Esta pesquisa investiga a ironia na obra do artista chileno Patricio Farías, a partir de sua vinda para o Brasil, na década de 1980. Constatada a reincidência desse recurso retórico na trajetória do artista, a pesquisa busca problematizar as circunstâncias em que isso se faz presente e se desenvolve. A metodologia aplicada envolve o uso de entrevistas e leitura de imagens. Ao pretender estabelecer uma certa tipologia, que aponte diferentes nuances da ocorrência da ironia e do humor, a dissertação apresenta três estudos de caso, privilegiando na análise obras bastante distintas: o primeiro capítulo aborda Desaparecidos (1999/2000), o segundo capítulo discute Entendere-new-now (2005), e o terceiro capítulo traz não apenas uma obra, mas um conjunto, em que a relação irônica se dá sob a perspectiva de um comparativo com a produção de Marcel Duchamp. A partir desses procedimentos, objetiva-se refletir e dar destaque ao tema da ironia nas artes visuais na contemporaneidade, ao mesmo tempo, observar criticamente a produção de Patricio Farías, que ainda não mereceu estudos de maior fôlego no país. / This research investigates the irony in the work of the Chilean artist Patricio Farías after his arrival in Brazil in the 1980s. After detecting the recurrence of this rhetorical device in the trajectory of the artist, the research seeks to problematize the circumstances in which irony evolves itself. The adopted methodology involves the use of interviews and image reading. In order to establish a certain typology, which points out different nuances of irony and humor, this dissertation presents three case studies, focusing the analysis on quite distinct works: the first chapter covers the work Desaparecidos (1999/2000), the second chapter discusses Entendere-new-now (2005), and the third chapter brings not only one work, but a group of them, in which the relationship with irony takes place from a comparative perspective of Marcel Duchamp’s work. Based on these procedures, the objective is to highlight and ponder the irony in the visual arts in the contemporaneity, while at the same time critically observing the production of Patricio Farías, who has not received deep studies in Brazil.

A presente tese tem como tema o processo de mercantilização da arte contemporânea nas seguintes instâncias: a obra, o artista, e a crítica. A pesquisa debruça-se a analisar e problematizar como a crítica oriunda da produção contemporânea, especificamente a partir do trabalho de Paulo Nazareth, adquire a condição de mercadoria e a de slogan de mercado em um circuito de galerias e instituições amplamente reconhecidas. Neste processo, procura-se distinguir crítica, pensamento crítico, postura crítica e atitude crítica. Através das práticas artísticas de Ricardo Basbaum, Rosângela Rennó e Paulo Nazareth, debatem-se as categorias tradicionais da economia política aplicadas ao mundo artístico, tais como mercado, mercadoria, valor, força produtiva e trabalho, assim como os discursos historicamente construídos entre as artes visuais e os sistemas produtivos. A partir deste cruzamento entre diferentes práticas artísticas, abordagens teóricas e a experiência diante da obra, constrói-se a tese de que a crítica sob determinadas circunstâncias adquire uma dimensão econômica. / The present thesis deals with the process of commodification of contemporary art in the following instances: the work, the artist, and the criticism. The research focuses on analyzing and problematizing how the criticism coming from contemporary production, specifically from the work of Paulo Nazareth, acquires the condition of merchandise and that of market slogan in a circuit of galleries and institutions widely recognized. In this process, we try to distinguish between criticism, critical thinking, critical posture and critical attitude. Through the artistic practices of Ricardo Basbaum, Rosângela Rennó and Paulo Nazareth, the traditional categories of political economy applied to the artistic world, such as the market, merchandise, value, productive force and work, as well as the discourses historically constructed between the arts visual and production systems. From this cross between different artistic practices, theoretical approaches and the experience before the work, the thesis is constructed that the critic under certain circumstances acquires an economic dimension.

