[pt] Esta dissertação pretende analisar a obra do artista Amilcar de Castro (1920-2002) desde os seus primeiros desenhos, ainda sob a influência de seu antigo professor, o pintor Guignard, passando por sua adesão à vanguarda neoconcretista e à luz de conceitos como tridimensionalidade, raciocínio planar e topologia, suas esculturas, sobretudo, de corte e dobra e seus sólidos geométrico afirmam com mestria a inserção de um pensamento construtivo no Brasil. Se por um lado seu trabalho se aproxima e o torna signatário do movimento, por outro, Amilcar alcança sua singularidade em uma obra de profunda dimensão existencial e que mesmo em outros suportes (como os desenhos sobre tela e os poemas) mantém seu rigor e seu impulso estrutural e existencial. Partindo de uma linguagem construtiva que compreende a forma enquanto seu aparecimento e a negação de um espaço virtualmente dado, Amilcar constrói uma coerente aventura fundamentada a uma obstinação que o acompanhou por toda vida: a conquista do espaço. / [en] This research aims to examine the work of Amilcar de Castro since his first drawings, under the influence of his old teacher, the painter Guignard, in which we can already see the incision Over matter, the gesture That would define his sculptures, and the choice of drawings as primal force of his structural impulse. Passing through his relation with neoconcretist avantguard, and the ideias of 3D, planar thought and topology, his sculptures are an effort of building constructivist art and thinking in Brazil. Amilcar reaches his singularity through a work of deep existencial character, That even by other means (like drawings and poems) keep it s toughness and existencial impulse. Working with the ideia of constructive language, that sees form as language s appareance and denial of a virtually given space, Amilcar builds a work on basis of something that concerns him over all his life: the conquer of space.

[pt] Rejeitando a noção de uma produção artística pautada em uma linearidade, o trabalho de Robert Morris das décadas 1960-1970 escapa a rótulos como minimalista, arte processual ou arte de site-specific, embora seus escritos e obras tenham sido fundamentais para que críticos e historiadores de arte pudessem delimitar e/ou cunhar esses mesmos termos. A mobilidade adotada pelo artista - seja na adoção de um espaço e de um tempo da obra de arte como co-extensivos aos de seu público, seja na forma de obras que incorporam o observador - resulta numa ida em direção à experiência sensível vivida pelo espectador, que é transformado em um visitante/participante. Apesar de estarem inseridos em preocupações de seu momento histórico, esses trabalhos apontam para uma pesquisa estética que continua ainda hoje. Ao oferecerem, por meio de uma série de iniciativas exploratórias, os termos para uma experiência escultural, as obras de Morris impulsionam uma reflexão sobre as opções da escultura e de sua percepção. São obras cuja compreensão exige o tempo, o espaço e o corpo como condição da experiência estética. / [en] In its refusal of the idea of an artistic production based on linearity, the work of Robert Morris in the years 1960s-1970s cannot be designated as minimalist art, process art or site-specific, although his writings and pieces were essential for critics and art historians to define and/or to create the definitions themselves. The mobility which the artist adopts - both in his performance pieces and his process pieces - leads viewers into a sensible space/time experience turning them into participants/visitors. Although the works of Robert Morris point to the concerns of its historical background, they also foresee an aesthetic research that has continued to this day. By offering a series of exploration initiatives, they compel a reflection about the options of sculpture and about its perception. They are works that entail time, space, and the body as conditions of an aesthetic experience.

