Para compreender a relação entre cor e fotografia, investiguei seus aspectos técnicos e poéticos. Aprofundando-me na pesquisa de importantes fotógrafos que trabalham com a cor, realizando uma série de entrevistas com os artistas estudados e especialistas na área e construindo uma prática artística pessoal, procuro mostrar nesta dissertação como a cor adquire autonomia, tornando-se elemento estrutural da obra. / To understand the relationship between color and photography, I investigated the technical and poetical aspects. Deepening in the researches about important photographers that work with color, making a series of interviews with the artists that had been studied and professionals from the area and building an artistic personal practice, I try to show in this dissertation how the color acquires autonomy becoming a structural element of the work.

A ampliação gradativa de instituições culturais privadas criou uma demanda de mão de obra qualificada para seus mais variados programas. Surgiram nos últimos 20 anos em todo o país cursos profissionalizantes e diversas graduações e pós-graduações em artes visuais reconfigurando assim um novo panorama daquilo que vem sendo, nos últimos anos, a formação do artista plástico (ou visual) no circuito artístico. A dissertação teve por objetivo discutir a posição do artista brasileiro contemporâneo através da análise do seminário Longitudes, realizado na cidade de São Paulo em março de 2014. Três temas centrais nortearam a configuração do seminário e posterior análise: o primeiro abordou a identidade do artista; o segundo tratou da expansão dos espaços alternativos e do escopo de trabalho do artista; o terceiro dedicou-se aos locais de formação e à proliferação de faculdades e cursos livres que têm suprido a demanda do mercado de trabalho recém desenvolvido. A partir dos depoimentos coletados no seminário, discutiremos as relações de trabalho no meio e a profissionalização do artista contemporâneo no Brasil / The gradual expansion of private cultural institutions created a hand demand for skilled labor for its various sectors. Emerged in the last 20 years throughout the country training courses and several graduate and post-graduate courses in visual arts as well reconfiguring a new panorama of what has been, in recent years, the formation of the artist (or visual) on the art circuit. The dissertation aims to discuss the position of the Brazilian contemporary artist by an analysis of the Longitudes seminar, held in São Paulo in March 2014. Three central themes guided the seminar configuration and its further analysis: the first dealt with the artist\'s identity; the second dealt with the expansion of the alternative space and the artist\'s scope of work; the third topic turned to the training sites and the proliferation of colleges and other courses to come meet the demand of the newly developed labor market. From the testimonies collected in the workshop, we will discuss the labor relations in the milieu and the professionalization of the contemporary artist in Brazil

A presente pesquisa explora o YouTube como campo de criação da performance art contemporânea. Em primeiro lugar o site é abordado com foco em suas implicações culturais, empregando tanto uma bibliografia específica sobre o YouTube como autores que refletem sobre a subjetividade contemporânea, destacando-se neles aspectos que se relacionam com as práticas dos usuários do site. Em seguida é analisada uma seleção de obras de performance no YouTube realizadas por artistas de diversas nacionalidades. Elas estão reunidas em cinco vetores: #camgirlsattwhores, que trata da mulher e do feminismo na internet, apoiando-se principalmente no trabalho de Erica Scourti; #persona-ironia, que se baseia nas teorizações de Renato Cohen sobre a persona performática; #anti-confissão, que aborda a prática da confissão segundo conceitos desenvolvidos por Michel Foucault, Óscar Cornago e Christopher Lasch; #corpo-efeitos, no qual a principal referência é o trabalho de N. Katherine Hayles sobre o pós-humanismo; e #prank, que conta com as teorizações de V. Vale e Fábio Salvatti. Na etapa final, são realizados experimentos práticos no YouTube, inspirados nos ideais de Joseph Beuys e Allan Kaprow, e nas práticas artísticas de Petra Cortright. A pesquisa articula, portanto, diversas perspectivas culturais e artísticas, tanto teóricas quanto práticas, para apreender o objeto de estudo, defendendo um novo tipo de arte que transborde o mercado e as categorias tradicionais e propondo um uso desartístico e lúdico das tecnologias atuais. / This work explores YouTube as a field for contemporary performance art creation. Firstly, the research approaches the website focusing in its cultural implications, investigating specific literature about YouTube as well as authors that reflect upon contemporary subjectivities, highlighting in them aspects that relate to the website users\' practices. Then, it analyses a selection of works by performers of various nationalities, gathering them in five vectors: #camgirls-attwhores, which deals with women and feminismo on the internet, relying mainly on Erica Scourti\'s work; #persona-irony, which is based on Renato Cohen theories on the performative persona; #anti-confession, which addresses the practice of confession making use of concepts by Michel Foucault, Óscar Cornago and Christopher Lasch; #body-effects, in which the main reference is the work of N. Katherine Hayles on post-humanism and #prank, which relies on writings by V. Vale and Fábio Salvatti. Finally, practical artistic experiments on YouTube are carried out, inspired by the ideas of Joseph Beuys and the artistic practices of Petra Cortright. Therefore, the research has articulated multiple cultural and artistic perspectives, both theoretical and practical, to seize the object of study, advocating a new kind of art, one that overflows traditional categories and the art market and proposing an unartistic and playful use of current technologies.