Esta dissertação é uma reflexão do artista sobre sua produção, os procedimentos e relações visuais das peças instaladas que materializam sua arte. Por meio da observação crítica, são estabelecidas relações entre os processos de criação das peças tridimensionais - iniciados com a apropriação e deslocamento da imagem - e seu desenvolvimento com apoio da repetição, o que abre potencialidades construtivas no espaço e dialógicas com ele. Diante da efetivação de tais possibilidades, busca-se expor e questionar a natureza do que é explorado em suas diferentes propriedades, como a cor, as formas sinuosas e geométricas, os planos, as escalas. O resultado de toda essa abordagem abre novas vertentes de pesquisa e elaboração de trabalhos, transformadas em projetos que, de certa forma, sintetizam esta dissertação. / This essay is a reflection of the artist on its production procedures and visual relationships of the parts installed that embody his art. Through critical observation, relations are established between the processes of creating three-dimensional parts - beginning with the appropriation and displacement of the image - and its development with the support of repetition, which opens potential constructive and dialogue space with him. Faced with the realization of such possibilities, seeks to expose and question the nature of what is explored in its various properties such a s color, sinuous shapes and geometric plans. The result of this approach opens up new areas of research and development work, turned into projects that somehow synthesize this essay.

Este trabalho investiga os campos fronteiriços da arte, da arquitetura, e da expografia a partir da proposta museológica implantada no Museu de Arte da Pampulha em 2001. Procura traçar uma linha histórica da edificação, de seu funcionamento como Cassino da Pampulha, de 1942 a 1947, à sua inauguração como Museu de Arte de Belo Horizonte, em 1957, e seu funcionamento até os anos 2000. A pesquisa procura compreender as propostas de museu estabelecidas desde os anos 1960 até 2010, a partir da análise dos documentos históricos e das exposições realizadas, com foco no período entre 2001 e 2010, quando se estabeleceu um novo conceito para o Museu, tratando sobretudo de um programa expositivo em estreito diálogo com sua edificação. Entremeados à discussão desses projetos são abordados práticas, pensamentos e manifestações artísticas diretamente conectados às experiências artísticas dos anos 1960, que experimentaram projetos e situações site-specific e desmaterialização da arte. Primeiramente tenta situar a relação entre arte, arquitetura e paisagem no conjunto arquitetônico e paisagístico da Pampulha, e avaliar em que medida as edificações se relacionam e estabelecem diálogos com a arte. Analisa a arquitetura do Museu e sua função, levantando os problemas museológicos existentes. Passa, então, a uma análise de práticas artísticas experimentadas pelo Museu por meio da intervenção Territórios, em 1968, e da exposição Porto Pampulha, em 1990. Na sequência, apresenta o novo projeto curatorial e analisa as mostras realizadas sob a curadoria de Adriano Pedrosa e Rodrigo Moura e, em seguida, por Marconi Drummond, procurando traçar dois modos distintos de enfrentar as questões pertinentes à relação entre arte e arquitetura no Museu. Eis os modos de tratar a questão pela curadoria: através de um enfrentamento direto das obras com o espaço, com a produção e concepção de trabalhos site-specific comissionados pelo Museu, e por meio de projetos em que a relação é permeada por projetos expográficos que dialogam com a arquitetura, as obras e o conceito curatorial. Finalmente, procura destacar que o caminho da arquitetura para a arte contemporânea é um exercício de tensionar limites e conceitos modelados pela arquitetura moderna sem deixar de aderir a ela; e que, no caminho da arte contemporânea para a arquitetura, abrem-se perspectivas aos trabalhos que inevitavelmente têm que forçar fronteiras para reinventar espaços. / This essay investigates the borders where art, architecture and the expography meet based on the museological proposal undertaken at the Pampulha Museum of Art in 2001. It seeks to trace the history of its development, from the time during which it functioned as the Pampulha Casino between 1942 and 1947 to its re-opening as the Belo Horizonte museum of art in 1957 and its activities up to the 2000s. The research seeks to understand the proposals for the museum established between the 1960s and the year 2010, based on an analysis of historical documents and of the exhibitions held there, with a focus on the period between 2001 and 2010, when a new concept for the museum was