De plus en plus fréquente, la séparation des parents survient de plus en plus tôt, ce qui a une incidence sur le cours des trajectoires familiales. Dans un contexte où l'enfant vit principalement avec sa mère plusieurs facteurs peuvent influencer la fréquence des contacts entre son père et lui au fil du temps. Le présent mémoire doctoral a pour objectif de documenter les trajectoires de contacts entre le père et l'enfant à partir de l'année suivant la rupture jusqu'à six ans plus tard. Il vise également à dresser un profil des caractéristiques qui distinguent les pères selon leur trajectoire de contacts avec l'enfant. L'échantillon est composé de 136 familles séparées issues de la banque de données de l'Étude longitudinale du développement des enfants du Québec (ÉLDEQ). Les résultats indiquent qu'il existe une hétérogénéité des trajectoires de contacts et que la majorité des pères empruntent des trajectoires de contacts stables. Le deux tiers des pères maintiennent une fréquence de contacts élevés avec leurs enfants dans les premières années suivant la rupture. Le type d'union pré-séparation, le climat entre les parents, la remise en couple des mères ainsi que la satisfaction des mères concernant l'implication des pères ressortent comme étant des variables qui discriminent les différentes trajectoires de contacts.

Cette étude qualitative documente l’expérience de 13 jeunes adultes (âge moyen : 22 ans) qui, alors qu’ils étaient enfants, ont connu la séparation de leurs parents. Cette séparation conflictuelle a été portée devant les tribunaux en raison de l’incapacité des parents d’en arriver à un accord sur la garde. Le mémoire porte spécifiquement sur la parole de l’enfant dans ce processus, ce que la séparation leur fait vivre et ce qu’elle entraîne sur différents plans de leur vie. Des entrevues semi-dirigées ont permis de recueillir l’expérience de sept participants entendus par un des acteurs du système juridique (un juge, un avocat ou un expert psychosocial) lors du litige et six non entendus. L’enfant vit plusieurs conséquences liées au conflit de séparation, dont la principale étant que ses relations avec sa famille, ses amis et son entourage sont souvent affectées. Plus particulièrement, la relation parent-enfant est affectée pendant une période variable. L’enfant est souvent pris dans le conflit parental et se sent déchiré. Plusieurs de ses besoins ne sont pas répondus. Il existe des similitudes et des différences entre les jeunes ayant été entendus ou non. Généralement, les participants ayant été entendus se sont sentis plus écoutés et compris. Ils ont senti que leur opinion était importante aux yeux des autres acteurs. Ils ont souvent eu le choix d’être entendus ou non comparativement à ceux non entendus. Ils sont généralement plus satisfaits de la décision rendue. Selon les jeunes, peu importe l’acteur du système l’ayant entendu, le lien de confiance, la neutralité de l’intervenant (juge, avocat ou expert psychosocial) et le savoir-être de celui-ci sont des facteurs essentiels pour rendre son expérience positive. De nombreux participants n’ont pas reçu d’aide formelle lors de ces situations et la majorité considère qu’elle aurait été bénéfique. Les enfants vivant ce type de situation bénéficieraient d’un système d’aide plus systématique. / The aim of this qualitative study was to document the experience of 13 young adults (mean age 22 years old) who underwent the separation of their parents when they were children. Considering a conflicting separation, the issue was brought to court because of the inability of the parents to reach a satisfying agreement regarding custody of the child. This project deals specifically with the voice of the child in the process, what they have been through and the consequences on different aspects of their life. Semi-structured interviews gathered the experience of seven participants heard by one of the different actors in the legal system (i.e.: judge, lawyer or psychosocial expert) during litigation and six who have not been heard. The results show that the child experiences several consequences related to a conflictual separation, mainly on their relationships with family, friends and other loved ones. More specifically, the parent-child relationship tends to be affected for a variable period of time. The child often reports a feeling of being caught in the parental conflict and feels being torn apart. Many of his needs are not met. This study underlines some similarities and differences between young people who have been heard and those who have not been. Overall, the participants who were heard felt more listened to and understood. They felt like their opinion was important to the other actors. They often were offered the choice of being heard or not, compared with those who have not been heard. The former group is generally more satisfied with the decision rendered. According to the participants who have been heard, regardless of the legal system worker they interacted with, the bond of trust, the neutrality of the individual (judge, lawyer or psychosocial expert) and the interpersonal skills of the latter are essential factors in making the process a positive experience. Many participants have not received formal help in these situations and the majority considers it would have been helpful Children who undergo that type of situation would benefit from a more systematic support system.

