Arsenal é um depósito de ideias advindas da sala de aula, da arte dita contemporânea e da filosofia de Deleuze e Guattari. Composto como um abecedário, trata-se de um dicionário nascido do embate entre o campo da arte-educação, aquilo que dizem os alunos e alguns artistas, misturado e transformado à moda da filosofia da diferença. A arte contemporânea interessa a esta pesquisa pelo embaralhamento que ela causa nas formas canonizadas e estáveis de se entender e receber arte, por intuir que tais operações artísticas podem contribuir para inserções da arte no ambiente escolar por meio da invenção e da potência. As experiências de mergulho na vida-aula, mais do que relatos do bem-sucedido, operam como disparos daquilo que gera o desconforto e o desentendimento, por entender com Barthes que a escritura começa onde a fala torna-se impossível. É, portanto, na negociação entre-margens da pesquisa e da prática que se situa este trabalho, acondicionando uma necessidade de encontros: arte, educação, filosofia e os tantos atravessamentos trazidos pela sala de aula. Com este Arsenal busca-se identificar uma suposta cultura escolar em torno da arte, tensionando a posição por ela ocupada na educação, ao mesmo tempo que propondo-se a inscrevê-la no cotidiano escolar, para além do binômio metodologia-conhecimento. Arsenal apresenta em vinte e três verbetes maneiras de encarar a sala de aula, a arte, os alunos e a escola como raridades, ao modo de Foucault, para que as coisas e as palavras não estejam diretamente relacionadas a verdades inquestionáveis, travando um embate por uma educação com mais vitalidade, onde a diferença e a criação possam brotar naquele espaço tão árido e pisoteado chamado escola. / Arsenal is a repository of ideas collected from the classroom, from so called contemporary art and from Deleuze and Guattaris philosophy. Compiled as an alphabet, it is a dictionary born of the clash between the field of art education and what students and some artists say, mixed and transformed in the fashion of the philosophy of difference. Contemporary art is of interest to this research because of the scrambling it causes to the canonized and stable ways of understanding and receiving art, in the belief that such operations can contribute to art inserts in the school environment through invention and power. Life experiences gathered in the classroom, rather than stories of success, operate as shots of what generates discomfort and misunderstanding, understanding with Barthes that writing begins where speech becomes impossible. It is therefore in the negotiation between the margins of research and practice that this work is situated, accomodating a need for a place where art, education, philosophy and so many crossings brought to the classroom meet. Arsenal seeks to identify an alleged school culture around the arts, tensing the position this culture holds in education, while proposing to inscribe it into everyday school life, to a point beyond the methodology-knowledge binomial. Arsenal presents through twenty-three entries ways to see the classroom, art, students and the school as rarities, in the Foucault mode, so that things and words are not directly related to unquestionable truths, waging a struggle for an education with more vitality and allowing difference and creation to spring up in that arid and trampled place called school.

A presente pesquisa tem como objeto de investigação a apropriação de narrativas e estratégias documentais pelo artista contemporâneo, procurando traçar uma cartografia específica das ações do artista documentarista, a partir de três pressupostos comuns aos campos da arte e do documentário: o deslocamento, a participação e a fabulação. A meta é observar como esses impulsos se desenvolvem nas obras de alguns artistas em atividade hoje no Brasil, entre eles Maurício Dias e Walter Riedweg, Rosângela Rennó e Janaina Tschäpe. Sem querer abranger a totalidade do corpo ético e poético da obra desses artistas, a pesquisa enfoca atividades que combinam pesquisas de campo, invenção de situações e reinvenção de protocolos documentais. Ao analisar e questionar o estatuto testemunhal da imagem documental, e ao adaptar essa imagem para usos subjetivos, pessoais, conceituais etc., o artista documentarista estabelece uma nova plataforma para a prática documental, propiciando a revisão dos modos de leitura e representação da alteridade e da realidade. / As its object of investigation, this research looks at the appropriation of documentary narratives and strategies by the contemporary artist. It looks to trace a specific map of the actions of the artist documentarist starting from three conditions common to the fields of art and the documentary: displacement, participation and fabulation. The aim is to observe how these forces develop in works by artists active in Brazil today, among them Mauricio Dias and Walter Riedweg, Rosângela Rennó and Janaina Tschäpe. Far from covering the totality of the ethical and poetical body of these artists works, the research points to activities that combine fieldwork, invention of situations and the reinvention of documentary protocols. In analyzing and questioning the importance of the documentary image as evidence, and in adapting this image to uses that are subjective, personal, conceptual, etc., the documentary artist establishes a new platform for documentary practice, bringing about a revision of the ways of reading and representing otherness and reality.

