[pt] O objetivo deste trabalho é investigar os elementos não-lexicais, todavia produtores de sentido, na performance vocal dentro do campo da canção. Tomam-se como norte epistemológico os estudos do suíço Paul Zumthor, que, ao falar sobre voz poética, afirma que ela transcende a linguagem simbólica e manifesta suas qualidades materiais no tom, timbre, intensidade e demais elementos não linguísticos, porém expressivos e instauradores de presença. A pesquisa se desenvolve em torno de alguns desses elementos, buscando entender melhor como atuam, de que maneira se organizam e por meio de que parâmetros produzem diferenças e semelhanças que afetam diretamente a produção de sentido no âmbito da língua em seu estado musical. Paralelamente, adotou-se como conceito teórico-empírico a proposição do compositor e linguista brasileiro Luiz Tatit, para quem, no universo da palavra cantada, a eficácia da linguagem poética provém das potências da entoação. Assim, buscamos na investigação de aspectos sonoros relacionados à fala e à oralidade os elementos materiais que dão subsídio a nossas elucubrações teóricas e proposições estéticas. / [en] The purpose of this work is to identify and investigate non-lexical elements, however producers of meaning in vocal performance in the song field. We take as a starting point the studies of Paul Zumthor, a Swiss linguist, who, when speaking of poetic voice, states that it transcends the symbolic language and expresses its material qualities in tone, timbre, loudness and other sound elements that in spite of being called non-linguistics are significant and responsible for creating presence. We have developed our research around some of these elements, trying to comprehend how they act, organize and create similarities and differences that affect directly the creation of meaning in the language in its musical state. At the same time, we adopted as a theoretical and empirical concept the proposition of Luiz Tatit, a Brazilian songwriter and also a linguist, who advocates that the efficacy of the poetic language in the universe of song lyrics comes from the characters of the intonation. In this investigation of the sound elements, we intend to find sufficient material to subside our theoretical reflections and aesthetical propositions.

[pt] Esta tese parte do desejo de compreender melhor de que modo os elementos materiais da voz deslocam os eixos de sentido da partitura-papel, redimensionando a experiência somática e semântica do ouvinte/receptor no âmbito da canção. No processo de pesquisa, investiu-se na sensibilização auditiva às sutilezas da palavra na música cantada, a fim de produzir análises que proponham reflexões a respeito da maneira como o intérprete reinventa um texto a partir de sua emissão vocal. Para tanto, em meio às lentes multifacetadas do cancioneiro nacional, optou-se por utilizar como bússola os chamados elementos materiais da voz – duração; intensidade; timbre e altura – com o objetivo de desenvolver microanálises técnicas/poéticas de cantores/cantoras de diferentes épocas e estilos, tendo como foco principal o manancial de canções que compõe a música popular brasileira. / [en] This thesis is based on the desire to better understand how the material elements of the voice shift the axes of meaning in the paper-score, redimensioning the somatic and semantic experience of the listener/receiver within the song. In the research process, it was decided to invest in hearing awareness of subtleties of the word in the sung music, in order to produce analyzes that propose reflections on how the interpreter reinvents a text from its vocal emission. For that, amid the multifaceted lenses of the national and global songbook, we choose to use as a compass the so-called material elements of the voice – duration, intensity, timbre and pitch – with the aim of develop technical/poetic micro-analyzes of singers from different times and styles, having as my main source of research the songs that make up Brazilian popular music.

[pt] O objetivo desse trabalho é debater de forma crítica o corpo no campo da canção popular no Brasil. Como a partir do corpo, e da em-cena-ação deste, em diversas áreas que envolvem a produção e recepção da canção, se abrem novas possibilidades para pensar questões que atravessam a música popular e que reverberam na vida cultural brasileira. Minha proposta é refletir sobre a inscrição desse corpo na cena cultural na qual está implicada sua presença e sobre sua intervenção decisiva nesse campo de produção. Sua capacidade ímpar, se o comparamos aos corpos de artistas de outras grandes áreas da produção cultural como cinema, literatura ou teatro, de permanecer como índice estético, social e político de nossa sociedade. Esse lugar muito especial que o cancionista ocupa no Brasil e que só encontra similitudes em outros poucos países nos quais a música popular se desenvolveu com a mesma força. O corpo funcionará aqui como um liquidificador que processa todos esses índices e os (d)enuncia como dados concretos de uma experiência. / [en] The aim of this work is to critically debate on the body within the field of popular song in Brazil. The way how, from the body and its in-scene-n-a(c)tion, new possibilities in several areas involving the production and reception of the song are opened to think about issues transcending popular music and consequently reverberating through Brazilian cultural life. My proposition is to reflect on the inscription of this body on the cultural scene in which its presence is implied, and on its decisive intervention in this field of production. Its unique capacity - if compared to the bodies of artists from other great areas of cultural production such as film, literature or theatre - of lasting as an aesthetic, social and political index of our society. This very special place that the songwriter occupies in Brazil, and which solely finds similarities in a few other countries where popular music has developed with the same strength. The body will work here as a blender processing all these indexes, an(de)nouncing them as concrete data from an experience.