La présente recherche s'intéresse à l'interaction éducatrice-enfant et à la qualité éducative dans les services de garde en milieu familial. L'objectif général est de décrire l'interaction de l'éducatrice avec les enfants et d'identifier les variables personnelles et contextuelles qui sont associées à la qualité interactionnelle. Dans cette étude, basée sur l'utilisation du fichier de microdonnées à grande diffusion de l'enquête Grandir en qualité 20031 (Institut de la Statistique du Québec, 2003), des analyses typologiques sont réalisées et mettent en évidence la diversité des styles interactionnels dans un approche descriptive et différenciée. Par la suite, des analyses de variance et en fonction discriminante permettent d'identifier les variables qui, au plan des caractéristiques de l'éducatrice, des conditions de garde et de l'interaction éducatrice-parents, différencient les styles interactionnels. Enfin, les résultats sont présentés et discutés dans une perspective écologique inspirée du modèle bioécologique (Bronfenbrenner & Ceci, 1994; Bronfenbrenner & Evans, 2000; Bronfenbrenner & Morris, 1998).

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2011-2012 / "Cette étude a pour but de contribuer à l'analyse et à la compréhension de la situation d'emploi des travailleurs vulnérables ainsi qu'à ses implications sur l'accès aux protections sociales, et ce, à partir du cas des responsables d'un service de garde en milieu familial. Considérant que l'accès aux divers régimes de protection sociale passe par l'octroi du statut de salarié, elle vise à identifier les relations qui existent entre les critères juridiques de ce statut et la situation de travail réelle des RSG québécoises. Les résultats démontrent que ces femmes ne correspondent ni complètement à la définition de salarié, ni entièrement à celle du travailleur autonome et que ce sont ces difficultés à obtenir un statut d'emploi clairement défini qui contribuent à les maintenir dans une position de vulnérabilité. Cette recherche confirme que sur certains aspects les RSG s'apparentent davantage aux salariés, mais que la présence d'une marge d'autonomie réelle, quoique largement circonscrite, complexifie largement la qualification de ces travailleuses".

Peu connus de l'histoire de l'art, les rapports entre l'art et la mode se manifestent au moment où prennent forme les avant-gardes historiques. Parmi les liens les plus marquants : le Fauvisme (Paul Poiret et Raoul Dufy), le Bauhaus (Chanel), le Simultanéisme (Sonia Delaunay), le Futurisme italien, le Construstivisme russe, le Surréalisme et le Pop Art (Andy Warhol). Après ces nombreuses collaborations innovatrices, les artistes et créateurs de mode tendent dorénavant à favoriser des approches multidimensionnelles et interdisciplinaires, dont le prolongement se reconnaît dans la mode «post-moderne». Guy Scarpetta, Achille Bonito-Oliva, Germano Celant, Gilles Lipovetsky, etc, poursuivent cette réflexion théorique. Chez Jean Paul Gaultier, cette mode plurielle et éclectique s'exprime à travers une revision burlesque de la tradition vestimentaire. / Montréal Trigonix inc. 2018

Ecrivaine bolivienne des années 30 - oubliée jusqu'aux années 90- Hilda Mundy s'est fait connaître notamment à la fin de la guerre du Chaco (1932-1935) et dans l'immédiat après-Guerre comme chroniqueuse humoristique à Oruro, sa ville natale. Ses chroniques sont autant d'exemples d'une écriture des moeurs, critique et satirique de la bonne société de son temps et notamment à l'égard d'une morale hypocrite et bigote. Satire des puissants, les écrits d'Hilda Mundy viseront également les travers et les scandales de la vie politique de l'époque ainsi que la montée du militarisme qui se profilait à la fin de la guerre ; ceci marquera le destin de l'écrivaine sous le signe de la censure. Son seul livre Pirotecnia, ensayo miedoso de literatura ultraista, publié à La Paz en 1936, est la suite de cette écriture des formes brèves, centrée sur la désacralisation des symboles du pouvoir. Les thèmes de la ville moderne, de la technique, du jeu et de l'attaque contre la tradition, présents aussi dans ses écrits parus dans la presse, constituent l'univers avant-Gardiste de Pirotecnia. Mouvement et méfiance sont au coeur de cette littérature moderne qui dit moi. Le moi de l'écriture