This dissertation pursues two distinct but parallel projects in relation to the work of Bernard of Clairvaux and Middle English imaginative literature. First, I argue for a Bernardine anagogical lens as a way to better understand the deepest theological commitments and most distinctive formal innovations of certain key Middle English literary texts, especially Piers Plowman and The Canterbury Tales. Second, I outline a more genealogical project, tracing the figure of Bernard as it is explicitly invoked in widely circulated Middle English works including Piers, The Parson’s Tale, and the Prick of Conscience. These two threads connect to suggest that the work of Bernard of Clairvaux can offer a new way to understand the relationship between theological and literary texts in the late Middle Ages. Because Bernard’s influence in the vernacular is as much as matter of style as of content, it requires a more capacious way of theorizing the theological implications and even motivations of literary form. The “figure of Bernard” acts as a cipher for later works to explore their deepest intellectual preoccupations, and makes it possible to trace the way they imagine the anagogical interval between the presence and absence of Christ, the over- and under-estimation of the presence of eternity in time. The Bernardine themes of “presumption” and “despair” serve as a useful shorthand for signaling this theorization, and help me to extend its application beyond texts in which Bernard is explicitly invoked—including to writers, like Chaucer and Thomas Malory, whose work is often assumed to be firmly secular.

La thèse a pour objet de replacer le territoire anglais dans le champ des études sur le rayonnement européen de la peinture des Pays-Bas méridionaux au XVe et au début du XVIe siècle. En effet, si de nombreuses recherches ont été menées à ce sujet, notamment sur le bassin Méditerranéen, la France et les terres du Saint-Empire, aucune n’a été consacrée à l’Angleterre, région pourtant géographiquement la plus proche des anciens Pays-Bas méridionaux et avec laquelle les relations économiques et politiques étaient particulièrement soutenues.Ce travail propose, d’une part, la présentation d’un corpus de peintures produites pour des commanditaires anglais augmenté de nombreuses mentions d’archives qui permettent de rendre une image relativement fidèle de la diversité des œuvres peintes importées en Angleterre. D’autre part, il replace ces importations dans leur contexte historique en analysant notamment les acteurs de celles-ci, les réseaux diplomatiques et commerciaux qui ont permis l’arrivée de ces peintures sur l’île, ainsi que les peintres flamands qui y étaient actifs. Ces derniers ont assuré une diffusion directe des innovations techniques et stylistiques auprès des peintres locaux.Le cadre chronologique adopté s’étend depuis les années 1430 et le développement de l’ars nova par les frères Van Eyck jusqu’aux années 1530 et la Réforme religieuse d’Henry VIII qui correspond à un changement de paradigme dans l’importation des peintures, ainsi qu’à une influence progressive de l’art de la Renaissance italienne sur les œuvres importées.La thèse se compose de 4 parties. La première établit le contexte historique et commercial de ces échanges. Elle met notamment en évidence l’ouverture de la cour d’Angleterre aux nouvelles tendances artistiques continentales dès les années 1350, ainsi que l’importance qu’eut la Guerre de Cent Ans dans la diffusion de ces innovations. Elle livre de nombreux arguments sur le contexte économique et commercial, en particulier sur les réseaux géographiques de Londres et de Bruges, pour mieux comprendre les développements des importations de peintures en Angleterre. La deuxième partie présente chronologiquement le corpus des peintures conservées dont la provenance anglaise est attestée. Celles-ci sont replacées dans le contexte culturel, politique et économique ayant contribué à leur commercialisation et à leur acquisition sur le marché libre ou par la commande. Souvent peu connues ou inédites, ces œuvres font l’objet d’une étude approfondie au point de vue de leur attribution, de leur provenance ancienne et de leur typologie. L’établissement de ce corpus permet, dans la troisième partie, de proposer une étude de synthèse sur la typologie et l’iconographie des peintures importées en Angleterre, ainsi que sur leur processus d’acquisition. Enfin, la quatrième partie est consacrée à la production des peintres originaires des Pays-Bas actifs en Angleterre. Elle se concentre particulièrement sur le dernier quart du XVe siècle et sur les trois premières décennies du XVIe siècles. L’attention est portée sur trois peintres :Maynard Wewyck, le Maître des Portraits Brandon et Jan Rave. Chacun d’eux fait l’objet d’une révision des documents d’archives et d’une étude des œuvres ayant servi de base à