[pt] Viver em Yiddish: embalo, infância, memória e narrativa, tem como tema central canções de ninar Yiddish, canções Yiddish que trazem o tema da infância e narrativas sobre o Yiddish e a vida. O estudo se debruçou sobre melodias e letras de nove canções de ninar Yiddish; 36 canções Yiddish que trazem o tema da infância; e memórias e narrativas com o Yiddish de quinze pessoas entrevistadas. O objetivo principal foi descobrir o que se canta nas canções de ninar Yiddish; quais infâncias comparecem no cancioneiro Yiddish; e o que contam pessoas conectadas com o Yiddish – na essência de suas vidas – sobre suas relações com a língua, a cultura, as canções. A tese teve a intenção de performar diferentes gestos: (a) fazer investigação teórico-crítica realizada a partir de levantamento bibliográfico sobre o Yiddish – história, língua e cultura; (b) realizar minuciosa análise de nove canções de ninar Yiddish e 36 canções Yiddish que trazem concepções de infâncias: laboração de escavação, seleção, arrumação meticulosa das canções escolhidas em duas coleções; (c) escutar narrativas de oito mulheres e sete homens pertencentes à faixa etária de 62 a 87 anos, falantes de Yiddish, pais, avós e bisavós, músicos, professores, pesquisadores e colecionadores conectados com a cultura Yiddish em memórias, trajetórias de vida, trajetórias docentes. A pesquisa teve como estratégia metodológica a busca por canções de ninar Yiddish e canções que trazem o tema da infância nos compêndios de partituras Mlotek reconhecidos internacionalmente (MLOTEK, 1998; s/ano; 2000), sem necessariamente estarem classificados nos álbuns como canções de infância ou de ninar; e realização de 9 entrevistas individuais e 3 em duplas (dois casais de cônjuges e um casal de irmãos). Foi escrita em pandemia: desafio. Possui como central aporte teórico-metodológico Martin Buber e Walter Benjamin: dois autores presentes no decorrer de toda a escrita em inspiração, interlocução e iluminação nos olhares para as canções, as infâncias, as narrativas ouvidas e os sentidos de ser aluno e professor com o Yiddish. Entretanto, muitos outros autores chegam com potência para o debate. As análises apontam que a canção Yiddish é diversa, amalgamada e, ao mesmo tempo, original, singular – uma música que traz o dia a dia da vida, criada pelo povo, transmitida na oralidade e também feita por poetas, letristas, músicos. Canções de ninar Yiddish e canções Yiddish que trazem o tema da infância cantam narrativas que sonham, embalam, ninam, rememoram, denunciam; revelam brincadeiras engraçadas e satíricas, histórias com aguçado humor, recheadas quase sempre de medo e esperança. Segredam histórias, deflagram contextos, guardam em si multiplicidade de sentimentos, impressões, dúvidas, certezas, crenças e cotidianos. As narrativas ouvidas das pessoas entrevistadas convidaram a olhar a vida em Yiddish de diversos ângulos, definições e sentidos. Não se constituíram objetos isolados de análise e interpretação, mas matéria integrante do corpo argumentativo: são vozes intercessoras com força de interpelação. / [en] Living in Yiddish: Lullabies, Childhood, Memory and Narrative, has as its central theme Yiddish lullabies, Yiddish songs that bring the theme of childhood and narratives about Yiddish and life. The study focused on the melodies and lyrics of nine Yiddish lullabies; 36 Yiddish songs that bring the theme of childhood; and memories and Yiddish narratives of fifteen people interviewed. The main objective was to find out what is sung in Yiddish lullabies; which childhoods appear in the Yiddish songbook; and what people connected with Yiddish tell – in the essence of their lives – about their relationship with the language, the culture, the songs. The thesis intended to perform different gestures: (a) to carry out a theoretical-critical investigation based on a bibliographical survey on Yiddish – history, language and culture; (b) carry out a thorough analysis of nine Yiddish lullabies and 36 Yiddish songs that bring conceptions of childhood: labor of excavation, selection, meticulous arrangement of the songs chosen in two collections; (c) listen to the narratives of eight women and seven men aged 62 to 87 years old, Yiddish speakers, parents, grandparents and great-grandparents, musicians, teachers, researchers