Historically, Surrealism is defined as a literary and artistic movement which developed from Dadaism in the early twentieth century. Many artistic and literary historians assess that the lifespan of Surrealism did not persist beyond the 1960’s – that in fact, after notable surrealist such as René Magritte, Man Ray, Max Ernst and Salvador Dali challenged the limited cultural assumption of rationalism, the pursuit to explore and visualize the subconscious faded from artistic ambition. However, the purpose of this paper is to propose an alternative notion that suggests that digital interactive mediums – such as contemporary games and virtual technologies – have revitalized Surrealism, enabling game developers to build upon the initial philosophies made popular by the avant-garde movement. / Includes bibliography. / Thesis (M.F.A.)--Florida Atlantic University, 2017. / FAU Electronic Theses and Dissertations Collection

Privilegiando os textos produzidos por Ad Reinhardt como fonte primária, o trabalho procurou apontar o desenvolvimento de seu pensamento e o lugar de seus escritos em relação aos debates da crítica de arte que nortearam a produção das vanguardas norteamericanas até a década de sessenta do século XX e analisou a influência de seus escritos em autores que escreveram nesta mesma década. Primeiramente, o trabalho investigou as apropriações que as idéias vinculadas às vanguardas artísticas européias sofreram em confronto com as necessidades peculiares ao ambiente cultural norte-americano dos anos trinta. Num segundo momento, analisou-se como este debate é atualizado a ponto de servir de base para a criação e produção de uma vanguarda artística norte-americana, que, por sua vez, é oficializada e institucionalizada nos anos do pós-guerra. Anos estes que, não por acaso, marcam a tentativa de imposição mundial, no pleno andamento da guerra fria, do american way of life através da consolidação da cultura de classe média. Nesse contexto, tendo em vista o posicionamento de Ad Reinhardt, o questionamento se encaminha em direção aos limites e possibilidades do viés crítico implícito em seus escritos em relação às sociedades articuladas em torno do consumo de mercadorias, tal como ficou configurado na experiência norte-americana do pós-guerra. Nesse sentido, a investigação se conduziu para a verificação das circunstâncias nas quais os textos de Reinhardt são lidos, especialmente por seus colegas, a partir de meados dos anos sessenta. Em suma, este itinerário, ao final de seu percurso, procurou demonstrar a importância, em meio ao debate do modernismo norte americano, do conceito central de Ad Reinahdrt: Art-as-Art e das idéias a ele relacionadas. / Considering the texts produced by Ad Reinhardt as a primary source, the study aimed to show the development of his thinking and the place of his writings in the domain of the discussions of art criticism that guided the production of North American avant-garde to the sixties of the twentieth century and examined the influence of his writings on authors who wrote in this same decade. Firstly, the work investigated the appropriations that the ideas linked to European artistic avant-garde suffered by comparison with the needs peculiar to the American cultural environment of the thirties. In a second moment, it analyzed how this debate is updated to serve as a basis for the creation and production of an artistic avant-garde of U.S., which, in turn, is made official and institutionalized in the post-war years. Years that, not by chance, marks the attempt to impose worldwide, in full progress of the cold war, the \"American way of life\" by consolidating the culture of middle class. In this context, considering the position of Ad Reinhardt, the question is shifted toward the limits and possibilities of the critic position implicit in his writings in contrast with the society articulated around the consumption of goods, as was set up in the post-war North American experience. In this sense, research is guided to verify the circumstances in which the Reinhardts texts are read, especially by his colleagues from the mid-sixties. In short, this route, at the end of its journey, sought to demonstrate the importance, in the midst of the debate on North American modernism, of the central concept of Ad Reinhardt: Art-as-Art, and the ideas related to it

A Poética Multifacetada de Jerome Rothenberg investiga o modo operacional da poética de Jerome Rothenberg (1931). Nascido em Nova York, em 1931, Rothenberg fez parte de uma geração intermediária entre movimentos poéticos bastante conhecidos de público e crítica: a poesia beatnik dos anos 1950 e 1960 e a language poetry do início da década de 1970. Junto com o poeta Robert Kelly, Rothenberg concebe a deep image nos anos 1960, movimento de curta duração, mas essencial para seu desenvolvimento poético. Rothenberg é conhecido principalmente por ter criado o termo etnopoesia e por seus experimentos com o que chamou tradução total, ao traduzir a poesia indígena norteamericana. A tradução total foi um método inovador de considerar a musicalidade, a presença de distorções de palavras ou palavras sem sentido, e outros mecanismos poéticos das artes verbais indígenas como parte integrante da composição. Dessa