Este trabalho é fruto do questionamento do uso da categoria de jovem arte contemporânea, uma categoria que demanda o novo e a novidade de uma geração de artistas. A partir da suspensão de tal categoria, procuramos adentrar o fenômeno da criação de Inês Moura, artista portuguesa residente no Brasil, considerada jovem pela idade e por margear o circuito da arte contemporânea, do qual almeja participar. Buscamos, assim, durante oito meses, ao frequentar o ateliê da artista e a criação de suas obras, indícios do que poderia ser um possível imaginário de uma geração jovem de artistas atuais que produziram trabalhos artísticos entre os anos de 2009 e 2013. A partir da pesquisa em ateliê selecionamos obras e exposições de Inês Moura que pudemos acompanhar e das quais tínhamos acesso às imagens. Desse modo, o leitor pode ter acesso às obras e exposições das quais acompanhamos o processo. As mesmas imagens foram fragmentadas em formatos fixos ao longo de cada tópico, os quais formam um percurso visual a cada página, que complementa, ilustra e, por vezes, possui sua própria narrativa junto ao texto. Esse texto tem um formado híbrido de discurso escrito e discurso de imagens que se comunicam. Forma que pretende possibilitar ao leitor uma proximidade das obras e exposições da artista Inês Moura. Por fim, é possível identificar, a partir das obras, assim como do que está em obra de uma artista e, talvez, de uma geração, que não há um projeto que busca o novo, são artistas que insistem em nada mais do que participar do circuito da arte contemporânea, o qual persiste em mantê-los na margem e sob a categoria de juventude. / This dissertation is the result of questioning the young contemporary art category, that demands the new and the innovation from an artist generation. After this category\'s suspension we intended to approach the creation phenomenon of Inês Moura, a Portuguese artist resident in Brazil who is considered young due to both her age and her marginal action towards arts circuit, in which she longs to take part. Considering this, during eight months attending weekly the artist\'s studio and her works creation, we have searched traces of what could be an imaginary of a young artists generation, artists who have produced between 2009 and 2013. After deep research in the studio, we have selected some of Inês Moura\'s works and exhibitions that we could see along those eight months and that we also had access to the images. Thus, the reader can have access to the art works and exhibitions that we have attended the process of creation. The same images were fragmented in fixed formats and posed alongside the text. Those images complement, illustrate and sometimes provide their own narrative. This dissertation has a hybrid format, written and illustrated discourse, that communicate with each other. This format intends to give the reader proximity to Inês Mouras works and exhibitions. At last, it is possible to identify, that there is no project that look for the new considering some artistic works and this artists generation. Those are artists that insist in nothing but participate in the contemporary art system and circuit, which persists to maintain them at the margin and under the youth category.

Des Astres é um conjunto de investigações artísticas ancorado nas imagens de três adventos tecnológicos: a máquina de escrever, a guilhotina e os fósforos. Os trabalhos procuram abranger, de forma rizomática, aspectos da imprecisão do processo, arruinamento e dúvidas sobre a consistência da matéria. Des Astres é organizado sob a forma de um iceberg, uma ruína flutuante onde encontram-se nostalgicamente estes antigos objetos e que organiza e desencadeia elaborações surrealistas de justaposição de realidades distantes. / Des Astres is a set of artistic investigations anchored in images of three technological advents: the typewriter, the guillotine and the safety matches. The art works seek to address, in a rhizomatic way, the aspects of the imprecision of the process, ruination and doubts about the consistency of matter. Des Astres is organized under the form of an iceberg, as a floating ruin where nostalgically these ancient objects are , and triggers elaborations of surrealist juxtaposition of distant realities.

