A pesquisa de doutoramento Cartogravista de céus: proposições para compartilhamentos foi desenvolvida no Programa de Pós−Graduação em Artes Visuais ênfase em poéticas visuais do Instituto de Artes da UFRGS, orientada pelo Prof. Dr. Hélio Fervenza, de 2007 a 2011. Durante este período realizei uma Cartogravista de céus, ou seja, uma cartografia de vistas do céu, por meio de coletas pessoais e de partilhas com outras pessoas. A Cartogravista é constituída por fotografias de céus, textos sobre o céu, cartões, adesivos, em impressão fotográfica sobre plotter e papel de diferentes dimensões, objetos tridimensionais. São apresentados e/ou distribuídos em Galerias, Museus e em espaços abertos: na rua, na praça e no campo. A problemática a qual me deparei poderia ser resumida na seguinte pergunta: como o entrelaçamento destas imagens e textos pode criar e situar certo tipo de espaço ao mesmo tempo físico e mental e propiciar um outro olhar, uma outra abordagem ao se avistar e registrar o céu? Em decorrência do trânsito em diferentes meios e espaços de apresentação, tangencio vários conceitos, tais como: cartografia, vista de céus, proposição, compartilhamentos. Estes conceitos são deslindados segundo suas definições no campo da arte e em outros campos, assim como, assinalam outros, como: desvio, paisagem, atenção, olhar, mira, observatório, cartão, coleção e arquivo. O processo que envolve o mapeamento, a coleta, o arquivamento das vistas de céu, bem como a inserção de diferentes dispositivos e os modos de circulação, revela ao mesmo tempo, os sentidos e a singularidade do trabalho e os aspectos cognitivos da criação. / The doctoral research project entitled “Cartogravista de céu: proposição para compartilhamentos”(Cartograviews of the sky: propositions for sharing) was developed in association with the Post-Graduate Program in Visual Arts with an emphasis in visual poetics at the Instituto de Artes of the Universidade Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS), under the advisorship of Professor Hélio Fervenza PhD from 2007 to 2011. During this period I produced a Cartograviewof skies, that is, acartography of views of the sky, by means of collections made myself and by others who have shared in the process. The Cartograview consists of photographs of skies, texts about the sky, cards and stickers using photographic plotter prints on different-sized papers, as well asthree-dimensional objects. These are presented and/or distributed in galleries, museums and in open spaces: on the street, in squares and in the countryside. The set of problems that has emerged could be summarized by the following question: how can the intertwining of these images and texts create and situate a certain type of physical and mental space that might propitiate another gaze, another approach to viewing and recording the sky? As a result of transiting through different presentational media and spaces, I touch upon various conceptssuch as: cartography, view, skies, proposition, sharing. These concepts have been investigated and discussed according to their definitions in the field of art and other fields, also noting other terms, such as: detour, landscape, attention, gaze, sight, observatory, card, collection and archive. The process which involves the mapping, collecting, archiving of these views of the sky, as well as their insertion in different vehicles and modes of circulation, simultaneously reveals the meanings and singularity of the artwork and establishes the cognitive aspects of creation.

A presente dissertação busca trazer à discussão a minha prática artística, realizada inicialmente em vídeo e película, e agora também expandida para as práticas em fotografia e instalação, analisando como essa prática se constitui, bem como as questões conceituais que a problematizam. Para este fim, essa pesquisa traz à luz os trabalhos Como é bom ser rica!, Boquinha, Banheiros do IA e Sala de Espera. Identifico o despertar de algumas questões tais como a problematização do humor através de sua relação com a imagem, tanto em sua vertente audiovisual, como em sua versão estática. Dentro do conceito mais amplo de humor, elegi as seguintes subcategorias como possíveis conceitos operatórios: a sátira e a ironia (dentro destas, ainda, o absurdo e o nonsense). Neste sentido, estudo os procedimentos empregados e suas implicações conceituais na elaboração das proposições aqui investigadas. / This dissertation aims to discuss my artistic practice, developed initially in video and film, and now also expanded to the practices in photography and installation, analising how this practice constitutes itself, as well as the conceptual issues that problematize it. In order to do that, this research brings to light the artworks It’s great to be rich!, Mouthie, IA Toilets and Waiting Room. I identify the development of some issues like humor problematization through its relation to image, in its audiovisual aspects as well as in its static version. Inside the wider concept of humor, I have elected the following subcategories as possible operational concepts: satire and irony (inside these, also, absurd and nonsense). In this sense, I study the procedures here employed and their conceptual implications in the elaboration of the propositions here investigated.