l’élaboration de leur corpus. Cette thèse s’achève par un chapitre sur la réception de l’art pictural des Pays-Bas par les artistes anglais, tant dans le domaine de la peinture religieuse que dans celui des portraits. Ainsi, ce travail permet de mieux cerner les importations de peintures des Pays-Bas méridionaux dans l’Angleterre de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance, l’activité des peintres flamands sur l’île et leur impact sur la production anglaise, afin de rétablir la place de l’île dans le champ des études sur le rayonnement européen de l’art des Primitifs flamands et de leurs suiveurs. / Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Vojtěch Bažant, The notions about the origins of nations in 14th and 15th century historical culture, Ph.D. thesis, Institute of Czech History, Faculty of Arts, Charles University, Prague 2020 The thesis offers an analysis of narrative structures in medieval historiography about Czech and Hungarian history, more specifically in historiography either created or read and rewritten in the 14th and the 15th century. The research is focused on a variety of narratives of the origins of nations, i.e. on stories retelling the Confusion of Tongues, the search for land and the building of a homeland, the establishment of a new society and, finally, the Christianisation of the tribe or people. Individual medieval historical works are treated as literary narratives, not as sources to be exploited for a reconstruction of historical events or of the context in which the chronicles in question were created. In this scope, the thesis examines individual narrative motifs as well as the entirety of the narrative; motifs are interpreted in their relation to the whole narrative while the chronicles and histories are approached as both meaningful stories and stylized narrations of these. The discourses on Czech and Hungarian histories are not construed in developmental terms; individual historical texts are rather...

Le raccolte epistolari di Felice Feliciano (1433-1479?) sono affidate a quattro manoscritti, di cui tre autografi e uno apografo; il corpus totale delle lettere ammonta a 189 pezzi, di cui 76 a testimoniale plurimo. Questo lavoro punta per la prima volta a ricostruire il quadro critico di questa complessa tradizione e a definire i prolegomena a una futura edizione degli epistolari. Il primo capitolo traccia il profilo biografico dell’autore e ne inquadra la produzione nel panorama dell’epistolografia quattrocentesca, mentre il secondo è dedicato alla descrizione codicologica e paleografica degli esemplari. Il terzo capitolo restituisce ogni epistolario a un contesto d’allestimento verosimile in una circostanza spazio-temporale precisa, sulla base dei dati interni a ciascun testimone. Il quarto capitolo contiene la trattazione complessiva e non più individuale degli epistolari, allo scopo di individuare una ratio organizzativa nell’assetto delle varie raccolte, tramite il riconoscimento di un’ossatura portante costituita da nuclei di lettere a testimoniale plurimo. Il quinto capitolo offre uno specimen editoriale, ovvero l’edizione critica commentata del nucleo individuato come il più antico, composto da 29 lettere e tramandato da tre mss. su quattro. L’elaborato termina con un’appendice nella quale, attraverso i regesti delle lettere, si propone il modello da seguire per la costruzione dell’edizione integrale degli epistolari felicianei. / The epistolary collections of Felice Feliciano (1433-1479?) are entrusted to four manuscripts, three autographs and one apograph; the total corpus of letters amounts to 189 pieces, 76 of which are in multiple attestation. This work aims for the first time to reconstruct the critical picture of this complex tradition and to fix the prolegomena for a future edition of the epistles. The first chapter traces the author’s biographical profile and sets his production against the panorama of 15th-century epistolography, while the second chapter is dedicated to the codicological and palaeographical description of the manuscripts. The third chapter restores each collection to a plausible setting in a precise space-time situation, on the basis of its internal features. The fourth chapter deals with the four books as a whole and no longer individually, with the aim of identifying a rational organisation in the arrangement of the various collections, through the recognition of a bearing framework made up of groups of letters in multiple attestation. The fifth chapter offers an editorial specimen, that is the critical commented edition of the group identified as the oldest, consisting of 29 letters and handed down by three out of four manuscripts. The thesis ends with an appendix in which, by means of the epistles’ registers, the model to be followed for the construction of the complete edition of Feliciano’s letters is proposed.

