O objeto desta tese são os trabalhos de arte da autora. Eles são agrupados segundo critérios provisórios de identidade, que se constituem e explicitam nas próprias formas dos textos e imagens que os acompanham. Buscam-se elementos comuns, simétricos ou proporcionais nos trabalhos, procedimentos comuns, confluentes ou paralelos, correspondências formais. A abordagem é descritiva. A passagem entre os trabalhos se dá diretamente, sem conexões explicativas, por acareação. Pretende-se construir, na dimensão da linguagem, lugares de coexistência, chãos comuns onde os trabalhos se possam dispor, espaços transitórios que permitam arranjá-los. / The object of this thesis is the author\'s works of art. They are grouped according to contingent criteria of identity, which constitute and explicit themselves in the very forms of texts and adjoining images. The author searches among the works for common, symmetrical or proportional elements, common, confluent or parallel procedures, formal correspondences. The approach is descriptive. The transition between the works is deprived of explanatory connections; they face each other directly, in line-up confrontation. The intention is to build, in the dimension of language, sites of coexistence, common grounds where the works can lay, transitory spaces that allow to arrange them

O presente trabalho se propõe a refletir sobre a Arte Contemporânea como objeto de investigação histórica a partir da análise da obra do artista brasileiro Cildo Meireles (1948-). Para tanto, buscamos situar a produção do artista enquanto evidência histórica tanto do processo de constituição da linguagem artística, quanto do contexto social e político mais amplo no qual emergiu. Ao longo da pesquisa, analisamos os modos pelos quais o artista dialoga com a história, seja por meio da formulação de intervenções diretas na sociedade, seja por meio de reconfigurações das leituras hegemônicas sobre o passado. / The present study aims at reflecting on contemporary art as an object of historical research by analysing the work of the Brazilian artist Cildo Meireles (1948-). Therefore, we seek to situate the production of the artist as historical evidence both of the process of constitution of artistic language and of the broader social and political context in which it emerged. In the course of the research, we have analysed the ways in which the artist establishes a dialogue with history, whether through the development of direct intervention in society or by reconfiguring the hegemonic readings about the past.

Esta dissertação parte da discussão sobre a relação entre as pessoas e as imagens, cujo marco de relacionamento é o capitalismo baseado no emocional e simbólico. Nessa medida surge uma visão crítica aos produtos multimídia no espaço público que alteram a relação do sujeito com o mundo que o rodeia. Este espaço também é alterado pelos discursos da publicidade e sua projeção dos imaginários comerciais no tecido social. As transformações das tendências artísticas e imagéticas no século XX nos oferecem elementos para usar o conceito de espetáculo, como espaço regulador da prática artística e publicitária na sociedade, levando em consideração que aspectos da interação nesses espaços têm raízes político-econômicas que suscitam posturas ideológicas nas artes em razão à relação usuário-interator e obra-produto, no contexto da hegemonia do capitalismo atual. O branding ao converter-se em eixo da criação estética contemporânea, junto à economia de consumo e a cidade como espaço para sua expansão, modificou através da semiose corporativa as linguagens artísticas e seus métodos, homogeneizando sua produção e recepção na superprodução de informação; o que, em resposta, propiciou nas artes a possibilidade de somar essas técnicas como matéria de trabalho plástico e conceitual. Para um aprofundamento nestas questões, analisam-se as obras Mecânica das emoções de Maurice Benayoun (2004-2011), 1000 platitudes (2003) de Rafael Lozano-Hemmer, Pure murder (2004) de Minerva Cuevas, Toywar - Etoy.share (2000-2001) de Etoy. Estes trabalhos artísticos integram usos particulares do branding, como parte da sua estratégia estética, poética e de conceito, que, ao fazer uso das estruturas de comunicação, contrasta os usos político-econômicos convencionais da imagem com táticas e estéticas que gerem posturas e atividades nos interatores, como possíveis formas de intervenção na sociedade do espetáculo. / The present dissertation stems from the debate on the relation between people and images, whose relational hallmark is capitalism based upon the emotional and the symbolic. Hence a critical view on multi-media products pervading public spaces, which change the relation between the subject and the world surrounding him. Public spaces themselves are also changes by the publicity discourses and their projection of commercial imaginaries onto the social tissue. The transformation of imagetic and artistic tendencies throughout xx century offer elements to validate the term spectacle as the regulating environment for social artistic and publicitary practices, taking into account that aspects of the interactions in such spaces have political and economic stems which originate ideological postures within the arts due to the relation between