forma, o resultado da tradução deveria necessariamente contemplar todos esses aspectos. A partir de seu dito o primitivo é complexo Rothenberg passa a considerar aspectos poéticos da produção oriunda de culturas orais, ditas primitivas, como a base de seu conceito de etnopoesia. Sua busca pelo primitivo também o conecta diretamente com outros autores lidos como experimentais na poesia, de William Blake e Walt Whitman a Allen Ginsberg, passando por uma tríade modernista: Ezra Pound, William Carlos Williams e Gertrude Stein. A hipótese desta tese é demonstrar que o impulso etnopoético, aparentemente restrito ao seu trabalho como antologista e suas traduções, na realidade é mais abrangente e inclui sua própria produção poética. A etnopoesia se torna o conceito pelo qual podemos ler o seu retorno à sua ancestralidade judaica e seus poemas que tratam de temas como a vida dos judeus na Polônia dos anos 1930, a tradição mística da cabala e o Holocausto. A tese aborda também questões como inserção no meio poético, autoria, influência e originalidade / The Multifaceted Poetry of Jerome Rothenberg deals with the methods applied by Jerome Rothenbergs poetics. Born in New York, in 1931, Rothenberg was part of a generation in between well known poetic movements: the beatnik poetry from the 1950s e 1960s and the language poetry of the 1970s. With fellow poet Robert Kelly, Rothenberg starts the deep image in the 1960, a short-lived movement, yet an essential one for his poetic development. Rothenberg is better known for having coined the term etnopoetry and for his experimentations with what he called total translation, while working with North-American Indian poetry. Total translation was an innovative method in considering musicality, the presence of word distortions or meaningless words and other poetic mechanisms of Indian poetry as an integral part of a poem or song, so that the resultant translation would necessarily contemplate all these aspects. From the perspective of his saying primitive is complex, Rothenberg starts considering the characteristics of poetry from oral culture, or those called primitive, as the basis for his concept of an etnopoetics. His search for the primitive also connects him with authors read as experimental in poetry, from William Blake and Walt Whitman to Allen Ginsberg, passing through the modernist triad Ezra Pound, William Carlos Williams and Gertrude Stein. The hypothesis of this thesis is to show how the etnopoetic impulse, apparently restricted to his work as anthologist and translator, is, in reality, much more broad in its spectrum and includes his own poetic production. Etnopoetry then becomes the concept we can use to read his return to his Jewish ancestrality and the poems dealing with topics such as the life of Jews in Poland in the 1930s, the mystical kabbalah and the Holocaust. This thesis also shows his insertion in the poetic scene, and debates questions like authorship, influence, and originality

A pesquisa tem como objetivo analisar e relacionar as escritas de si do poeta e escritor russo Daniil Kharms (1905-1942): seus apontamentos em cadernetas, sua prosa quasebiográfica, como a novela A velha (1939), suas cartas e seus autorretratos, sobretudo na década de 1930, momento em que essas artes de si mesmo passam a interagir de forma mais pronunciada, quando o criador e sua obra se misturam de maneira muito peculiar. Como o estudo das cadernetas do escritor define ponto medular da pesquisa e este material ainda não foi publicado no Brasil, também será apresentada a tradução de parte de seus cadernos de anotações e do pequeno diário, que abarcam os anos de 1924 a 1940. Além disso, pelo próprio recorte do trabalho, foi delineada uma biografia cuidadosa do autor, um dos fundadores da Oberiu, o último grande grupo do vanguardismo russo, assim como foram definidos alguns diálogos (Krutchónykh, Khlébnikov, Bergson, Malévitch e tchinari) que marcaram o desenvolvimento artístico e filosófico de Daniil Kharms, um dos mais peculiares e talentosos artistas russos de vanguarda, hoje assemelhado a escritores como Franz Kafka, Eugène Ionesco e Samuel Beckett. / The objetive of this thesis is to analyse the self-writing of the Russian poet and writer Daniil Kharms (1905-1942): his notes in notepads, his almost-biographical prose, such as the novel Old Woman (1939), his letters and self-portraits, especially in the 1930s, a time when these arts about oneself start to interact in a more emphatic way, when the writer and his work mix up in a very particular way. As the study on his notepads defines the central element of this research and this material has not been previously published in Brazil, it will be also presented a translation of a part of his notepads and little diary, from 1924 to 1940. Furthermore, by the perspective taken in this study, a detailed biography of the author was conducted. Kharms was one of the founders of Oberiu, the last avant-garde Russian group. Hence, the study also debates the importance of the art and philosophy of Krutchónykh, Khlébnikov, Bergson, Malévitch e tchinari to the work of Kharms, who became one of the most singular and talented contemporary Russian authors, compared to Franz Kafka, Eugène Ionesco e Samuel Beckett.