and collectors connected with Yiddish culture in memories, life trajectories, teaching trajectories. The research had as a methodological strategy the search for Yiddish lullabies and songs that bring the theme of childhood in internationally recognized Mlotek music compendiums (MLOTEK, 1998; s/year; 2000), without necessarily being classified in the albums as childhood songs or to lull; and conducting 9 individual interviews and 3 in pairs (two couples of spouses and a couple of brothers). It was written during the pandemic: challenge. Its central theoretical-methodological contribution is Martin Buber and Walter Benjamin: two authors present throughout the entire writing in inspiration, interlocution and lighting in the eyes of the songs, childhoods, the narratives heard and the meanings of being a student and teacher with the Yiddish. However, many other authors come to the debate with power. The analyzes show that Yiddish song is diverse, amalgamated and, at the same time, original, singular – a music that brings everyday life, created by the people, transmitted orally and also made by poets, lyricists, musicians. Yiddish lullabies and Yiddish songs that bring the theme of childhood singing narratives that dream, rock, lull, remember, denounce; they reveal funny and satirical jokes, stories with sharp humor, often filled with fear and hope. They secrete stories, trigger contexts, keep within themselves a multiplicity of feelings, impressions, doubts, certainties, beliefs and daily life. The narratives heard from the people interviewed invited them to look at life in Yiddish from different angles, definitions and meanings. They were not isolated objects of analysis and interpretation, but an integral matter of the argumentative body: they are intercessory voices with the power of interpellation.

[pt] A composição pode ser o espaço de imersão intimamente ligada ao viver. Quando se trata de mulheres que criam, reforçando temas femininos, temos a música assumindo o compromisso de fazer política, ultrapassando as fronteiras de gêneros e mostrando que o subalterno pode falar em um mercado dominado por um conservadorismo machista. Esta tese tem por objetivo reconstituir criticamente a história de algumas cantoras compositoras do Brasil a partir de entrevistas com representantes de sete estilos musicais que se impuseram no cenário musical brasileiro na segunda metade do século XX. Partindo da expressão cantautora, utilizada para designar esse tipo de artista na maioria dos países de língua neolatina, mas não no Brasil, o objetivo é reiterar a faceta autora de cantoras consagradas e discutir os seguintes pontos: suas experiência em um mercado dominado predominantemente pelo gênero masculino; se o canto as fazem criar ou se as criações as levam a cantar; quais suas inspirações; o que as move em direção à composição; e o que, afinal, elas falaram e que, segundo elas, não foi dito pelos homens. Essas e outras questões esclarecerão a multiplicidade dessas artistas e mostrarão a importância das cantautoras para a cultura brasileira. / [en] The composition might also be the immersive space closely linked to living. When it comes to women who create, reinforcing feminine themes, music starts to make politics, crossing gender boundaries, and showing that the subaltern can speak in a market dominated by male chauvinism. This Ph. D. dissertation aims to critically reconstruct from interviews the history of some Brazilian songwriters representing seven musical styles that prevailed on the Brazilian music scene in the second half of the 20th century. Based on the expression cantautora, used to designate a female singer and songwriter in most neolatin languages-speaking countries, but not in Brazil, the objective is to emphasize the author role of those established singers and discuss the following points: their experience in a predominantly dominated market by the male gender; whether singing makes them create or whether creations lead them to sing; what are their inspirations; what moves them towards composition; and what, after all, they said and which, according to them, was not said by men. These and other questions will illustrate the multiple talents of these artists and show the importance of cantautoras for Brazilian culture.