user-interactor and opus-product, in the present capitalist-hegemony context. As branding reaches the axis of contemporary aesthetic creation, together with consumption economy and the city as the place for its expansion, has changed, through corporative semiosis, the artistic languages and their methods, rendering homogeneous their production and reception within information over-production; such has permitted the appropriation of those techniques as matter for plastic and conceptual work in response. In order to produce a deeper understanding of the issues, we analysed The mechanics of emotions by Maurice Benayoun (2004-2011), 1000 platitudes (2003) by Rafael Lozano-Hemmer, Pure murder (2004) by Minerva Cuevas, Toywar - Etoy.share (2000-2001) by Etoy. The former artistic Works integrate particular usages of branding, as part of their aesthetic, poetic and conceptual strategies, which, in using communication structures, contrast conventional political economic uses of images with tactics and aesthetics which generate postures and activities within interactors, as a possible means of intervening int the society of the spectacle.

A experiência de viver em São Paulo certamente foi o principal motor que mobilizou esta tese. Dentre as cidades brasileiras, a capital paulista é a que expressa de forma mais intensa e emblemática as contradições de um país que buscou lançar-se ao futuro, mas que teve seu \"espírito moderno\" constantemente posto à prova diante das dificuldades de construção de uma esfera pública na periferia do capital. Desde sua fundação, a cidade foi movida pelo binômio demolição-construção, passou pela edificação do principal parque industrial nacional, transformou-se paulatinamente em cidade de serviços, e nos anos 1990 somou-se às cidades globais. Desde então, a vida urbana paulistana vem enfrentando duas situações: a que é fruto da herança moderna, vivenciada em sua incompletude e fragmentação, e a da cidade contemporânea e suas novas dinâmicas virtualizadas. Nesse panorama, a década de 1990 marcou uma mudança estrutural tanto nos modos de vida da cidade como nas práticas artísticas, que buscam responder à nova condição urbana, cujo movimento corresponde ao crescente interesse de parte dos artistas pela cidade. Diante disso, a tese buscou examinar como, a partir dos anos 1990, a experiência paulistana se diferencia de contextos históricos anteriores, donde já se verificava uma aproximação entre os dois mundos. Para tanto, elegeu-se como objeto de estudo um conjunto de obras de Rubens Mano, tomado como modelar dos pressupostos teóricos sobre as transformações urbanas verificadas no período. O estudo dessas obras salientou dois aspectos fundamentais em sua trajetória: a revisão crítica do projeto moderno - e a produção de espaço dali decorrente -, e uma nova perspectiva crítica e contextualista da arte contemporânea sobre a vida urbana, que tensiona a obra na direção de um híbrido capaz de transitar entre os mundos artístico e extra-artístico. Ao lado de outros artistas, Mano vêm demostrando que o fazer artístico está cada vez mais imbricado à experiência do cotidiano, atento estética e politicamente à problemática urbana e suas contradições. / The experience of living in São Paulo certainly was the main engine that mobilized this thesis. Among the Brazilian cities, the capital of São Paulo is the one that expresses in a more intense and emblematic way the contradictions of a country that sought to launch itself into the future, but whose \"modern spirit\" was constantly put to the test in front of the difficulties of building a public sphere on the periphery of capital. Since its foundation the city has been moving by the binomial demolition-construction, passed by the construction of the main national industrial park, gradually replaced in a tertiary city that in the 1990\'s were added to the global cities. Since then, the São Paulo urban life has been facing two situations: that of modern inheritance, experienced in its incompleteness and fragmentation, and that of the contemporary city and its new virtualized dynamics. In this panorama, the 1990\'s marked a structural change both in the ways of life in the cities and in artistic practices, which have been responding to the new urban condition, which movement corresponds to the raise of art interests to the city. In view of this, this thesis sought to examine how the São Paulo experience from the 1990\'s differs from previous historical contexts, where there was already an approximation between art and city. For this, the thesis choses as object of study a set of works by Rubens Mano, taken as a modeling of the theoretical assumptions about the urban transformations verified among that period. The study of these works emphasized two fundamental aspects in his trajectory: the critical revision of the modern project - and the production of space in results - and a new critical and contextual contemporary art perspective on urban life, which intends the work of art towards a hybrid able to transit the artistic and extra-artistic worlds. Like many other artists, Mano has been demonstrating that the artistic work is increasingly imbricated by the experience of daily life, aesthetically and politically attentive to the urban problematic and its contradictions.