established, consisting mainly of an expository program in close dialogue with its edification. Interspersed with the discussion of these projects, artistic practices, thought processes and manifestations directly connected to the artistic experiences of the 1960s, and that experimented with sitespecific projects and situations and the de-materialization of art, are discussed. It first attempts to situate the relationship between art, architecture and landscape in the overall architectural and landscape context of Pampulha, and assess to what degree the edifications relate to one another and establish dialogues with art. It analyzes the architecture of the museum and its function, raising existing museological problems. It then moves on to an analysis of artistic practices experimented by the museum through the intervention Territórios (\"Territories\") in 1968 and the exhibition Porto Pampulha (Pampulha Port) in 1990. After this, it presents the museum\'s new curatorial project and analyzes the exhibitions carried out under the curatorship of Adriano Pedrosa and Rodrigo Moura and, later, by Marconi Drummond, seeking to outline two distinct ways of confronting issues pertinent to the relationship between art and architecture in the museum. These are the ways of dealing with this issue established by the curatorship: by directly confronting the works with the space, with the production and conception of site-specific works commissioned by the museum, and through projects in which the relationship is permeated by expographich projects that dialog with the architecture, with the works and with the curatorial concept. Finally, it seeks to highlight the fact that the path from architecture to contemporary art is an exercise in the tensioning of limits and concepts modeled by modern architecture without actually breaking away from it, and that, on the path from contemporary art to architecture, perspectives open up to the works that inevitably have to push frontiers in order to reinvent spaces.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2017-03-30T19:10:44Z No. of bitstreams: 1 ALINE SOCORRO DE ANDRADE.pdf: 1882479 bytes, checksum: c800eb75848eeb5209e3c5c5852138b5 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-30T19:10:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ALINE SOCORRO DE ANDRADE.pdf: 1882479 bytes, checksum: c800eb75848eeb5209e3c5c5852138b5 (MD5) Previous issue date: 2017-02-16 / Objects are studied in aspects of artistic language. Guimarães Rosa and José J. Veiga were chosen to be analyzed for their relationship with painting. The literary works are “Na estrada do amanhece”, “Onde andam os didangos”, “O galo impertinente” and “A máquina extraviada” in A estranha máquina extraviada (2002), by José J. Veiga; “A terceira margem do rio”, “As margens da alegria” and "Desenredo", in Primeiras estórias (1988), by Guimarães Rosa. In the painting: O jogo lúgubre (1929) and O homem invisível (1933), by Salvador Dali; Vida com flores (1912), by Juan Gris (1912); Daniel-Henry Kahnweiler (1910) and Guernica (1937), by Pablo Picasso. The approximations between literature and painting are made possible by the disintegrating force of the contemporary arts. With its deviations from the conventional artistic way, the fascination, the asymmetry of works, the simultaneities of subjects, spaces and times in the same field of language are chosen, in the multiformity of the expression of each work of art. The plastic arts of Pablo Picasso, Juan Gris and Salvador Dali express magic and fascination of fetish. With the inductive method, the perception of the forms of contemporary art reveals its functioning, giving its aesthetic pleasure. The general objective is to analyze the compositions of the contemporary arts with their relationships. The specific objectives are to sketch the theoretical presuppositions that attend the study of the compositions of the contemporary arts and show artistic productions in its multiplicity of events and senses explored by the language. Theorists oriented the research as Roland Barthes (1987), Michel Foucault (2000), Walter Benjamim (1973), Rita de Cassia Maia and Silva Costa (2003), Gilles Deleuze and Félix Guattari (2011), among others. Thus, the ruptures with the rectilinear are revealed, in which each art establishes its floating deformation. From the images, emanate the imaginary of the recipient who feels the delineation of the meanings of the literary and pictorial arts. / Os objetos são estudados nos aspectos da linguagem artística. Foram escolhidos contos de Guimarães Rosa e de José J. Veiga, para serem analisados pelas suas relações com a pintura. As obras literárias são “Na estrada do amanhece”, “Onde andam os didangos”, “O galo impertinente” e “A máquina extraviada” em A estranha máquina extraviada (2002), de José J. Veiga; “A terceira margem do rio”, “As margens da alegria” e "Desenredo", em Primeiras estórias (1988), de Guimarães Rosa. Na pintura: O jogo lúgubre (1929) e O homem invisível (1933), de Salvador Dali; Vida com flores (1912), de Juan Gris; Daniel-Henry Kahnweiler (1910) e Guernica (1937), de Pablo Picasso. As aproximações entre literatura e pintura são possíveis pela força desagregadora das artes contemporâneas. Com seus desvios do modo artístico convencional, elegem-se a fascinação, a assimetria das obras, as simultaneidades de assuntos, espaços e tempos num mesmo campo da linguagem, na multiformidade da expressão de cada obra de arte. As artes plásticas de Pablo Picasso, Juan Gris e Salvador Dali expressam magia e fascinação de fetiche. Com o método indutivo, a percepção das formas da arte contemporânea revela seu funcionamento, dando seu prazer estético. O objetivo geral consiste em analisar as composições das artes contemporâneas com suas relações. Os objetivos específicos são esboçar os pressupostos teóricos que atendem o estudo das composições das artes contemporâneas e mostrar as produções artísticas na sua multiplicidade de acontecimentos e sentidos explorados pela linguagem. Teóricos nortearam a pesquisa como Roland Barthes (1987), Michel Foucault (2000), Walter Benjamim (1973), Rita de Cássia Maia e Silva Costa (2003), Gilles Deleuze e Félix Guattari (2011), entre outros. Assim, as rupturas com o retilíneo são reveladas, nas quais cada arte estabelece sua deformação flutuante. Das imagens, emanam o imaginário do receptor que sente o delinear das significações das artes literárias e pictóricas.

O objeto desta tese são os trabalhos de arte da autora. Eles são agrupados segundo critérios provisórios de identidade, que se constituem e explicitam nas próprias formas dos textos e imagens que os acompanham. Buscam-se elementos comuns, simétricos ou proporcionais nos trabalhos, procedimentos comuns, confluentes ou paralelos, correspondências formais. A abordagem é descritiva. A passagem entre os trabalhos se dá diretamente, sem conexões explicativas, por acareação. Pretende-se construir, na dimensão da linguagem, lugares de coexistência, chãos comuns onde os trabalhos se possam dispor, espaços transitórios que permitam arranjá-los. / The object of this thesis is the author\'s works of art. They are grouped according to contingent criteria of identity, which constitute and explicit themselves in the very forms of texts and adjoining images. The author searches among the works for common, symmetrical or proportional elements, common, confluent or parallel procedures, formal correspondences. The approach is descriptive. The transition between the works is deprived of explanatory connections; they face each other directly, in line-up confrontation. The intention is to build, in the dimension of language, sites of coexistence, common grounds where the works can lay, transitory spaces that allow to arrange them

A redefinição da escultura e as pautas atuais de criação, fazendo uso da prática de projeto, provocam mudanças na formação do artista. Da aula expandida à aula Site-Specificity. A hipótese estudada: o projeto didático pautado em explorar as possibilidades das formas de experimentação e procedimentos artísticos em projeto Site-Specificity, que traz a vida para a \'sala de aula\', envolve mais o aluno, enquanto articulador de diferentes e complexas atividades no espaço público, supondo que essas características da prática de projeto Site-Specificity possam contribuir na formação do jovem artista e fornecer soluções às crescentes exigências de profissionalização que vem sofrendo a arte contemporânea em relação à sociedade. O principal objetivo: explorar as possibilidades de renovação das formas de experimentação e procedimentos em projeto Site-Specificity para descrever e explorar suas contribuições na formação do artista. Os objetivos específicos correspondem ao percurso da dissertação e ao processo das aulas \'site\', para os quais os três capítulos são como um campo das relações dialéticas, onde o Site-Specificity designa igualmente tanto o que é proposto para ser realizado quanto o que é feito para atingi-lo. Essa relação dialética leva a muitas possibilidades de operacionalizar projetos, tendo em vista as diferentes preocupações dos alunos. Concluindo, cada capítulo, respectivamente, concorre para um objetivo. O primeiro capítulo é uma reflexão sobre a expansão da escultura e as transformações do Site-Specificity; o segundo capítulo é sobre as aulas