mundyenne, riche de son hétéronymie, est porteur d'un projet poétique propre à une esthétique des arts scéniques où le masque dont on parle le plus est celui de la parole. / A Bolivian writer in the thirty's - forgotten until the 90's - Hilda Mundy became known especially at the end of the Chaco War (1932-1935) and in the immediate post-War period as a humouristic columnist in Oruro, the town where she was born. All her columns are instances of a literature of manners, on which she turns a critical and satirical eye. Her remarks on hypocritical and sanctimonious moral standards of her time are particularly scathing. Hilda Mundy's texts satirize the powerful and target the faults and scandals of political life, and the rise of militarism which was looming at the end of the war. This marked the destiny of the writer under the sign of censure. Her only book, Pirotecnia, ensayo miedoso de literatura ultraista, published in La Paz in 1936 remains loyal to this type of writing, favouring short texts and focused on deconsecration of power symbols. The themes of the modern city, of technology, games and gambling and the attack on tradition, which are also present in her press articles, made up the avant-Garde universe of Pirotecnia. Movement and mistrust are at the heart of this modern literature, which is written in the first person. The self of Hilda Mundy's writing is enriched by its heteronymy and continues a poetic project related to an aesthetics of scenic arts, where the most important mask is that of language.

Die Dissertation untersucht einen Paradigmenwechsel in der Rezeption der historischen Avantgarde in (medien-)künstlerischen Projekten der 1980er und 1990er Jahre in Ex-Jugoslawien und Russland. Dieser Paradigmenwechsel liegt im veränderten Verhältnis zum Begriff der (politischen wie künstlerischen) Utopie begründet. In den 1980er Jahren zeichnet sich die Rezeption sowohl im sogenannten sowjetischen Postutopismus (Il’ja Kabakov, Ėrik Bulatov, Oleg Vasil’ev, Komar & Melamid, Kollektive Aktionen) als auch in der jugoslawischen Retroavantgarde (NSK, Mladen Stilinović, Malevič aus Belgrad etc.) durch ein ‚diskursarchäologisches’ Interesse an potentiell totalitären Elementen der Avantgarde aus. Seit Beginn der 1990er Jahre lässt sich eine signifikant veränderte Rezeption der historischen künstlerischen Avantgarde in Projekten junger KünstlerInnen aus dem östlichen Europa festellen (Neoutopismus, Retroutopismus). Die Utopien der Avantgarde werden im sogenannten Retroutopismus (Marko Peljhan, Vadim Fishkin) nicht mehr primär mit totalitären Tendenzen gleichgesetzt, sondern sie werden jetzt vor allem auf ihre medientechnologischen Projektionen und Entwürfe durchgesehen. Diese wurden nicht nur von einzelnen Avantgarde-Künstlern und –Theoretikern (Velimir Chlebnikov, Bertolt Brecht), sondern auch von Wissenschaftlern und Ingenieuren (Nikola Tesla, Herman Potočnik Noordung) am Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelt. In den 1990er Jahren wird in künstlerischen Projekten somit ein verstärktes medienarchäologisches Interesse für frühe utopische Technologiephantasien der Avantgarde wahrnehmbar, das symptomatisch für ein signifikant verändertes Verhältnis zur Utopie bzw. zum Utopischen ist: Das Utopische löst sich von seinem eindeutig negativen, da politisch-totalitären Beigeschmack (verstanden als ‚Utopismus’) und wird wieder verstärkt positiv politisch konnotiert, d.h. als emanzipatives oder auch visionär-gespinsthaftes Potenzial verstanden (‚Utopizität’). / The dissertation researches a paradigmatic shift in the way artists reflect the historical avant-garde in visual and media art projects of the 1980s and 1990s in (ex-)Yugoslavia and Russia. The reasons for this paradigm shift can be found in the changing relationship to the notion of utopia, both in its political and its artistic connotation. In the 1980s, the reception both in so-called Soviet postutopianism (Il’ja Kabakov, Ėrik Bulatov, Oleg Vasil’ev, Komar & Melamid, Kollektive Aktionen) and in the Yugoslav retro-avant-garde (NSK, Mladen Stilinović, Malevič from Belgrads etc.) is characterized by a ‘discourse archeological’ interest in the potentially totalitarian elements of the avant-garde. Yet this point of view changes fundamentally during the 1990s in a younger