[pt] A obra do artista Joseph Beuys parece marcada pela idéia de rito, mito e xamanismo; ao menos é o que demonstra a maior parte da bibliografia sobre o artista. Para compreendermos a obra de Beuys, partimos da análise de Cliford Geertz e Victor Turner. O primeiro nos proporciona a aproximação da performance artística com a idéia de rito como um momento de pausa que possibilita uma certa reelaboração do indivíduo, funcionando como um espelho social. Com o segundo, através de sua fase liminar, podemos entender como se rompem os limites do cotidiano, ampliando-os, enfatizando transformações subjetivas em si e no outro. Partindo dessas idéias procuramos observar o modo como o artista colocava em ação os seus pensamentos, utilizando-se para isso de princípios ou estruturas semelhantes aos que podemos notar nos ritos. No rito normalmente é possível perceber a busca por uma reconstrução social da realidade, objetivo este, apontado nas ações do artista, no sentido de romper com os limites da arte e de alcançar uma reestruturação social. / [en] The works of the artist Joseph Beuys seems marked for the idea of rite, myth and shamanism at least is what it demonstrates most of the bibliography on the artist. To understand the works of Beuys, we will break of analisy of Cliford Geertz and Victor Turner. The first one in provides the approach to them of the artistic performance with the rite idea as a pause moment that makes possible a certain rework of the individual, functioning as a social mirror. With the second, through its phase liminary, we can understand as to breach the limits of daily, extending it, emphasizing subjective transformations in itself and the other. Leaving of these ideas we look for to observe the way as the artist placed in action its thoughts, using himself for this of similar principles or structures to that we can notice in the rites. In the rite normally it is possible to perceive the search for a social reconstruction of the reality, objective this, pointed in the actions of the artist, the direction to breach with the limits of the art and to reach a social reorganization.

[pt] A harmonia e a beleza expressas pelas obras de arte plásticas gregas elevaram-nas a um patamar modelar ao longo da história da arte. Apesar disso, não foram muitos os intérpretes que se voltaram para a questão das artes plásticas na literatura deste mesmo período histórico. Em Platão, por exemplo, outros temas, como das artes poética e sofística, são notavelmente mais trabalhados pela literatura secundária. Isto provavelmente se deve ao fato das artes plásticas aparecerem timidamente nos diálogos, sendo usadas, na maior parte dos casos, em comparações, analogias ou metáforas. Neste trabalho preferimos o tema marginal e voltamo-nos ao estudo das noções de pintura e escultura no contexto do pensamento de Platão. Com a intenção de obter uma visão alternativa à da República no que diz respeito às artes miméticas, investigamos sobre a questão das artes plásticas no que se costuma considerar como último desenvolvimento do pensamento de Platão. Segundo a interpretação mais difundida, no último livro da República Platão condena e expulsa os artistas de sua cidade ideal. Esta mesma apreciação negativa das artes imitativas seria mantida ou modificada em diálogos posteriores? Partimos de uma leitura das ocorrências das noções de pintura e escultura no Sofista, onde encontramos a distinção das artes miméticas em divina e humana. A partir desta distinção, abordamos as aspectos divinos e humanos das artes plásticas, por meio de uma interpretação de sua presença em dois outros diálogos, a saber, o Timeu e as Leis. No Timeu as artes plásticas são usadas para retratar o trabalho do deus demiurgo do mundo; nas Leis, são as obras produzidas pelos homens que são abordadas, principalmente quanto à sua função na cidade construída pelos personagens. Delineamos a percepção de Platão a respeito destes gêneros artísticos, e buscamos compreender o lugar que as artes plásticas ocupam no seu pensamento. / [en] Greek plastic art s harmony and beauty made it a model throughout history. In spite of that, only a few scholars have researched about these arts in Greek literature. In Plato, for example, other themes such as the poetic and the sophistic arts are usually more approached. This probably occurs because Plato rarely refers to the plastic arts and uses it mostly in comparisons, analogies or metaphors. Even so, in this thesis we have chosen to research the plastic arts in Plato s thought. The main text on mimetic arts in Plato s dialogues is Republic X. In this book the mimetic arts are condemned and banished from the ideal city. With the purpose to obtain an alternative view about these arts from Plato, we ve decided to study some dialogues considered posterior to the Republic, generally considered to represent the ultimate development of Plato s thought. Will this condemnation remain or will his view be modified in his late works? We begin by an analysis of the Sophist, where we find the distinction between two kinds of mimetic art: the divine and the human. According to this distinction, we ve approached the divine and the human aspects of the plastic arts. To do that, we have considered the uses of the arts of painting and sculpture in other two dialogues: the Timaeus and the Laws. In the Timaeus the plastic arts are used to describe the work of the god demiurge who creates the universe; in the Laws, the characters talk about painting and sculpture as men s works, and mostly about their function in the city imagined in the dialogue. According to the passages which we have interpreted, we have outlined Plato s view about these arts, and other than that, we have attempted to understand the place of these arts in Plato s thought in general.