Este trabalho pretende expor as maneiras pelas quais a ficção de Aníbal Machado dialoga com o cinema, procurando definir a ampla visão de sua poética a partir desse viés. A condição do autor de fã e conhecedor da chamada sétima arte faz com que ela se faça presente também em sua obra literária. Um dos aspectos nela observados é a tentativa de reproduzir técnicas e procedimentos da linguagem cinematográfica, o que tem origem em práticas das vanguardas europeias e do modernismo brasileiro. Tal tentativa se faz já em João Ternura, livro que começou a ser escrito por volta de 1926 e concluído às vésperas da morte do autor, em 1964, e é claramente marcado como um projeto modernista. A aproximação da linguagem fílmica nesse livro, entretanto, limita-se quase exclusivamente à montagem de segmentos narrativos descontínuos. Por outro lado, os recursos que buscam similaridade com a narrativa fílmica encontram-se disseminados nos contos do autor, sendo A morte da porta-estandarte o mais cinematográfico deles, já que mobiliza a maior parte desses recursos, como a focalização de um assunto de diversos ângulos e a montagem, realizando uma feliz conjunção entre imagem, movimento e som. Num segundo andamento a tese examina uma particularidade cinematográfica, a presença de Carlitos, de Charles Chaplin, na obra de Aníbal Machado, bem como do cinema burlesco de maneira geral. Assim é enfatizado que na ficção do autor existe uma galeria de personagens que se distingue pela inocência, pelo sonho ou pelo irracional, o que resulta de uma visão do universo de Carlitos influenciada pelas vanguardas europeias, principalmente pelo surrealismo, ao qual Aníbal Machado chegou a declarar publicamente a adesão. As referências aos filmes chaplinianos estão também no ponto de vista irônico do narrador, bem como na coexistência do cômico e do dramático. Na ficção do autor, a gestualidade está relacionada à inocência e ternura de personagens que, por esse motivo, são massacrados pelas rígidas regras e convenções sociais. Daí seu irracionalismo representado pelo burlesco - como recusa a se submeter a essas regras. A pesquisa se detém ainda em outras atividades de Aníbal Machado relacionadas ao cinema. Nesse particular, o foco se volta para o início dos anos 1950, quando o escritor foi convidado pela Companhia Vera Cruz a colaborar com roteiros de outros autores e a escrever adaptações para alguns contos de sua autoria. Assim, elaborou sinopses e roteiros para A morte da porta-estandarte, O telegrama de Ataxerxes e O piano, mas nenhum deles chegou a ser filmado. Nesse andamento, pretende-se caracterizar o contexto em que a produção ficcional se inscreve, situando-a também na história do cinema brasileiro. Tomando as adaptações de autoria de Aníbal, procura-se avaliar o motivo do interesse do mercado cinematográfico da época em adaptar seus contos. Com isso em vista, pretende-se fazer uma análise comparativa entre A morte da porta-estandarte e sua correspondente sinopse em duas versões, e de O telegrama de Ataxerxes e o roteiro nele baseado, procurando explicitar as soluções adotadas pelo autor para transpor suas histórias para uma linguagem cinematográfica, criando novos elementos para dar conta das diferentes artes e linguagens que se impõem nessas adaptações. / This work intends to discuss problems related to Anibal Machados literary works and the dialogues he