Site- Specificity e por último, no terceiro capítulo denominado \"Dupla exposição\", apresento exposições realizadas por alunos como resultados do processo de aprendizagem a partir das aulas Site-Specificity. / The redefinition of sculpture and the current guidelines for creation, through the practice of projects, provoke change in the artist\'s formation. The class expanded to learning Site-Specificity. The studied hypothesis, along with the educational project outlined to explore the possibilities of forms of experimentation as well as the artistic procedures in Site-Specificity project, bring life into the \'classroom\' and better involve the students as they perform different and complex activities in public spaces, supposing that these characteristics from the practice of Site-Specificity project can contribute to the formation of the young artist and provide some solutions to the growing demands of professionalization that has been suffering contemporary art in relation to society. The main goal was to explore the possibilities of the renewal of both, the forms of experimentation and the procedures in Site-Specificity project to depict and explain its influences and contributions to an artist\'s formation. The specific goals correspond to the course taken by the dissertation and the \'site\' classes\' process, of which the three chapters stand as fields of dialectical relationships, where Site-Specificity designates equally what is to be accomplished as well as what is done in order to achieve it. This dialectical relationship leads to many possibilities of operating projects, having in mind the different student\'s concerns. In conclusion, each chapter, respectively, collaborates to a goal. The first chapter is a reflection of the expansion of sculpture and the Site-Specificity\'s transformations; the second chapter is about the Site-Specificity classes, and lastly, the third chapter denominated \"Double exposure\", presents student\'s exhibitions as a result of the learning process from the Site-Specificity classes.

Por meio da combinação entre abordagem teórica e prática artística, a pesquisa coloca em questão o modo como os públicos são compreendidos e geridos no âmbito institucional da arte, particularmente no contexto brasileiro. Para isso, adotamos a mediação cultural como locus de investigação e atuação propício à confrontação de enunciados oriundos dos diferentes agentes envolvidos nesse circuito, desde os gestores, curadores, artistas e educadores até os públicos, cujas discursividades e performatividades correspondem ao foco do nosso interesse. Problematizando as formas abstratas de classificação utilizadas para designar e endereçar os destinatários das ofertas institucionais e das práticas artísticas por elas difundidas, o trabalho se imbui da postulação de um estatuto alternativo para os públicos, entendidos aqui como formações emergentes de sujeitos políticos. Isso implica a articulação de referências e precedentes capazes de contribuir para o processo de constituição de outro regime de interação entre os agentes institucionais e aqueles que seriam os beneficiários de suas proposições de viés educativo. A saber, um regime favorável ao surgimento, ao debate e à repercussão das demandas sociais, políticas e culturais manifestas por esses indivíduos e coletividades. Materializada na dissertação, a face teórica da pesquisa reúne e analisa conceitos, problemáticas e exemplos caros ao exercício crítico em torno da condição de público e das iniciativas institucionais, mediativas e artísticas que se ocupam de diferentes modalidades de interação com suas audiências. Já a sua face artística lança mão de um procedimento documentário, elegendo como recorte um formato de atração, organização e condução de visitantes amplamente usado pelas instituições artísticas para intermediar o seu acesso aos bens artístico-culturais. Trata-se das visitas mediadas com grupos. O Diário do busão: visitas escolares a instituições artísticas funciona como um dispositivo de sondagem e tradução das formas de atuação dos estudantes da rede pública de ensino nos equipamentos de arte concentrados no centro expandido da cidade de São Paulo. Com isso, busca conferir linguagem, visibilidade e circulação às suas respostas a uma ação institucional representativa das políticas de democratização cultural. / Through the combination of theoretical approach and artistic practice, this research questions the way publics are understood and managed within the institutional framework of art, particularly in Brazil\'s context. To this end, we adopt cultural mediation as a locus of research and action that is conducive to the confrontation of statements