O presente texto, apresentado sob o título Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, é o resultado de uma pesquisa em Poéticas Visuais desenvolvida no decorrer de quatro anos, entre 2003 e 2007. Os trabalhos são fotografias, objetos e intervenções que realizam um movimento de prolongamento: extensão de tempo e espaço e expansão dos sentidos. Prolongamento do pão à toalha de mesa é, deste modo, um prolongamento prático e também teórico. O pão e a toalha de mesa se tornam autênticos objetos de jogo, jogo de construção e desconstrução da experiência, que articula modos de conhecer o mundo. O texto se desenvolve como uma cartografia móvel e deslizante, um meio de suspender o objeto em processo a um estado de constelação de idéias, a ligar pontos, tentando não paralisá-lo em um sistema exclusivo e fechado de pensamento. A necessidade de baldar o discurso (arma do poder) se faz premente, em uma busca inquieta e escorregadia, aquela que tenta fazer a experiência tornar ao centro. Para isso, é lançando mão de recursos, como a narrativa e a descrição, em uma tentativa de devolver o discurso a uma instância anterior àquela do artificialismo. / This text, entitled Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, (From the bread toward the tablecloth: a poetic approach through prolongations), is the result of the research project in Visual Poetics developed for the last four years, 2003 to 2007. The works are photographs, objects and interventions that produce a movement of prolongation: extension of time and space, and expansion of the senses. In this way, the prolongation of the bread toward the tablecloth is also both a practical and theoretical prolongation. The bread and the tablecloth become authentic objects in a game, a game of construction and deconstruction of the experience that articulates ways of knowing the world. The text develops like a mobile and sliding cartography, a way to suspend the object in its process toward a constellational state of ideas, where points are linked together and try not to paralyze it in an exclusive, closed system of thought. The necessity to thwart discourse (weapon of power) becomes urgent in a disquieting and slipping search, one that tries to make the experience focus back at the center. This is why I have sought to make use of resources such as narrative and description in the attempt to return the discourse to an instance prior to that of artificiality.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2011. / Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-11-04T17:01:29Z No. of bitstreams: 1 2011_AdrianaPatricioVignoli.pdf: 262149101 bytes, checksum: 110093790bde37bc0a78d1b1af1df7ab (MD5) / Approved for entry into archive by LUCIANA SETUBAL MARQUES DA SILVA(lucianasetubal@bce.unb.br) on 2011-12-05T15:46:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_AdrianaPatricioVignoli.pdf: 262149101 bytes, checksum: 110093790bde37bc0a78d1b1af1df7ab (MD5) / Made available in DSpace on 2011-12-05T15:46:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_AdrianaPatricioVignoli.pdf: 262149101 bytes, checksum: 110093790bde37bc0a78d1b1af1df7ab (MD5) / A presente dissertação parte do processo de pesquisa e reflexão da intervenção urbana Suspensões e Deslocamentos (2010) que ocorre no Plano Piloto, Brasília. Para realizá-la, foram feitas caminhadas pelo urbanismo até a chegada no Lixão da Estrutural. A partir da seleção de objetos vindos do Lixão, passo a ressignificá-los e transformá-los em aparelhos que concretizam essa intervenção. Esses aparelhos são deslocados para o Plano Piloto, onde marcam um tempo precário sobre a cidade. Além disso, eles registram os passos dos habitantes. Durante o trabalho, recorro a artistas contemporâneos brasileiros e internacionais e teóricos que me ajudaram a compreender e situar essa intervenção urbana. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work comes from de process of research and reflexion of the urban intervencion “Suspensiosn and Dislocations” (2010) that happens in Plano Piloto, Brasília. To realize it, I have made walks in the urban space until the meeting of the Lixão, special place in Estrutural. From the selection of Lixão’s objects, I began to resignificate and transform them into equipments that make this intervention. Those equipments are dislocated to the Plano Piloto, where they measure an uncertain time on the city. Besides, they register the habitant’s foot. During the work, I search artists and theorists that have facilitated me to understand and situate this urban intervention.