(In)audíveis é um uma plataforma teórico-prático, que pensa mecanismos de reflexividade e de produção de uma audiência crítica, nos projetos de arte contemporânea com que se relaciona - como trabalho de minha própria localização diante do estado atual da Arte. Esta tese alinha-se às práticas artísticas de cunho estético-político e a questão documental. A produção teórico-prático desta pesquisa pautase primeiramente nas experiências artísticas dos anos de 1960 e 1970, por estar identificada com a forma de produção e pensamento auto-reflexivo e críticos de seu contexto. A pesquisa aqui apresentada, no entanto, tratará de identificar estes aspectos políticos como documentais hoje, pelo paradigma das práticas discursivas- o problema da espacialização dos discursos na forma fílmica e instalativa (Vídeo-Instalação e Cinema de Exposição). / (In)audibles is a theoretical-practical platform for thinking the mechanisms of reflexivity and of production of a critical audience in the contemporary art projects with which it relates to - as work of my own localization before the present state of Art. This thesis is related to artistic practices of an aesthetic-political bias and to the issue of documentation. The theoretical-practical production of this thesis is grounded first on the artistic experiments of the 1960\'s and 1970\'s, because they are identified with the kind of production and selfreflexive and critical thought of such context. The research here presented, however, will seek to identify such political aspects as documental aspects of the present day, by means of the paradigm of discursive practices- the problem of discourse spatialization in the filmic and installation forms (Video Installation and Exhibition Cinema).

Parte, um exercício de reflexão, consiste no processo de produção dos trabalhos \"Corte\", Desenho, Ânima e Falta, este último tendo sido desenvolvido como um objeto materialmente inserido no corpo da tese. Parte surgiu pari passu com os próprios trabalhos, daí resultando, nesta tese, a presença entrelaçada de preocupações práticas e conceituais. / Parte, an experiment in reflection, consists in the process of production of the art works \"Corte\", Desenho, Ânima and Falta, this last one having been developed as an object materially embedded in the corpus of this dissertation. Parte has emerged pari passu with the works themselves, hence the intertwining of practical and conceptual concerns in this dissertation.

[pt] Lugar da contingência radical da arte, nos anos 1960 e 1970, tal como proposta pelas obras do francês Yves Klein, do norte- americano Andy Warhol e do alemão Joseph Beuys, o lugar-melancolia dimensiona a crise contemporânea da substância poética a partir da iminente saturação pública da arte. Por que agir quando toda ação é absorvida homogênea e acriticamente? Como se portar diante de uma realidade aparentemente refratária a qualquer valor? Destituídas da realidade da obra como espaço íntegro da possibilidade de ação e conhecimento, tais subjetividades artísticas fragmentárias apontam, segundo nossa hipótese, novas coordenadas para a capacidade produtiva do homem. Klein, Warhol e Beuys elaboram personas artísticas públicas a fim de circular com desenvoltura no iminente contexto cultural aberto, crescentemente dominado por formas de cultura de massa. Esses artistas se identificam com certas categorias artísticas, mas propõem a revitalização da arte a partir do ponto de indiferença entre potência e não-potência poética - condição precípua do dar forma ao mundo e, conseqüentemente, a nós mesmos. / [en] A place of radical contingency in art in the 1960s and 1970s, as proposed by the works of Frenchman Yves Klein, American Andy Warhol and German Joseph Beuys, the place of melancholia gives a dimension to the contemporary crisis concerning the poetic substance in view of the imminent public saturation of art. What is the point of taking action when all action is absorbed both homogeneously and acritically? How should one behave when faced with a reality which would appear resistant to any value? Bereft of the reality of the artwork as an unmarred space for the possibility of action and knowledge, we propose that these fragmentary artistic subjectivities set a new route for man´s productive capacity. Klein, Warhol and Beuys developed public art personae to circulate freely in the impending context of open culture that was increasingly dominated by forms of mass culture. Though they are identified with certain artistic categories, these artists set out to revitalize art from the point of indistinction between poetic potency and non-potency - an essential precondition for shaping the world, and therefore, for shaping ourselves.