O objetivo do presente trabalho é apresentar o Movimento de Arte Contemporânea de Moçambique, MUVART, no período compreendido entre 2004 e 2010, especificamente em sua cidade capital Maputo. Este título foi dado a um grupo formado em sua maioria por jovens artistas moçambicanos e seus fundadores foram Anésia Manjate, Carmem Muianga, Gemuce, Jorge Dias, Ivan Serra, Marcos Muthewuye, Mudaulane, Lourenço Cossa, Vânia Lemos, Quentin Lambert e Xavier MBeve. Inicialmente, situamos a arte africana e a arte africana contemporânea, tendo em vista a construção de um cenário de apreciação da arte em Moçambique. Os marcos escolhidos foram os séculos XVII e o século XVIII. Com base no Movimento de Arte Contemporânea de Moçambique, MUVART, revela-se o contexto histórico das relações entre a arte tradicional e a arte contemporânea moçambicana. A presença de quatro grupos étnicos fixados no território e de três artistas da geração anterior à analisada na presente pesquisa possibilita a introdução ao tema.Atenção especial é dada a uma atividade desenvolvida pelo grupo, a Bienal Expo- Arte Contemporânea, pontuada nas edições de 2004, 2006, 2008 e 2010. Amplia-se o debate com a interlocução de outros artistas convidados na referida exposição que, embora não fazendo parte do grupo original, dialogam com as linguagens contemporâneas. Recupera-se a história individual de cada artista e a história do grupo, sugerindo leituras do cenário da arte contemporânea em Moçambique, suas definições e a projeção na produção estética dos próprios artistas, a compreensão e a apreciação do público especializado. A terceira parte consiste na apresentação dos artistas fundadores do Movimento de Arte Contemporânea de Moçambique, MUVART, com ênfase nos trabalhos inseridos na Bienal Expo-Arte Contemporânea. Torna-se imprescindível atrelar à narrativa momentos históricos de suma importância para Moçambique que irão influenciar a arte moçambicana, considerando que a arte moçambicana começa a ganhar autoria paulatinamente, na concepção moderna de obra e autor, uma vez que na arte tradicional esta noção está imersa no seio da comunidade.Todavia,ideologicamente, esta produção autoral é intrinsecamente identificada com os ideais colonizadores, ou seja, deixa de ser exclusivamente uma produção conectada a um grupo específico para refletir os desejos externos a estas comunidades. A implicação destes movimentos irá desaguar na etapa posterior denominada pós-revolução, influenciando, no nosso caso específico, a sociedade moçambicana e consequentemente o percurso da geração seguinte, jovens artistas que já nasceram sob os auspícios da paz e que trazem como lastro esta história a ser contada e recontada. / The present work has the purpose to introduce Contemporary Art Movement of Mozambique, MUVART, between the period of 2004 and 2010, specifically in its capital city of Maputo. This title was given to a group mostly formed by young artists of Mozambique and its founders were Anésia Manjate, Carmem Muianga, Gemuce,Jorge Dias, Ivan Serra, Marcos Muthewuye, Mudaulane, Lourenço Cossa, Vânia Lemos, Quentin Lambert e Xavier MBeve. At first, the African art and the contemporary art are placed, bearing in mind a scenery, constructed of art appreciation in Mozambique.Landmarks of the seventeenth and the eighteenth century were chosen. Based on Contemporary Art Movement, MUVART, the historical context between the traditional art and the Mozambicans contemporary art,is revealed. The presence of four ethnical groups in the territory and three artists from previous generation being analyzed in the present research, made possible the introduction to this subject. Special attention is given to the groups developed activity, the Biennial Contemporary Expo-Art, scored in 2004, 2006, 2008 and 2010 editions. The discussion increases when other invited artists in the mentioned exposition dialogue in a contemporary manner with the original group, although they did not belong to it. Each artists individual history and the groups history are recovered, suggesting readings of the contemporary art scene in Mozambique, their definitions and the projection of the artists own aesthetics production, the comprehension and appreciation of the specialized public. The third part consists of the artists founders of the Contemporary Art Movement of Mozambiques presentation, MUVART, emphasizing the works presented in the