В настоящей работе анализируется тактический аспект Варненской битвы 1444 г. Автор приходит к выводу, что причины поражения антиосманской коалиции кроются главным образом в различиях военных систем и организации армий двух сторон противостояния. / This paper analyzes the tactical aspect of the Battle of Varna in 1444. The author concludes that the reasons for the defeat of the anti-Ottoman coalition lie mainly in the differences in military systems and the organization of the armies of the two sides of the confrontation.

Précieuse source d’informations sur l’auteur des Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, la correspondance de Giorgio Vasari (1511-1574) est bien connue des historiens de l’art depuis son édition par Karl Frey (1923-1930). La conservation rigoureuse de ses nombreuses lettres ainsi que la remarquable qualité stylistique d’une grande partie d’entre elles, invitent à s’interroger sur la valeur que Vasari lui-même pouvait attribuer à son écriture épistolaire. Voyait-il ses lettres comme une partie fondamentale de son legs culturel ? On peut se demander s’il avait pu caresser le projet de les publier sous forme de recueil, conformément à une pratique très diffusée chez les hommes doctes du XVIe siècle. C’est justement un recueil qui se distingue tout particulièrement au sein du riche carteggio vasarien : le manuscrit Riccardiano 2354, de la Bibliothèque Riccardiana de Florence. Datant de la fin du XVIe siècle, ce petit codex contient quarante-huit missives copiées par le neveu et principal hériter de l’artiste arétin, Giorgio Vasari le Jeune (1562-1625), fonctionnaire médicéen versé dans différents savoirs techniques et scientifiques. Cette étude analyse les opérations de sélection, de transcription et de possible transformation menées par Vasari le Jeune à partir des sources épistolaires originales de son oncle, aujourd’hui introuvables. Des indices matériels et textuels laissent penser que le volume de la Riccardiana pourrait avoir été conçu comme un « livre de lettres » destiné à la publication, mais finalement jamais paru. Une initiative éditoriale avortée donc, visant la célébration posthume de la vie et de l’œuvre de Vasari à travers la valorisation de son héritage épistolaire. La lecture croisée des textes du recueil et d’autres missives qui y furent exclues, permet de reconnaître, en amont de l’entreprise de Giorgio le Jeune, un dessein de reconstitution biographique qui privilégie certains aspects de la figure de Vasari, en omet d’autres et, parfois, plie l’héritage culturel de l’artiste aux exigences d’affirmation personnelle du neveu dans le contexte médicéen de son temps. La résultante principale de cette recherche est une réflexion sur les dynamiques propres à l’écriture épistolaire de Vasari, sur les fonctions diverses qu’elle pouvait endosser dans les différentes phases de sa carrière d’artiste et d’écrivain. Car la pratique épistolaire fut pour Vasari un outil privilégié pour la mise en représentation de soi vis-à-vis de son réseau de correspondants, pour l’apprentissage de la parole littéraire et pour l’élaboration des procédés de l’ekphrasis, plus largement développés dans les Vies. / A valuable source of information on the author of The Lives of the Artists, the correspondence of Giorgio Vasari (1511-1574) is well known to art historians, mainly since its almost complete edition published by Karl Frey (1923-1930). If we consider the fact that Vasari zealously kept his numerous letters during his whole life, as well as the remarkable stylistic quality of many of these texts, we realise the importance of inquiring into how significant his epistolary writing could have been to him. Did Vasari see his missives as an essential part of his cultural legacy? In this case, it has to be questioned whether the artist could have ever conceived the project of publishing a selection of his letters, in accordance with a widespread practice among literates in the Fifteenth century. A collection of Vasari’s letters was actually gathered and still stands out from the large number of documents of his vast carteggio: it’s the manuscript Riccardiano 2354, held by the Biblioteca Riccardiana in Florence. Dating from the late Fifteenth century, this small codex contains forty-eight letters posthumously copied by the artist’s nephew and principal heir of his estate, Giorgio Vasari the Younger (1562-1625), an official of the Medicean Court deeply versed in several scientific and technical disciplines. This study investigates the process of selection, transcription and possible manipulation conducted by Vasari the Younger on his uncle’s original epistolary sources, which are nowadays still missing. Several material or textual hints can suggest that the Riccardiana’s volume might have been a “libro di lettere”, a book of letters designed for publication, but finally never printed. The chief aim of this editorial effort would have been a posthumous celebration of Vasari’s life and artistic achievements, through the highlighting of his missives. The comparison between the texts included in the Riccardiana’s manuscript and other excluded letters, allows us to recognise, as the essential mainstay in Giorgio the Younger’s work, the design of a biographical depiction of Vasari’s figure, focusing on specific traits and omitting others. The artist’s epistolary legacy seems to be occasionally subject to his nephew’s personal career requirements in the Medicean context of his time. The result of this research is a series of considerations on the dynamics inherent in Vasari’s epistolary writing, such as the various functions that it could assume according to the different phases of the artist’s career. Epistolarity has been Vasari’s main tool for self-fashioning towards his correspondents; as well as for literary learning and for the conception of the device of ekphrasis, developed on a larger scale in the Lives.