[pt] Em 2005, Nelson Felix, expôs no Paço Imperial (RJ) as Trilogias da Cruz, do Tempo e do Vazio, que expressam o olhar do artista sobre sua obra, ao longo de vinte e cinco anos. Os temas que elege - o tempo, o vazio e a cruz - não constituem pesquisas ou abordagens autônomas, ao contrário, se entrelaçam e se superpõem. Os trabalhos relacionados à cruz estabelecem um diálogo crítico com o site-specific, como parte do movimento de expansão da arte, inserido no cenário histórico da década de 60, mais especificamente, em torno da Minimal Art e da Land Art. Nelson Felix utiliza o sistema de coordenadas e o deslocamento ao qual se refere a eclíptica como estratégias para superar a composição, convertendo-os em elementos que estruturam a sua poética. Assim, os sítios e os trabalhos incorporam como parâmetros de localização dados que se referem a escalas da ordem do incomensurável e escapam a uma percepção direta. A questão do tempo se apresenta e participa da complexa trama que inclui, além de dados científicos e aparatos tecnológicos referências aos simbolismos da matéria e ao estudo da anatomia humana e de culturas ancestrais o que resulta, algumas vezes, em hibridismos estranhos e resistentes a uma compreensão fácil, mas que são, extremamente, emblemáticos da obra como um todo. A natureza se transforma em um espaço de experimentação, o que constitui a atividade criadora e, não o objeto, quase sempre efêmero, que dela deriva. O presente trabalho considera a maneira singular como Nelson Felix articula questões relativas a tradição e ao campo ampliado da escultura, associando esses procedimentos e as referências simbólicas que elege, em torno dos temas da cruz, do tempo e do vazio. O formato das trilogias orientou a estrutura desta dissertação, a partir da lógica intrínseca aos seus arranjos. / [en] In 2005, Nelson Felix exhibited at the Imperial Paço in Rio de Janeiro the Trilogies of the Cross, of Time, of Emptiness which express the artist`s regard over his own work throughout twenty five years. The selected themes - time, void and cross - do not constitute autonomous approaches or researches, on the contrary, they intertwine and superpose. The works related to the cross establish a critic dialogue with the site-specific as part of the art expansion movement seizing the 60`s historical landscape, more specifically, Minimal Art and Land Art. Nelson Felix adopts the coordinates system and considers the displacement referred to the ecliptic like strategies to overcome the composition, converting them in elements that structure his poetics. Thus, the sites and the works absorb localization parameters, data that refers to an incommensurable order that escapes to our perception. The question of time presents itself through the complex texture that includes, beyond scientific data and technological artifacts, the symbolic meanings of matter and the study of human anatomy and ancestral cultures resulting, sometimes, in strange hybrid forms that resists to an easy comprehension, but emblematically represents the work as a whole. The nature is taken like an experimental field and constitutes the creative activity but not the object, constantly ephemeral, that remains. The research considers the singular way that Nelson Felix articulates the questions related with the tradition and the expanded field of sculpture, associating the procedures and the symbolic references to the themes: cross, time and emptiness. The Trilogies format has oriented the structure of the dissertation considering the intrinsic logic of its arrangements.