Biennial Contemporary Expo-Art. It becomes strictly necessary to tie up historical moments of great importance to Mozambique to the narrative that will influence the Mozambican art, considering that it starts to gain gradually its authorship, in the conception of modern work and author, once the idea of traditional art is immersed within the pale of the community. Although, ideologically, this authorial sort of production is intrinsically identified with the colonizers ideals, meaning, no longer an exclusive production connected to a specific group reflecting external desires to these communities. The implication of these movements will flow into a later stage, called post-revolution, influencing, in our specific case, the Mozambican society and consequently the course of the next generation, young artists who were born under the auspices of peace, bringing as ballast this story to be told and retold.

A construção da aparência pessoal individualizada vem ganhando destaque como potencial expressivo, pois sua finalização tem migrado da sugestão tutelar, seja da indústria ou de estilistas renomados, para as mãos do consumidor final. Com a multiplicação das possibilidades plásticas proporcionadas pelo sistema da moda, os usuários obtêm amplitude para selecionar os elementos estéticos que traduzam simbolicamente seu modo de ser, crenças e valores, personalidade, estilo de vida, entre outras configurações subjetivas e singulares. Em contrapartida, esse vestir aparece ainda limitado por adequações de pertencimento ao coletivo social e imposições industriais que são responsáveis por oferecer produtos que estarão acessíveis no mercado, seguindo a lógica capitalista da massificação. Assim, os indivíduos ficam acuados entre as tecnicidades do vestuário1 e sua potência expressiva, esmaecida frente ao sistema de produção em massa da moda. Esse sistema desde o início tem seu mecanismo e sua visualidade investigados pelas vanguardas do início do século XX. Sem amarras com as implicações de consumo, os artistas promovem o vestir-se ao patamar da experiência e questionam paradigmas da aparência, fazendo emergir novas visualidades e apontando para tendências de comportamento de moda. Este trabalho aborda a trajetória do artista Hans Eijkelboom que desponta no final do século XX e início do século XXI, sendo visionário na exploração da vestimenta na sua potencialidade plástica expressiva como ferramenta indissociável da experiência. A partir desse intuito serão analisados trechos da história da moda e a questão da individualidade relacionada ao vestir. Além disso, serão realizadas leituras de imagens de alguns trabalhos de Hans Eijkelboom. / The construction of individualized personal appearance has been gaining prominence as expressive potential, its finalization has increasingly migrated from the tutelary suggestion, both industry and renowned stylists to the hands of the final consumer. With the multiplication of the aesthetic possibilities offered by the fashion system, users have more breadth to select the aesthetic elements that symbolically translate their way of being, beliefs and values, personality, lifestyle, among other subjective and unique configurations. On the other hand, this clothes is still limited by adaptations of belonging to the social collective and industrial impositions that are responsible for offering products that will be accessible in the market following the capitalist logic of massification. Individuals are thus trapped between the technicities of clothing and their inherent expressive power, which is dimmed by the mass production system of fashion, which from the outset has its mechanism and visuality investigated by avant-garde artists of the early twentieth century. Without strings to the implications of consumption, artists will, during the entire twentieth century, promote clothing to the level of experience, and question paradigms of appearance by dressing, making visuals emerge, pointing to trends in fashion behavior. This work studies the artist Hans Eijkelboom that emerges in the late twentieth and early twentieth centuries, embodying the exploring visionary of clothing in its expressive aesthetic potential, as an inseparable tool of experience. With this intent will be analyzed excerpts from the History of Fashion, the issue of individuality related to dress, and readings of images of some works of Hans Eijkelboom.