Adam von Fulda, German musician, composer and teacher, completed his important treatise on music in 1490. While representing a conservative, northern tradition in late-medieval music theory, it also shows some evidence of humanist influence. The treatise is divided into four books which discuss the origins and uses of music, the theory of plainchant, mensuration and notation of rhythm, and proportions, respectively. Thus, throughout this informative work, Adam mixes the practical with the speculative. Although his style of explaining technical matters is clear and succinct, he also engages the reader's interest with his polemical and rhetorical digressions. This dissertation presents a detailed commentary upon Book II of the treatise, on musica plana (plainchant), accompanied by a translation from the Latin. The first two chapters of the dissertation are concerned with the biographical information available on Adam von Fulda, as well as with the format and transmission of the treatise. Three chapters of the dissertation serve as the commentary. Chapter III discusses Adam's treatment of the practical aspects of singing plainchant, including his discussions of the Guidonian hand, the gamut, the naming of pitches, hexachords and mutation (material covered in Chapters 1 to 6 of the treatise's second book). Chapter IV of the dissertation considers the subject of musical intervals as covered by Adam, and the ten rules of composition provided in his Chapters 7 to 12. These rules are perhaps the most interesting and unusual part of Book II, as they go beyond the stated subject of plainchant. Written composition, not just improvised counterpoint, is treated in a manner that anticipates later humanist regard for music as an art. Finally, Chapter V examines Adam's treatment of the modes of plainchant (discussed in his Chapters 13 to 17). A conclusion summarizes Adam's impact on later theorists and the importance of the treatise.

The purpose of this thesis has been to provide an English translation of

Consacrée à l’organisation de l’artillerie des ducs de Bourgogne, cette thèse met en perspective la modernisation du matériel et la professionnalisation du personnel de l’arme au cours de la seconde moitié du XVe siècle. Les transformations fondamentales auxquelles l’artillerie est alors sujette, définissant largement son utilisation pour les trois siècles à venir, semblent tributaires de décisions politiques autant sinon plus que d’évolutions techniques que le pouvoir princier devait stimuler. <p><p>En une première partie sont analysés les modes de décision, de financement et de contrôle d’une arme en plein essor. L’implication personnelle des ducs, Charles le Hardi/Téméraire en tête, est patente. Mais, le développement d’une administration particulière s’impose. La spécialisation de ce personnel est révélée par l’analyse prosopographique. L’artillerie acquiert alors une certaine autonomie au niveau de la gestion des stocks matériels et des ressources financières et humaines. <p><p>La seconde partie est consacrée au matériel. Les politiques d’acquisition des armes à feu, des munitions et du matériel auxiliaire (affûts, manteaux, outillage divers) témoignent d’une prise en main progressive de la production :on assiste à l’émergence, encore timide certes, d’une première « industrie d’État ». Quittant le château ducal, le parc d’artillerie des princes bourguignons rejoint des lieux plus adaptés à son stockage, à son entretien, voire à sa fabrication :c’est la naissance de l’arsenal moderne – un des premiers à l’échelle de l’Europe occidentale. Il est alors possible, pour les gestionnaires comme pour l’historien, d’évaluer la puissance de frappe des ducs. Celle-ci est tributaire de deux facteurs :le nombre de bouches à feu, d’une part, la standardisation des calibres, influençant les cadences de tir, de l’autre. Tant au niveau quantitatif que qualitatif, l’état-major bourguignon mène de réels efforts qui doivent permettre à l’artillerie ducale d’éluder les inconvénients politiques et militaires d’un emprunt aux communes et aux seigneurs. <p><p>Le troisième volet de l’étude concerne les hommes animant les structures de l’artillerie. Il s’agit d’un ensemble d’artisans-soldats ayant un rôle dans la conception, la fabrication et la manipulation de l’arme. Les modalités de leur recrutement révèlent la volonté du pouvoir