[pt] Arquitetura entre Escultura: uma reflexão sobre a dimensão artística da paisagem contemporânea busca uma aproximação entre as obras de escultores e arquitetos após os anos 1960, no âmbito internacional, com o objetivo de traçar possíveis caminhos de diálogo entre ambas as disciplinas diante do desafio de se inserirem na multiplicidade da Paisagem contemporânea. A reflexão parte da noção de campo ampliado, da historiadora Rosalind Krauss, em que as fronteiras entre escultura, arquitetura e paisagem se tornam flexíveis, delineando, através de combinações e exclusões, possibilidades múltiplas para a arte ao lidar com o espaço real. Na mesma vertente, o historiador da arquitetura Anthony Vidler sustenta que, se para criticar os termos tradicionais da escultura os artistas se apropriaram das questões da arquitetura, por sua vez os arquitetos teriam buscado o experimentalismo da escultura a fim de escapar da rigidez funcionalista e dos modelos tipológicos. Na produção dos artistas Richard Serra, Christo, Robert Morris, Robert Smithson, Claes Oldenburg e Vito Acconci e dos arquitetos Robert Venturi, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Daniel Libeskind e Rem Koolhaas foram selecionadas obras que poderiam ser descritas como entre - partícipes do campo formado por arquitetura e escultura e paisagem. A partir deste campo são identificadas questões sobre: externalidade, relação com o sítio, monumentalidade, experiência da obra no espaço-tempo do percurso, forma e anti forma, performance e uso dos espaços, público e privado, imagem, ficção e história. Observa-se a deflagração de um processo, ao mesmo tempo, experimental e autocrítico desses campos de atuação, através de uma abordagem que pontua relações entre Moderno, Pop, Minimal, Land Art, performances, Desconstrutivismo e novas topologias e programas arquitetônicos. / [en] Architecture between Sculpture: an approach to the artistic dimension of contemporary landscape searches for an approach to works of sculptors and architects, since 1960, in the international circuit, in order to analyze to what extent possible affinities can be traced out between both artistic fields, while facing the challenge in the multiple features of contemporary landscape. The discussion is based on the historian Rosalind Krauss notion of expanded field in which the limits among sculpture, architecture and landscape become flexible, delineating by means of combinations and exclusions, the multiple possibilities of art in dealing with real space. On the same ground, Anthony Vidler, historian of architecture, sustains that while criticizing the traditional matters of sculpture, artists have internalized the issues of architecture themselves, and architects, on the other hand, have searched for the artistic experimental processes to escape from the rigidity of functionalism and typological models. Works by the artists Richard Serra, Christo, Robert Morris, Robert Smithson, Claes Oldenburg and Vito Acconci and by the architects Robert Venturi, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Daniel Libeskind and Rem Koolhaas, among others, can be described as between and studied as participants in the scope architecture and sculpture and landscape. On such basis one can identify issues such as: externality, relation with the site, monumentality, space-time experience, form and anti form, performance and use of spaces, notions of public and private, image, fiction and history. There occurs the deflagration of a process, both experimental and selfcritical, on the part of each artistic means, through an analysis that interpunctuates the relationship among Modern, Pop, Minimal, Land Art, performances, Deconstructivism and new topologies and architectural programs.