established with the filmic art and in this way trying to define the large view of his poetics. The authors interest as fan and expert of the so called Seventh Art was fundamental to the assimilation he processed in his fictional works. So one of the aspects observed in this analyses includes the authors attempt to reproduce techniques and proceedings of the cinematographic language with keeping its roots in practices of the European Avant-garde and in the Brazilian Modernism. This mentioned attempt is firstly present in João Ternura, a book he started writing by 1926 and only finished in 1964 soon before his death, and in which he exposes the linking with the Brazilian modernist project. In this case the approach he established between his literary writing and the filmic proceedings was limited to the act of assembling discontinuous narrative sequences. But different approaches to the filmic narrative were explored in his short-stories being A morte da porta-estandarte the most relevant example of the various ways he tried to absorb the cinematographic language. So from different angles of viewing and discontinuous acts of assembling Aníbal Machado tried to explore the field of the images, movements and sonorities. As a second part this work examines a specific element, focusing the famous character created by Charles Chaplin, Charlie, but also trying to capture the general burlesque aspect of the cinema in the work of Aníbal Machado. So it is showed that in the authors fiction there is a gallery of characters distinguished by its innocence, by the dream and by irrational aspects that lead to Charlies universe and is also influenced by the European Avant-garde, mainly the Surrealism, that Aníbal Machado once declared its adoption. The references to Chaplins filmography will be also stressed by means of the ironical approach of the narrator as well as the comic and the dramatic aspects. In the authors fiction it is marked the presence of the corporal movement related to innocence and tenderness of some characters that due to this kind of acting are slaughtered by the rigidness of social rules and conventions. And so it results in irrationalism represented by the burlesque as a refusal to be submitted to the social rules. The research is still enlarged by other activities of Aníbal Machado related to the Seventh Art. In this case the focus was directed to the beginning of the 50s when the A. Machado was invited by the cinematographic Companhia Vera Cruz to help in the writing of scripts and also asked to adapt some of his own short-stories. Among them are A morte da porta-estandarte, O telegrama de Ataxerxes and O piano, though none of them was filmed. In this part the intention is to expose the context in which the Aníbals work of fiction is included trying to situate it in the history of the Brazilian cinema. Finally, we try to appreciate and discuss reasons way at that time the filmic industry was interested in adapting Aníbals short-stories. So it was developed a comparative approach between A morte da porta-estandarte and two versions of its respective summary. The same was developed between O telegrama de Ataxerxes and a script based on this short-story. In both cases it is tried to show ways the author used to translate his fictional stories to a filmic language thus creating new elements to adapt different arts and languages.