Gravidade por um fio: o peso e a leveza em um projeto de instalação é uma pesquisa em Poéticas Visuais, com a qual pretende-se discutir sobre os valores do peso e da leveza passíveis de serem apresentados em uma instalação, cujo título é Noventa Graus. Trata-se de pesquisa poïética, que visa verificar como a instauração deste trabalho plástico - aqui compreendido enquanto processualidade e projeto - responderia às diversas nuances que a relação peso/leveza poderia abarcar: materiais, visuais, gestuais, físicas, relacionais, abrindo espaços para que se possam perceber as nuances semânticas. Como estrutura de construção das análises das obras em processo, adotou-se os parâmetros metodológicos colocados por Sandra Rey, que busca articular as idéias iniciais do trabalho, os procedimentos técnicos utilizados, os referenciais artísticos, chegando aos conceitos operacionais: vinculações a conceitos de outras áreas do conhecimento, dadas a partir do próprio fazer. Para tal, os dados de análise foram esboços, estudos de planta-baixa da galeria, fotomontagens, maquetes e ensaios de fragmentos de trabalhos, realizados após a experiência fenomenológica no espaço vazio da Pinacoteca do Instituto de Artes. Como referenciais artísticos e teóricos, foram utilizados depoimentos de artistas e suas obras para análise, análises críticas de obras modernas e contemporâneas, conceitos dentro da Teoria da Arte, História da Cultura, Psicologia e Filosofia Contemporânea.

A presente dissertação, intitulada “Livro, Faca de Corte, Coração: Projeto de uma Instalação Focalizando a Interação Espectador-Obra” versa sobre o conceito de Instalação, a partir da realização do projeto e apresentação de uma instalação específica – “Livro, Faca de Corte, Coração” – considerando as dimensões de espaço e tempo e enfocando, principalmente, a interação entre o espectador e esta categoria da arte contemporânea. Na seqüência, faz-se uma abordagem histórica, desde suas primeiras manifestações até a arte contemporânea – quando, por fim, assim a denomina. / The present dissertation, entitled “Book, Cutting Knife, Heart: An Instalation Project Focusing the Spectator-Work Interaction” studies the Instalation concept through the accomplishment and presentation of a specific instalation - “Book, Cutting Knife, Heart” - taking into account space and time dimensions, and having as main focus the investigation of the way the spectator interacts with this contemporary category of art. There follows a historical approach of the Instalation, from its first appearances to the present, when it was, finally, so denomin ated.