O problema do espaço, tanto em termos da experiência como no campo da produção de conhecimento, tem sido um dos pontos cruciais da prática contemporânea em artes visuais. Deixando-se afetar pela esfera da vida e pelas várias disciplinas que direta ou indiretamente lidam com a espacialidade - às quais podemos citar a filosofia, a física, a arquitetura, a geografia, dentre outras -, os artistas desenvolvem pesquisas direcionadas a essa questão; obviamente sem nunca esquecer a coordenada do tempo. No contexto brasileiro, o trabalho de Cildo Meireles - um artista de grande importância com uma relevante contribuição no cenário intelectual no país - a investigação desse problema é particularmente reveladora. Ele é um dos artistas que melhor possibilitam uma observância da natureza do espaço, seja por meio de sua subversão, de sua percepção ou mesmo de sua proposição. Inaugurada na segunda metade da década de 1960, a sua trajetória artística contribuiu para o tensionamento das fronteiras da arte pelo seu viés conceitual e experimental. Ao mesmo tempo que o artista se encontra profundamente consciente de sua situação contextual de caráter biográfico, histórico, ambiental e político, sua prática esteve sempre em sintonia com as paulatinas transformações vivenciadas pela arte, o que é revelado na própria história oficial da arte contemporânea recente. Tendo como referente o conjunto da obra do artista, parte-se da hipótese de que por meio de uma trama narrativa bifurcada (trama essa que pode ser espelhada em seu discurso), Cildo Meireles opera uma investigação aguda sobre as razões do espaço com claras implicações políticas. Portanto, procura-se traçar, num jogo de idas e voltas, uma perspectiva sobre sua trajetória, tendo em vista seus trabalhos de meados dos anos 1970 que representam o ponto nodal dessa trama. É das incertezas espaciais de trabalhos como Eureka/ Blindhotland e Malhas da Liberdade que se consegue definir uma prática de deflagração espacial, o que se revelará extremamente sedutora. Dividida em duas partes principais, a tese propõe em seu primeiro momento oferecer uma estrutura conceitual que define a percepção geral de uma situação espacial, onde o trabalho de arte deve operar ou ser ele mesmo aquela situação. Na busca incessante de desarmar o real e o consenso em obras que subvertem as expectativas comuns em relação ao espaço, o artista permite desestabilizar algumas tradições culturais e ideologias modernas. E é para novas formas de compreensão do espaço ou mesmo na proposição de espaços que o artista apontará seu olhar. É sobre esses desdobramentos em sua produção que a segunda parte da tese irá focar, apresentando alguns conjuntos instalativos em que a sedução pela arte se faz valer e que levam o individuo a uma imersão espaço - temporal e a questionar as certezas do espaço. / The problem of space both as experience and in the field of knowledge production has been one of the crucial matters of contemporary visual arts. Allowing themselves to be affected by the sphere of life and therefore by several disciplines that directly or indirectly deal with spatiality - such as Philosophy, Physics, Architecture, Geography among other - artists develop their researches aiming at this question, obviously never forgetting the time co-ordinate. In Brazilian context the work of Cildo Meireles - an artist of great importance due to his relevant contribution to national intellectual scene - the investigation of this problem is particularly revealing. He is one of the artists whose work best enables the observation of the nature of space either by its subversion, or his critical perception, or even its proposition. Starting in the second half of the sixties, Cildo Meireles artistic trajectory helped questioning the frontiers of art both in conceptual and experimental ways. While the artist is deeply conscious of his situation (featuring biographical, historical, environmental and political aspects, his practice has always been in the line with the gradual changes of art, fact that is revealed in the official history of recent art. Taking his life\'s work as a reference, our hypothesis is that Cildo Meireles operates an acute investigation about the reasons of space by means of a bifurcated narrative plot (a plot that can be mirrored in his discourse). With obvious political implications, we outline a perspective about his trajectory as in a game of moving back and forth. The central point of his trajectory occurs in the middle seventies. It is from the spatial uncertainties of works such as Eureka/ Blindhotland and Malhas da Liberdade that we define a practice of spatial outburst, later anchored on its chiefly seductive nature. Divided in two main parts, this thesis firstly offers a conceptual frame to define a general perception of a spatial situation where the work of art must operate or be itself that situation. In an endless search for disarming reality and consensus in works that subvert ordinary expectations in relation to space, the artist helps destabilizing some cultural traditions and modern ideologies. It is towards new forms of comprehending space or even proposing it that the artist directs his gaze. It\'s about these developments in his art production that the second part of the thesis will focus on, presenting some installations where the seduction through art asserts itself and takes the individual to a space-time immersion, questioning the certainties of space.