Esta dissertação procurou lançar diferentes interpretações sobre a forma como a cidade foi re-presentada nas revistas Klaxon (1922), Martín Fierro (1924), Revista de Antropofagia (1928) e Sur (1931), publicadas em São Paulo e em Buenos Aires por grupos considerados parte das vanguardas literárias na América Latina. Partindo-se das leituras decorrentes da Escola da De-pendência, perpassando os Estudos Culturais Urbanos e chegando às teorias Pós-Coloniais (sempre dentro da relação entre a crítica literária e a história urbana), buscou-se questionar a ideia de modernidade à qual se habituou associar a conformação das cidades latino-americanas no início do século XX. Com isso, pretende-se demonstrar como a multiplicidade de olhares existente nas diferentes abordagens historiográficas adotadas, mais do que se contraporem ou se substituírem, se complementam, gerando uma riqueza de análise que permite uma constante reinterpretação dos episódios históricos; análise que, feita sobre o conteúdo da fonte primária, pode ser projetada no presente contribuindo para uma melhor compreensão da nossa condição atual. Assim, se em um primeiro momento a leitura das representações urbanas pode apresentar cidades aparentemente homogeneízadas, aos poucos elas são destituídas das interpretações esta-belecidas pela história moderna, apontando para matizes culturais próprios; paralelamente, a identificação das suas semelhanças deixam de corresponder a um ideal de modernidade univer-sal para sugerir a existência de uma estrutura narrativa construída para ocultar as ferramentas de dominação cultural próprias da sociedade moderna burguesa herdeira do sistema colonialista. / This work intends to do different interpretations of how the city was represented in magazines Klaxon (1922), Martín Fierro (1924), Revista de Antropofagia (1928) e Sur (1931), published in São Paulo and Buenos Aires by groups considered part of the Avant-garde Literature in Latin America. Starting from the Dependence School readings, passing through the Urban Cultural Studies and reaching the Post-colonial theories (always within the relationship between literary criticism and urban history), we sought to question the idea of modernity, often associated with the formation of Latin American cities in the early twentieth century. As a result, it was possible to demonstrate how the multiplicity of perspectives in the different historiographical approach-es, rather than contradict or replace, they complement each other, generating a wealth of analy-sis that allows a constant reinterpretation of historical events. This analysis, done on the content of selected texts, can be projected into the present contributing to a better understanding of our present condition. So, if the first impression upon the urban representations is that they may have apparently homogenized cities, they are gradually devoid of all the established interpreta-tions by modern history, pointing to cultural nuances. At the same time, the similarities between them suggest the existence of a narrative structure built to hide the tools of cultural domination belonging to the modern bourgeois society, heiress of the colonial system.

This dissertation is a comparative study of the Russian and Czech avant-gardes and their responses to the crises of representation and artistic language in the first decades of the 20th century. In particular, it examines the theoretical and creative output of two artists who worked at the intersection of the word and image: the poet Vladimir Mayakovsky and the visual artist Karel Teige. Both artists were central figures in the founding and theoretical articulation of Russian Futurism and Czech Poetism, respectively. The chapters trace these artists’ artistic evolutions, from their earliest conceptions of a crisis in art to the development of solutions for overcoming this crisis. The theoretical and creative output of these figures is examined both within the artists’ individual oeuvres, as well as in light of their respective artistic movements and the broader tendencies of the international avant-garde. Chapter 1 traces Mayakovsky’s response to the crisis from his initial impulse toward abstraction, characteristic of the Russian Cubo-Futurist movement in the verbal and visual arts more broadly, to the introduction of a political agenda into his art. On the basis of Mayakovsky’s participation in collective Futurist publications, his individually authored theoretical essays, and narrative poems, this chapter argues that the poet’s solution to the crisis of language coalesced around the possibility of realizing democratic representation in art. The chapter shows that in poems written between 1914 and 1921, Mayakovsky was concerned with the question of how to accommodate others’ voices in lyric poetry, how to allow them to speak in and through his works. His vision of a more democratic form of representation necessitated the poet’s metaphorical self-sacrifice, which he repeatedly performed in his poems on the level of plot. This sacrifice enabled him to realize his vision of democratic representation in the idea of collective authorship performed in his narrative poem 150,000,000. Chapter 2 highlights Karel Teige’s response to the crisis of artistic language and representation in