[pt] As interlocuções entre os campos da psicanálise, da música e da musicoterapia são pensadas a partir do uso da canção como recurso clínico para o manejo à psicose. Destaca-se a canção como imbricação de texto, arranjo e voz, o que leva-nos a tratar da voz na psicanálise lacaniana: voz enquanto objeto a, presença vocal do Outro. Pensa-se a canção em algumas vias: na materialidade do significante, como recurso ao discurso do psicótico; na possibilidade de emprestar-se como enquadramento diante do mar vocal de Outro com o qual o psicótico se encontra; e, por fim, a canção como o que pode operar sobre alguma reordenação pulsional: reverberações da canção que fazem um corpo, literalidade de um canto que escreve, para o psicótico, uma existência. / [fr] Les interlocutions entre les champs de la psychanalyse, de la musique et de la musicothérapie sont pensées à partir de l utilisation de la chanson comme ressource clinique pour la manipulation de la psycose. On distingue la chanson comme imbrication de texte, arrangement et voix, ce qui nous amène à traiter la voix dans la psychanalyse lacanienne: voix en tant qu objet a, présence vocale de l Autre. On pense la chanson dans certains sens: dans la matérialité du signifiant, comme la ressource au discours du psychotique; dans la possibilité de se prêter comme cadre devant la mer vocale de l Autre avec laquelle se trouve le psychotique; et, enfin, la chanson comme celle qui peut agir sur une certaine réorganisation pulsionnelle: réverbérations de la chanson qui font un corps, littéralité d un chant qui écrit, pour le psychotique, une existence.

[pt] A cantora, compositora, instrumentista e escritora Rita Lee é uma das grandes vozes de seu tempo. Em mais de 50 anos de carreira, alcançou a marca de 55 milhões de discos vendidos e é considerada uma das mais importantes artistas do Brasil ainda viva. Esta dissertação analisa sua obra e está centrada em dois eixos narrativos. O primeiro parte da imagem que o escritor João Guimarães Rosa faz do compositor popular na novela Recado do morro, em que o personagem Laudelim é o único a compreender e a saber explicar o recado da natureza, compondo uma canção e alertando seu amigo Pedro Orósio de que iria sofrer uma emboscada. Nos anos 1960, a canção popular estava em ascensão como um espaço de potência comunicacional. A partir desse viés, buscou-se analisar os recados existentes na obra de Rita Lee. As canções da Rainha do rock se tornariam uma narrativa alternativa ao discurso hegemônico vigente, em especial pelo feminismo não-ativista contido em suas letras, visto que tanto a imprensa quanto a sociedade, de um modo geral, nos anos 60/70/80, construíam uma imagem misógina e limitada da figura da feminista e da própria mulher como gênero. No segundo eixo da dissertação, o estudo parte do conceito criado por Silviano Santiago, que enxerga em Caetano Veloso um novo paradigma do astro pop - aquele que não é nem tão somente um personagem, nem o homem comum, mas o superastro. O estudo faz uma adaptação do conceito e uma comparação entre os dois artistas, trazendo à tona a figura da superestrela, figura midiática formada pela junção da voz, corpo, performance e figurino, elementos indissociáveis. Neste capítulo, empreende-se uma análise de seus figurinos e performances, concluindo que Rita Lee construiu uma obra que efetivamente produziu um reordenamento da imagem feminina no século XX no Brasil. / [en] The singer, songwriter, instrumentalist and writer Rita Lee is one of the great voices of her time. In more than 50 years of career, he reached the mark of 55 million records sold and considered one of the most important artists in Brazil still alive. This dissertation analyzes his work and is centered on two narrative axes. The first part of the image that writer João Guimarães Rosa makes of the popular composer in the novel Recado do morro, in which the character Laudelim is the only one to understand and to explain the message of nature, composing a song and alerting his friend Pedro Orósio to who would be ambushed. In the 1960s, the popular song was on the rise as a space of communicational power. Based on this bias, we sought to analyze the messages existing in the work of Rita Lee. The songs of the Queen of rock would become an alternative narrative to the current hegemonic discourse, especially by the nonactivist feminism contained in her lyrics, since both the press and society, in general, in the 60s / 70s / 80s, built a misogynistic and limited image of the figure of feminist and of the woman herself as a gender. In the second axis of the dissertation, the study starts from the concept created by Silviano Santiago, who sees in Caetano Veloso a new paradigm of the pop star - one who is neither just a character, nor the common man, but the superstar. The study makes an adaptation of the concept and a comparison between the two artists, bringing up a figure of the superstar, a media figure formed by the combination of voice, body, performance and costumes, inseparable elements. In this chapter, an analysis of her costumes and performances is undertaken, concluding that Rita Lee built a work that produced a reorganization of the female image in the 20th century in Brazil.