Esta pesquisa envolve a análise de um processo construtivo que resulta em dez objetos-ninho que compõem a série denominada “Aninhos”. O texto, integrado à tessitura do trabalho, investiga vestígios, motivações e influências na feitura do mesmo, o que o torna repleto de referências pessoais, culturais e históricas. E isto através do “olhar transpositivo” um olhar especial, reflexivo, distanciado, que resgata a trajetória dessa poiética, onde são alinhavados temas tais como o desenvolvimento do processo simbólico (Cassirer), visto pela teoria da constituição de linguagem, tratada por Lacan; as conecções com o espaço social, através das teorias de Leroi-Gourhan e de Arnau Puig; as conecções com o espaço perceptivo, através da leitura de Merlot-Ponty, Arnhein e Pareyson; as vertentes históricas tratadas por Argan e Calabrese; e um código imagético, recuperado por vertentes simbólicas (mitológicas e literárias). Associados ao processo construtivo dos objetos-ninho, todos esses assuntos revelam-se em um espaço de características neobarrocas, que nomeio espaço topológico, baseada em uma definição de Arnau Puig. Um espaço que é o objetivo deste processo e pertence tanto ao plano físico como ao imaginário; que se instaura a partir do processo de comunicação e que, contentor da dinâmica que movimenta a obra, possibilita intersecções, através de gestos e reflexões, entre obra-artista-contexto-espectador.

Superfícies do contato: fronteiras e espaçamentos trata-se de uma pesquisa no campo das Poéticas Visuais em que uma investigação teórica e uma prática artística entrecruzam-se. O grupo de trabalhos desenvolvidos - ponto e buraco (prumo); à distância (elétrico); vão; encaixe; o sentido do gesto; still; para preencher um buraco; marca d’água; tangente – levanta a noção de contato como situação de relação, encontro, interação entre determinadas superfícies (como o vidro, a parede, o tecido) e entre superfície e espaço tendo como referência a superfície epidérmica enquanto fronteira e espaçamento. São abordadas questões referentes aos contatos tátil e visual e suas possibilidades de sobreposições através da construção do gesto artístico. Neste sentido, estudam-se os procedimentos empregados (gesto do artista, objeto, fotografia, vídeo, livro de artista) e suas implicações conceituais na elaboração das proposições aqui investigadas. / Surfaces of contact: borders and spacings a Visual Poetics research project in which theoretical investigation and artistic practice intersect. The group of works developed - point and hole (plumb); distant (electrical); span; fit; the meaning of the gesture; still; to fill a hole; watermark; tangent – raise the idea of contact as a situation of relation, meeting, interaction between determined surfaces (such as glass, the wall, fabric) and between the surface and space with reference to the surface of the epidermis as border and spacing. Questions concerning visual and tactile contact and their possibilities and superimpositions through the construction of the artistic gesture are approached. In this sense, there is a study of the procedures employed (the artist’s gesture, object, photography, video, artist’s book) and their conceptual implications in the development of the propositions here investigated.

O presente texto, apresentado sob o título Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, é o resultado de uma pesquisa em Poéticas Visuais desenvolvida no decorrer de quatro anos, entre 2003 e 2007. Os trabalhos são fotografias, objetos e intervenções que realizam um movimento de prolongamento: extensão de tempo e espaço e expansão dos sentidos. Prolongamento do pão à toalha de mesa é, deste modo, um prolongamento prático e também teórico. O pão e a toalha de mesa se tornam autênticos objetos de jogo, jogo de construção e desconstrução da experiência, que articula modos de conhecer o mundo. O texto se desenvolve como uma cartografia móvel e deslizante, um meio de suspender o objeto em processo a um estado de constelação de idéias, a ligar pontos, tentando não paralisá-lo em um sistema exclusivo e fechado de pensamento. A necessidade de baldar o discurso (arma do poder) se faz premente, em uma busca inquieta e escorregadia, aquela que tenta fazer a experiência tornar ao centro. Para isso, é lançando mão de recursos, como a narrativa e a descrição, em uma tentativa de devolver o discurso a uma instância anterior àquela do artificialismo. / This text, entitled Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, (From the bread toward the tablecloth: a poetic approach through prolongations), is the result of the research project in Visual Poetics developed for the last four years, 2003 to 2007. The works are photographs, objects and interventions that produce a movement of prolongation: extension of time and space, and expansion of the senses. In this way, the prolongation of the bread toward the tablecloth is also both a practical and theoretical prolongation. The bread and the tablecloth become authentic objects in a game, a game of construction and deconstruction of the experience that articulates ways of knowing the world. The text develops like a mobile and sliding cartography, a way to suspend the object in its process toward a constellational state of ideas, where points are linked together and try not to paralyze it in an exclusive, closed system of thought. The necessity to thwart discourse (weapon of power) becomes urgent in a disquieting and slipping search, one that tries to make the experience focus back at the center. This is why I have sought to make use of resources such as narrative and description in the attempt to return the discourse to an instance prior to that of artificiality.