his theoretical essays and artworks. By contrast to Mayakovsky’s politicized response, Teige prioritized formal innovation. More specifically, this chapter argues that Teige viewed the fusion of the word and image in a multimedia art form as a solution to the parallel crises that afflicted the visual and the verbal arts. This desired fusion remained a constant of Teige’s artistic solutions throughout the 1920s. His first attempts to overcome the crisis are contained in the Poetist conception of “image poetry,” which incorporated words, painted images, photographs, and other materials. The photograph, understood as a direct imprint of reality, introduced the element of the real into image poetry and thereby transfigured the word and image. After image poetry, Teige went on to replay his formal solution to the crisis of representation in another fused form—the typophoto, which was integrated into the experimental multimedia book ABCs (1926). The introduction and conclusion frame these case studies in terms of the broader trends that inform the artistic experiments of these figures. More specifically, the introductory chapter grapples with questions of how the crisis of language and representation at the turn of the 20th century can be conceptualized. Arguing that the artistic experimentation of the 1910s and the 1920s represents a continuity of what Foucault calls the modern episteme, the introduction at the same time seeks to address the fissures and breaks represented by abstraction in art and the proto-structuralist understanding of the sign in linguistics. The conclusion addresses the role of figurative language in the articulation of the crisis and maintains that while the language of crisis was productive for artistic experiment, it confined the avant-garde to perpetual renewal of forms and artistic language.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:32:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 William Golino.pdf: 22459041 bytes, checksum: 405b5d6c2e2313724a978a19439ac51a (MD5) Previous issue date: 2010-06-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The portrait, like any image, is one form of specific ideology of the image field, irreducible, different from the ideologies of other fields, such as politics, literary, etc. Therefore, it is an image ideology, it means, a relatively coherent visual set of beliefs, values and representations, produced by the representative of the social class that commissions and uses it, inseparable from economy, politics and morals. By means of its forms, the portrait presents and represents the global interests and needs of the class, as well as, the particular interests and needs of the class sectors involved in its production, propagation and storage. The main way to explain it is through the analysis of composition, stylistic techniques, materials, dimensions and other original data, historically fixed. Hypothesis: The portrait is constituent to the social relations. Justification: To explain its historical insertion. Theoretical and methodological aspects: Analysis of the integration between artistic and non-artistic forms and contents. Objective: To demonstrate the ideological character of the portrait. Obtained results: The portrait forms determine their aesthetic and plastic meanings, integrated with other ambits of life, for instance, the modern portrait has modern forms while the classic and academic portrait has classic and academic forms / O retrato, como qualquer imagem, é uma forma de ideologia específica do campo imagético, irredutível, diferente das ideologias de outros campos, tais como o político, literário, etc., portanto, é uma ideologia imagética, ou seja, um conjunto visual, relativamente coerente, de crenças, valores e representações, produzido pelo representante da classe social que o encomenda e utiliza, indissociável de economia, política e moral. Por meio de suas formas, o retrato apresenta e representa os interesses e necessidades globais de classe e particulares dos setores de classes envolvidos em sua produção, veiculação e guarda. O principal meio para explicá-lo é a análise de composição, técnicas estilísticas, materiais, dimensões e outros dados originais, historicamente fixados. Hipótese: O retrato é constituinte às relações sociais. Justificativa: Explicar sua inserção histórica. Aspectos teórico-metodológicos: Análise da integração entre formas e conteúdos artísticos e não artísticos. Objetivo: Evidenciar o caráter ideológico do retrato. Resultados obtidos: As formas do retrato determinam seus significados estéticos e plásticos, integrados aos outros âmbitos da vida, por exemplo, o retrato moderno tem formas modernas, enquanto o retrato clássico e acadêmico tem formas clássicas e acadêmicas