from the different agents involved in this circuit, from managers, curators, artists and educators to the publics, whose discursiveness and performativity are the focus of our interest. By problematizing the abstract forms of classification used to designate and address the recipients of the institutional offers and the artistic practices they disseminate, this work is imbued with the postulation of an alternative statute for the publics, here understood as emergent formations of political subjects. This implies the articulation of references and precedents capable of contributing to the process of constitution of another regime of interaction between the institutional agents and those who would be the beneficiaries of their educationally-directed propositions. Namely, a regime favorable to the emergence, the debate and the repercussion of social, political and cultural demands that are manifested by these individuals and collectivities. Materialized in this dissertation, the theoretical face of the research brings together and analyzes concepts, problems and examples dear to the critical exercise around the condition of public and of the institutional, mediatic and artistic initiatives that deal with different modalities of interaction with their audiences. As for its artistic face, it uses a documentary procedure, choosing as approach a format of attraction, organization and conduct of visitors widely used by artistic institutions to mediate their access to artistic and cultural assets - in this case, mediated visits with groups. The Diário do busão: visitas escolares a instituições artísticas [The big bus diary: school visits to art institutions] works as a device for probing and translating the forms of acting of public school students in the art equipments in the expanded center of the city of São Paulo. With this, it seeks to confer language, visibility and circulation to their responses to an institutional action that is representative of the policies of cultural democratization.

Esta pesquisa parte da observação de algumas poéticas artísticas contemporâneas que têm experiências e/ou memórias a respeito de Estados de exceção como objeto central de seus trabalhos. A investigação baseia-se na hipótese de que esses trabalhos de arte podem ser percebidos também como espaços para elaborações de memórias, e que a partir dessas construções mnêmicas as identidades sociais fraturadas durante esses momentos de exceção podem ser reestruturadas. A cada uma dessas poéticas artísticas propõe-se a denominação de \"arte da elaboração\", conceito formulado nesta pesquisa tendo por base dois dos usos que o termo \"elaboração\" recebe na teoria psicanalítica freudiana. / This research has as a starting point the observation of some poetics contemporary art that present experiences and/or memories concerning the States of exception as the main object of their work. This critical study is based on the hypothesis that these works of art can also be interpreted as spaces for the elaboration of memories and that these mnemonics constructions lead to a reconstruction of social identities fractured during the moment of exception. For each of these works of art the name \"elaboration\"s art\" is suggested. This concept is adopted in this research and is based on two different appliances of the term \"elaboration\" that can be found in the Freudian psychoanalytical theory.

Esta dissertação apresenta uma reflexão sobre a minha produção artística desenvolvida ao longo dos últimos anos que tem como preocupação central a relação entre os conceitos de cotidiano, vazio e criação. O objetivo deste texto é entender de uma maneira abrangente o processo de criação do conjunto de obras apresentado, identificando e organizando os motivos que levaram à sua criação, os conceitos envolvidos, elementos e técnicas utilizadas para sua materialização. As questões referentes aos conceitos de cotidiano e vazio são apresentadas e discutidas, relacionando-as com o processo criativo e demais procedimentos próprios do fazer artístico. / This dissertation presents a reflection on my artistic production developed over the last years, which has as central concern the relation between the concepts of everyday-life, emptiness and creation. This text aims to explore in a comprehensive manner the issues involved during the creation of the presented works, identifying and organizing the reasons that led to the creation of these works, the concepts involved, the elements and techniques used for their materialization. The issues referring to the concepts of everyday-life and emptiness are presented, examined and related to the creative process and others art procedures.