O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.

Submitted by Amanda Silva (amanda.osilva2@ufpe.br) on 2015-04-15T14:38:59Z No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO Deyse Maria da Silva.pdf: 15065572 bytes, checksum: f1258417a1a7a1a4ae08c4250601efa5 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-04-15T14:38:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO Deyse Maria da Silva.pdf: 15065572 bytes, checksum: f1258417a1a7a1a4ae08c4250601efa5 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Previous issue date: 2014 / Esta pesquisa, do tipo estudo de caso, discute o détournement na arte contemporânea de Pernambuco. Palavra francesa, que traduzida para o português significa “desvio”, o détournement trata de uma técnica de produção artística sistematizada pela Internacional Situacionista (IS) – movimento cultural e, principalmente, político, ativo entre os anos de 1958 a 1972, cujo principal objetivo era o retorno da arte à práxis vital. A ideia do desvio era utilizar elementos pré-existentes para a configuração de novos arranjos significativos. Para investigar essa técnica situacionista na Arte Contemporânea de Pernambuco, foram analisadas três obras de arte: Amor, Ordem e Progresso (2011) de Lourival Cuquinha; o vídeo Travessias da exposição Plus Ultra (2011) de Oriana Duarte; e Entre o Novo e o Nada (2006) de Márcio Almeida. A partir do que foi analisado, percebe-se que o desvio praticado atualmente se aproxima, mas não é igual ao détournement da Internacional Situacionista. Os postulados situacionistas trazem consigo um teor revolucionário que não se aplica ao contexto social, político e cultural da atualidade.

Submitted by Isaac Francisco de Souza Dias (isaac.souzadias@ufpe.br) on 2015-05-13T19:01:15Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) dissetação.RebekaMonita.biblioteca.pdf: 6556876 bytes, checksum: 4b0b25e63efaba0d415d4c5ce3170d3a (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-13T19:01:15Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) dissetação.RebekaMonita.biblioteca.pdf: 6556876 bytes, checksum: 4b0b25e63efaba0d415d4c5ce3170d3a (MD5) Previous issue date: 2015-02-23 / CAPES / A partir da análise das obras de Rodrigo Braga, traço um percurso sobre alguns usos da fotografia na arte visual contemporânea, mergulhando , assim, nos conceitos de mestiçagem, hibridização, contaminação e fotografia expandida. O que me move e entusiasma são processos rizomáticos que assumem a não separação entre a arte e a vida, o sujeito e o objeto, a razão e a emoção, algo que é da ordem do experiencial, como os trabalhos de Braga. Por entre cartas e ensaios, teço reflexões sobre a fotografia como linguagem ampliada, que dilui suas especificidades e se entrelaça com outras linguagens e áreas de conhecimento, uma espécie de ecossistema estético. Ao percorrer os fios entrelaçados das obras desse artista, sobretudo, Comunhão (2006), Fantasia de Compensação (2004), Sal e Prata (2010) e Leito (2008), faço uma leitura sobre a fotografia como recurso, suporte e linguagem e atento aos aspectos simbólicos e vivenciais desses trabalhos. / Taking as a guideline the works of the Brazilian artist Rodrigo Braga, I trace, throughout its analysis and investigation, a path on some of the practices used by Photography within the field of Visual Arts. Therefore, the concepts of miscegenation, hybridization, contamination and expanded photography are also examined. What drives this research is the rhizomatic and experiential processes which marks the works of Braga: no separation between art and life, the subject and the object, reason and emotion. Reflections on photography as an extended language (which its specificities are diluted and intertwined with other languages and areas of knowledge) are weaved amongst letters and essays. In this excursion through the interlaced works of this artist – with main focus on Comunhão (2006), Fantasia de Compensação (2004), Sal e Prata (2010) and Leito (2008) – while attentive to its symbolic and experiential aspects, a reading on photography as a resource, support and language is also conducted.