Esta pesquisa procura abordar as práticas artísticas no espaço público brasileiro, no campo das artes visuais, na intenção de se compreender como elas se relacionam com as cidades e seus imaginários urbanos, além de entender os desdobramentos dessas obras no campo simbólico no qual elas estão inseridas. Para tanto, a pesquisa concentra-se em uma compilação de ações artísticas realizadas no espaço público brasileiro desde os anos 2000, uma análise teórica sobre tais práticas e uma reflexão sobre minha própria produção artística. Como metodologia para examinar tais questões foram abordados temas como a relação entre o público e o privado, a arte ativista, a imagem e a palavra na cidade, a performatividade urbana e o tempo e a temporalidade na cidade. A pesquisa traz também diálogos com pesquisadores do campo da arte, da geografia e do urbanismo. A proposta é oferecer referências para novos processos de pesquisa, ampliando a compreensão sobre o papel da arte no imaginário da cidade e na formação da sensibilidade urbana. / This research deals with visual artistic practices in the Brazilian public space to understand how art relates to cities and the urban imaginary. For this, the research focuses on a compilation of artistic actions carried out in the Brazilian public space since the year 2000, a theoretical analysis on these practices and a reflection on my own artistic production. The research also brings dialogues with researchers from art, geography and urbanism. The proposal is to offer references to new research processes, broadening the understanding of the role of art in the city\'s imaginary and the formation of urban sensibility.

[pt] Esta dissertação aborda o experimentalismo da artista Lygia Clark (1920- 1988), sobretudo a fase final de sua produção artística, a Estruturação do Self (1976-1988). Colocando história da arte e psicanálise em diálogo, buscou-se encontrar vestígios da mobilização de novas subjetividades e do exercício criativo a partir do trabalho corporal. Na primeira parte do trabalho, tratou-se do debate concreto-neoconcreto ocorrido nos anos 1960, através do estudo da obra e dos textos da própria artista. Buscou-se ainda estabelecer um inventário de suas investigações em direção à convocação do potencial poético do homem comum. Num segundo momento, a pesquisa procurou apresentar os mecanismos do sistema de arte nos quais trabalhos experimentais como os de Lygia Clark estão inseridos, discutindo a transformação do experimentalismo dos anos 1960/70 em arte experimental pelo circuito. Além disso, aborda-se o jogo de recusa e captura entre artistas e instituição de arte e a situação limite em que a obra da artista se coloca, tangenciando o campo da clínica. A terceira parte da dissertação dedica-se a analisar as políticas de subjetivação empreendidas pelo sistema capitalista e sua contrapartida manifesta nos processos de singularização de indivíduos ou grupos. Abordando a tensão entre as esferas pública e privada, a pesquisa procurou mostrar a relevância de ações localizadas e até individuais, atribuídas à economia do desejo, na rede de relações sociais, conferidas à economia política. É investigado, por fim, o potencial liberador encontrado na última fase experimental de Lygia Clark, a Estruturação do Self, que levaria o participante a um estar no mundo mais criativo diante da realidade objetiva. / [en] This dissertation examines the experimentalism of the brazilian artist Lygia Clark (1920-1988), especially in her final artistic phase, Structuring the Self (1976-1988). By bringing together art and psychoanalysis, I tried to find hints of the activation of new subjectivities and of the creative exercise, based on work with the body. The first part of this dissertation focuses on the debate between concrete and neoconcrete art which occurred in the 1960 s, as seen through the work and the texts of the artist. It also intends to establish an inventory of her investigations leading to invocation of the common man`s poetic potential. Following the first part, I attempt to present the mechanisms of the art system in which experimental works such as those of Lygia Clark are included, and I discuss the transformation of the 1960 s/70 s experimentalism in experimental art by the circuit. Besides, I approach the game of refusal and capture between artists and art institutions, as well as the borderline situation in which the Clark s work is located, as it enters the field of psychological clinic. The third part of this writing is dedicated to the analysis of the politics of subjectivation carried through in the capitalist system and the reaction manifested in the singularization processes of individuals or groups. Approaching the tension between the public and private spheres, I attempt to show the relevance of localized and even individual actions, attributed to the economy of desire, in the network of social relations, conferred upon political economy. Finally, I investigate the liberating potential found in the last experimental phase of Lygia Clark, The Structuring of the Self, that could lead the participant to a more creative being in the world, in the face of objective reality.