A presente dissertação tem como objetivo analisar uma prática artística que, na contemporaneidade, vem ganhando ampla dimensão e recorrência: o ato de andar. As implicações do percurso e sua dimensão plástica são motes cruciais a esta análise, que busca, à luz de um recorte histórico, traçar as especificidades desse ato com base na análise de produções artísticas posteriores à década de 1960. Para entendimento dos distintos aspectos que o caminhante apresenta na arte contemporânea, são traçadas três aproximações que, paralela e independentemente, dão subsídios à análise proposta. A primeira delas, aborda a caminhada no contexto de um breve panorama histórico das produções artísticas, buscando qualificar dois momentoschaves para a diferenciação dos trabalhos que a tomam como mote: a caminhada como representação e a caminhada como ato. A segunda aproximação faz o levantamento do léxico que tem paulatinamente buscado qualificar a caminhada nas suas mais diferentes acepções. É desse léxico que emergem as principais considerações teóricas sobre as especificidades da caminhada como ato com implicações estéticas, tendo como base a deriva situacionista, a estética radicante de Nicolas Bourriaud e a abordagem fenomenológica de Thierry Davila sobre deslocamento. Por fim, a terceira aproximação apresenta um estudo de caso que consiste na análise da produção do artista de origem belga, radicado no México, Francis Alÿs. / This dissertation aims at analyzing an artistic practice that, in contemporaneity, has gained a vast extension and recurrence: the act of walking. The implications of the pathway and its aesthetic dimension are crucial mottos in the analysis that tries to outline this act\'s specificities, focusing on the artistic productions after the 1960\'s. To understand the distinct qualities that the walker pursues in contemporary art, three approaches are outlined; in parallel and independently, they subsidize the proposed analysis. The first deals with the insertion of the act of walking in a brief historical panorama of the artistic works, specifying two key-moments: walking as representation and walking as an act. The second approach presents an inventory of the lexicon that gradually qualifies the act of walking in its most various meanings. It is from this glossary that the main theoretical considerations about the specificities of walking as an act with aesthetical implications emerge from, based on the situationist dérive, on Nicolas Bourriaud\'s radicant aesthetics and on Thierry Davila\'s phenomenological approach on displacement. Lastly, the third approach presents a case study that has the analysis and interpretation of Belgian artist Francis Alÿs\' as its key element, an example of the artist as a contemporary drifter/wanderer and his insertion in and relation with the city.

Este é um estudo sobre o desenvolvimento e a prática de arte voltada para questões ambientais, cujo objeto de arte possa ser o próprio ambiente, por meio de ações ou intervenções em espaços públicos ou privados, construções de objetos de arte com utilização de materiais não convencionais, com proposta de foco ou crítica a questões ambientais. A pesquisa estabeleceu investir em um levantamento de artistas cuja poética se envolva com o meio ambiente, como um exercício de crítica de arte. Escolhi os artistas Brígida Baltar, Andy Goldsworthy e Carlos Vergara pelas poéticas. A análise da pesquisa caracterizou-se por um levantamento das principais características das obras escolhidas, as analogias estabelecidas entre a proximidade e as singularidades da poética de cada artista/obra analisadas com o meio ambiente. Considero que a crise ambiental pela qual passa o planeta pede uma nova postura dos artistas, uma necessidade de estar aberto às possibilidades de um fazer artístico junto ao meio ambiente natural, um fazer crítico, consoante com os novos tempos, reafirmando-se na função social da arte. / This is a study on the development and practice of art focused on environmental issues, whose object of art may be the environment itself, through actions or interventions in public or private spaces, construction of art objects using unconventional materials, including proposals of focus or critical environmental issues. The research established to invest in a survey of artists whose poetic engages with the environment, as an exercise in art criticism. I chose the artists Brígida Baltar, Andy Goldsworthy and Carlos Vergara by poetic. The research analysis was characterized by a survey of the main characteristics of the chosen works, the analogies made between the proximity of the poetic and the singularities of each artist / work analyzed with the environment. I believe that the environmental crisis in which the planet is a new approach calls for artists, one need to be open to the possibilities of an artwork with the natural environment, to do with a criticism way, according to the new times, reinforcing its position in the function social of art.