princier de s’attacher les meilleurs spécialistes. Un corps ordinaire aux effectifs encore minces, certes, est alors constitué, complété en temps de guerre par un appel aux métiers urbains et par la réquisition d’une abondante main-d’œuvre sur le pays. <p><p>Au final, si le gouvernement de Philippe le Bon en révèle les prémices, l’émergence de nouvelles conceptions relatives à la gestion d’une arme en pleine croissance doit attendre le règne de Charles le Hardi. L’efficacité de l’artillerie ducale, devenant un véritable instrument au service du pouvoir central, devait s’en trouver accrue. Pourtant, suite aux défaites de ce duc, un recul des conceptions de l’arme est perceptible. Sans pour autant abandonner entièrement la poursuite des visées de son prédécesseur, Maximilien doit composer avec des moyens financiers et humains inférieurs. Le pouvoir central devint alors à nouveau plus dépendant des pouvoirs communaux et seigneuriaux avec lesquels il fallait négocier, dans le domaine de l’artillerie comme en tant d’autres… <p> / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

La présente thèse a pour point de départ une exposition florentine organisée en 1990 et intitulée « Pittura di luce ». Ses organisateurs entendaient désigner ainsi un courant de la peinture florentine du milieu du XVe siècle fondé sur la lumière et la couleur claire. Comme l’avait bien compris l’exposition, cette « peinture de lumière » est d’abord identifiable dans la « manière colorée » portée par Fra Angelico et Domenico Veneziano, mais elle doit aussi être élargie à une manière plus « blanche », qui va de Masaccio aux premières œuvres d’Andrea del Verrocchio, au début des années 1470. Les implications techniques et symboliques d’un tel style méritent également d’être étudiées car elles renforcent le sens et la cohérence d’un mouvement publiquement soutenu par les Médicis et dont l’ambition majeure fut de « faire surgir » les peintures religieuses de la pénombre des églises (I). L’étude du développement géographique vaste mais discontinu de la pittura di luce approfondit les hypothèses proposées dans le cas florentin : tout autant qu’une façon moderne et proprement « renaissante » de peindre, la « manière claire » est aussi fondée sur une lumière théologique, associée en partie à la religiosité franciscaine. Piero della Francesca est assurément le grand protagoniste de ce double rayonnement, dans les cours et dans les campagnes (II). C’est également Piero qui sera au cœur de la redécouverte d’une peinture que les XIXe et XXe siècles ont réappris à voir grâce aux historiens de l’art et aux artistes, mais également en raison du changement des conditions de vision des œuvres d’art. En ce sens, la pittura di luce constitue un chapitre important de l’histoire du regard, que l’on propose de rapprocher d’autres redécouvertes picturales elles aussi fondées sur la notion d’apparition (III). / This thesis starts from an 1990 Florentine exhibition called “Pittura di luce” which intended to identify a trend in the mid-15th-century Florentine painting. This “painting of light” is not only, as was said at the time, a “coloured style” led by Fra Angelico and Domenico Veneziano, but it should be extended to a more “white manner”, from Masaccio to the first works of Andrea del Verrocchio, in the early 1470s. The technical and symbolical meanings of this style are to be studied as they reinforce the sense and the coherence of a trend publicly sustained by the Medici. The major aim of the “pittura di luce” is to make “emerge” religious paintings from the darkness of the churches (I). The study of the vast but also discontinuous geographical development of this “bright style” amplifies the hypotheses of the Florentine case: as much as a modern way of painting, it has very often a more archaic connotation of divine light. Piero della Francesca is surely the major figure of this ambivalent development (II). He is also one of the most significant examples of the way in which the “pittura di luce” was forgotten, and then rediscovered during the 19th and 20th centuries, thanks to art historians and artists, but also to the changes of the conditions of vision of the works of art. In this sense, the “pittura di luce” is an important chapter of the history of look, that we propose to compare with other rediscoveries of similar “paintings of apparition” (III).