Campos de invisibilidade é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre noções do invisível na arte contemporânea a partir, principalmente, de produções artísticas realizadas entre a segunda metade do século XX e os dias atuais. São tomadas como ponto de partida, as práticas conceituais desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito nacional e internacional, bem como suas influências anteriores. Tais práticas conduzem às reflexões sobre a desmaterialização do objeto artístico, a problematização da arte como apreensão estritamente visual e a inclusão do participador nas obras. Outros artistas e também arquitetos são analisados com o intuito de verificar o invisível nas relações entre corpo, arquitetura e tecnologia. Esses assuntos são discutidos em conjunto com uma série de projetos artísticos realizados pelo autor da tese, funcionando como chaves de abertura para os estudos. Já pela perspectiva teórica, são realizados diálogos com o filósofo M. Merleau-Ponty em O visível e o invisível (2012) e com a artista e filósofa Anne Cauquelin em Frequentar os incorporais (2008). Para tanto, esta tese é dividida em quatro capítulos: O invisível como campo, Sempre algo entre nós, Arquiteturas invisíveis e \"Uma luz ilumina tudo/Mas deve haver mais\". Por esse viés, o invisível é explorado como campo relacional, poético, crítico, sensível, político e social. Diante das referências estudadas, esses campos emergem como algo que modula as relações entre as pessoas e os espaços. / Invisibility Fields is a theoretical and practical study addressing notions of the invisible in contemporary art mainly based on artistic productions made between the second half of the 20th century and the present day. The conceptual practices developed in the 1960s and 1970s, at the national and international levels, as well as their earlier influences, are taken as a starting point. These practices lead to reflections on the dematerialization of the art object, the discussion of art as strictly visual apprehension, and the inclusion of the participant in the works. Other artists and architects are also analyzed with the aim of verifying the invisible in the relationships between body, architecture and technology. These issues are discussed in conjunction with a series of artistic projects carried out by the author of the thesis, serving as opening keys for the studies. As for the theoretical perspective, dialogues are held with philosopher Merleau-Ponty in The Visible and the Invisible (2012) and artist and philosopher Anne Cauquelin in Attending the Incorporeal (2008). This thesis is thus divided into four chapters: The Invisible as a Field, Always Something between Us, Invisible Architectures and \"A Light Illuminates Everything/ But There Must Be More\". From this angle, the invisible is explored as a relational, poetic, critical, sensitive, political and social field. Given the references studied, these fields emerge as something that modulates the relationship between people and spaces.