[pt] Este trabalho tem como objetivo reler vida e obra de Gonzaguinha a partir da perspectiva do moleque, voltando se para o gesto político pedagógico que o artista faz ao colocar o seu guerreiro me nino na rua principal da vida e como protagonista de seu fazer artístico. Ao enaltecer a sua proposta musical de sempre começar tudo ou tra vez, analisamos como essa filosofia de vida reverbera em alguns de seus escritos , percorrendo por entrevistas, matéri as de jornais, biografia, produções acadêmicas, canções, rastros e vestígios. Nesse contexto, esta pesquisa se debruça sobre a espontan eida de do Gonzaguinha moleque tão presente nas suas vivências da infância e adolescência no Morro de São Carlos. Em segui da, apresenta a postura de eterno aprendiz adotada pelo artista, bem como a importância das histórias, das lições diárias e dos ensinam ento s que aprende no encontro com as pessoas pela estrada a fora. Assim, ao se jogar na vida de viajante, Gonzaga Junior se coloca como sujeito da experiência, sempre disposto a dobrar novas esquinas e a recomeçar. Por fim, pensa se uma arte de recomeçar encarnada profundamente em vida e obra de Gonzaguinha, que só é possível pela sua postura de moleque. / [en] This work aims to reread life and work of Gonzaguinha from t he moleque s perspective that drives the artist s political pedagogical gesture by placing his guerreiro menino (warrior fighter/ labor kiddo in the main street of life and as protagonist of his artistic work. T o understand his life philosophy while praising his musical proposal of always start ing over, I choose to analy ze interviews, newspaper articles, biography, academic productions, songs, tracks and traces . In this search to perceive the knowledge delivered by the artist, I focus on the so present kid do s pontaneity learned from Gonzaguinha s boyhood experiences in the streets and alleys of Morro de São Carlos . Then I br ing out his position ing as an eternal apprentice as well the significance of his stories, daily lessons teachings, and learning s by en coun tering people down the road Thus, wishing to throw himself into a traveler s life , he faces multiple experiences , an d doubt s as the subject of experience always willing to take new turns and start all over again. Finally, I think of an art of starting aga in incarnated deeply in the life and work o Gonzaguinha , which is only possible because of his moleque s standing

[pt] O foco principal desta tese é pensar como Gilberto Gil elaborou novos caminhos artísticos a partir da segunda metade da década de 1970, e como estes dialogaram tanto com ideias colocadas anteriormente pelo movimento tropicalista, quanto com transformações de diversas ordens que marcaram aquele momento histórico e sua trajetória artística e existencial. Deste modo, pretende-se indagar em que medida o compositor baiano deu continuidade ao gesto de ruptura inicial do tropicalismo musical e que novas ideias e abordagens despontaram em seu percurso criativo durante o período. Para tanto, analisarei o álbum Refazenda (1975) Apresentado à época, em entrevistas, declarações e manifestos, como álbum elaborados em torno de um conceito, o trabalho em questão pode nos ajudar a compreender como Gil pensou, em suas canções, temas relacionados à cultura, ao país e ao ofício do compositor popular. A tese propõe uma análise do álbum citado, contextualizando-os historicamente, resgatando sua fortuna crítica e situando-os dentro da trajetória de Gil. Depoimentos concedidos e textos escritos pelo compositor no período e à posteriori serão os principais guias no esforço para captar as mudanças de perspectiva e reflexões que marcaram o álbum e seus desdobramentos. Com isso, pretendo pensar possíveis continuidades, descontinuidades, reformulações e negações das ideias tropicalistas através de reflexões e canções de um de seus principais artífices dentro da música popular. / [en] The main focus of this research is to consider how Gilberto Gil forged new artistic paths from the second half of the 1970s, and how these paths dialogued with ideas previously set forth by the Tropicalia movement, as well as with various transformations that marked that historical moment and his artistic and existential trajectory. Thus, this study seeks to inquire to what extent the bahian composer continued the initial rupture gesture of Tropicalist music and what new ideas and approaches emerged in his creative journey during the period. To this end, I will analyze the album Refazenda (1975), which was presented at the time, in interviews, statements, and manifestos, as an album developed around a concept. This work can help us understand how Gil thought, in his songs, about themes related to culture, the country, and the craft of the popular composer. The research proposes an analysis of the mentioned album, contextualizing it historically, recovering its critical reception, and situating it within Gil s trajectory. Testimonies given and texts written by the composer during and after this period will be the main guides in the effort to capture the changes in perspective and reflections that marked the album and its developments. With this, I aim to consider possible continuities, discontinuities, reformulations, and denials of Tropicalist ideas through reflections and songs from one of its main architects in popular music.