Este trabalho investiga os campos fronteiriços da arte, da arquitetura, e da expografia a partir da proposta museológica implantada no Museu de Arte da Pampulha em 2001. Procura traçar uma linha histórica da edificação, de seu funcionamento como Cassino da Pampulha, de 1942 a 1947, à sua inauguração como Museu de Arte de Belo Horizonte, em 1957, e seu funcionamento até os anos 2000. A pesquisa procura compreender as propostas de museu estabelecidas desde os anos 1960 até 2010, a partir da análise dos documentos históricos e das exposições realizadas, com foco no período entre 2001 e 2010, quando se estabeleceu um novo conceito para o Museu, tratando sobretudo de um programa expositivo em estreito diálogo com sua edificação. Entremeados à discussão desses projetos são abordados práticas, pensamentos e manifestações artísticas diretamente conectados às experiências artísticas dos anos 1960, que experimentaram projetos e situações site-specific e desmaterialização da arte. Primeiramente tenta situar a relação entre arte, arquitetura e paisagem no conjunto arquitetônico e paisagístico da Pampulha, e avaliar em que medida as edificações se relacionam e estabelecem diálogos com a arte. Analisa a arquitetura do Museu e sua função, levantando os problemas museológicos existentes. Passa, então, a uma análise de práticas artísticas experimentadas pelo Museu por meio da intervenção Territórios, em 1968, e da exposição Porto Pampulha, em 1990. Na sequência, apresenta o novo projeto curatorial e analisa as mostras realizadas sob a curadoria de Adriano Pedrosa e Rodrigo Moura e, em seguida, por Marconi Drummond, procurando traçar dois modos distintos de enfrentar as questões pertinentes à relação entre arte e arquitetura no Museu. Eis os modos de tratar a questão pela curadoria: através de um enfrentamento direto das obras com o espaço, com a produção e concepção de trabalhos site-specific comissionados pelo Museu, e por meio de projetos em que a relação é permeada por projetos expográficos que dialogam com a arquitetura, as obras e o conceito curatorial. Finalmente, procura destacar que o caminho da arquitetura para a arte contemporânea é um exercício de tensionar limites e conceitos modelados pela arquitetura moderna sem deixar de aderir a ela; e que, no caminho da arte contemporânea para a arquitetura, abrem-se perspectivas aos trabalhos que inevitavelmente têm que forçar fronteiras para reinventar espaços. / This essay investigates the borders where art, architecture and the expography meet based on the museological proposal undertaken at the Pampulha Museum of Art in 2001. It seeks to trace the history of its development, from the time during which it functioned as the Pampulha Casino between 1942 and 1947 to its re-opening as the Belo Horizonte museum of art in 1957 and its activities up to the 2000s. The research seeks to understand the proposals for the museum established between the 1960s and the year 2010, based on an analysis of historical documents and of the exhibitions held there, with a focus on the period between 2001 and 2010, when a new concept for the museum was established, consisting mainly of an expository program in close dialogue with its edification. Interspersed with the discussion of these projects, artistic practices, thought processes and manifestations directly connected to the artistic experiences of the 1960s, and that experimented with sitespecific projects and situations and the de-materialization of art, are discussed. It first attempts to situate the relationship between art, architecture and landscape in the overall architectural and landscape context of Pampulha, and assess to what degree the edifications relate to one another and establish dialogues with art. It analyzes the architecture of the museum and its function, raising existing museological problems. It then moves on to an analysis of artistic practices experimented by the museum through the intervention Territórios (\"Territories\") in 1968 and the exhibition Porto Pampulha (Pampulha Port) in 1990. After this, it presents the museum\'s new curatorial project and analyzes the exhibitions carried out under the curatorship of Adriano Pedrosa and Rodrigo Moura and, later, by Marconi Drummond, seeking to outline two distinct ways of confronting issues pertinent to the relationship between art and architecture in the museum. These are the ways of dealing with this issue established by the curatorship: by directly confronting the works with the space, with the production and conception of site-specific works commissioned by the museum, and through projects in which the relationship is permeated by expographich projects that dialog with the architecture, with the works and with the curatorial concept. Finally, it seeks to highlight the fact that the path from architecture to contemporary art is an exercise in the tensioning of limits and concepts modeled by modern architecture without actually breaking away from it, and that, on the path from contemporary art to architecture, perspectives open up to the works that inevitably have to push frontiers in order to reinvent spaces.