generation of artists (neoutopianism and retroutopianism). Retroutopianism (Marko Peljhan, Vadim Fishkin) no longer primarily equates the utopianism of the avant-garde with totalitarian tendencies, but is reexamined with regard to its media-technological projections and designs, which were not only developed by individual avant-garde artists and theoreticians (Velimir Khlebnikov, Bertolt Brecht) but also by scientists and engineers during the early 20th century (Nikola Tesla, Herman Potočnik Noordung). Artistic projects of the time reveal an increasing ‘media-archeological’ fascination for the avant-garde's early utopian fantasies of technology. This fascination, in turn, is symptomatic for a significant change in the relationship to utopia and utopian thinking on the whole: utopian thinking per se separates from its unambiguously negative, political-totalitarian aftertaste (understood as 'utopianism') and takes on a new positive political connotation. It is now understood as an emancipatory or visionary-spectral potentiality ('utopicity').

Cette thèse se propose de dégager les enjeux esthétiques, éthiques et politiques des poésies et pratiques expérimentales de 1960 à 1980, à partir de l’étude des œuvres de J. Blaine, W. S. Burroughs et E. Miccini. Ce travail développe une réflexion sur les expérimentations poétiques qui ont lieu durant une période de fortes mutations sociétales, économiques et médiatiques. Après la mise en place d’une généalogie des pratiques expérimentales que sont le collage et le montage, il s’agit d’inscrire ces poésies expérimentales, généralement occultées des histoires littéraires, dans un modèle néo-avant-gardiste, qui implique une réévaluation de pratiques héritées du début du XXe siècle et un fonctionnement en réseau, faisant dialoguer l’individuel et le collectif. Dès lors, la thèse démontre que le renouvellement du poétique qui s’opère à l’ère d’une société de l’image est tributaire de l’évolution technique : il s’agit de créer avec et contre le livre. Le nouveau rapport entre création poétique et livresque et problématiques de la reproductibilité, favorisée principalement par l’offset, engendre une mise en perspective de l’œuvre avec la notion d’empreinte. L’empreinte constitue ainsi un nouveau paradigme entérinant le statut ontologique instable d’une œuvre qui travaille la matérialité de son support et qui altère une traditionnelle dimension uniquement verbale. La résistance aux formes traditionnelles implique ainsi un engagement, dans la forme et dans le fond : différentes stratégies sont alors développées par les auteurs, permettant d’établir des politiques esthétiques dont l’objectif est de proposer au lecteur/spectateur une expérience esthétique formatrice et éthique. / This thesis aims to identify the aesthetic, ethical and political issues of experimental poetry from 1960 to 1980. It deals with the works of J. Blaine, W. S. Burroughs and E. Miccini. This work offers a reflection upon the poetic experiments taking place during a period of strong societal, economic and media switch. After the establishment of a genealogy of the experimental practices of collage and montage, it is now about placing this experimental poetry in a neo-avant-garde model, which involves a re-evaluation of practices inherited from the beginning of the twentieth century and a functioning in a network, making the individual and the collective dialogue. Henceforth, the thesis shows that the renewal of the poetics that takes place in the era of a society of the image relies on on technical evolution : it is about creating with and against the book. The new relationship between poetic. The new relationship between poetic and book-based creation and issues of reproducibility, mainly by offset, creates a perspective of the work with the notions of imprint and ruin. Thus, the imprint constitutes a new paradigm which endorses the unstable ontological status of a work which works on the materiality of its support and which alters a traditional, only verbal dimension. Resistance to traditional forms implies a commitment, in form and substance : different strategies are then developed by the authors, which allow to establish aesthetic policies of which the aim is to make the reader / spectator access a formative and ethical aesthetic experience.