[pt] Amilcar de Castro e a página neoconcreta trata do projeto gráfico realizado pelo escultor para o Jornal do Brasil, em especial para o Suplemento Dominical do Jornal do Brasil, nos últimos anos da década de 1950. A diagramação do suplemento é voltada, sobretudo, para experimentação plástica, acima de aspectos funcionais ou do ideal de transformação do cotidiano pela arte. Aproxima-se do pensamento neoconcreto e da fenomenologia de Merleau-Ponty, no que diz respeito à indissociação entre inteligível e sensível. O projeto gráfico para o suplemento esteve sempre em transformação, unindo concepção e realização no processo contínuo do fazer. Em suas páginas, a visualidade do signo gráfico foi intensamente explorada, estreitando a relação entre o jornal e as poesias concreta e neoconcreta, freqüentemente publicadas no suplemento. Muitas das questões trabalhadas por Amilcar de Castro em suas esculturas e desenhos são, de modo semelhante, exploradas pelo artista na diagramação do jornal, um dos meios no qual exercitou a sua poética. Nesse sentido, destacam-se a conjugação entre pensamento e fazer na sensibilidade do olhar; a utilização sempre do mínimo de elementos, priorizando as relações entre eles; a experimentação do espaço e do tempo como dimensões indissociáveis, vivenciadas a partir da motricidade e da operacionalidade. / [en] Amilcar de Castro and the Neoconcrete Page deals with the sculptor's graphic design project for the news daily Jornal do Brasil, and especially for the Suplemento Dominical do Jornal do Brasil (the paper's Sunday supplement) during the late 1950s. Above all else, the supplement's layout reflected visual experimentation beyond any mere concern with functionality or the idealized tranformtion of everyday life by art. Insofar as it touches upon the indissociation between intelligibility and sensibility, it contains a number of commonalities with neoconcretist thought and the phenomenology of Merleau- Ponty. During the period in question, the supplement's graphic design project changed continuously, blending concepts and execution within its ongoing creative process. The visuality of the graphic sign was intensely explored in its pages, strengthening the newsaper's relationship with the concretist and neconcretist poetry published by the supplement. Similarly, many of the problems explored by Amilcar de Castro in his sculptures and drawings were also dealt with by the artist in the newspaper's layout as one of the mediums according to which he forged his poetics. To this end, we shall highlight associations between thought and production as results of the sensitivity of the gaze; the artist's minimalist use of elements that focus on inter-relationship; and the experimental use of space and time as indissociable dimensions experienced and based on motion and operationality.

[pt] O artista norte-americano Robert Morris é conhecido sobretudo como escultor, mas sua obra abrange uma diversidade de meios, procedimentos e materiais, dentre os quais a dança. Morris esteve diretamente envolvido com grupos de dança entre o final da década de 1950 e meados da década de 1960, período em que participou do que foram talvez os dois mais importantes focos de pesquisa em dança, nos Estados Unidos, para a sua geração: as atividades que se desenvolveram em São Francisco, ao redor da professora e dançarina Ann Halprin, e as atividades que, em Nova York, resultaram da formação do grupo Judson Dance Theater. Nesse período, além de atuar como dançarino em trabalhos de outros artistas, Morris criou um pequeno mas significativo conjunto de trabalhos de dança. A tese toma esse conjunto como base para um estudo da obra do artista e procura vê- la, em grande parte, como desdobramento de experiências e questões surgidas no âmbito da dança, em diálogo com o seu concomitante envolvimento na pintura, no desenho e na escultura. Discutindo alguns dos pontos principais desse diálogo - como o reducionismo minimalista, os procedimentos de tarefa e instruções, a ênfase na temporalidade e na literalidade da ação corporal - e alguns de seus conceitos centrais - como estado de dança, forma vazia e anti-forma - , a tese se propõe a ampliar as possibilidades de análise e compreensão de um momento crucial não só para a formação e o curso subseqüente da obra de Morris, mas também para a constituição do campo ampliado da arte contemporânea. / [en] The North American artist Robert Morris is known mostly as a sculptor, but his work encloses a diversity of means, procedures and materials among which dance. Morris was directly involved with dance groups between the end of the decade of 1950 until mid 1960, period in which he participated in what were maybe the two most important focuses of research in dance, in the United States, for his generation: the activities that were developed in San Francisco related to the professor and dancer Ann Halprin, and activities in New York City resulting from the formation of the group Judson Dance Theater. In this period, aside of acting as dancer in works from other artists, Morris created a small but significant set of dance works. The thesis considers this set as the basis for the study of the artist work and strives to see it, mainly, as a deployment of the experiences and questions arisen in the scope of dance, in dialogue with his concomitant involvement in painting, drawing and sculpture. Discussing some of the main points in this dialogue - as the minimalist reductionism, the procedures of tasks and instructions, the emphasis in the temporality and in the literality of the corporal action - and some of its central concepts - such as dance state, blank form and anti form - the thesis intends to extend the possibilities of analysis and comprehension of a crucial moment not only for the formation and the subsequent course of Morris work but also for the constitution of the expanded field of contemporary art.