A pesquisa que aqui se apresenta aborda a emergência da confissão na arte contemporânea. Notamos que os artistas, nas duas últimas décadas, vêm reconhecendo cada vez mais uma necessidade de expor a sua própria existência como obra de arte. Assim, a vida adquire um estatuto de arte. A existência e todo o peso da intimidade passam a ser os temas essenciais a serem pensados. Investigamos os trabalhos de artistas contemporâneos como Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés e Karen Finley que tomam sua vida como narrativa e obra. A tese está fundamentada no anacronismo como possibilidade de análise historiográfica. Tentamos realizar uma leitura particular de atividades artísticas separadas espacial e temporalmente em uma espécie de estratigrafia, realizando uma montagem interpretativa. Procuramos investigar as origens da confissão em diversos momentos históricos na Idade Média, na Grécia, e no século XX com artistas como Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, a arte feminista nas décadas de 60 e 70 e o acionismo vienense que tencionaram, uma aproximação entre arte e vida. A confissão caracteriza-se como uma prática que consiste em anunciar o testemunho de um desvio, revelando-se uma experiência diversa do saber cognitivo e da informação. As “narrativas do eu” existem enquanto dejeto, prurido, excreção, líquido abjeto que envenena e contamina. Falar seria uma maneira de aliviar-se do que está retido. A confissão seria a fala que se perde, que se deixa, no entanto ao excretar o doloroso e o impuro, advém o prazer da dejeção. Abordamos o universo da confissão utilizando o conceito de circonfissão, cunhado pelo filósofo Jacques Derrida. A circonfissão seria a reunião da confissão com a circuncisão, construindo um conceito em que confissão se torna uma espécie de recostura, uma cicatriz. Essa via negativa que é cristalizada pela confissão, opera através da intimidade e conduz o relato a uma sensação de abandono que “não exclui o prazer ou o gozo, ao contrário provoca-os”1 Das confissões nascem lágrimas de Thanatos e lágrimas de Eros. Dessa forma, a confissão passa a adquirir uma narrativa estética. / The research presented here concerns the emergence of “confession” in contemporary art. In the last decades we have noted that artists are recognizing the necessity, not only to exhibit their work but exhibit their own existence in their art. In this manner life acquires an artistic connotation. The full weight of the intimacy becomes the essential theme to be considered. We have investigated contemporary artists: Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés and Karen Finley that have taken their lives as a narrative and work. The thesis is grounded on the anachronism as a possibility of historiographical analysis. We have tried to make a particular reading about artistic activities that are separated in the space and in the time in a stratigraphic way, making a kind of interpretative montage. We attempt to investigate the roots of the confession in several historical periods: in Middle Ages, in Greece, in XX century, we have researched works made by artists as: Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, the feminist art from the 60’s and 70’s, and the vienense acionism that made an approximation between art and life. Confession characterizes itself as a practice which consists of announcing a witness to deviation, and in doing so reveals itself as a diverse experience of cognitive knowledge and information. The narratives of the self are a representation of sentiments excreted, rejected, expelled from the artists inner self because they are considered to be impure and vile. Speaking would be a manner to aliviate this retention. The confession would be a lost dialogue, nevertheless when the painful and the impure are excreted succeed the joy of the dejection. We investigate the universe of confession utilizing the idea of circonfession proposed by the philosopher Jacques Derrida. The circonfession would be the amalgamation of confession with circumcision, constructing the idea that confession becomes a form of resewing, a scar. This negative route is crystallized by the confession and operates through intimacy leading the narrative to a sense of abandonment that doesn’t exclude pleasure or joy, on the contrary, provokes them. From the confessions are born: tears of Thanatos and tears of Eros. In this way the confession acquires an aesthetic narrative.

Este trabalho examina as quatro primeiras edições da Bienal do Mercosul, ocorridas entre 1997 e 2003, tendo como referência principal o depoimento de artistas que participaram da mostra. Ao mesmo tempo, essa dissertação investiga o espaço histórico, onde o modelo expositivo bienal surge e desenvolve-se; o espaço transitório, próprio da proliferação de eventos culturais; e o espaço subjetivo, onde ocorre a experiência da arte. / This piece of work examines the first four editions of the Bienal do Mercosul occurred between 1997 and 2003, taking as main reference testimonies of participant artists. In parallel, this dissertation inquires into the historical space, where the exposition model of 'bienal' emerges and develops; the transitory space, proper of the reproduction of cultural events; and the subjective space, where art experience itself occurs.

Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de uma investigação em pintura e fotografia a partir de uma definição mais ampla do que seja do campo da pintura. Contrapondo-se as definições modernistas que estabeleciam ser do campo da pintura somente seus elementos essências, ou seja, o plano, a cor e o gesto, esta investigação parte de uma definição ampliada demonstrando que se tomarmos o ilusionismo, o diálogo com outras linguagens e a narrativa como capacidades inerentes à linguagem pictórica, alcançaremos um número muito mais amplo de significações. A autorreferencialidade aqui referida trata-se da representação das três instâncias que perpassam o trabalho artístico: o espaço de produção, o espaço de representação e o espaço de apresentação da obra. Em virtude disso, a presença do dispositivo fotográfico nesse processo torna-se fundamental não apenas como recurso documental ou mera referência, mas revela-se como um agente determinante na constituição das imagens pictóricas. O cruzamento das três instâncias citadas acima somado às confluências entre pintura e fotografia funda, então, o Território Partilhado. A análise do papel dos documentos de trabalho na constituição do trabalho artístico evidenciará, também, sua presença dinâmica nesse processo. A presença do dispositivo fotográfico no processo da pintura gera a representação en abyme. A representação en abyme como recurso caracteristicamente autorreferencial tem como objetivo colocar as três instâncias em circularidade infinita. Como um recurso especular, faz a obra dobrar-se sobre si mesma, sobre suas referências e sobre seu modo de apresentação. Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de um processo de auto-análise no qual pintura e fotografia questionam-se sobre suas capacidades e comungam em uma mesma direção: a construção do olhar. Do olhar reflexivo, sempre en abyme. / Self-referentiality in a Shared Territory is an investigation into both painting and photography, considering a broader definition of the field of painting. In contraposition to modernist definitions, which established that only essential elements, such as plane, color, and gesture, belonged to the field of painting, this investigation has stemmed from a broader definition, showing that, if we regard illusionism, the dialogue with other languages, and narrative as capacities inherent to the pictorial language, we will reach a more significant number of significations. Self-referentiality here concerns the representation of the three instances that permeate the art work: the production space, the representation space, and the exhibition space. Because of that, the presence of the photographic device in this process is not only fundamental as a documental resource or reference, but is also a determining agent in the constitution of pictorial images. The crossing of the three instances mentioned, together with the confluences between painting and photography, has founded the Shared Territory. The analysis of the role of work documents in the constitution of the art work has also evidenced its dynamic presence in this process. The presence of the photographic device in the painting process generates a mise en abyme representation. Mise en abyme representation, as a resource that is characteristically referential, aims at putting the three instances in endless circularity. As a specular resource, it makes the art work fold on itself, its references, and its mode of exhibition. Self-referentiality in Shared Territory is a self-analysis process in which painting and photography question their capacities and join the same direction: the construction of the look - the reflective look, always mise en abyme.