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:45:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sonia Duarte dos Santos.pdf: 1256700 bytes, checksum: 44d5133fbabf2c1aa412ab0033fb0748 (MD5) Previous issue date: 2012-02-28 / Instituto Presbiteriano Mackenzie / Tarsila do Amaral a été, à un âge précoce, éduquée dans un environnement dans lequel la culture française faisait partie des habitudes et des coutumes de la famille, même en vivant dans une ferme de café dans l'État de São Paulo. En tant qu'adulte, elle a renforcé son éducation intellectuelle et artistique dans les terres françaises, précisément à la capitale, Paris, au point haut de l'avant-garde, ayant en tant que mentors, en particulier, les artistes cubistes. Cette recherche vise à observer le dialogue culturel entre le Brésil et la France à travers mouvements artistiques et littéraires qui a eu lieu dans ces deux pays dans les années 20: avant-garde européenne et brésilienne, ou mieux, examiner le dialogue organisé par Tarsila do Amaral entre contexte français et brésilien, dans sa carrière en tant que chroniqueur, ainsi que les relations qui sont établies entre le soi et l'autre dans les processus discursifs mis en place historiquement par des sujets différents. À cette fin, pour composer le corpus ont été choisies onze chroniques que Tarsila do Amaral a publiées dans le journalDiário de S.Paulo, entre les années 1936 à 1956, et rééditées dans l'anthologie organisée par Laura Taddei Brandini en 2008. / Tarsila do Amaral foi, desde tenra idade, educada em um ambiente no qual a cultura francesa fazia parte dos hábitos e costumes da família, mesmo residindo numa fazenda cafeeira no interior do Estado de São Paulo. Quando adulta, aprimorou a sua formação intelectual e artística em terras francesas, precisamente na capital, Paris, no auge das vanguardas e tendo como principais mentores os artistas cubistas. Esta pesquisa tem o objetivo de verificar o diálogo cultural entre Brasil e França por meio dos movimentos artístico-literários, ocorridos nos dois países, na década de 20: vanguarda europeia e modernismo brasileiro; ou melhor, analisar o diálogo intermediado por Tarsila do Amaral entre o contexto francês e o brasileiro, em sua trajetória como cronista, bem como as relações que se instauram entre o eu e o outro nos processos discursivos instituídos historicamente pelos diferentes sujeitos. Para tanto, foram selecionadas para o corpus desse trabalho 11 crônicas de Tarsila do Amaral publicadas no jornal Diário de S. Paulo entre os anos de 1936 e 1956, e republicadas na antologia organizada por Laura Taddei Brandini, em 2008.

Esta dissertação procurou lançar diferentes interpretações sobre a forma como a cidade foi re-presentada nas revistas Klaxon (1922), Martín Fierro (1924), Revista de Antropofagia (1928) e Sur (1931), publicadas em São Paulo e em Buenos Aires por grupos considerados parte das vanguardas literárias na América Latina. Partindo-se das leituras decorrentes da Escola da De-pendência, perpassando os Estudos Culturais Urbanos e chegando às teorias Pós-Coloniais (sempre dentro da relação entre a crítica literária e a história urbana), buscou-se questionar a ideia de modernidade à qual se habituou associar a conformação das cidades latino-americanas no início do século XX. Com isso, pretende-se demonstrar como a multiplicidade de olhares existente nas diferentes abordagens historiográficas adotadas, mais do que se contraporem ou se substituírem, se complementam, gerando uma riqueza de análise que permite uma constante reinterpretação dos episódios históricos; análise que, feita sobre o conteúdo da fonte primária, pode ser projetada no presente contribuindo para uma melhor compreensão da nossa condição atual. Assim, se em um primeiro momento a leitura das representações urbanas pode apresentar cidades aparentemente homogeneízadas, aos poucos elas são destituídas das interpretações esta-belecidas pela história moderna, apontando para matizes culturais próprios; paralelamente, a identificação das suas semelhanças deixam de corresponder a um ideal de modernidade univer-sal para sugerir a existência de uma estrutura narrativa construída para ocultar as ferramentas de dominação cultural próprias da sociedade moderna burguesa herdeira do sistema colonialista. / This work intends to do different interpretations of how the city was represented in magazines Klaxon (1922), Martín Fierro (1924), Revista de Antropofagia (1928) e Sur (1931), published in São Paulo and Buenos Aires by groups considered part of the Avant-garde Literature in Latin America. Starting from the Dependence School readings, passing through the Urban Cultural Studies and reaching the Post-colonial theories (always within the relationship between literary criticism and urban history), we sought to question the idea of modernity, often associated with the formation of Latin American cities in the early twentieth century. As a result, it was possible to demonstrate how the multiplicity of perspectives in the different historiographical approach-es, rather than contradict or replace, they complement each other, generating a wealth of analy-sis that allows a constant reinterpretation of historical events. This analysis, done on the content of selected texts, can be projected into the present contributing to a better understanding of our present condition. So, if the first impression upon the urban representations is that they may have apparently homogenized cities, they are gradually devoid of all the established interpreta-tions by modern history, pointing to cultural nuances. At the same time, the similarities between them suggest the existence of a narrative structure built to hide the tools of cultural domination belonging to the modern bourgeois society, heiress of the colonial system.