Submitted by Pedro Barros (pedro.silvabarros@ufpe.br) on 2018-09-04T19:22:45Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) / Approved for entry into archive by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-09-17T23:28:41Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-17T23:28:41Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) Previous issue date: 2012-08-31 / CNPq / Este trabalho partiu do interesse em se investigar a possibilidade de tensionamento da arte com a vida num contexto brasileiro em que há um forte desejo de inserção social da arte, de se estabelecer novas formas de interação com o público e se construir novos modelos de experiência estética. Refiro-me ao período que teve como marco inicial a década de 1960, momento marcado por importantes mobilizações e reflexões em torno de e sobre as questões que envolviam o debate sobre cultura e arte no país. É um momento em que novas concepções de arte e cultura conquistam cada vez mais espaço e o desejo de uma arte que concilie os sentidos da experimentação e da participação surge como principal reinvindicação. Diante do cenário político em que o Brasil vivia então, havia um forte desejo de construir-se uma arte que se opusesse incisivamente aos valores autoritários do regime militar. Assim, os artistas procuraram construir um novo conceito de arte e de artista, capaz de desenvolver uma prática artística que se constituísse enquanto tal vinculando-se ao contexto da vida comum dos sujeitos. Tomando, então, a produção artística de Lygia Clark como objeto de estudo, meu objetivo foi investigar de que maneira ela elaborou um programa estético-artístico capaz de atingir as finalidades acima citadas. Marcada por um permanente questionamento da função da arte e do artista, Lygia Clark revolucionou a relação espectador-obra de arte e assumiu, acima de tudo, o ato estético como campo de experiência. Com a pesquisa sobre seu trabalho e, consequentemente, sobre a emergência da arte contemporânea no Brasil, é possível compreender que a arte não se reduz ao objeto e/ou à manifestação que redundam de sua prática. A arte é exatamente essa prática em sua totalidade, configurada como uma prática estética aberta à invenção e que, por isso mesmo, problematiza e transforma a realidade. Afirmo, desse modo, que o artista contemporâneo, ao deslocar-se de sua posição tradicional (distanciada do público) e procurar se inserir na matéria do mundo e da vida comum, demonstra como a arte é uma prática de problematização da vida cotidiana: processo de produção e (re)significação de sentidos e criação de mundos. / The present study set out from the interest in investigating the possibility of distending the relationship between art and life. This is set in a Brazilian background where there is an urge towards art's social insertion, the establishment of new forms of audience interaction and towards new models for esthetic experience. This refers to the period which has the decade of 1960 as milestone, being marked by important mobilizations and reflections revolving around the issues dealing with the country's art and culture debate. This is a period when new notions of art and culture gradually gain space and that, moreover, has as its central claim a desire for a form of art reconciling experience and participation. Given, in that time, Brazil's political background there was an urge towards constructing an art strongly opposed to the military regime's authoritarian values. In this way, artists attempted to construct new concepts of art and artist able to promote an artistic practice which, as such, would constitute itself bonded to the average individuals' life context. Drawing for this purpose on Lygia Clark's artistic production as study object, my objective was to investigate through which way she managed to develop an esthetic-artistic program able to achieve the goals mentioned above. Marked by a continuous inquiry on the function of art and artists, Lygia Clark revolutionized the expectator-work of art relationship and, most of all, incorporated the esthetic act as a field of experience. Through this research on her work and, consequently, on the emergence of contemporary art in Brazil it is possible to comprehend that art is not reduced to the object and/or the manifestation ensuing of its practice. Rather it is in itself this practice in its entirety and constituted as an esthetic practice open to creation which, for this reason, questions and changes reality. In this way, I attest that the contemporary artist by moving from her/his original position (distant from the audience) and attempting to become inserted in the matter of the world and average life demonstrates how art is a practice of questioning everyday life: a process of producing and (re)signifying senses and creations of worlds.

A presente dissertação constitui uma reflexão sobre minha produção artística e seu desenvolvimento durante os últimos anos. Produção construída como uma série de fragmentos que abordam diferentes aspectos do trabalho cujo eixo central, além de estabelecer relações com momentos específicos da história da arte, gira em torno dos conceitos de apropriação, paisagem e repetição. Cada um dos textos opera de forma individual, são independentes e podem ser lidos separadamente dos outros. Isto, com o fim de enfatizar de forma individual as diferentes aproximações teóricas ao trabalho plástico e pretendendo que as relações que se estabeleçam entre essas aproximações ocorram de forma espontânea na cabeça do leitor, sem que estas tenham sido induzidas de forma explícita no texto / The disertation presents a reflection on my own work as an artist and its development among the last years. It is built as a series of fragments that addressed the work on different aspects whose central axis, besides stablishing relationships with specific moments of Art History, spins around the concepts of apropiation, landscape, and repetition. Each texts works individually, being independent and possible to be read separately from the rest. This, aiming to enphasize individually the different theoretical approaches to the artist work and seeking that the established relationships occur espontaneously on the reader\'s mind even when this have not being induced in the text