A pesquisa definiu o processo de transição da curadoria ‘tradicional’, voltada para as atividades de conservação, organização, pesquisa e exposição das obras de arte, para a curadoria ‘contemporânea’, caracterizada pela organização da exposição através da elaboração de conceitos críticos formulados pelo curador, que desenvolve de forma autoral o tema da exposição e seleciona quais artistas irão participar da mostra. O período em que ocorreu esta transição foi na segunda metade do século XX, em sincronia com a arte contemporânea e o aumento do número de exposições, fato, este, decorrente da ampliação de espaços expositivos, visível em diversos países. A pesquisa buscou as origens da curadoria para perceber como a atividade foi se constituindo ao longo do tempo até chegar às características concernentes da curadoria ‘contemporânea’. Feito o levantamento sobre quais exposições se tornaram referenciais na arte contemporânea, foi elaborada uma análise para precisar as mudanças ocorridas no âmbito da curadoria, através da atuação de diferentes curadores. Entre eles, Harald Szeemann, Walter Zanini, Achille Bonito Oliva, Sheila Leirner, Jean-Hubert Martin e Paulo Herkenhoff. Concluídas as análises, foram apresentadas conside-rações sobre o curador enquanto autor de exposições, as relações entre a curadoria e os outros agentes do campo artístico e a curadoria como parte do processo de construção da história da arte. / The research has defined the transition process from the ‘traditional’ curatorship involved in conservation and organization activities, research and display of the art pieces to a ‘contemporary’ curatorship, characterized by the organization of the exhibition through the elaboration of critical concepts formulated by curator who develops in authorial way the theme of the exhibition and selects which artists will take part in it. This transition happened in the second half of the twentieth century, in synchronicity with the contemporary art and the increasing number of exhibitions, which derived from the increase of exhibition spaces, noticeable in many countries. The research searched the origins of the curatorship to perceive how the activity built up throughout the time until the concerning characteristics of contemporary curatorship were settled. After the assessment about which exhibitions became a reference was made, an analysis was elaborated to precise the changes in the scope of curatorship through the work of various curators. We can highlight among them: Harald Szeemann, Walter Zanini, Achille Bonito Oliva, Sheila Leirner, Jean- Hubert Martin and Paulo Herkenhoff. After the conclusion of the analysis, considerations about the curator as an author of the exhibitions were presented; the relationship between the curatorship and other agents of the artistic field and the curatorship as a part of the construction of Art history.

O artista Paulo Nazareth (Governador Valadares/MG, 1971) desenvolve uma poética em que caminhadas representam importantes práticas, nas quais são estabelecidos diálogos vinculados às suas raízes étnicas, negra e indígena. Transita entre espaços periféricos e centrais, provocando fluxos diferenciados. Essas ações tornam-se significativas no atual contexto geopolítico de globalização, o que provoca, na esfera da arte, tensões entre espaços hegemônicos e periféricos. A partir deste cenário, a pesquisa busca compreender de que forma as ações do artista, em circulações internacionais, discutem sua posição no campo globalizado da arte. Para tanto, optou-se por um estudo de caso a respeito das ações do artista nas Bienais de Veneza de 2013 e 2015 e nas Bienais de Veneza / Neves, eventos concomitantes à mostra italiana, ocorridos na periferia da cidade de Ribeirão das Neves / MG. ( Continuação ) Através de pesquisa de campo, pode-se estudar a constituição destes eventos, bem como ao coletar dados junto ao artista e à galeria representante. Como marcos teóricos da pesquisa, são destacadas as teorias sobre a deriva, elaboradas pelo Internacional Situacionismo, bem como autores que analisam estas práticas na arte. Também são importantes marcos os estudos pós-coloniais e decoloniais, através das suas relações com a arte contemporânea. Compreende-se, por fim, que as ações de Paulo Nazareth nas exposições analisadas provocam uma importante alteração nos fluxos entre centros e periferias, ao superarem muitas das intervenções institucionais. / The artist Paulo Nazareth (Governador Valadares/MG, 1971) develops a poetic in which walkings represent important actions that set dialogs linked to his ethnical origins, black and indigenous. He transits between peripheral and central spaces, resulting in differentiated flows. These actions become meaningful in the present geopolitical context of globalization, what sets, in art domain, tensions between hegemonic and peripheral spaces. From this scene, the research seeks to understand in which way the artist’s actions, in international circulations, discuss his position in global art field. For this purpose, had choose a case analysis about the artist’s actions in the 2013 and 2015 Venice Biennales and in the Venice Biennales / Neves, simultaneous shows to the italian event, occurred in Ribeirão das Neves / MG city’s periphery. Through the field research, it’s possible to study this event’s constitutions, as well as in collecting data with the artist and his representing gallery.As theorical marks of this research, the theory of the dérive (drift) created by Situationist International, are emphasized, as well as authors who analyze this practices in art. The post-colonial and decolonial studies are also important marks, through its relations with contemporary art. Finally it is understood that Paulo Nazareth’s actions at analyzed expositions set important changes at flows between centers and peripheries, overcoming much of institutional interventions.