[pt] A tese é uma análise da obra do escultor americano Richard Serra baseada no contexto cultural de onde surgiu e nos elementos formadores desse mesmo contexto, como a herança puritana da América protestante e os primórdios de sua filosofia. O empirismo de David Hume é compreendido como fundamento para o pragmatismo, que se desenvolve a partir dos ensaios de Ralph Waldo Emerson. Partindo de tal contextualização histórico-filosófica traça as principais características presentes no modo de atuar na América, relacionando-as à obra de Richard Serra. Estuda, o modo objetivo de atuar num sistema de capitalismo avançado, e suas possíveis analogias com o projeto moderno de desierarquização do universo artístico, empreendido pela arte moderna através da chamada externalização da arte. / [en] A critical analysis of the work of American sculptor Richard Serra, based on the cultural context in which it appeared and developed, such as the puritan heritage of protestant America and the beginnings of its philosophy. Empiricism, as the foundation of the American pragmatism, developed after the essays of Ralph Waldo Emerson, is seen through a brief study of David Hume´s Treatise of Human Nature. From this historicphilosophical background it traces the main characteristics of American way of behaving, in order to disclose the possible relations with the work of Richard Serra. The dissertation is centered on the manner by which an objective mode of behavior is crucial to advanced capitalism, and its possible analogies with the modern art project that envisages an art world less submitted to hierarchies. Enterprise made successful through the process of bringing the painting to the picture plane.

[pt] A reconstrução de cenas a partir de imagens tem recebido, recentemente, grande interesse por parte dos pesquisadores das áreas de visão computacional, computação gráfica e modelagem geométrica. Várias são as suas aplicações como, por exemplo, modelagem de objetos a partir de imagens, construção de ambientes virtuais e telepresença. Dentre os métodos que têm produzido bons resultados na reconstrução de cenas a partir de imagens, podemos destacar aqueles que se baseiam em algoritmos de Escultura do Espaço. Tais técnicas procuram determinar quais são os elementos, em uma representação volumétrica do espaço da cena, que satisfazem um conjunto de restrições fotométricas impostas por um conjunto de imagens. Uma vez determinados, tais elementos volumétricos são coloridos de modo que reproduzam as informações fotométricas nas imagens de entrada, com uma certa margem de tolerância especificada com base em critérios estatísticos. Neste trabalho, investigamos o emprego de técnicas utilizadas em visualização no desenvolvimento de métodos de escultura do espaço. Como resultado, propomos um método por refinamento adaptativo que trabalha sobre espaços de reconstrução representados através de subdivisões espaciais. Tal método é capaz de realizar o processo de reconstrução de modo mais eficiente, empregando esforços proporcionais às características locais da cena, que são descobertas à medida em que a reconstrução é realizada. Finalmente, avaliamos a qualidade e a eficiência do método proposto, com base em um conjunto de resultados obtidos através de um sistema de reconstrução de objetos que utiliza imagens capturadas por webcams. / [en] The reconstruction of scenes from imagens has received special attention from researchers of the areas of computer vision, computer graphics and geometric modeling. As examples of application we can mention image-based scene reconstruction, modeling of complex as-built objects, construction of virtual environments and telepresence. Among the most successful methods used for the reconstruction of scenes from images are those based on Space Carving algorithms. These techniques reconstruct the shape of the objects of interest in a scene by determining, in a volumetric representation of the scene space, those elements that satisfy a set of photometric constraints imposed by the input images. Once determined, each photo- consistent element is colorized according to the photometric information in the input images, in such a way that they reproduce the photometric information in the input images, within some pre-specificied error tolerance. In this work, we investigate the use of rendering techniques in space carving methods. As a result, we propose a method based on an adaptive refinement process which works on reconstruction spaces represented by spatial subdivisions. We claim that such method can reconstruct the objects of interest in a more efficient way, using resources proportional to the local characteristics of the scene, which are discovered as the reconstruction takes place. Finally, we evaluate the quality and the efficiency of the method based on the results obtained from a reconstruction device that works with images captured from webcams.