Cette thèse porte sur les représentations filmiques de la guerre de Libération(1964-1974) et de la Révolution mozambicaine (1975-1987) et vise à analyser les enjeux esthétiques et politiques du cinéma révolutionnaire de ce pays. La compréhension de cette problématique passe dans un premier temps par un examen des différentes logiques qui ont présidé aux positionnements de la théorie anticoloniale à l’égard de la culture pour ensuite interroger la politique du cinéma d’État et ses contradictions. Les représentations filmiques de es deux processus historiques furent un instrument essentiel pour la formation de l’identité nationale, à l’intérieur d’un dispositif épistémique historiographique. En reconstituant les principes d’une culture de libération transnationale, cette thèse envisage de considérer les conditions politiques, idéologiques et technologiques qui conduisirent à la fondation de l’Institut national de cinéma mozambicain (INC) en mars 1976 et l’orientation que le Front de libération du Mozambique (FRELIMO) tenta d’imprimer au cinéma.La délimitation des trois phases du cinéma révolutionnaire mozambicain mettra en exergue les déséquilibres entre la coexistence d’un projet de production cinématographique collective, l’expérimentation formelle et les postulats du programme étatique. La notion de «forme-événement » nous permettra de concilier deux dimensions de la production esthétique :celle qui envisage l’art comme reflet ; celle qui le considère à partir de ses effets. À travers l’analyse esthétique formelle et historique d’un ensemble de films singuliers réalisés entre 1966et 1987, nous chercherons à mettre en évidence les positions prises par les cinéastes, les résistances et les rapports successifs et contradictoires entre le cinéma collectif, d’auteur et d’État. De l’étude approfondie du film Mueda, Memória e Massacre (1979-1980) de Ruy Guerraet de son histoire matérielle émergera une connaissance archéologique et critique du programme politique et culturel mozambicain.Cette thèse envisage également une insertion du cinéma révolutionnaire mozambicain dans son contexte historique et culturel en élaborant une cartographie du cinéma de Libération en relation avec la conjoncture politique des années 1960 et 1970. La notion de « cinéma de Libération » se trouve dans un cadre historique, géographique et catégoriel par rapport à l’histoire du cinéma politique, d’avant-garde et expérimental et de l’histoire du cinéma en général. L’étude d’une série d’oeuvres filmiques nous permettra d’établir une cartographie extensible du cinéma de Libération, englobant le cinéma révolutionnaire portugais (1974-1982)et l’« état de la forme » de ce cinéma. / The dissertation focuses on the filmic representations of the War of Liberation(1964-1974) and of the revolution (1975-1987) in Mozambique, and aims to analyse the aesthetic and political issues of Mozambican revolutionary cinema. To understand this question,the various logics that guided the positions of anti-colonial theory with regard to culture are examined in the first instance, while the State cinema policy and its contradictions are reassessed in the second instance. The filmic representations of these two historical processes were an essential instrument for the construction of national identity, within an epistemic historiographical apparatus. By reconstructing the principles of a culture of transnational liberation, the dissertation intends to consider the political, ideological, and technological conditions which led to the foundation of Mozambique’s National Institute of Cinema (INC) inMarch of 1976, and the orientation that the Mozambique Liberation Front (FRELIMO) attempted to ascribe to cinema.The identification of three phases of Mozambican revolutionary cinema will highlight the discrepancy between the coexistence of a project for the collectivisation of film production,formal experimentation and the premises of the State programme. The notion of ‘form-event’will allow us to reconcile two dimensions of the aesthetic production: one, which considers art as a reflection; another, which considers it in terms of its outcomes. Through the formal aestheticand historical analysis of a set of singular films produced between 1966 and 1987, we will seekto problematize the positions adopted by the filmmakers, the points of resistance, as well as the succession of contradictory forms of relation between collective, auteur and State cinema. Anarchaeological and critical knowledge of the Mozambican political and cultural programme will emerge from the comprehensive analysis of Ruy Guerra’s Mueda, Memória e Massacre(1979-1980).The dissertation purports to replace Mozambican revolutionary cinema in its historicaland cultural context by drawing a cartography of the Cinema of Liberation in relation to the political situation of the 1960s and 1970s. The concept of ‘Cinema of Liberation’ is sited in a historical, geographical and categorial framework with respect to the history of political, avantgarde,and experimental cinema, and to the history of cinema in general. The analysis of a selection of films will allow us to extensively map the Cinema of Liberation, including the cinema of the Portuguese Revolution (1974-1982) and the ‘state of the form’ of this cinema.