A pesquisa aborda o desenvolvimento de competências e estratégias necessárias à apreensão crítica de produções audiovisuais contemporâneas em contextos escolares. Dados divulgados por pesquisas do IBOPE e da TIC KIDS ONLINE confirmam que crianças e adolescentes com idades entre 9 e 17 anos passam muito tempo em frente à televisão e/ou navegando na internet, através de diferentes dispositivos, assistindo vídeos, programas, filmes ou séries online. Considerar e contemplar no contexto escolar, parte das produções audiovisuais que essa parcela da população consome, explorando-as através de atividades pedagogicamente elaboradas, pode contribuir com a formação visual e audiovisual deste público. Nesta perspectiva, a da leitura e interpretação dessas produções, que se ampliaram, enquanto desafios contemporâneos do ensino de artes visuais, as abordagens envolvendo não apenas as produções de arte, mas toda e qualquer produção visual e audiovisual. Desta forma, a pergunta de pesquisa que norteia este estudo visa perceber e analisar como os professores de artes visuais podem proporcionar aos seus estudantes o desenvolvimento de competências que os tornem aptos para apreender produções visuais e audiovisuais contemporâneas de uma forma crítica Para tanto, os objetivos buscaram fomentar reflexões acerca do desenvolvimento de competências e estratégias para a apreensão de produtos audiovisuais; problematizar a apreensão visual e audiovisual no ensino da arte através da abordagem teórica e metodológica da semiótica discursiva greimasiana ampliada pelos estudos sociossemióticos de Landowski. Também, analisar os efeitos de sentido decorrentes da inter-relação entre uma produção cultural, o episódio O Sinal, da animação O Incrível Mundo de Gumball, e uma produção artística contemporânea, a videoinstalação Cinema Lascado, de Giselle Beiguelman e compreender os regimes de interação envolvidos. Observamos que, no âmbito do regime do acidente, as oscilações entre apreensão e suspensão da produção de efeitos de sentido relacionam-se com os conceitos de fraturas e as escapatórias desenvolvidos por Greimas. Por fim, entende-se que transitar entre diferentes regimes contribui para tornar a apreensão de sentidos mais sofisticada. / This study deals with the development of necessary competencies and strategies to develop critical apprehension of contemporary audiovisual productions in school contexts. Data released by IBOPE and TIC KIDS ONLINE surveys confirm that children and adolescents between the ages of 9 and 17 spend a lot of time watching TV and/or surfing the net through different devices, watching videos, programs, movies or online series. Considering and contemplating school context, part of the audiovisual productions which population consumes, can be explored through pedagogically elaborated activities, and may contribute to visual and audiovisual concepts of this public. In this perspective, reading and interpreting these productions, which have expanded throughout the years, seem to be contemporary challenges of visual arts teaching. Not only involving art productions, but any visual and audiovisual production. Thus, the research question that guides this study aims to perceive and analyze how visual arts teachers can provide their students the development of competencies that enable them to apprehend contemporary visual and audiovisual productions in a critical way To this end, the objectives sought to foster reflection on the competencies and strategies development for audiovisual products understanding; to problematize visual and audiovisual apprehension in the teaching of arts through the theoretical and methodological approach discursive semiotics of A. J. Greimas, enlarged by the sociossemiotics studies of E. Landowski. Also, to analyze the sense effects arising from the interrelationship between a cultural production, the episode The Sign, from the animation The Amazing World of Gumball, and a contemporary artistic production, the video installation of Cinema Lascado, by Giselle Beiguelman and to understand the interaction regimes involved. We observe that, in the context of the accident regime, the oscillations between apprehension and suspension in sense effects production are related to the concepts of fractures and the loopholes developed by Greimas. Finally, it is understood that being able to commute between different regimes contributes to make sense apprehension more sophisticated.