Brasil e no estrangeiro. O início do trabalho abrange as obras entre as décadas de 1990 até os anos 2000 que partem de uma proposta de Dominique Gonzalez-Foerster de produzir ambientes domésticos no âmbito institucional: são as obras da série Chambres. Essas obras suscitam questões como a tecnologia, a imaterialidade, os vazios potenciais e a criação de novas narrativas pelos expectadores/visitantes ativos. A seguir, estudamos o modo como a artista evoca e migra para os espaços exteriores produzindo obras institucionais que tenham uma relação com cidades, ou ainda propostas para parques e jardins que são pensados como a primeira exterioridade ainda vinculada de algum modo à esfera doméstica de suas obras iniciais. São abordados nesse ponto do estudo os conceitos de deslocamento, da constituição fragmentada do indivíduo contemporâneo, além do papel das viagens em sua obra. Ainda nesse ponto, estudamos o conceito de jogo presente na obra de Dominique e em diálogo com a produção de Helio Oiticica. Finalmente, a última etapa desse estudo tratou da relação da obra de Dominique Gonzalez-Foerster com a arquitetura moderna, as influências da cidade de Grenoble, sua arquitetura, urbanismo e comunidade artística; e a arquitetura moderna brasileira, em obras entre os anos 1999 e 2014. Para essa parte do estudo fez-se necessário contextualizar a migração do projeto de modernidade para áreas periféricas, que produziriam modernidades alternativas e, segundo Gonzalez-Foerster, imbuídas de potencialidades. Estudamos também a perda de utopia da modernidade e de que maneira a artista trabalharia isso em suas obras. A partir do conceito de tropicalização, segundo um ponto de vista específico desse termo definido por Gonzalez-Foerster, são exploradas três mostras que operam com esse conceito e que em diversos momentos dialogam com o restante da produção da artista. Por fim, percorremos outras quatro obras e exposições individuais e coletivas das quais a artista participou no Brasil entre os anos de 2010 à 2014 com a intenção de fazer um pequeno panorama da produção da artista no país, somando um total de 25 obras analisadas. / This study has the intention to analyze the body of Dominique Gonzalez- Foerster\'s work, specially its relations with modern architecture and Brazil. Therefore, this research is also interested to understand the way the artist deals with time and space along her work. That being so, it was necessary to proceed a previous studies about the limits suppression of art and architecture and other fields of knowledge; an investigation about the synthesis and autonomy in the artistic field; and also about contemporary art theories and its artist\'s conformation around the concept of Relational Aesthetics. This research covers the period of time from 1980 to 2014 and studied works produced in Brazil and abroad. The works from 1990 to 2000 in the beginning of this study are one part of Dominique Gonzalez-Foerster\'s proposal of producing domestic environments inside the art institutions: the Chambres series. These pieces of art reflect about issues such as technology, immateriality, potential emptiness and the possibility of new narrative creation by the active viewers/visitants. The next step was to study how the artist recalls and also migrates to exterior spaces producing institutional works which are in relation to the cities, or else, projects for parks and gardens thought as the first possible exteriority still connected somehow to the domestic feel of her first works. At this point, we had to look into the concepts of displacement, of the fragmented constitution of the contemporary beings, and the role of the travels in her work. Still, the concept of playing, present in Dominique Gonzalez-Foerster\'s work, and its relation to Helio Oiticica\'s proposals were also examined. Finally, the last part of this study regards and analyzes the relation of her work with modern architecture, the influences of Grenoble, its architecture, urban planning and artistic community; and the modern Brazilian architecture, in her works between 1999 and 2014. For this part of the study it was essential to briefly historically contextualize the process of the ideals of modernity migration for peripheral areas, which produce alternative modernities, for Dominique Gonzalez Foerster, filled with potentiality. The loss of modernity utopia and the way the artist comprises it in her works were also a relevant subject of this dissertation. Considering the concept of tropicalization, developed in a specific way by Gonzalez-Foerster, three exhibitions were studied, especially in their way to dialogue with the rest of the artist\'s work. At last, other four individual exhibitions in Brazil between 2010 and 2014 were analyzed with the intention to produce a panorama of the artist\'s work in the country, and to sum them to all of the 25 works in this research.

O objeto desta tese enfatiza a minha prática artística desenvolvida durante 2010 e 2012, período que freqüentei o mestrado de Poéticas Visuais da Universidade de São Paulo. A produção escrita aqui apresentada acompanhada de imagens, permite uma descrição crítica e contextualizada dos trabalhos em questão. A narração da sua linha de construção e a concepção justificada através de associações. O evento como objeto de trabalho, e ponto de partida. A vivência de algumas situações como prática, para a representação de objetos, criando intersecções de acontecimentos, períodos históricos, ou mesmo ficções (A), através de um processo de tradução em esculturas (B). Este processo de transferência de A para B contém uma série de conexões invisíveis: como réplicas de objetos, articulações de sentidos, associações, para a construção de escultura, ou de imagem. Estas peças surgiram da possibilidade de tornar material uma relação. A relação que tenho estabelecido entre dois lugares: Portugal e Brasil, os dois países onde tenho vivido nos últimos quatro anos. / a period that I attended the Master of Visual Poetics, University of Sao Paulo. The written production accompanied by images presented here, allows a contextualized and critical description of the work in question. The narration of its time line of construction and design justified through associations. The event as an object of work and starting point. Direct experience as a practice for the representation of objects, for the intersection of events, historical periods or even fictions (A), translated into sculptures (B). This transference process from A to B holds some invisible connections, such as replicas, different meanings in articulation and associations for the construction of a sculpture or image. These pieces came from the possibility of making material a relation. The relation I have established between these two places: Portugal and Brazil, the two countries I\'ve been living in for the past four years.