Submitted by Edileide Reis (leyde-landy@hotmail.com) on 2013-04-09T16:55:27Z No. of bitstreams: 8 Lanussi 8.pdf: 1424557 bytes, checksum: e638de31d4dc09d7f84e2432e38ab92d (MD5) Lanussi 7.pdf: 1294097 bytes, checksum: 6336bd9a74f03b576e0c411f3309582f (MD5) Lanussi 6.pdf: 1993365 bytes, checksum: 1143b378cdd0ca39c3201dee951687a6 (MD5) Lanussi 5.pdf: 1895239 bytes, checksum: ee3ef964595311138fa91f57ff069ace (MD5) Lanussi 4.pdf: 3558025 bytes, checksum: 3e28b2ad169e0539bc2b4e40b95965f0 (MD5) Lanussi 3.pdf: 4099178 bytes, checksum: 14df184d8624bd94364f962ebc9a7c20 (MD5) Lanussi 2.pdf: 2452604 bytes, checksum: 7bd29b4a373526c5919c3536a93e6171 (MD5) Lanussi 1.pdf: 7298671 bytes, checksum: 48e9e46e1cb4b7a1e47d5669e1adda35 (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:01:26Z (GMT) No. of bitstreams: 8 Lanussi 8.pdf: 1424557 bytes, checksum: e638de31d4dc09d7f84e2432e38ab92d (MD5) Lanussi 7.pdf: 1294097 bytes, checksum: 6336bd9a74f03b576e0c411f3309582f (MD5) Lanussi 6.pdf: 1993365 bytes, checksum: 1143b378cdd0ca39c3201dee951687a6 (MD5) Lanussi 5.pdf: 1895239 bytes, checksum: ee3ef964595311138fa91f57ff069ace (MD5) Lanussi 4.pdf: 3558025 bytes, checksum: 3e28b2ad169e0539bc2b4e40b95965f0 (MD5) Lanussi 3.pdf: 4099178 bytes, checksum: 14df184d8624bd94364f962ebc9a7c20 (MD5) Lanussi 2.pdf: 2452604 bytes, checksum: 7bd29b4a373526c5919c3536a93e6171 (MD5) Lanussi 1.pdf: 7298671 bytes, checksum: 48e9e46e1cb4b7a1e47d5669e1adda35 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-18T12:01:27Z (GMT). No. of bitstreams: 8 Lanussi 8.pdf: 1424557 bytes, checksum: e638de31d4dc09d7f84e2432e38ab92d (MD5) Lanussi 7.pdf: 1294097 bytes, checksum: 6336bd9a74f03b576e0c411f3309582f (MD5) Lanussi 6.pdf: 1993365 bytes, checksum: 1143b378cdd0ca39c3201dee951687a6 (MD5) Lanussi 5.pdf: 1895239 bytes, checksum: ee3ef964595311138fa91f57ff069ace (MD5) Lanussi 4.pdf: 3558025 bytes, checksum: 3e28b2ad169e0539bc2b4e40b95965f0 (MD5) Lanussi 3.pdf: 4099178 bytes, checksum: 14df184d8624bd94364f962ebc9a7c20 (MD5) Lanussi 2.pdf: 2452604 bytes, checksum: 7bd29b4a373526c5919c3536a93e6171 (MD5) Lanussi 1.pdf: 7298671 bytes, checksum: 48e9e46e1cb4b7a1e47d5669e1adda35 (MD5) Previous issue date: 2005 / As artes visuais contemporâneas caracterizam-se, dentre outros aspectos, pela necessidade do artista em estabelecer relações e cruzamentos entre o processo criativo e a reflexão teórica. De acordo com essa perspectiva, este trabalho objetiva desenvolver uma investigação prático-teórica a partir da construção de esculturas e instalações que têm como base o diálogo com práticas presentes na produção artística contemporânea, através da experimentação de materiais considerados “não-artísticos”, de procedimentos técnicos oriundos de áreas distintas e da exploração do espaço expositivo como elemento integrante da instalação da obra. A presente investigação está baseada nas seguintes questões: como produzir objetos artísticos que estabeleçam com o público uma experiência não mediada por conceitos a priori? Como transformar materiais comuns à indústria do vestuário e de outros campos em obras artísticas? Como propor a escultura como um acontecimento, como uma presença que se atualiza no encontro com o espectador? A partir destes questionamentos, o texto desenvolvido não pretende ser um definidor de verdades, mas a reflexão de um modo particular de ver, fazer e pensar uma produção particular de arte: as minhas esculturas e instalações. / Salvador