O ambiente contemporâneo tem se tornado cada vez mais expandido ao abrigar dimensões virtuais e digitais. Olhar para o ambiente hoje é ver também através de interfaces tecnológicas e filtros culturais interdependentes; é ver imagens que fluem através da hipervisualidade das mídias e das redes sociais. Essa pesquisa explora a visualidade decorrente de processos tecnológicos de captação, processamento, reticularização e disseminação de informações e imagens que estão modificando nossa percepção do mundo. Estas transformações começam a ser avaliadas especialmente no que se refere à atuação artística e estética mediadas por tecnologias que possibilitam representações do espaço cada vez menos dependentes da intervenção humana e mais baseadas na \"visão\" tecnológica, modificando todo o repertório cultural de temas como paisagem, lugar e meioambiente. Assim, adentramos crescentemente um espaço informacional, digital, virtual e reticular. À maneira de um flâneur do ciberespaço, visualizamos o ambiente natural contemporâneo a partir de interfaces que exploram a terra de variadas maneiras: através do olhar vertical de drones, satélites, sondas e também da configuração caleidoscópica da ciberpercepção e tecnologias que geram, misturam e reinterpretam imagens. Realizamos nesta pesquisa, um estudo preliminar, essencialmente exploratório, que pretende estabelecer relações entre as artes e os estudos socioambientais, no contexto da Cultura Visual, refletindo sobre os efeitos que esta convergência possa ter sobre a cognição humana e visão do planeta. Através da intervisualidade, definida como exposição simultânea e interativa entre modos de visualidade1, propomos desenvolver um panorama inicial para analisar a apreensão do problema ambiental atual e indagar de uma futura percepção ampliada do planeta. / The contemporary environmental has become increasingly expanded to accommodate digital and virtual dimensions. Look at this today is to see through technological interfaces and interdependent cultural filters; is to see images through the hipervisuality of media and social networks. This research explores the visuality as result of technological processes of capture, processing, reticularization and dissemination of information and images that are changing our perception of the world. These changes begin to be assessed especially with regard to artistic work and aesthetics mediated technologies that enable less dependent space representations of human and more based on \"seeing\" technological intervention changing the entire culture repertoire of subjects as landscape, location, environmental issues. So, increasingly we enter an informational space, digital, virtual and reticular. In the manner of a cyberspace flâneur, we see the contemporary natural environment from interfaces that exploit the earth in various ways: through the vertical look of drones, satellites, probes and also the kaleidoscopic setting ciberpercepção and technologies that create, mix and reinterpret images. We conducted a preliminary study essentially exploratory, seeking to establish relationships between the arts and environmental studies in the context of the Visual Culture field of study, reflecting on the effects that this convergence may have on human cognition and vision of the planet. By intervisuality, defined as simultaneous and interactive exhibition of visual modes2, we propose to develop an initial overview to analyze the seizure of the current environmental problem and inquire of a future expanded perception of the world.

O presente estudo volta-se ao romance Água Viva, publicado em 1973 por Clarice Lispector, compreendido como exercício de radicalização da linguagem sob influência do pensamento pictórico, no qual o rastro material do processo e a possibilidade de uma expressão não-verbal entram em questão. Será desenvolvida uma discussão sobre o romance enquanto gênero literário, que se desdobrará em uma comparação entre as linguagens literária e pictórica, suscitada pelas constantes sugestões ao universo da pintura presentes em Água Viva. Ao se estabelecer um embate entre crítica literária e crítica de arte visual, serão analisadas as tensões entre arte e realidade nos projetos estéticos da contemporaneidade, por meio de uma comparação entre o romance de nosso recorte e expressões artísticas consolidadas na década de 70, como o minimalismo, a arte-processo e a arte conceitual, que, ao colocar a pintura em xeque, desencadearam um amplo ataque ao ilusionismo. A análise do objeto deverá nos mostrar de que maneira os debates em torno da chamada morte da pintura auxiliam a compreender os movimentos dialéticos de Clarice Lispector, alternando afirmação e negação da arte em uma de suas obras de maior experimentação. É nesse contexto que será lido Água Viva, romance que se dispõe a refletir com complexidade sobre a crise das representações. / The present study is an approach to the novel Água Viva, published in 1973 by Clarice Lispector; it is understood as a radicalization of language under the influence of pictorial thought, in which the material trace of the process and the possibility of nonverbal expression are at stake. A discussion about novel as a literary genre will be developed; this will unfold into a comparison between literary and pictorial languages, implied by the constant suggestions regarding the universe of painting present in Água Viva. The confrontation of literary critic and visual arts critic settles an analysis of the tension between art and reality in the contemporary aesthetics projects, by means of a comparison between the novel in view and the consolidated art expressions from the 70s, like minimalism, process-art and conceptual art, which, challenging painting, triggered a comprehensive attack upon illusionism. The analysis of the object may show us how the debates about the so called death of the painting can aid in the understanding of Clarice Lispectors dialectic movements, in which art acceptance and denial take turns in one of her major works of experimentation. It is within this context that Agua Viva will be read, a novel that is willing to plunge with high complexity upon the crisis of representation.