Dans ce travail nous analysons le rapport de l’individu au mimétisme dans l’œuvre de l’écrivain Chilien Roberto Bolaño (1953-2003). La notion du mimétisme est étroitement liée à celle du désir. En effet, selon le penseur français René Girard, l’individu ne désire pas par soi-même, mais il imite un modèle. Le désir est ainsi déterminé par ce médiateur. Cette forme de désir opère de manière inconsciente car le sujet est sûr de l’autonomie de son choix. Jacques Lacan enrichi cette lecture inspiré d’une idée typiquement hégélienne : le désir de reconnaissance. Pour Lacan, l’individu, avec une idée figée de soi-même (que Lacan appelle l’Imaginaire) est investi par le désir en forme de pulsion. Le mimétisme est double, non seulement l’individu imite des modèles pour tenter de correspondre à cette image figée, mais il destine son effort à être reconnu par les autres (que Lacan appelle le grand Autre ou le Symbolique). Cette étude utilise l’approche méthodologique que nous venons de décrire pour analyser l’œuvre de Roberto Bolaño. Bolaño, un des écrivains le plus importants de la littérature hispano-américaine des dernières années, est un auteur qui place au cœur de ses textes la problématique de l’autonomie du sujet. Cette problématique est surtout visible dans les deux thématiques, à notre sens dominantes, de son œuvre : l’art et le Mal. En effet, dans les textes de Bolaño il est toujours question d’artistes qui luttent pour faire reconnaître leur autonomie (c’est pour cette raison que ces artistes s’inscrivent souvent dans les mouvements d’avant-garde opposés à la tradition). De même, dans l’œuvre de l’écrivain chilien la violence est causée soit par la violence mimétique (les rivalités causées par une lecture erronée de la nature du désir : l’autre est un obstacle à la satisfaction du désir et non un médiateur de celui-ci) soit par les actes répondant à l’obsession d’un manque chez l’individu : généralement celui de ne pas pouvoir arriver à satisfaire une pulsion ayant son origine dans l’Imaginaire. / In this work we analyze the link between the subject and mimetic desire in the works of Chilean writer Roberto Bolaño (1953-2003). The concept of mimetic is closely related to the notion of desire. In fact, for French thinker René Girard, the individual doesn’t desire by himself, but he imitates a “model”. Desire is thus determined by the mediator. This type of desire operates in an unconscious way, because the subject is confident about the autonomy of his choice. French psychanalyst Jacques Lacan enhances this theory in a typically Hegelian way: the desire of recognition. For Lacan, the individual projects himself in a fixed image (called by Lacan the Imaginary); this fixation assails him in the form of a drive. Here mimetic desire is doubled: it doesn’t only imitate models to try to match with this fixed image, but also aims its effort to be recognized by others. Our work uses this methodological approach to study the works of Roberto Bolaño. Bolaño, one of the most important Hispanic American writers of the last years, puts the issue of the autonomy of the subject in the heart of his writings. This topic is mainly noticeable at the two main themes of his work: art and Evil. As a matter of fact, Bolaño’s writings always highlight the struggle of the artist who wants his autonomy recognized by the Other (for this reason, Bolaño’s artists are often members of the avant-garde, thus opposed to tradition). Correspondingly, violence can be caused in one hand by mimetic desire (rivalries provoked by an erroneous interpretation of desire’s nature: the Other is saw more as an obstacle for desire’s satisfaction than its mediator) or, on the other hand, by acts that meet the obsession of a lack: one that generally consist in a drive (originated in the Imaginary) that can’t be satisfied.