Lstructure de la dissertation est bâtie par les notions décriture, corps et plasticité qui constituent lobjet détude et réflexion: livre dartiste. Les chapitres comprennent des exercices que spéculent en transversaux des propres uvres de l'auteur et dautres artistes qui diffusent leur production auxquelles concepts et aux lignes de force qui représente le travail avec le livre dans ses divers natures dans lart contemporaine. Le livre met en langage une théorie dartist / A estrutura da dissertação é erguida pelas noções de escrita, corpo e plasticidade que constituem o objeto de estudo e reflexão: livro-de-artista. Os capítulos compreendem exercícios que especulam em transversais obras próprias e de outros artistas que veiculam a sua produção àqueles conceitos e às linhas de força que configuram o trabalho com o livro em suas diversas naturezas na arte contemporânea. O livro coloca em linguagem uma teoria de artista

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_6628_dissertação final CD.pdf: 3413424 bytes, checksum: 98d26aab891d4098e3c3410f0a69b361 (MD5) Previous issue date: 2013-06-27 / Resumo Este trabalho apresenta uma investigação sobre os modos como a emergência da organização em rede vem impactando as relações espaçotemporais nas práticas artísticas contemporâneas, com especial atenção para a arte que se associa às novas tecnologias digitais. Desse modo, será traçada uma trajetória na história da arte, tendo em vista as novas concepções de espaço e de tempo que emergiram do quadro de mudanças profundas por que passou o mundo desde o final do século XIX, promovendo significativas alterações nos cânones da arte que se realizou durante o século XX e nesses primeiros anos do século XXI, culminando com a absorção do conceito espaçotemporal da rede. O enfoque se dará na exploração crítica do aparato tecnológico impetrada pelos artistas, nesse cenário desenhado por um novo paradigma tecnológico o Informacionalismo no âmbito de um novo modo de produção o Capitalismo pós-industrial , e sob a ótica dos jogos de forças que se instauraram e se sobrepuseram desde a assunção da tecnologia de poder disciplinar, intimamente ligada ao nascimento do biopoder, passando pela irrupção gradativa das tecnologias de controle, assim como pelas dinâmicas próprias da produção biopolítica. Levando-se em conta a condição imanente da rede, que mantém em movimento um campo de forças sempre tensionado entre poder e resistência, será lançado um olhar sobre as experimentações artísticas que buscam operar no desvio do uso padrão da tecnologia, de forma a subverter seus parâmetros de funcionamento originais e, dessa forma, revelar os discursos de poder que se encontram entranhados em seus mecanismos. Enfim, este trabalho se propõe a desviar o olhar para a dimensão estética e revolucionária da rede como espaço narrativo aberto que sugere enredos sempre mutantes e sob a qual se definem certos processos artísticos, propondo o entendimento da própria rede como arte. PALAVRAS-CHAVE: Rede. Espaço. Biopoder. Arte Tecnológica.