A presente pesquisa investiga coletivos de arte contemporânea que trabalham com fotografia, considerando seus modos de produção e o tipo de atuação que desenvolvem nos cruzamentos entre os campos da arte, da fotografia documental e do fotojornalismo. Para isso, procura compreender os motivos que levam, em um contexto marcado pela afirmação da fotografia digital e da comunicação em rede, um número crescente de fotógrafos a investir em formas compartilhadas de autoria. A partir da opção por estudar a produção de três grupos formados entre 2003 e 2013 na cidade de São Paulo − Cia de Foto, Garapa e Trëma −, a pesquisa investiga como a atuação desses coletivos contribui para as discussões sobre fotografia, arte e autoria e para um tensionamento das fronteiras entre documento e ficção. Propõe-se, também, estabelecer relações entre os grupos que atualmente se dedicam à fotografia e outras práticas coletivas observadas no campo da arte ao longo do século XX. Se, devido à sua gênese automática, a fotografia foi por muito tempo vista como uma simples reprodução do real, a atuação desses coletivos evidencia que a imagem fotográfica é resultado de um processo de construção, que pode ser pensado, discutido e compartilhado por diferentes autores. / This research investigates contemporary art collectives dedicated to photography, considering their work processes and activities developed in the intersections of art, documentary photography and photojournalism. In a context characterized by the expansion of digital photography and online communication, it analyzes the reasons why an increasing number of photographers is investing on shared forms of authorship. By focusing on three collectives formed between 2003 and 2013 in the city of São Paulo, the present thesis investigates how the activities of these groups contribute to the discussions about photography, visual arts and authorship, as well as to revise the boundaries between document and fiction. It also proposes to establish connections between groups that currently work with photography and other collective practices observed in the fields of art and photography over the 20th century. If, due to its automatic genesis, photography was considered for a long time as a mere reproduction of the real, the production of these collectives indicates that the photographic image is the result of a construction process, which can be conceived, discussed and shared by different authors.

Dans nos sociétés occidentales contemporaines, esthétiques et spectaculaires, le corps est un objet de fétichisme social de même qu'un écran sur lequel il est possible de projeter une identité maniable et changeante. Considéré comme le support de l’individualité, il est l'objet de toutes les métamorphoses. De simple parti pris vestimentaire, le style peut parfois se faire l’expression d’un véritable mode de vie, d’une existence qui s'établit à l'encontre des normes imposées par une société. L’apparence devenant la manifestation ostentatoire (parfois caricaturale) d’une prise de position politique, philosophique ou sexuelle.Quels liens unissent la pratique du cabaret New-Burlesque, du Cosplay, de la Sape ou du Voguing ?En apparence dissemblables, voire peut-être antagonistes ; regroupant des membres d'âges, de sexes, d'origines différentes et s'ignorant la plupart du temps l'une l'autre ; ces communautés sous-culturelles partagent néanmoins des symboles, une idéologie, une organisation structurelle et sociale comparables. Dans une forme maîtrisée de l’artifice et du théâtre, tous utilisent leur apparence comme dispositif de résistance et interrogent la validité et les limites des impératifs sociétaux. C'est du moins ce que cette thèse tente de mettre en lumière, par la photographie et sur le terrain de la sociologie. / In our contemporary societies, the body has become not only an object of social fetishism but also a screen where we can take on any kind of identity. Apperance can be transformed in a playground and used as a tool to resist society's standards. From a simple choice of clothing, a look can in fact express a global lifestyle. Even if seemingly light, style can show the choice of a certain way of life and be an exit from social constraints. It can reveal existential choices, whether political, philosophical or sexual.This researches are involving different groups of people and communities. What could possibly link Congolese Sapers, Voguers, Cosplayers, Roller derby and New-Burlesque performers? A priori different, most likely antagonistic and gathering a large range of people from various ages, social classes or origins, these subcultures still share a lot of similarities. From a comparable ideology to the use of similar symbols and compatible social organizations, they all seek to re-enchant our world in a critique of cast societies and question the limits of their social imperatives.In both photography and sociology, this PhD aims at forming a kaleidoscope of various facets of self-presentation in our contemporary society, with all its hopes and disappointments.